PURSUIT?

…hä? Wer ist das denn? Antwort: eine neu gegründete Band aus Leipzig! Die Mitglieder – bisher musikalisch eher im Hardcore unterwegs – hatten offenbar Bock auf was Neues, etwas leichter Verdauliches, Fetziges. Zudem liegt „retro“ ja irgendwie auch immer im Trend – sei es in der Mode oder in der Musik.

Immer mehr Leute scheinen zu realisieren, dass die Blütezeit (unter anderem) des Rock wohl unbestritten die 80er bzw. End-70er bis Anfang-90er sein dürften. Szenegrößen wie MÖTLEY CRÜE, ALICE COOPER, IRON MAIDEN, SAXON, DANZIG, BLACK SABBATH… deren Songs, deren Stil scheint ein magischer zeitloser Charakter inne zu wohnen. Genau diesen musikalischen Zeitgeist, dieses Flair, fangen PURSUIT auf, fassen es zusammen, beleben es wieder – und zwar nicht mit unsäglichen Remixes von Titeln anderer Künstler, sondern mit eigenen, neuen Songs, die aber trotzdem das Feeling von damals vermitteln!

Ab auf die Reise und los geht die Verfolgungsjagd!

Also zieht euch am besten eine Jeans- oder Lederjacke an, Schlaghosen und Boots, steigt in ein Cabrio mit eurer Langhaarfrisur mit Pony, Oberlippenbart und Pilotenbrille und lasst „Loose Lips“ am besten in Dauerschleife durchlaufen.

 Bereits am 15. September diesen Jahres legten PURSUIT  mit der Veröffentlichung von „hate your darlings“ inklusive Visualizer auf YouTube einen überzeugenden Start hin:

Düster-zwielichtig: „In the veil of the night we are safe“

Nicht lange danach darauf folgte am 20.10. bereits der eingängige Album-Titeltrack „Loose Lips“ inklusive Musikvideo.

Hieran erkennt jeder schnell, dass die fünf Jungs alles andere als Anfänger sind, was sowohl die Beherrschung ihrer Instrumente als auch Musikvideos betrifft. Nichtsdestotrotz unterstreicht auch das in der Handlung simple, klassisch aufgebaute, authentische Musikvideo zusätzlich den Sound und beamt einen direkt in die Musikwelt der 80er zurück – nur eben mit coolem Video in guter Qualität: ein win-win!

Typen in Schlaghosen mit langen Haaren und Oberlippenbärten

…die ihre Instrumente neben Verstärkertürmen in einer verlassenen düsteren Lagerhalle spielen, durchdrungen von Aufnahmen aus spärlich beleuchteten, zwielichtigen Gassen, in denen sich eine junge Frau herumtreibt, die von der Dunkelheit der Nacht verängstigt, verfolgt und verführt wird. Aah – das ist also diese „Pursuit“!

Ein Blick auf die übrigen Songtitel lässt erahnen, dass die Thematik ähnlich gelagert bleibt: Egal, ob leicht anrüchig/sexy: „lovers have their price“, „your last kiss“, „hate your darlings“ oder düster-zweideutig mit „coins on your eyes“, „roadreaper“, „beast with two backs“, „porcelain“ – die Songliste liest sich also in sich stimmig und passt in das Image, das Musik und Band vermitteln.

Wie klingt’s denn nun?

Tja, und wie klingen die Jungs nun? Wer sich nicht schon nach den eingangs erwähnten Szenegrößen etwas vorstellen kann oder unter „Sound der 80s“, dem sei die Musik PURSUITs kurz beschrieben mit: treibende Rhythmen, vielseitiges Riffing mit jeder Menge „Soli der alten Schule“ und mitreißender, inbrünstiger Gesang, der mich manchmal (wenn tief) an Danzig und manchmal (wenn sehr hoch) an Iron Maiden erinnert. Dazwischen – ganz vereinzelt und gezielt – ein paar Synthie Keyboards, die sich passend zum Zeitgeist dazugesellen und stimmige Passagen elegant ein bisschen schöner machen.

Tracklist:

01 – Lovers Have Their Price
02 – Loose Lips
03 – Coins On Your Eyes
04 – Your Last Kiss
05 – Roadreaper
06 – Porcelain
07 – Hate Your Darlings
08 – Beast With Two Backs

Den heißen Scheiß von PURSUIT findet ihr ab sofort bei bandcamp!

Der Beitrag Pursuit – Spirit of the eightees erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Kann man noch träumen?

Kann man? Und wozu das alles? Immer wieder scheint es ein klein wenig bergauf zu gehen, nur damit anschließend die nächste Katastrophe am Horizont ihren Auftritt haben kann. Derartige Gedanken habe wahrscheinlich nicht nur ich schon seit über 5 Jahren regelmäßig, ja insbesondere aktuell, wenn Begriffe wie „Weltkrieg“ auf Twitter trenden…

Kann man denn nun noch träumen? Sollte man? Nun, diese Frage werdet ihr wohl für euch selbst beantworten müssen. Ich kann euch aber sagen, dass SYLVAINEs (alias Kathrine Shepards) Album „Nova“ euch hierzu auf jeden Fall einlädt und dass es euch vielleicht in einen Zustand zu versetzen vermag, in dem ihr und eure Emotionen euch verstanden, akzeptiert und reflektiert fühlt.

Sofern ihr also bereit seid, euch dem Album zu widmen: Was erwartet euch?

Nova – Elfengleicher Gesang

Im ersten Stück – dem Albumtiteltrack „Nova“ – empfängt mich der Gesang einer Stimme, der unweigerlich an den Gesang der Elfen aus Herr der Ringe erinnert. Die Multiinstrumentalistin präsentiert uns hiermit das persönlichste aller Instrumente: den eigenen Gesang. In klarer, nachhallender und sich im Chor überlagernder Weise werden keine konkreten Lyrics, sondern lediglich die Silben „NO“ und „VA“ auf verschiedenste Weise gesungen und sanft begleitet.

Das Stück ist Ausdruck neuen Selbstbewusstseins für die eigene, klar hörbare Stimme als Kern des Songs. Jenes Selbstbewusstsein, das sich als Ergebnis der Kämpfe, Verluste und der Wiedergeburt herausgebildet hat – klar, nackt und verletzlich wie die Künstlerin selbst auf dem Cover des Albums. Die Verletzlichkeit, welche die Nacktheit so puristisch vermittelt, steht gleichsam als Zeichen der Wiedergeburt. Als würde sie sagen „Hier bin ich. Das ist alles. Mir ist alles genommen worden außer dies. Nun sieh und erkenne, dass es – dass ich – genug bin“.

Dies erkennend ergibt sich gleichsam die Erkenntnis, dass die Auferstehung, das Zurückerlangen aller Kraft hiermit vollzogen ist.

Alleingelassen

… in einer sich wiederholenden Dauerschleife von Hochs und Tiefs fühlt sich die Protagonistin beim darauf folgenden „Mono No Aware“. Der Songtitel lässt sich wörtlich nur schwer sinnvoll übersetzen und dennoch ist seine Bedeutung angesichts der Lyrics und der Stimmung des Songs kaum zu verkennen. Alleingelassen und nicht gewahr, wo sie sich eigentlich gerade befindet, fragt sie sich und schreit hinaus in die Einsamkeit, ob Sinn ihrer Existenz nur ist, jene Vergeblichkeit und Unstetigkeit zu fühlen und zu erkennen.

„Mono No Aware“ ist für mich persönlich der „stärkste“ Song auf dem Album. Er bleibt schon nach dem ersten Hören im Ohr und wirkt abwechslungsreich-packend. Dies mag daran liegen, dass ich ein großer Fan der vorangegangenen, doch größtenteils härteren Alben SYLVAINEs bin und der Song diesen ähnelt. Hier wird jedoch ungeachtet dessen deutlich, welch enormes Gesangsspektrum die Künstlerin aufweist und entwickelt hat. Von klarem Gesang in unterschiedlichen Tonlagen bis hin zum fies keifenden, typischen „trve norwegian black metal“ Geschrei wird hier alles geboten. Ebenso vielfältig gestaltet sich der Rhythmus und die Stimmung der Musik, welche von schnellen double-bass und blast-beat Passagen wieder zu träumerischen Parts und zurück wechseln.

im Nirgendwo.

Die gleiche Grundstimmung – das eigene Verlorensein – wird im sich anschließenden „Nowhere, still Somewhere“ fortgeführt. Die Protagonistin findet sich im gleichen Gemütszustand wie im vorigen Song wieder: irgendwo, aber unwissend, wo genau; nicht hier, aber auch nicht dort; die Kluft zwischen dem was ist und dem, was sein sollte zu sehen, aber unfähig zu sein, etwas dagegen zu tun. Allgemein wird anhand der Songs und ihrer Thematik für die geneigte Hörer*in klar, dass SYLVAINE hier das bisher persönlichste Album ihrer Karriere liefert und damit persönliche Verluste und ihren Umgang damit aufarbeitet.

Musikalisch ist „Nowhere, still Somewhere“ deutlich ruhiger, verträumter und mit poppigerer/eingängigerer Grundmelodie versehen als sein Vorgänger, was auch an der Dauer von gerade einmal etwa 4:34 Minuten liegen mag. Gleichzeitig ist es hierdurch jedoch auch schneller und leichter zugänglich als der fast 10-minütige Vorgänger.

Verloren.

Das sich anschließende „Fortapt“ (norwegisch: „(hat) verloren“) toppt die von „Mono No Aware“ aufgestellte Marke jedoch und stellt mit 11 Minuten und 55 Sekunden Spielzeit das längste Stück des Albums dar. Allein aufgrund meiner sporadischen Übersetzung seiner Lyrics auf Norwegisch, seiner Positionierung im Album sowie auch seiner musikalischen Vielschichtigkeit interpretiere ich „Fortapt“ als das Herzstück des Albums – auch in seiner Bedeutung für die Künstlerin selbst. Ich kann mich irren, aber ich denke, dass hier ein persönlicher Verlust der Künstlerin Hauptthema ist und der Song auch deshalb als einziger komplett in ihrer Muttersprache gesungen ist.

Musikalisch muss wohl kaum erwähnt werden, dass man einem fast 12-minütigen Song etwas Zeit und Gehör schenken muss. Fest steht aber: Er wird definitiv nicht langweilig. Ich neige sogar dazu, zu sagen, dass er so abwechslungsreich und vielschichtig ist wie das Album selbst. So wie die das „Album im Album“ – das Novum von Nova in Kompaktform. Hier ist alles dabei – der elfenhafte Gesang, akustische, seichte Gitarren, Black Metal-Schreie, sägende Riffs und schnelles Drumming, sowie ausufernde Post-Rock-Landschaften.

Zeit für Besinnung

„I Close My Eyes So I Can See“ schließt sich an und gibt bereits mit seinem Titel viel von dem Preis, worum es geht: die Augen vor allem verschließen zu können/wollen und auch darum, eben dadurch wieder (irgendwann) sehen zu können. Alle Geräusche zu ignorieren und alle gebauten Brücken abzureißen; die Funken, die waren, in der Ferne verglühen zu lassen, um sich zu schützen – das ist der Kern des Songs.

Der etwas über 5-minütige Song ist für mich einer der Songs des Albums, auf dem ich den klaren Gesang Kathrine Shepards als besonders intensiv und einnehmend empfinde. Auch hier fügen sich schmerzerfüllt klingende Schreie ein, die jedoch in der sich hineinsteigernden Musik und dem im Hintergrund anhaltenden Klargesang keinesfalls für Disharmonie sorgen. Der Mitte-Ende-Part ist definitiv sehr stark und ein weiterer Beweis der musikalischen Meisterhaftigkeit dieser Komposition, die unglaublich gekonnt intensive Emotionen atmosphärisch vertont.

Alles muss enden

… und so auch dieses Album – zumindest fast. Denn abgesehen vom Bonustrack ist – wie könnte es treffender sein – „Everything Must Come To An End“ das größtenteils nachdenklich-ruhige und letzte Stück von „Nova“. Es erinnert noch einmal daran, dass alles ein Ende hat, auch die Trauer – und sei es, dass die Endlichkeit der Existenz selbst bedeutet, dass sich an diese wiederum eine neue Existenz anschließen wird, lediglich nicht die eigene. Man mag hier individuell entscheiden, ob man den Song als Ode an die Vergänglichkeit des Lebens (des Fühlens) oder des Leids interpretiert.

Musikalisch wird das Stück jedenfalls wundervoll untermalt vom schottischen Geiger Lambert Segura von SAOR sowie den Cellisten Nostarion alias Patrik Urban, den sie 2019 bei einer ganz besonderen Akustikshow in Belgien kennenlernte. Insgesamt wird hierdurch eine herrlich authentisch-melancholische Atmosphäre erzeugt, in die ich mich direkt sentimental-wohlig eingebettet fühle.

Das stimmige Album und der Bonustrack

Als Bonustrack schließt sich noch das Stück „Dissolution“ mit einer Dauer von fast 6 Minuten an, der sich musikalisch insgesamt gut in das Album einfügt, wenngleich ich seine Stimmung als „positiver“ wahrnehme. Nach meinem Gefühl endet „Nova“ jedoch stimmiger, wenn ich diesen Song weglasse ODER ihn mir bewusst „nur“ als Bonustrack vor Augen führe.

Der Beitrag SYLVAINE – Eine Wiedergeburt erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

„Oha! Was kommt da auf mich zu?“

… dachte ich, als bekannt wurde, dass WOLVES IN THE THRONE ROOM (im Folgenden zur Vereinfachung: WITTR) für Sommer 2021 ein neues Album ankündigten. Und mir war sofort klar, dass ich mir, wenn es soweit ist, Zeit dafür nehmen muss. Denn es gibt Bands – gerade im Black Metal –  die machen verdammt gute Musik, aber man kann nur schwer mit dem eigenen guten Gewissen vereinbaren, sie zu unterstützen. Dann gibt es Bands, die möchte man, weil sie so extrem engagierte und gute Menschen sind, gern supporten, aber eigentlich findet man ihre Musik nur mittelmäßig. Und es gibt Bands, die erfüllen zwar beide Kriterien, zerstreiten sich aber innerhalb kürzester Zeit, oder sie treten nie live auf, oder wenn, dann enttäuschen sie an diesem Punkt, oder sie sind halt einfach irgendwie nicht „cool“.

Ja, und dann sind da halt WITTR, die einfach ultra epischen Black Metal machen, deren Musiker in Washington (State) in einer Kommune leben und live einfach jedes Mal noch geiler sind als auf Platte. Und dann hauen diese Leute halt einfach mal in einem Interview sowas raus wie: „Wir hören auf, wenn alles gesagt ist und jede weitere Tour nur noch der Umwelt schadet“ (Quelle), was mich als Fan zwar irgendwie traurig macht, aber halt auch denken lässt: „Fuck, es gibt noch gute Menschen! *Herzchenaugen-Emoji* – im BLACK METAL!!!“

Aber genug der Ideologie. Zur Musik: Ich persönlich dachte ja, viel besser als auf dem Vorgänger „Thrice Woven“ könnten WITTR kaum werden. Doch was ist überhaupt die Messlatte?

Erwartungsbild

Was erwartet nun WITTRs Fangemeinde und: Werden sie dem gerecht?

Nun, wer die Jungs schon einmal live erleben durfte, wird sich sofort an diverse Räucherhölzer auf der Bühne, verdammt wenig Licht und verdammt viel Atmosphäre erinnern, die mal durch gewaltige Synthesizer-Teppiche getragen oder durch Blastbeat-Gewitter aufgebrochen wird. Atmosphäre, die die Band auch schon immer über die Alben versucht hatte, in den Gehörgängen der Fans zu kanalisieren. Dies ist ihnen bei mir persönlich oft nicht so recht gelungen. Denn wer hat schon im Alltag mal eben die nötige Zeit und Ruhe, die es braucht um sich auf so viel Atmosphäre überhaupt einlassen zu können? Ergo: Genau das ist mein Erwartungsbild. Keine schmissigen 3-Minuten-Mitgröhl-Hymnen für die Autofahrt, sondern die hörbare Mystik der Natur und der in ihr ungebremst wahrnehmbaren Kraft der Elemente, die mich ehrfürchtig zu Boden gleiten lässt, wenn ich unserem Alltag aus Pandemie, (unfähiger) Politik und dummen Menschen in sozialen Netzwerken radikalstmöglich entkommen möchte.

„Primordial Arkana“ – „uralte Geheimnisse“ also sind es, die mir hier musikalisch in sieben Gängen kredenzt werden sollen. Ob es da einen Zusammenhang zu den sieben hermetischen Gesetzen geben könnte, die WITTR definitiv beschäftigen?

 

 

 

 

 

 

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Die Magie der Berge

Los geht’s jedenfalls mit „Mountain Magick“, das mich direkt auf die anstehende musikalische Mystik einstimmt, aber auch nicht zu lange damit wartet, klar zu machen, dass es sich hier nicht nur um ein instrumentales Intro handelt. Die vom Schlagzeug begleitete Synth-Melodie wird schnell durch eine Gitarre nachgeahmt begleitet und macht das melodische Thema klar. Noch vor der ersten Hörminute findet man sich in wohligem, schnellen Black Metal Drumming wieder und schon ab Minute 1:20 kommt das giftige Keifen Nathan Weavers dazu, wiederum begleitet vom verdammt eingängigen Thema, welches sich mit kurzen Unterbrechungen immer wieder in die Songstruktur einfügt.

Spätestens bei 2:35, als das epische Gitarrensolo einsetzt, haben sie mich vollends für ihr neues Werk begeistert und ich lasse die anschließenden Doublebass-Wellen gern über mich rollen. Die Wechsel zwischen ruhigeren und brachialen Parts, ebenso wie zwischen den mehr und minder melodiösen Parts kommen deutlich schneller daher als von WITTR bisher gewohnt. Das ist gut, weil es die Songs weniger langatmig erscheinen lässt, allerdings kommt es eben leider etwas unerwartet, weshalb ich erst ein Paar Durchläufe gebraucht habe, um mich auf das erhöhte Songtempo einlassen zu können.

Geist und Gewitter

Im sich anschließenden „Spirit of Lightning“ wird das beginnende, gefällige Gitarrenduett schneller abgelöst, als dies nach Maßstäben bisheriger Alben der Fall gewesen wäre. Ich finde es fast ein bisschen schade, dass mein Gehör nicht mehr Zeit bekommt, diese schöne Atmosphäre etwas länger vor meinem inneren Auge zu einem schönen Landschaftsbild werden zu lassen. Doch auch hier kommt das Thema im Song immer wieder, wird nur bisweilen unterbrochen durch mich an altes GEHENNAH (2:20!) Riffing erinnernde Parts. Immer wieder fügen sich aber auch gewohnt wundervoll tragende, von Blastbeats, sägenden Gitarren und Geschrei begleitete Synth-Teppiche in die Songstruktur ein. Nur der Wechsel ist eben irgendwie schneller als bisher – oder werde ich alt? Bei Minute 5 nun noch einmal kurz das schöne Gitarrenduett! Der Song läutet sein Ende ein und trägt sich auf dieser Melodie und nachhallenden Synths davon. Ein sehr abwechslungsreicher Song.

Unendliche Weiten

Es schließt sich ein Gang durch ewige Felder („Through Eternal Fields“) an, der mein Atmospheric-Doom-Black-Metal-Herz kaum noch mehr begeistern könnte, mir erstmals etwas Zeit zum genüsslichen Durchatmen verschafft und mir erlaubt, ein Bild vor meinem inneren Auge entfalten zu lassen. Weite, endlose Felder, düster, vor schroffem Gebirge – ein Sturm zieht auf. Er wird die archaischen Mächte und natürlichen Zyklen der Felder und Berge nicht stören, das macht spätestens die majestätische Atmosphäre ab 3:50 klar. Eine Stimmung, die Übermacht vermittelt. Wer als Bestandteil dieser Natur überleben will, muss sich einfügen, sich den gewaltigen Kräften unterordnen.

Gigantische Atmosphäre – self made

Mit „Primal Chasm (Gift of Fire)“ läuten majestätische Trompetenklänge den Anfang eines klanggewaltigen – vielleicht dem klanggewaltigsten – Stücks ein, das schnell von melodiös sägenden Gitarren und Schlagzeug fortgeführt wird, bevor sich auch hier der Synth-Teppich und Weavers Geschrei dazu mischen. Zunächst tragende und majestätische Melodien werden bald durch relativ lang anhaltende Blastbeats abgelöst, die die Brücke zur nächsten tragenden Passage bauen. Ich bin rundum begeistert und abgeholt von dem Song, wenngleich ich teilweise attestieren muss, dass der Gesang und oft auch die Drums als Ganzes etwas druckvoller abgemischt sein könnten – was jedoch ein „Problem“ des gesamten Albums darstellt. Allerdings  ich auch ergänzen, dass die drei Amerikaner hier alle Aufnahmen, die Produktion sowie den Mix in ihren eigenen „Owl Lodge Studios“ in den Wäldern des Staates Washington durchgeführt haben. Auch die Kostüme für die Videos wurden offenbar selbst hergestellt, genauso wie die Videos selbst gedreht wurden – ziemlich true!

Probleme in der Unterwelt

Im sich anschließenden „Underworld Aurora“ wird für mich abermals deutlich, dass es eher zum Talent der Musiker gehört, eindrucksvolle Aufnahme von Soundeffekten und Geräuschen verschiedenster Art zur Erzeugung einer einzigartigen, intensiven Atmosphäre zu nutzen, als in der gleichen Intensität zu Doublebass/Gitarrensägen/Geschreipassagen überzuleiten oder diese durchzuhalten. Der Übergang bei 1:53 wirkt auf mich jedenfalls irgendwie etwas zu holprig, die sich anschließend bietende Black-Metal-Walze leider etwas dumpf. Umgekehrt erscheint der Wechsel zurück bei Minute 2:30 wesentlich geschmeidiger. Und bei 3:41 klappt anschließend auch der umgekehrte Wechsel zum schwarzmetallischen Part wieder besser. Alles in allem bleibt mir „Underworld Aurora“ jedoch keineswegs als unangenehmer Song, sondern eher atmosphärisch-entspannte Hymne im Gedächtnis.

Meister des Regens und des Sturms

Der – zumindest was den Black Metal Part betrifft – letzte sich anschließende Song „Masters of Rain and Storm“ spricht von Anfang an den klassischen Black-Metal-Fan und Freund des Sounds alter MAYHEM Alben in mir an. Auch hier bleibt jedoch der Facettenreichtum des gesamten Albums erhalten und bietet immer wieder abwechselnd atmosphärische und schnellere, treibende Passagen. Selbst ansatzweise grooviges Death-Metal-Riffing vernehmen meine Ohren bei 4:30 verwundert. „Masters of Rain and Storm“ mit seinen 10:43 Min. Spielzeit hat zwar auch jede Menge Zeit dazu, dennoch fasziniert es mich nachdrücklich, wie viele verschiedene Stile man beherrschen und das in einem Song unter Beweis stellen kann.

Schlussendlich entlassen WITTR mich mit „Eostre“ ins Land der Träume und in die friedliche Übereinkunft meiner menschlichen Seele mit der Natur um mich herum: ein klassisch atmosphärisches Outro á la WITTR, das ganz ohne Klampfen und Trommeln einen würdigen Abschluss dieses durch und durch stimmigen, atmosphärischen Albums darstellt.

Der Beitrag WOLVES IN THE THROME ROOM – Ein Sommerge-WITTR erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Einige Runden hat sie auf meinem virtuellen Plattenteller schon drehen dürfen: die brandneue EP von den Post-Rock-Pionieren LONG DISTANCE CALLING namens „Ghost“, die gestern ihren Release feierte. Mein Eindruck: „Ghost“ ist eine (lange!) bunte, elektronisch/postige Jamsession, die mich zwar irgendwie nicht so richtig mitreißt, sich aber wunderbar als entspannende „Homeofficemusik“ eignet.

LDCs letztes Album „How Do We Want To Live?“ (VÖ: 26.06.2020, ~53 Min., 10 Songs) kam bei ihren Hörer:innen sehr gut an und landete sogar auf Platz 7 der deutschen Albumcharts! Sicher werden sich daher viele von euch das gleiche fragen wie ich: Ist „Ghost“ eine Fortsetzung? Ein Nachfolger? Weder noch!

Es handelt sich um eine Jam EP, für die sich die vier Musiker in einem abgelegenen Landhaus drei Tage lang eingeschlossen haben, um sich Ideen zuzuwerfen und daraus Songs entstehen zu lassen. Und das höre ich auch heraus. Dass die EP live eingespielt wurde – ohne Overdubs, ohne Editing, hingegen nicht. Denn die Soundqualität ist wie von LDC (und allgemein Post-Rock) gewohnt hoch und klar. Es wechseln sich ruhigere, melancholisch anmutende Parts mit schnellen, marschierenden ebenso ab, wie elektronische Parts mit klassischem metal-riffing. So erkenne ich etwa bei Track 4 „Seance“ erst ab der Hälfte seiner Spielzeit überhaupt, dass ich gerade eine „Rock“-Band höre. Doch wie gewohnt steigert sich jeder Song auf seine Weise immer weiter, um sich nach seinem jeweiligen Höhepunkt wieder zu beruhigen. Mein Lieblingstrack ist der letzte auf der EP – „Negative Is The New Positive“ – vermutlich, weil mich das Riffing ab Minute 2 irgendwie an AMENRA erinnert.

Die Jamsession schien für alle Beteiligten eine angenehme Abwechslung zur Tristesse der Pandemie zu sein, denn mit 6 Songs und einer Gesamtspielzeit von 33 Minuten fehlt nicht viel zu dem, was ich als Hörer als „Album“ wahrnehme. Finanziert wurde die auf dem bandeigenen Label „Avoid The Light Records“ veröffentlichte EP übrigens durch eine Crowdfunding-Kampagne der Band infolge der ausgefallenen Release-Shows für „How Do We Want To Live?“. Da diese ausgezeichnet lief, wollte die Band ihren Fans etwas zurückgeben, statt nur herumzusitzen – sehr freundlich!

Der Beitrag LONG DISTANCE CALLING – Ist das noch EP? erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Passend zu Herbst und Pandemie

Machen wir uns nichts vor: Wessen Bandname „Sargträger“ ist, der wird kaum fröhlich-frischen Sunshine-Metal spielen. Aber… Aaalter. Mich in dieser trostlos-tristen Zeit mit „Forgotten Days“, dem kürzlich erschienenen Full-Length-Album von PALLBEARER, zu beschäftigen, war schon wirklich nicht ganz einfach. So vergeblich ich an einem stürmisch-grauen, verregneten Herbsttag nach einem Sonnenstrahl suche, während ich aus dem Fenster meiner Wohnung den Blättern der Bäume zuschaue, wie sie vom Wind fortgerissen und davon geweht werden, so vergeblich sehn(t)e ich mich nach Zuversicht in den Texten der Songs auf „Forgotten Days“. Spoiler: Es gibt sie nicht. „Forgotten Days“ ist lyrisch genauso traurig und niederreißend wie es sein Riffing akustisch ist.

Ein persönliches Stück Geschichte

Doch das soll und muss so sein, denn: Auf „Forgotten Days“ beschäftigt sich insbesondere Basser Joseph D. Rowland mit dem 10 Jahre zurückliegenden Tod seiner Mutter und dem Prozess des Weiterlebens nach solch einem Schicksalsschlag. Deshalb finden sich auf diesem Album auch viele Gemeinsamkeiten mit dem Debüt „Sorrow and Extinction“, das zu der Zeit, als seine Mutter bereits unheilbar krank war und schließlich starb, entstand. „Forgotten Days“ stellt zu weiten Teilen einen langen Dialog Rowlands mit seiner Mutter dar.

…das (nicht) jeder versteht?

Das mag vielleicht erst einmal erdrückend und vielleicht sogar abstoßend wirken, weil es so tiefgehend „negativ“ ist. Doch letztendlich komme ich nach dem mehrmaligen Durchhören von „Forgotten Days“ immer mehr zu dem Schluss, dass ich ein ausgesprochen großartiges Album vor mir habe. Denn es singt mir vor, was ich – was wir alle – nur zu gut kennen: Etwas Schlimmes passiert, und statt uns Zeit für uns selbst zu nehmen, machen wir weiter. Wir lenken uns ab. Bis irgendwann der Moment kommt, wo es über uns hereinbricht und wir uns fragen: Was habe ich getan? Was ist aus mir geworden? Wie konnte ich seitdem weiter machen – Du fehlst! Und dann kommt der heilende Prozess, in dem wir uns damit auseinandersetzen, was war und was ist. Dieser schmerzhafte, schwierige Prozess muss kommen und führt am Ende dazu, dass wir neue Kraft schöpfen können.

So habe ich beim Hören der Songs zunehmend Tränen in den Augen, seit ich die Lyrics gelesen und – vor dem Hintergrund – verstanden habe, weil ich Parallelen ziehe. Auch ich habe tote Familienangehörige oder Freunde, die viel zu früh gegangen sind und mit denen ich in einsamen Momenten Dialoge führe. Ich gehe davon aus, dass jemandem, dem derartige Erfahrungen noch fehlen, der Zugang zum Album schwerer fallen könnte – das ist natürlich beneidenswert! Doch wenn ihr nachvollziehen könnt, worum es geht, rate ich euch: Setzt euch mal hin, mit einer schönen warmen Tasse Tee und vielleicht genau diesem Album.

Trauer und Familie als roter Faden

Auch das Artwork des Albums, das vom sehr talentierten Künstler Michael Lierly, dem Bruder von Schlagzeuger Mark Lierly stammt, wurde mit den thematischen Eckpunkten „Familie, Verlust“ in Auftrag gegeben und trifft das Thema perfekt. Allerdings muss ich zugeben: Hätte ich all diese Informationen nicht, würde ich vermutlich zu dem Ergebnis kommen, ein „nur“ normal gutes PALLBEARER-Album vor mir zu haben – und zwar musikalisch nicht das stärkste.

Zurück zu den Wurzeln

Zu sehr nach vorn marschierend ist da im Vergleich „Foundations of Burden“, zu komplex genial und dennoch tiefgründig das absolut grandiose „Heartless“ aus 2017. Zwar kann ich mich der vom Label Nuclear Blast getroffenen Aussage anschließen, dass auf „Forgotten Days“ die bisher besten gesanglichen Leistungen von Sänger/Gitarrist Brett Campbell zu hören sind. Doch mich holen die oft recht (gewollt) stumpfen Riffs irgendwie ein bisschen weniger ab als „Heartless“. „Forgotten Days“ klingt tatsächlich eher „klassisch“. Manchmal erinnert der Gesang sogar an fetten Heavy Metal – die Riffs passend dazu oftmals an klassisch-fetten Stoner Doom.

Andererseits finde ich auch auf „Forgotten Days“ ganz klar viele Momente zum Niederknien vor der musikalischen Glanzleistung der Kombination wunderbar melodiöser Gitarrenmelodien, untermalt von mächtigen Riffs und marschierenden Drums. Und über all dem erstrahlt der klare, emotionale Gesang Campbells (und Rowlands).

Acht schmerzlich schöne Stücke

Die solide 8-teilige Tracklist beginnt mit dem gleichnamigen Song „Forgotten Days“ mit einem klassischen zermalmenden Stück Old School Heavy Metal in Perfektion. Der nachfolgende Song „Riverbed“ ist mein persönlicher Lieblingssong. Marschierend-melodiöse Riffs und schöne Gitarrenmelodien, zweimalig unterbrochen durch einen ruhigen „Balladen-Part“, in dem eine gefühlvoll gespielte Gitarre die bewegend emotional gesungene Strophe begleitet…

„distant memories – form constellations of despair – guiding through the state of disrepair
illuminate  – all the hurts that have accrued – unlock the cage, holding back the truth“

…wie auch wenig später im Song:

„distant silhouettes – nearly all of them obscured
Exposed to be the damages incurred.“

Doch der absolute Gänsehautmoment für mich folgt ab 4:24, als nach einer längeren Doom-Passage die Lead-Gitarrenmelodie ummantelt wird von den restlichen Instrumenten und die auf den Titel des Songs Bezug nehmende Zeile auf ergreifendste Art und Weise darüber gelegt wird – zauberhaft traurig.

„Laying down in the riverbed
counting the words that I’ve never said to you
their numbers swell so far above my head
wide-open eyes drink in torrential red
– as I drown“

Es folgt mit „Stasis“ ein mit nur 4 Minuten für Doom sehr kurzer Song, von dem insbesondere die Textzeile „do you need a reason to smile again?“ sowie das mehrfach wiederholte „Stasis“ hängenbleiben. Das darauffolgende 12 minütige Epos „Silver Wings“ macht zeitlich jedoch alles wieder wett, was Stasis vorher rausgeholt hat. Ein unglaublich kraftvoller, aber aufgrund der Länge auch kräftezehrender Song, für den ich mir mehrfach bewusst Zeit nehmen muss. Auch hier kommt mit den nachfolgenden Textzeilen wieder jede Menge schwer verdauliche Resignation und Trauer auf den Hörer zu:

„I cannot remember – from where I came
and I cannot remember -who I once was
the slow march of time – turns even the greatest of triumphs
into nothing – nothing more than sand
washed into the infinite sea“

Auch beim Nachfolger „The Quicksand of Existing“ macht bereits der Name klar, dass auch dieser von der dahinsiechenden Vergänglichkeit des Seins handelt. Dieser Song jedoch unterbietet sogar „Stasis“ mit seiner Länge von nicht ganz vier Minuten. Für alle, die sich einen schnellen Überblick über das Album verschaffen wollen, ist er neben „Riverbed“ definitiv einer meiner Anspieltipps!

Dann folgt mit „Vengeance and Ruination“ ein bitteres Stück der inneren Verurteilung, Verletzung und Selbstaufgabe, das mit fast sieben Minuten Spielzeit und einer schweren, düsteren Atmosphäre auch mich beim Zuhören ordentlich mitschleift. Mit dem sich anschließenden, fast fünfminütigen „Rite of Passage“ schließt sich ein weiterer Anspieltipp meinerseits an, der vorantreibt und phasenweise irgendwie mächtig/episch klingt. Vielleicht beabsichtigt – angesichts der Tatsache, dass hier immerhin der „Übergangsritus“ vom Schmerz zu Erkenntnis behandelt wird, der nach der schmerzlichen Selbstaufgabe folgt. Auch hier möchte ich wieder mit einer Textpassage den Song für sich selbst sprechen lassen:

„this rite of passage
it took all of these years, but now I finally know
one question to ask of you:
did part of me die while watching you go?“

Wer mitgezählt hat, wird feststellen: Jetzt kommt das letzte Stück des Albums. Und es trägt den rätselhaften Titel „Caledonia“ (Kaledonien). Google verrät: „Die Kaledonier waren ein antikes Volk, das im östlichen Teil des heutigen Schottland siedelte“ – Aha. Hmm. Also? Ein Bezug zu einer Gegend? So richtig werde ich auch nach Übersetzen des Textes nicht schlau daraus, WAS „Caledonia“ ist. Auf jeden Fall müssen dort offenbar furchtbare Dinge passiert sein, die für den Protagonisten wohl auch immer dort bleiben werden. Meine Vermutung ist, dass vielleicht die Gegend, in der die Mutter verstarb, damit gemeint sein könnte.

„from the depths of your being
one last moment awake
from the depths of my being
from Caledonia“

Muss ich mir das wirklich antun?

Wer bis hierhin gelesen hat mag sich vielleicht fragen: „Hmm, okay. Tod, Trauer, Bewusstwerden ob der Vergänglichkeit des Seins, Trostlosigkeit – jetzt nicht wirklich was Neues im Metal. Nichts besonderes also! Oder doch? Nun, ich persönlich denke, dass sich diese Frage nur jeder selbst beantworten kann und dass sie sich überhaupt nur diejenigen werden beantworten können, die aufgrund bestimmter Ereignisse ein besonderes emotionales Verhältnis zu einem Album aufgebaut haben. Und diese Menschen werden vielleicht sagen: Nein, das ist anders. Denn es tut nichts leichtfertig ab oder vertröstet mit leeren Phrasen, ist auch nicht nur plakativ. Es fokussiert sich auf den Schmerz und seine Verarbeitung. Und jede(r) der/die dies schon einmal tun musste, weiß: DAS ist sehr wichtig.

Dies ist ein Gastbeitrag von: Simon

Der Beitrag PALLBEARER – 10 Jahre Aufarbeitung erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Der zweite Tag

Es ist Samstag, der 5. September um 15 Uhr und die Wetter-App sagt: 16°C, 89% Regenwahrscheinlichkeit und < 1 Sonnenstunden. Alle haben sich mittlerweile zäh aus ihren Schlafgemächern begeben und sind trotz des grauen Himmels entspannt und locker.

OK. Das Line-Up sagt: Asharda… Asarhdaa.. ASARHADDON! Sagt(e) mir bisher rein gar nichts. Ein Blick auf Bandcamp und die Encyclopaedia Metallum verrät mir: Das ist Black Metal aus Magdeburg. Seit 2017 mit einer Frau an den Vocals und mit ihrem ersten full-length Album „Reysa“ im Gepäck, welches im Februar 2020 erschienen – also brandneu ist. Ich bin gespannt, erwarte aber dem „erste Band“-Bias erliegend nicht zu viel. Was ich zu hören bekomme, begeistert mich jedoch auf Anhieb. Nach ruhigen Gitarrenklängen als Intro ertönt ein Schrei der Sängerin und aktiviert eine melancholisch anmutende Gitarrenwand und Doublebass. Die deutschen Lyrics stören für mich ausnahmsweise einmal nicht das Klangbild – sehr positiv!

Nach ihrem ersten Song sind bereits schätzungsweise 100 Menschen im näheren Bühnenumfeld anwesend. Die Reihen füllen sich zügig weiter. Und trotz dessen, dass ASARHADDON die erste Band des Tages sind, erblicke ich schnell einzelne Menschen, die ihre Haare schütteln oder enthusiastisch mitwippen. Der melancholisch-melodiöse, düstere Sound und der kräftig-rauhe Schreigesang aus mittelhohen Growls und Screams passen gut zum tristen, grauen Samstagnachmittag. ASARHADDON liefern den Besucherinnen und Besuchern des Fimbul Festivals offensichtlich einen handfesten Grund, ihre Zelte und Pavillons zu verlassen und zum Burghof zu strömen – Bravo! Mir liefern sie einen Grund, mir eins ihrer optisch ansprechenden Shirts und einen Metalpin zu kaufen, während meine Schreiber-Kollegin Malin sich der nächsten Band widmet.

Ein Fest(ival) für die Götter

Malin: Odin! Bei keiner anderen Band fällt dieser Name so oft wie bei dem folklorischen Duo WALDTRÄNE. Ein Mann, eine Frau, ein Thema: Natur. Wind und Wälder, Geister und Götter, das volle Programm. Naturbelassene Gewandungen, Schnurgürtel und Amulette sowie ein runder Schild mit einem Adler darauf verleihen der Szenerie die entsprechende Optik. Musikalisch umgesetzt wird das Ganze von (verstärkter) Akustikgitarre, Trommel und Flöte, gepaart mit Gesang. Die Melodien erinnern mich teilweise an SKYFOREST, die Songs selbst werden mit Einspielern von Vogelgezwitscher und rauschendem Wind ergänzt.

Das Problem ist bloß: Die Atmosphäre eines Lagerfeuers wäre perfekt für diese Musik, aber am helllichten Tag entfaltet die Darbietung nicht so recht ihre Wirkung. Das wirkt sich leider auch auf die Zuschauerzahl aus, die eher gering ausfällt. Irgendwie können WALDTRÄNE mich nicht begeistern. Das liegt vielleicht auch an dem teils ungleichmäßig lautem Gesang, vor allem aber am fehlenden Elan. Und dann scheint auch noch die Mittagssonne so wohlig warm… eigentlich könnte ich doch ein kleines Nickerchen machen…

Nix da!

…Denkste! Jeder, der bei WALDTRÄNE in Sekundenschlaf verfallen ist, wird jetzt von THEOTOXIN gnadenlos wieder aufgeweckt. Die Österreicher stellen dieses Jahr neben HARAKIRI FOR THE SKY die einzige Band beim Fimbul Festival, die nicht aus Deutschland kommt. Mit kompromisslosem Geballer fordern sie das heranrückende Publikum quasi durchgehend zum Headbangen heraus. Es geht derart zur Sache, dass dem Schlagzeuger sogar eines seiner Becken umkippt – zum Glück ist es schnell wieder aufgestellt, und THEOTOXIN können ohne größere Unterbrechung weiter ihren krachenden Black Metal zum Besten geben.

Mit ihren schwarzen Tüchern, die sie über Mund und Nase gezogen haben, sind die Bandmitglieder neben der (natürlich nicht zu vernachlässigenden) Optik auch gleich gegen Corona gewappnet. Ihr Aussehen gleicht ihrer Musik – hart und böse, aber irgendwie cool. Mir gefällt der Auftritt von THEOTOXIN, und damit ich diese persönliche Neuentdeckung nicht gleich wieder aus den Augen verliere, wird am Merchstand auch erstmal eine CD gekauft!

Kontrastprogramm zwischen Black und Pagan

Simon: Mittlerweile ist es 18:50 und mit der Abendbrotzeit kommen die Thüringer Germanenhorden von XIV DARK CENTURIES auf die reich mit mittelalterlichen Flaggen dekorierte Bühne. Die Textpassage „Blut für Blut; Fleisch für Fleisch“ verrät: Sie starten mit „Zeit der Rache“ vom 2011er „Gizit dar Faida“-Album und greifen ganz nebenbei die einzigen Sonnenstrahlen des Tages ab. Offenbar haben XIV DARK CENTURIES also die Gunst Wotans erlangt.

Auch XIV DARK CENTURIES haben mit „Waldvolk“ (Release: Februar 2020) ein neues Album im Gepäck, von dem sie mit „Ich bin das Feuer“ auch direkt einen Song dem Publikum des Fimbul Festivals präsentieren. Schätzungsweise 200-300 Zuschauer befinden sich zu dieser Zeit im weiteren Bühnenbereich und zumindest die Pagan-Fraktion davon wird von der Musik definitiv abgeholt. Spätestens als mit „Auf zur Schlacht“ von „Jul“ „etwas altes – für die Rentner“ gespielt wird, wippen sehr viele Gäste einschließlich mir selbst munter zur Musik. Die Klassiker scheinen es hier definitiv etwas leichter zu haben als neue Songs. Headbangen bis in die hinteren Reihen, „Oi, Oi, Oi!“ und empor gereckte Fäuste zeigen: Hier macht das Publikum mit! Dies wird erneut deutlich, als „Julenzeit“ (ebenfalls von „Jul“) ertönt und „laa la la (…), Hooo hoo hoo“ gemeinschaftlich zur Geigenmelodie gesungen wird.

Nicht Fisch, nicht Fleisch

Malin: Eine Band, auf die ich mich eigentlich gefreut habe, weil ich ihre Musik sehr gerne höre, sind WALDGEFLÜSTER. Vielleicht war meine Erwartungshaltung darum auch etwas zu hoch. Aber der Reihe nach. WALDGEFLÜSTER sind mittlerweile zu sechst, die gesamte Band trägt matchende T-Shirts in Naturfarben mit ihrem Logo darauf und auch die Bühne ist thematisch passend dekoriert. Als Mikrofonständer fungieren Äste und links und rechts von den Musikern hängt jeweils ein Banner mit dem Wappen der Band, bestehend aus Schriftzug, Hirschkopf und Wald. So weit, so gut – dann kanns ja jetzt losgehen mit der Musik.

Aber die Band hat offenbar ein anderes Konzept. Begleitet von den Gitarren, die zuvor bereits ein Intro gaben, stellt sich zunächst der kahlköpfige Sänger ans Mikrophon und rezitiert einige poetische Sequenzen. Das soll vermutlich Atmosphäre erzeugen, aber irgendwie lässt es mich komplett kalt. Ich warte auf den ersten Song, und je länger dieses Warten dauert, desto unruhiger werde ich.

Aber dann ist es endlich so weit und WALDGEFLÜSTER legen mit genau dem Black Metal los, der mich so begeistert: Melodisch, gewaltig – und atmosphärisch! Dieser Teil des Auftritts wirkt auf mich, wie es vermutlich schon der Anfang hätte tun sollen. Leider vergeht die Zeit wieder einmal viel zu schnell und ehe ich mich versehe, ist die Hälfte der Musiker schon wieder von der Bühne verschwunden. Die noch verbliebenen wiederholen das Zeremoniell vom Anfang. Und obwohl ich mich redlich bemühe (vielleicht ist genau das der Fehler?), ich kann die gewünschte Wirkung immer noch nicht nachvollziehen. 

Der Auftritt von WALDGEFLÜSTER ist gut besucht, und auch als die gesamte Band zum Schluss noch einmal auf die Bühne tritt und sich vor den Zuhörern verbeugt, wird großflächig geklatscht. Es ist also vielleicht nur mein subjektiver Eindruck, wenn ich sage, mich hat die Vorstellung etwas enttäuscht. Ich hatte mich vor dem Fimbul Festival gefragt, wer wohl für mich das Rennen in Sachen atmosphärischster Auftritt machen würde – WALDGEFLÜSTER oder HARAKIRI FOR THE SKY. Und nun muss ich ehrlich sagen, HFTS haben gewonnen – mit deutlich mehr Vorsprung, als ich erwartet hatte. Aber da sieht man mal wieder: Erstens kommt es anders, und zweitens als man denkt.

Vom finsteren Wald in den eisigen Kosmos…

Simon: Von Black Metal mit irdischen/naturbezogenen Themen kommen wir mit THE SPIRIT zu kosmisch-kaltem Black Metal. Die drei – eigentlich vier – Jungs aus Saarbrücken entpuppen sich für mich überraschend als eins DER Festivalhighlights für mich. Denn unter dem Namen konnte ich mir erst einmal gar nichts vorstellen. Die Ansage zu Beginn des Gigs, dass wegen des leider verhinderten Bassers um „Entschuldigung gebeten wird, falls es hier und da etwas dünn klingt – aber Absagen nicht in Frage kam“ machen sie umso sympathischer.

Ich erwarte – den kosmischen Motiven auf den Aufstellern links und rechts der Bühne nach – also etwas „dünnen“ Black Metal. Und ich werde extrem geflasht. Denn was da von der abwechselnd rot und blau eingefärbten Bühne auf mich einprasselt, ist alles andere als „dünn“. Zwei durchgängig schreddernde Gitarren, ein Schlagzeug von dem Doublebass und Blastbeats abwechselnd in absolut überwältigend brachialer Art und Weise auf mich einbrettern und eine garstig tiefe, raue und kalte Stimme – das sind THE SPIRIT.

Was für eine überwältigende Black Metal Wand! Anfangs ist die Snare noch etwas sehr prägnant und klingt nach Tupperdose/Blechtopf, doch das wird schnell korrigiert – oder sollte das sogar so sein? Das absolut überragende, alles niederreißende Geknüppel wird immer wieder unterbrochen von ca. einminütigen, instrumentalen Gitarrenparts und dann wieder von einer Welle der Verwüstung kosmischer Kälte überschwemmt.

Und als ob THE SPIRIT mich nicht schon mit ihrer Musik und Live-Performance absolut überzeugt hätten, kommen sie dann noch mit absolut grandiosem Merchandise in Form von ansehnlichen Shirts und Beuteln daher.

… und wieder zurück in den Wald

… geht es direkt im Anschluss mit dem Headliner des zweiten Tages: FINSTERFORST.

Ich sehe drei bärtige, verschmutzt aussehend geschminkte Glatzköpfe, die sich sehr ähnlich sehen auf der Bühne. Ich sehe einen Sänger, der mit einem ausgeprägten Entertainer-Gen seine Vocals darbietet und weiß: Der zu hörende Folk-Metal ist der von FINSTERFORST! Bei einem der beiden genannten Glatzköpfe handelt es sich übrigens um Stef, den regelmäßig outgesourceten Sänger von JÖRMUNGAND – ein vom Vortag bekanntes Gesicht also. Der Revoluzzergeist á la „Mach dich frei“, den viele der Songs von FINSTERFORST ausstrahlen findet sich in der blutig-schmutzigen Schminke der Musiker allerdings mehr wieder als im uniformartigen Auftreten der Band, denn absolut ALLE tragen rot-schwarz karierte Holzfällerhemden und schwarze Jeans. Aber gut – der Professionalität der Musik und des Auftritts von FINSTERFORST tut dies keinen Abbruch.

„Hallo Fimbul Festival!“ – „Hallo FINSTERFORST!“ – „Sehr freundlich, der junge Mann da in der 1,5ten Reihe!“ … „Habt ihr ein geiles Wochenende!?!? So eine geile Scheiße, endlich wieder live spielen zu können!“ Dieser Dialog, genau wie das sich wiederholende „Und eure Hände!!! PROST!!!“ oder „Ihr seid zu leise!!!“ zeigen: FINSTERFORST fühlen sich wohl auf der Bühne und verstehen es, das Publikum da abzuholen, wo es steht – selbst, wenn es in 1,5 m Abstand und/oder mit Mund-Nasen-Schutz ist.

Dennoch muss ich feststellen, dass weniger Zuschauer als beim Vortages-Headliner HARAKIRI FOR THE SKY zuschauen. Die angereisten, ihre Fäuste eifrig bei jedem Song hoch reißenden FINSTERFORST–Ultras gleichen dies jedoch insgesamt aus. FINSTERFORST sind nicht das, was ich persönlich musikalisch bevorzuge, aber ich kann nicht leugnen, dass sie auf jeden Fall ein Garant für eine professionelle Performance sind, die Folk- und Pagan Metal Fans auf ihre Kosten kommen lässt.

Mit der Hymne der Revolution: „Mach dich frei!“ schließen FINSTERFORST ihr Set und mobilisieren noch einmal alle Kräfte im Publikum – alles in allem ein runder Auftritt.

Es ist Krieg, ihr Wichser!

Malin: Last but not least haben TOTENWACHE ihren großen Auftritt und runden damit das Fimbul Festival 2020 ab. Ich war im Vorfeld schon sehr gespannt darauf, sie endlich mal live zu sehen. Und ich werde nicht enttäuscht! Die drei Hamburger spielen anti-christlichen Black-Metal á la SARGEIST, aber mit einer eigenständigen Note. Die Optik ist dafür mit Corpsepaint und schwarzer Klamotte recht klassisch gehalten, zusätzlich unterstützt die Dunkelheit der Nacht die düstere Atmosphäre. Vor der Bühne hat sich eine ansehnliche Zahl von Zuhörern eingefunden. Leider fühlen sich außer mir nur wenige davon zum Headbangen veranlasst. Aber es ist ja auch schon spät und schließlich wird man gegen Abend nicht unbedingt nüchterner.

Für Reaktionen im Publikum sorgt der Sänger von TOTENWACHE dafür mit seinen Ansagen. Auf seinen unvermittelten, heiseren Ausruf „Es ist Krieg, ihr Wichser!“ (na, wer hat die Anspielung verstanden?) erntet er verhaltenes Gelächter. Bei der Ankündigung „Es ist Zeit für eine Säuberung!“ hingegen hört man beinahe ungläubiges Raunen der Sorte: „Hat er jetzt nicht gesagt“. Aber keine Sorge, bei „Säuberung“ handelt es sich lediglich um einen Songtitel von der Split „Verbrannte Erde“. Das Fimbul Festival bleibt also verschont. Mich hat der Auftritt von TOTENWACHE definitiv überzeugt und auch hier nutze ich die Gelegenheit, noch schnell eine CD und ein Patch zu erwerben.

Fazit

Simon: Das Fimbul Festival war etwas ganz besonderes – nicht nur wegen der Umstände. Auf dem Fimbul Festival findet man alles, was viele bereits auch am Dark Troll zu schätzen wissen: eine insgesamt Top-Organisation, Leute (auch Gäste), die allesamt Bock auf ein cooles und entspanntes Festivalwochenende haben, eine hammermäßig schöne Location, die abgelegen, aber nicht ZU abgelegen ist und musikalisch gesehen alles, was das Pagan- und/oder Black Metal Herz begehrt. 

Und: aufgrund der gegebenen Umstände hoffe ich, dass sich noch mehr Veranstalterinnen und Veranstalter ein Beispiel nehmen am besonderen Mut und der Willenskraft der beiden Veranstalter, den/die es in diesen Zeiten besonders braucht. Zudem hätte man im Anbetracht des Verlaufs der Covid-19 Pandemie wohl nur schwerlich einen besseren Zeitpunkt für das Festival erwischen können. Ich hoffe das Beste und insbesondere, dass uns allen das Fimbul und das Dark Troll Festival mit seinen wunderbaren Veranstaltern erhalten bleiben!

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Simon

Vielen Dank für die großartigen Bilder an Carsten Brand!
HIER findet Ihr noch mehr Fotos!

Der Beitrag Fimbul Festival 2020 – Part 2 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Die tragisch kurze, ja gefühlt fast gar nicht richtig dagewesene Festivalsaison für ein Jahr ist vorbei und wir blicken zurück auf eines der wenigen Festivals aus einer Hand voll, die überhaupt „normal“ stattgefunden haben. Für mich war es 2020 das einzige: Das Fimbul Festival!

Freunde und Fans des Dark Troll Festivals werden es zuordnen können, denn dessen sympathische Veranstalter Maik und Kelly sind die beiden Männer, denen wir auch das Fimbul zu verdanken haben. Und auch die bekannte, wunderbare Location – die Schweinsburg Bornstedt – ist die gleiche. Zuletzt fand das „Fimbul Festival“ im Jahre 2012 statt. Es ist also ein eher unregelmäßiger Ableger des Dark Troll, das ja bekanntermaßen jedes Jahr am Himmelfahrtswochenende seinen Platz findet. Doch was stattdessen vom 21.05. bis 23.05.2020 stattfand, das haben wir sicher alle noch genau vor Augen: NICHTS. Und das ist sowohl für die Fans wie auch für Maik und Kelly ein untragbarer Zustand in Bezug auf Metalfestivals.

Maik und Kelly – die Motoren

Deshalb haben sich die beiden intensiv mit den Behörden auseinander- und zusammengesetzt und wieder einmal bewiesen, dass sie echte Profis in der Organisation von Festivals sind. Sie haben Bock und wollen ein Zeichen setzen, dass alles geht, wenn man es nur will und hart dafür arbeitet. Denn KEIN Festivalveranstalter hatte Erfahrungen mit Hygienekonzepten, wie sie die Behörden 2020 erwarteten und sich dabei selbst nicht einmal sicher sind, was eigentlich die absoluten Vorgaben und Grenzen sind. Doch Maik und Kelly haben daran geglaubt und das Unmögliche möglich gemacht. Und: mit Bravour! Da sind sich alle Besucher und insbesondere die gesamte Crew, zu der ich mich zählen durfte, absolut einig. Denn das Fimbul Festival 2020 fand ohne irgendwelche größeren Komplikationen statt und fühlte sich trotz aller Umstände angenehm und familiär an.

Und so konnte ich an zwei Tagen – dem 4. und 5. September 2020 – ein in vielerlei Hinsicht ganz besonderes Festival besuchen. Das Line-Up, das wie gewohnt je etwa zur Hälfte aus Black- und Pagan Metal Bands, oder eben aus Pagan Black Metal Bands bestand, stammte dieses Mal den Umständen geschuldet nahezu ausschließlich aus Deutschland und Österreich. Und dennoch wurde es so gut wie nie langweilig! Kein Wunder, denn ich habe den Eindruck, dass Maik und Kelly sich die Bands offenbar sehr gewissenhaft aussuchen und so blieb es trotz verhaltener Genrevielfalt spannend und abwechslungsreich. Und auch hier wurde noch einmal deutlich, wie offenbar beliebt und talentiert die Veranstalter sind, indem kurzerhand mit HARAKIRI FOR THE SKY ein überaus adäquater Ersatz für die aus zweifelhaften Gründen kurzfristig abgesprungenen HELRUNAR gefunden wurde.

Schwierige Umstände erfordern Willenskraft und Witz

Auch wenn das hier nicht noch einer von zehntausend Corona-Artikeln werden soll, so sei an dieser Stelle doch noch einmal etwas zu den Rahmenumständen gesagt:

Im gesamten Bereich vor der Bühne, sowie in den Sanitärbereichen und an sämtlichen Ständen bestand die Pflicht einen Mund-Nasen-Schutz zu tragen. Darüber hinaus galt dies auch, sofern auf dem Gelände irgendwo der einzuhaltende Mindestabstand von 1,5 Metern nicht eingehalten werden kann. Es erscheint logisch, dass da auch eine Reduktion der Besucherzahl notwendig war. Statt sonst bis zu 1.200 Besuchern beim Dark Troll Festival zählte das Fimbul Festival nur knapp über 500 Besucher. Immerhin sorgte dies aber dafür, dass man nirgendwo lange anstehen musste oder es allgemein „zu voll“ wurde. Für die Veranstalter jedoch bedeutet dies logischerweise erheblich weniger Einnahmen. Doch auch hier strahlten sie einen gewitzt gesunden Optimismus aus: „Da müssen die Leute ehmd ‘n bisschen mehr trinken!“

Und es wurde getrunken! Bier, Met, Cocktails (also das übliche), aber auch Whisk(e)y und Rum – denn auch ein „Whisky & Met“ Stand war trotz des etwas abgespeckten Angebotes an Ständen da, sodass ich mir nicht nur abwechslungsreiche Musik zuführen konnte. Und da wir einmal beim leiblichen Wohl sind: Auch beim Essen hat jeder irgendetwas gefunden. Ein Stand mit Knoblauchbrot bot sogar eine vegane Variante neben der üblichen an!

Endlich da – wieder zuhause

So schreite ich also am ersten Konzerttag etwas zögerlich, verunsichert aber gleichzeitig hibbelig von einem der Campingplätze auf das Konzertgelände. Bei der Einlasskontrolle versichern sich die Security-Kräfte davon, dass jeder Besucher eine Maske bei sich hat. Und dann steht man da. In irgendwie gewohnter Umgebung, bei ganz angenehmen 22 Grad und vereinzelten Sonnenstrahlen, die am ersten Konzerttag noch ab und an durch die Wolken brechen. Ich halte kurz inne und bemerke, dass das etwas Besonderes ist und dass ich es bisher leider oft gar nicht so wahrgenommen hatte.

Gänsehaut

Und dann, als mit INVOKER aus Köthen am Freitag die erste Band mit ihrem Soundcheck beginnt und wenig später auch mit ihrem Auftritt, spätestens dann hat garantiert jeder seinen Gänsehautmoment. Wer hätte gedacht, dass man diese Atmosphäre so vermissen kann!

Die Tatsache, dass INVOKER ihren Job sehr gut machen und auch der Sound auf Anhieb ziemlich gut ist, lockt schnell die ersten neugierigen Zuschauerinnen und Zuschauer vor die Bühne. Dort stellen sie sich bedächtig auf die Markierungen auf dem Boden. Selbstverständlich mit Maske, aber auch mit Lust auf Musik, beginnen sie schnell, mit dem Kopf im Takt der Musik zu nicken, die ich als Blackened Death einordnen würde. Vereinzelt wird sogar von der ersten Minute das Haar geschüttelt! Eine wahre Wonne, die mich zum Grinsen bringt.

Die Musik, tiefe, aber oft sägende Gitarren, Blastbeats und eine schnelle, marschierende Bassdrum, auch mal Doublebass-Passagen, sowie die tiefen Growls des Sängers locken schnell weitere Gäste an. Anfangs wirkt der Sound des Gesangs etwas stumpf und die Höhen der Gitarren etwas verschwommen, was sich aber zügig bessert. Zwischen den Songs meldet sich der Sänger freundlich und spürbar dankbar: „Schön, das wir überhaupt hier sein dürfen!“, und ergänzt kurz darauf „…immer schön die Abstände einhalten! Das sieht so geil aus!“ – allgemeine Erheiterung im Publikum. Eine sympathische Band, die ich im Hinterkopf behalten werde, auch wenn ihre Musik mich persönlich nicht ganz abholt. Für einen Opener ist die Band auf jeden Fall extrem gut und „aktivierend“!

Flötenmelodei mit Wumms

Nach einer kurzen Umbaupause folgen pünktlich die Pagan Metaller von JÖRMUNGAND. Die Band aus Köln steht mit fast komplett neuer Besetzung auf der Bühne und erfreut sich beim Publikum von Anfang an großer Beliebtheit. Ein für mich sympathischer Aspekt ist, dass sie dabei als Pagan Band ganz ohne „Kostüme“ auskommen und mit ihrer Musik und Bühnenpräsenz  überzeugen. Außerdem sehe ich den Musikern an, dass sie Spaß haben.

Die mächtigen, episch-melodiösen Melodien mit angenehm schwarzem Anstrich, kreischend-krächzendem, aber ausdrucksstarken Gesang und schnellen Drums bringen die Burgmauern zum Beben. Die meiner Meinung nach verzichtbaren, sich immer wieder untermischenden flötenartigen Melodien werden überdeckt durch die sympathische Ausstrahlung von Sänger und Band. Ich kann genau wie das restliche Publikum den Auftritt mit einem wohlig-angenehmen Gefühl verfolgen, während ich das schöne Wetter und die vermisste Festivalatmosphäre genieße.

(Ausnahme)Talente

Mit NORNIR aus Freiberg schließt sich eine Band an, die bereits vor ihrem Auftritt aufgrund ihrer Musik mein Interesse geweckt hat. Die vierköpfige Band, die mit Sängerin/Gitarristin und Bassistin neben zweitem Gitarristen und Schlagzeuger ein Musterbeispiel dafür sind, dass sich Frauenanteil und trver Black Metal ganz wunderbar miteinander vereinbaren lassen, wecken offenbar nicht nur mein Interesse.

Bereits bevor die Band zu spielen beginnt, spätestens aber mit Beginn des Intros (Trommeln, nornenhafter Gesang) – füllt sich der Bühnenvorplatz mit offensichtlich schwarzmetallisch interessiertem Publikum. Zurecht! Denn es dauert nicht lange, da ertönt ein lauter, krächzender Schrei, der Mark und Bein durchdringt und damit auch den übrigen Instrumenten das Startsignal gibt. Jetzt bricht bitterkalter Black Metal über uns herein. Dank des ausgewogenen Sounds ertönen die Black-Metal-typisch hoch sägenden Gitarren und das schmerzvolle Schreien der Sängerin klar und deutlich. Auch die Doublebass trifft sauber und walzt einfach alles nieder.

NORNIR werden damit definitiv eins meiner absoluten Fimbul Festival-Highlights, das ich jedem geneigten Black Metal Fan als Live-Erfahrung ans Herz lege. Dem Publikum vor Ort gefällt es so gut, dass die Anzahl der Personen vor der Bühne es erstmals schwierig macht, die Abstände auf das „Corona-Maß“ einzuhalten – doch es tragen alle vorbildlich Masken. Und siehe da: Auch Headbanging klappt wunderbar mit Maske!

Bekannte Gesichter

Als hätten sie nur auf die Dunkelheit gewartet, betreten die Pagan Black Metaller von GERNOTSHAGEN die steinerne Bühne. Hier wird nicht mit Bärten, langen Haaren und Knochenaccessoires gegeizt, Sänger Askan trägt eine Gesichtsbemalung im angesagten Streifenlook und die leuchtend blauen Kontaktlinsen sorgen in Kombination mit der Kapuze für die Optik eines unheilbringenden Hexers. Mit heiserem Krächzen und schmetterndem Klargesang, bei dem ihm manchmal etwas die Puste auszugehen scheint, unterstützt er den brachialen Sound der Instrumente, der nur eine Richtung kennt: Nach vorn!

Aber GERNOTSHAGEN haben auch ein episches Keyboard und schöne Gitarrenriffs zu bieten, was bei den Zuschauern gut ankommt. „Könnt ihr noch, mit euren Masken?“ – Ja, wir können noch! Der begrenzte Platz vor der Bühne ist gut gefüllt, vereinzeltes Headbangen paart sich mit beständigem Kopfnicken. Und damit das Publikum nicht vergisst, wer ihm trotz Corona dieses Festivalerlebnis ermöglicht hat, bedankt sich der Sänger am Ende auch nochmal bei den mehr als engagierten Veranstaltern.

Ein würdiger Ersatz…

Pünkltlich um 22:15 Uhr beginnt mein zweites Festivalhighlight: die österreichischen Post-Black-Metaller von HARAKIRI FOR THE SKY. Als ob sie nicht ohnehin schon zu meinen Sympathieträgern dieses Genres gezählt hätten, holen sie sich zusätzliche Punkte auf meiner Beliebtheitsskala, indem sie sehr kurzfristig für Helrunar eingesprungen sind, die leider offenbar aus fadenscheinigen Gründen abgesagt haben. Auch für die Veranstalter war klar, dass das für das Festival Line-Up jedoch eher einen Gewinn als einen Verlust darstellen würde. Und genau das wird auch durch meinen Blick auf die Zuschauer bestätigt, als ich um mich blicke. Falls während der Spielzeit von HFTS überhaupt noch jemand auf einem der Campingplätze ist, sind es jedenfalls nicht viele.

Die Bühne färbt sich rot und Nebel legt sich von der Bühne aus auch auf das Publikum in dieser lauen Spätsommernacht, als HFTS mit ihrem sentimental-melancholisch düsteren Black Metal beginnen. Die Atmosphäre könnte für ihre Musik nicht besser sein. Denn so gut das Ambiente der Schweinsburg auch allzu offensichtlich zu Mittelalter und Pagan passen mag – an diesem Abend wird deutlich, dass es auch hervorragend zu Musik à la HFTS passt.

Die wuchtigen Soundwände, die durchdrungen werden vom verzweifelten Schreigesang des Leidenschaft für die Musik ausstrahlenden Sängers werden durch den gewohnt souveränen Sound noch ergreifender. Die intensive, abwechselnd einfarbig blaue oder rote Bühnenbeleuchtung komplettiert das intensiv melancholische Erlebnis. Nahezu jede Person vor der Bühne bewegt sich, tanzt, oder headbangt zur dargebotenen Show. Oft, wie auch ich, mit geschlossenen Augen. Ich bin überzeugt: spätestens mit ihrer Zugabe mit „Calling The Rain“ haben HFTS bei allen Festivalbesuchern mindestens einmal Gänsehaut verursacht und zum Mitmachen animiert.

… und ein würdiger Abschluss

Man könnte meinen, dass nach so einem überwältigenden Festivalmoment das Publikum erst einmal eine Verschnaufpause braucht. Doch vielleicht wegen des sehr guten Bauchgefühls der Veranstalter für das Line-up, vielleicht wegen Corona, vielleicht wegen der allgemein kurzen Umbaupausen oder einfach der stilistischen Fortführung mit Post-Black von WANDAR aus Halle bleibt das Publikum zahlreich munter und gut gelaunt vor Ort. 

Mit ähnlich simpel gehaltener Bühnenbeleuchtung und einem wieder absolut überzeugenden Sounderlebnis aus kalter, düsterer aber mächtiger Atmosphäre halten WANDAR den Spannungsbogen sehr gut aufrecht. Das Publikum bewegt sich gefühlt ehrfürchtig und bedächtig im Rhythmus der Songs und bestaunt mit Augen und Ohren die musikalisch gezeichneten Landschaften, die mit einer überzeugenden Bühnenpräsenz dargeboten werden.  Teils mit tragenden Keyboardmelodien untermalt wird hier ein wirklich stimmiges Gesamtbild von (ist das überhaupt Post(?)) Black Metal geboten, der sich mit einer nicht beschreibbaren persönlichen Note absolut von Bands der gleichen Sparte abzuheben weiß.

WANDAR lassen mich zufrieden und in der Gewissheit, einen in sich kompletten und schlüssigen ersten Festivaltag erlebt zu haben zurück und ich kann in freudiger Erwartung der Dinge die am nächsten Tag für mich bereithält schlafen gehen.

Tag 2 findet Ihr in Kürze HIER!

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Simon

Vielen Dank für die großartigen Bilder an Carsten Brand!
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Der Beitrag Fimbul Festival 2020 – Part 1 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Als ich im April diesen Jahres erfuhr, dass AFSKY (dänisch: „Ekel“) – das Ein-Mann-DSBM-Projekt von SOLBRUD-Frontmann Ole Pedersen Luk aus Dänemark – ein neues Album releasen, war mir sofort klar: Das muss ich haben! Und: Das Ding wird richtig gut. Gespannt war ich insbesondere, ob es seinen (einzigen) Vorgänger, die unglaublich starke Scheibe „Sorg“ (dänisch: „Trauer“) noch übertreffen würde. Vorab: Die Antwort lautet „Ja“ und „Nein“. Denn die beiden Alben sind vielleicht doch gar nicht so richtig miteinander vergleichbar.

Liebe auf den ersten Blick

Vorab: Wie habe ich AFSKY entdeckt? Nun, das begann alles, als ich SOLBRUD, die erwähnte „Hauptband“ Ole Luks, im August 2018 gemeinsam mit MULTILATION RITES und ZEIT beim „Paranoya over Dresden“ in der Chemiefabrik Dresden erleben durfte. Als absoluter Liebhaber (melodiös-) schwarzmetallischer Klänge war das für mich ein Pflichttermin, zumal die gute alte „Chemo“ ohnehin immer einen Besuch wert ist. Ich erwartete Gutes und bekam: Großartiges. Wenn mich eine Band live direkt sowas von überrollt und mitschleift, dann muss ich mich hinterher einfach intensiver mit ihnen beschäftigen.

Und siehe da: Über Bandcamp erfuhr ich, dass der unglaublich sympathische Sänger, mit dem man in der familiären Atmosphäre der „Chemo“ ein schönes Schwätzchen halten konnte, noch ein DSBM-Projekt betreibt: AFSKY. Vorerst skeptisch, da selbst mir in diesem Genre so manches Werk doch zu gestört und zu wenig „vorantreibend“ klingt, wurde ich sogleich auch von „Sorg“ so sehr abgeholt, dass ich mir die Band unbedingt live geben musste. Dazu hatte ich beim „Vendetta Fest“ 2019 im „Zukunft am Ostkreuz“ Gelegenheit. Und, was soll ich sagen? Einmal wieder waren die Wucht und Atmosphäre noch atemberaubender als der gute Sound der Band. Warum ich Euch das erzähle? Nun, als absolute Empfehlung sich AFSKY live anzuhören!

Dann war es soweit: Dank der sozialen Medien aka Instagram (@excalikurt, @afskyofficial) und Bandcamp bekam ich schon frühzeitig mit, dass da etwas Großartiges auf dem Weg ist.

Eine Reise durch die dänische Kulturgeschichte

Schon das Coverartwork von „Ofte Jeg drømmer mig død“ gewährt einen ersten Eindruck von der nüchternen, trostlosen und doch brachial verzweifelten Atmosphäre des Albums. Es handelt sich um das Gemälde „Udslidt“ („Abgearbeitet/erschöpft“) von H. A. Brendekilde (1889), das im Kunstmuseum „Brandts“ in Odense, Dänemark, in beeindruckender Größe (207 × 270 cm) ausgestellt ist. Es handelt sich um das bedeutendste Werk des Künstlers. Es zeigt eine Frau aus einfachen, ländlichen Verhältnissen, die auf einem weiten Acker ihren von der harten Arbeit zu Tode erschöpften Mann im Arm hält, während sie aus Verzweiflung mit weit geöffnetem Mund (um Hilfe) schreit.

 

 

 

 

 

 

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Very impressive size! Today I’m invited to Odense art museum Brandt’s, to be a part of the online presentation of the painting ‘Udslidt’ I used for my album artwork. Amazing to see it live for the first time! . Check out the event on Facebook if you like! Starts 2pm danish time. . .. … #brandts #klædefabrikken #afsky #blackmetal #habrendekilde #udslidt

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Jun 3, 2020 um 3:52 PDT

Diese Atmosphäre und die Kritik an den gesellschaftlichen Verhältnissen – der Schere zwischen Arm und Reich – die das Bild thematisiert, finden sich auch in vielen der Texte und Gedichte wieder, die auf „Ofte Jeg drømmer mig død“ („Oft träume ich mich tot“) zu finden sind und die von Ole Luk lediglich mit seiner Musik untermalt wurden. Also: Keine der Lyrics auf „Ofte Jeg drømmer mig død“ sind von Luk, sondern historische Texte teils bekannter Autoren, die im Booklet oft mit abgebildet sind. Es lohnt sich daher, einen genaueren Blick in diese Texte zu werfen. So ist auch der Titel des Albums selbst textlicher Bestandteil des dritten Stücks „Imperia“, das auf dem gleichnamigen Text von Sophus Claussen, einem dänischen Autor der Neoromantik, beruht. Aber fangen wir vorne an, bei „Altid Veltilfreds“ nämlich.

Genügsamkeit finden in der Einfachheit

Das Stück geht auf den gleichnamigen Text eines unbekannten Autors um 1600 zurück und bedeutet übersetzt „Immer zufrieden“. Es startet mit beruhigendem Meeresrauschen, über das sich akustische Gitarrenklänge und eine Nyckelharpa legen. Der Melodieverlauf schwillt in Begleitung von E-Gitarre und Schlagzeug immer weiter an, bis sich das Stück nach fast 3 Minuten und einer kurzen Ruhepause mit einem Schrei vor dem Hörer aufbäumt. Von da an kämpft sich „Altid Veltifreds“ schnell und getrieben seinem Ausklang entgegen.

Man könnte die Stimmung des Stücks als „sentimentales Voranpreschen“, als „schmerzenden Kampf“ beschreiben. Der Text handelt, soweit ich das bei der Übersetzung eines so alten dänischen Textes sagen kann, von Gedanken, die ein bescheidener, zufriedener, einfach lebender, aber nachdenklicher Mensch seinerzeit wohl hat. Von der Vergänglichkeit des Lebens, dem Glück, das man in einfachen Momenten finden kann, der Unbeeinflussbarkeit der Dinge und des scheinbar nutzlosen Strebens nach Dingen, die sobald man sie erreicht hat, schon vergangen sind. Der Protagonist findet viel mehr seine nüchterne Erfüllung in dem, was sich ihm ergibt.

Auszug:

Lieber tot, als Sklave zu sein

Gefolgt wird der Song von „Tyende Sang“ („Lied des Dieners“) nach dem gleichnamigen Text Jeppe Aakjaers aus 1907. Der enthält deutlich mehr Aktionismus, den man auch musikalisch spürt. Die letzten drei Zeilen des Stücks sind separat im Inlay des Albums abgedruckt und bedeuten ins Deutsche übersetzt in etwa:

„Dann pflügen wir fröhlich unser hügeliges Land, nachdem wir unseren eingeschüchterten Stand aus der Macht der jahrelangen Sklaverei befreit haben“

(„Da pløjer vi muntre vort bølgende Land, naar først vi har friet vor kuede Stand fra Tusindaars-Trældommens Nat.“)

Der Text kann also als Hymne des Aufstands und der Revolution der Unterdrückten gegen ihre Peiniger verstanden werden – und genauso hört sich auch der Song an. „Tyende Sang“ knüpft direkt an den Ausklang seines Vorgängers an und bricht dann in gnadenloses Doublebassgewitter aus, überschattet von vorantreibenden, melodiösen Riffs. Melodische Leadgitarren übernehmen das Spiel, durchdrungen von den geschrienen Textpassagen. Über seine ganze Spiellänge wechselt sich der Song dann ab mit ruhigen Abschnitten und brachialen, aber auch intensiv melodiösen Ausbrüchen, bevor er wieder mit Akustikgitarrenspiel und Regenschauern ausklingt und man sich fragt, wovon dieses Stück erzählen will – vom Sieg unter Hinnahme schwerer Verluste oder doch von ernüchternder Niederlage.

„Oft träume ich mich tot“

Und so gelangen wir schließlich zu „Imperia“, dem eingangs erwähnten Stück, aus dem der Albumtitel entliehen wurde:

„Ich bin Imperia, die Königin der Erde. So stark wie die Kälte die im Schoß der Berge schlummert. Dunkel und unveränderlich. Oft träume ich mich tot.“

Und genau so, wie die ersten Zeilen dieses Textes anmuten, klingt auch „Imperia“. Ein unglaublich kraftvoller Song des Albums, der nur in seinen ersten Sekunden schwermütig anklingt, um direkt mit einer erhabenen Eiseskälte über mich hereinzubrechen.

Aber sollte man „Imperia“ wegen seines Bezugs zum Albumtitel als Herzstück des Albums bezeichnen? Meines Erachtens bewegt sich der Song musikalisch absolut ebenbürtig zwischen seinen fünf „Mitstreitern“. Wie auf dem gesamten Album paaren sich auch bei „Imperia“ immer wieder ruhigere, teils akustisch/folkloristisch anmutende Passagen mit gnadenlos sägenden und melancholisch-melodiösen Gitarren, begleitet von Blastbeats und untermalt von Luks Schreien voll markerschütternder Kälte. Tempo- und Melodiewechsel finden nahezu im Minutentakt statt. Das macht dieses Album sehr angenehm zu hören. Es lässt beim Hören stets Verschnaufpausen, treibt mich trotzdem immer wieder mit neuer Energie voran und schreit gefühlt den ganzen Schmerz, der in den Texten verarbeitet wurde, heraus.

Um das eigene Leben kämpfen

Ähnlich wie „Tyende Sang“ mutet auch „Bondeplage“ („Bauernleid“), basierend auf einem Text aus 1600, wie eine Hymne zur Befreiungsschlacht der Unterdrückten an und walzt ebenso majestätisch alles nieder, was sich ihm in den Weg stellt. Eine Fusion aus Doublebass und Gitarren überrollt mich beim Zuhören, reißt mich nieder, bevor sie mich mit sich reißt und anschließend überwältigt zurücklässt. Ganz so wie die donnernden Hufe einer rasenden Horde, die gekommen ist, um ihre Knechtschaft abzuwerfen und dabei alles zu geben – notfalls ihr Leben. Auch hier wird, ähnlich wie bei „Tyende Sang“, das Gemetzel durch eine Erzählstimme unterbrochen, bis der Sturm der Wut, Verzweiflung und Rache erneut hereinbricht und sich zuletzt ein fast schon idyllisch anmutendes, ruhiges Ende anschließt, in das sich der Song verabschiedet.

Frieden finden

Fast schon wie eine Art ernüchterte Einsicht, vielleicht darüber, dass sich die Zustände ja doch nicht nachhaltig zum Besseren wenden, wirkt dagegen der fünfte und damit vorletzte Song des Albums „Stemninger“. Hier wurde ein Gedicht von Hans Christian Andersen verarbeitet, dessen Titel sich mit „Stimmungen“ übersetzen lässt. Der Text spielt mit der Akzeptanz, ja fast schon dem Herbeisehnen des Todes. Romantische Metaphern wie die, dass auf dem eigenen Grab Wildrosen wachsen werden und Kinder dort spielen, wo man begraben ist, zeichnen ein ganz neues Bild. Ein Bild, das auch sagen könnte: „Es ist gut – der Kampf ist gewonnen. Es hat sich gelohnt. Ich habe ihn für euch gekämpft, ihr kommenden Generationen“.

Zugleich klingt „Stemninger“ deutlich tragender und schleppender als seine Vorgänger. Gleichwohl ertönt auch hier irgendwann der martialische Schrei, begleitet von Doublebass und schwereren Melodien. Die sägend-melodiösen Gitarren sind wohl ein musikalischer Ausdruck der Sentimentalität und Ernüchterung, die sich durch das gesamte Album zieht.

Schlussendlich verabschiedet sich das Album von uns mit „Angst“ nach Emil Aarestrup, dessen Titel wohl keiner Übersetzung bedarf. Die in „Stemninger“ begonnene Schwere und Trauer setzt sich fort und findet sich in ebenso bleischwer und bitter anmutenden Melodieverläufen wieder. Auch hier wurde natürlich nicht an üppigen Gitarrenwänden und Doublebass gespart. Die Stimmung ist dennoch deutlich weniger „aufmüpfig“ als noch bei „Tyende Sang“ oder „Bondeplage“. Stattdessen verstärkt sich die romantische Stimmung noch mehr und wirkt wie der Genuss des Momentes im Angesicht der eigenen Vergänglichkeit. Allerdings erscheint diese Einsicht eher tröstend. Es ist, als wollte der Text lehren, den Moment zu „umarmen„, solange das Herz noch „Blut und Wärme“ hat. Mit dieser romantisch-sentimentalen Stimmung und friedlichem Vogelgezwitscher schließt dieses Stück das Album.

Mein Fazit

Nach dieser umfangreichen Reise durch die Hintergründe des Albums können wir getrost festhalten, dass „Ofte Jeg drømmer mig død“ alles andere als ein belangloses Stück Musik ist. Es ist alles andere als Gepolter und Blastbeats. Es hat Herz, und zwar ein sehr altes, das aus den alten dänischen Texten und deren Bedeutung für den Künstler besteht, der sie nach seiner Wahrnehmung musikalisch untermalt hat. Doch auch ohne inhaltliches Auseinanderklamüsern reißt die Scheibe schon beim ersten Hören mit, sodass man sich schnell in dessen vorantreibende, schwere und düstere Kraft hineinfindet.

Von seinem Vorgänger „Sorg“ unterscheidet sich das Album allerdings stellenweise deutlich. „Sorg“ ist depressiver, aber auch schneller und hört sich aufgrund der deutlich bassärmeren Vertonung rauer, kälter, roher, kompromissloser und irgendwie trockener an als sein Nachfolger.  „Ofte Jeg drømmer mig død“ wirkt etwas schleppender und sein Sound hört sich satter und wärmer an. Dementsprechend ist „Sorg“ ein ausgezeichneter und herausragender Vertreter dessen, was klassischen, schnellen DSBM ausmacht. 

Das Album wurde von der dänischen Presse so stark wahrgenommen, dass es gleich in mehreren Artikeln dänischer Zeitungen aufgegriffen wurde und Ole Pedersen Luk vor dem Originalgemälde im Kunstmuseum „Brandts“ in Odense gemeinsam mit einer Cellistin ein Akustikkonzert geben durfte.

 

 

 

 

 

 

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Thanks for watching yesterday! And big thanks to @stniabrstrm for helping out with the cello! Thanks to @kunstmuseum_brandts for having me! #afsky #blackmetal #brandts #klædefabrik

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Jun 4, 2020 um 1:41 PDT

 

 

 

 

 

 

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5/6 in one of the biggest danish newspapers!! . .. … #afsky #blackmetal #politiken

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Mai 15, 2020 um 3:01 PDT

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Simon

Der Beitrag AFSKY – DÄNISCHE LYRIK BRACHIAL VERTONT erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.