Der Drache kommt!

Das feuerspeiende Trio aus Oslo ist zurück. Mit ihrem dritten Album in sechs Jahren lassen DRAKEN aus Norwegen die Flammen in alle Richtungen schießen. Nachdem DRAKEN ihr selbstbetiteltes Debutalbum von 2021 und dessen Nachfolger „Book Of Black“ im Jahr 2023 bei Majestic Mountain Records veröffentlicht haben, sind sie für ihren dritten Streich „Here Be Draken“ zum norwegischen Label Dark Essence Records gewechselt. Zusammen mit Kim Lillestøl haben sie im Amper Tone Studio in Oslo elf neue Tracks aufgenommen, die es wirklich in sich haben.

True Norwegian Hard Rock

Eine Dreiviertelstunde lang serviert das Dreigespann die Ohren mit einem abwechslungsreichen Sound, der wahrlich vieles kennt, aber kein Pardon. Als True Norwegian Hard Rock bezeichnen Even Hermansen (Gitarre und Gesang), Hallvard Gaardløs (Bass und Gesang), und André Drage (Schlagzeug) ihre Musik. Wer sich lieber mit gängigen Kategorien umgibt, kann hier eine wilde Mischung aus Heavy Metal, Hard Rock, Prog der harten Gangart, der Kälte des Nordens und höllischem Feuer erkennen. Das Album „Here Be Draken“ ist eine mächtige Kampfansage und eine Präsentation einer Band, die sich auf jedem der elf Tracks selbstbewusst in Szene setzt.

Hard’n’Heavy Botschafter

Auf ihrem dritten Album schaffen es DRAKEN, den Spagat zwischen harter und anspruchsvoller Musik zu vollziehen. Hymnische Refrains erheben sich wie unheilvolle Gewitterwolken aus progressiven Motiven, bevor sie sich in einem eisigen Hagel aus Rock und Metal ergießen. Der Hörspaß wird vor allem durch die abwechslungsreichen Strukturen erhöht, denn „Here Be Draken“ ist durch wirklich vielseitiges Songwriting geprägt. Beispielsweise ist der Übergang vom Doom- und Black Metal angehauchten Track „Shirts Of Black (F.O.A.D.) zur Hard’n’Heavy-Vollgas-Hymne „Endtyme“ ein wahrer Ohrenschmaus. Und es sind ebendiese Übergänge, die zwar scharf aber keineswegs abgehackt klingen, die das dritte DRAKEN Album so schön machen.

Bandcamp Profil von DRAKEN

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Creative Eclipse PR zur Verfügung gestellt.

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Hier warteten also direkt 5 Bands auf mich, und es versprach ein sehr illustrer Abend zu werden. An dieser Stelle machen wir dann gleich mal einen emotionalen Ausflug:

Die volle Vorfreude

Man kennt dieses Gefühl, wenn man nur mal kurz aus dem Block Bier holen geht, und plötzlich fällt das Tor des Jahrhunderts? Oder man ist beim Filmabend nur kurz pinkeln und es sterben 4 Hauptcharaktere? Nun, diese kurze emotionale Leere konservieren wir uns und rufen diese in wenigen Zeilen wieder ab.

Jetzt aber wieder von vorne, denn mich zog es zu recht früher Stunde zur Location – in diesem Fall den altehrwürdigen Felsenkeller. Nur war hier im Vorfeld leider kein klarer Veranstaltungsbeginn zu erkennen – lediglich der Einlass war mit 17 Uhr angegeben. Aufgrund familiärer Verpflichtungen kreuzte ich auf letzter Felge halbwegs zeitlich passend vor dem Einlass auf, und fand eine immense Schlange vor. Ich befragte also den Security-Posten am Einlass nach dem Beginn der Veranstaltung, was mittelschweres Kopfkratzen und ein „so wirklich weiß ich das auch nicht – wird wohl so 18:30 sein“ ergab. Ich sondierte also kurz die Lage, schätze die Schlange ab und beschloss, dass ich mir in der Wartezeit noch schnell eine dringend benötigte Grundlage einverleiben sollte, wollte ich den Abend überstehen. Das umfangreiche kulinarische Angebot in Leipzig-Plagwitz war dafür bestens geeignet und ich hatte innerhalb kürzester Zeit und angenehm-düster gekleideter Gesellschaft mein Essen eingeatmetr.

Emotionaler Tiefpunkt:

Also stand ich flink wie der Wind wieder vorm Einlass, reihte mich in die Schlange und unterhielt mich ein wenig mit den umstehenden Menschen, während vor der Tür gerade eine unglückliche Tetris-Runde mit den Einlassgittern für ein wenig Verzögerung sorgte. Hier im Gespräch ergab sich, dass die erste Band ELVENKING bereits 17:20 oder 17:30 gestartet hatte. Jetzt rufen wir uns kurz die emotionale Leere von oben auf, da stand ich nun etwas unglücklich da. Ändern konnte ich es nicht mehr, und so kann ich nun keine Worte zum Auftritt der Italiener verlieren. Ich habe mich mehrfach bei anderen Besuchern erkundigt und habe von allen Seiten nur gutes gehört – ich kann also jedem nur ans Herz legen, rechtzeitig den Einlass aufzusuchen und die Italiener ausreichend zu würdigen, die aber auch einen wirklich sehr frühen Slot abbekommen haben.

Keine Zeit für schlechte Laune

Nunja, mir blieb nicht viel Zeit um Trübsal zu blasen, ich orientierte mich in den Räumlichkeiten und konnte mich auch erstmal leidenschaftlich über die Mentalität der Menschen aufregen. Der Eingangsbereich inklusive Tür war proppenvoll gestellt, genau wie die 3-4 Stufen zum Parkett. Unten konnte man sich herrlich bewegen, nach Lust und Laune einen Platz im Gedränge oder ganz in Ruhe am Rand finden. Es war für alle genug Platz und freie Sicht – außer für diejenigen, die konsequent an der Tür stehen blieben… Nunja, auch das war geschafft und ich erblickte dir Bühne und frohlockte, denn HEIDEVOLK gaben sich nun die Ehre, und wie!

Es erfreut mich auch rückblickend noch sehr, wie eine Truppe grimmig guckender, bärtiger älterer Männer eine derart herzerwärmend mitreißende Musik aufs Parkett legen kann! Hier ging auch schnell die Meute mit, und um mich herum flogen die langen Haare headbangender Metaller wie holländische Windmühlenflügel durch die Lüfte. Ich fühlte mich also pudelwohl und genoß den Auftritt der Niederländer, die ich bereits letztes Jahr gerne gesehen hätte. Die Wechsel der Gesangsparts, der zwei- und manchmal drei-stimmige Gesang, die Wechsel zwischen finsteren Growls und Klargesang und dazu die mitreißenden Paganmetalklänge rissen den Saal schnell mit und sorgten für begeisterten Applaus.

Eine feine Setlist und die volle Portion gute Laune!

Bereits am Anfang vom Set gab es „A Wolf In My Heart“, was die Masse gut mittrug, ebenso wie später „Saksenland“ und natürlich als letzten Song auch „Vulgaris Magistralis“. Die Truppe hatte richtig viel Lust auf das Konzert und hatte das Publikum auch gut angezündet. Es herrschte eine sehr gute Stimmung vor, die Getränke aus Hörnern und Bechern flossen und überall waren entweder verschwitzte und/oder strahlende Gesichter zu sehen. Zugegeben hätte ich mir persönlich den Einstieg in den Abend kaum besser wünschen können und der erste Live-Kontakt mit der Band ließ auch mich mit einem breiten Grinsen zurück. Ab 18.15 ging der Auftritt im übrigen bis ca. 19 Uhr.

(An dieser Stelle kann ich gleich mal darauf verweisen, dass es bei Spotify findige Konzertbesucher der anderen Spielorte gegeben hat, die sehr detailgetreue Playlisten für den gesamten Abend angelegt haben – hier kann also parallel zum Bericht direkt musikalisch ins Geschehen hineingehört werden.

Von den Niederlanden auf die Färoer Inseln

Die Umbaupausen waren mit ca. 15 Minuten den ganzen Abend über sehr kurz, was absolut gut gelöst und sehr angenehm als Besucher war! Die Zeit reichte für eine Runde frische Luft, bevor es zurück in die warme Halle ging, und nun standen TYR auf dem Programm. Zugegeben war die Band der für mich blinde Fleck am heutigen Abend, denn ich hatte bisher nie bewusst Kontakt. Ich stellte allerdings recht schnell fest, dass ich dann doch das ein oder andere Lied der Gruppe von den Färoer Inseln kannte.

 Insbesondere der Opener „By The Sword In My Hand“ dürfte zu den bekanntesten Stücken der Band gehören und war auch mir vertraut. TYR konnten live durch eine sehr gute musikalische Präsentation ihres Materials beeindrucken und hierbei fielen auch immer wieder die Soli des Leadgitarristen Hans Hammer auf, die stark in Szene gesetzt waren. Auch stimmlich gab es hier absolut nichts zu bemängeln.

Allerdings war die Band insgesamt sehr zurückhaltend was die Interaktion mit dem Publikum betraf. Es gab durchaus viele Stimmen, die die Songs mittrugen und auch mit Applaus wurde nicht gespart, aber die mitreißende Stimmung die HEIDEVOLK erzeugt hatten, oder die beiden noch folgenden Bands mitbringen würden, konnte hier nicht geboten werden. Andererseits wurde so natürlich die Spielzeit effektiv genutzt und die Band knallte Song um Song in die dicht gedrängten Reihen vor der Bühne.

Hoch den heidnischen Hammer!

Die Nach-Recherche ergab, dass hier auch die ein oder andere Perle für Fans der Bands dabei gewesen sein dürfte, da es auch Songs von sehr alten Alben zu hören gab. Abgeschlossen wurde das Set mit dem zugegebenermaßen großartigen „Hold The Heathen Hammer High“ , was mir ebenfalls geläufig war und für mich das mit Abstand beste Stück der Band ist. Trotzdem muss ich sagen, dass der Funke hier nicht so wirklich übergesprungen ist, die ein oder andere Interaktion mit dem Publikum hätte selbiges hier vermutlich noch deutlich mehr angezündet!

Gleiches Spiel wie vorher: kurze Umbaupause, Oimel an der frischen Luft und dieses Mal auch auf Abwegen in die Region der Merchstände. Diese waren gut zugänglich und reichlich ausgestattet. Leider muss ich immer wieder feststellen, dass in der Zwischenzeit selbst bei Shirts Preise verlangt werden, die ich vor einigen Jahren noch nichtmal bereit war für Pullover zu zahlen. Ich ging an dieser Stelle also schweren Herzens leer aus, was aufgrund der Menge an bereits vorhandenen Kleidungsstücken allerdings kein wirklicher Fehler war.

Von der frischen Luft in die finnische Sauna

So suchte ich mir erneut einen Weg durch die Menge am Eingang ( warum? Ich verstehe es nicht… ) und danach einen feinen Platz mit guter Sicht für mein Highlight des Abends – die finnischen Mannen von ENSIFERUM! Die Band hatte ich meiner Erinnerung nach bereits auf dem Hellfest – und ich meine auch auf dem Wacken – teilweise gesehen, wollte hier aber seit längerem nochmal einen Auftritt aufsuchen. Umso mehr freute ich mich über das feine Line-Up des heutigen Abends und die Finnen starteten fulminant in ihr Set.

Leider musste ich feststellen, dass der Sound hier die ersten 2-3 Songs deutlich ungünstiger war als zuvor, und insbesondere die Hauptgesangsstimme von Petri Lindroos zu Beginn leider etwas unterging. Das gab sich dann aber glücklicherweise und ich umging das Problem, indem ich mich zu den treibenden Klängen der Musik wagemutig in den Moshpit stürzte und dort einige Zeit im wilden Reigen der tanzenden Meute verbrachte. Ebenso angenehm wie die Musik des Abends war auch das Publikum das sich durch sehr viele grimmige, stark-bärtige und kräftige Gestalten auszeichnete, die bei der lautstarken Intonierung ihrer Gesänge allerdings mehr Lebensfreude verbreiteten, als ein Kindergeburtstag im Bällebad.

Keine Stresser im Pogo, kein böses Wort, kein unnötiger Schubser und auch eine nahezu wohltuende Rücksichtnahme auf die weniger tanzwilligen am Rand – ich war wieder einmal positiv beeindruckt von so viel wundervollen Menschen um mich herum. Auch ich Bewegungsclown konnte mich so also ausgiebig im Pogo betun, und mir dann einen gemütlich-kuscheligen Platz in Bühnennähe sichern, von dem aus ich das restliche Set verfolgte.

Meine Achillesferse holt mich ein…

Nun ist – hier wie überall – mein großes Problem, dass ich keine Songtitel kenne. Würde ich auf Konzerten von Fans aus der Menge gezogen und inquisitorisch aufgrund meines selbstbezeichneten Fandaseins zu Songnamen verhört werden, so würde ich jede Veranstaltung geteert und gefedert am Pranger verlassen. Es sei mir verziehen, ich bemühe mich zumindest für die Leserschaft per Nachrecherche und nachhören die Perlen zu benennen! Mitten in meinem wilden Tanze erklang auf jeden Fall „Winter Storm Vigilantes„, was mir im Ohr hängen blieb, da es so ziemlich mein Liebling vom letzten Album war.

Bereits zu Beginn wurde zur großen Begeisterung „Twilight Tavern“ gespielt, was sich auch dadurch in mein Hirn gebrannt hat, dass die biergeschwängerte, sehr feuchte Aussprache meines Hintermannes mir den Refrain wiederholt wortwörtlich an den Hinterkopf klatschte. Auch bei „Lai Lai Hei“ und „Andromeda“ gab es ein begeistertes Publikum als Chor zu den Stücken. Durchaus als eines der Highlights würde ich „Two of Spades“ nennen, einerseits weil es ein geiler Song ist, andererseits auch, weil hier völlig unvermutet ein Part im Disco-style der 70er auftaucht, den die Band auch grandios live performte! Und sowas liebe ich ja – da stehen beinharte kriegerische geschminkte Wikinger, die sich dann aber selber eben doch nicht so bierernst nehmen und sich nicht zu schade sind, um ne funkige Zwischennummer mit Discokugeln hinzulegen!

Glückliche Band – glückliche Fans!

Auch insgesamt muss man sagen, dass den Jungs das Grinsen gar nicht aus dem Gesicht ging! Die hatten unglaublich Spaß auf der Bühne und haben sich auch sichtlich über das begeisterte Publikum gefreut – hätten die gedurft, hätten die sich noch 3 Stunden aus dem Ärmel geschüttelt und dabei nicht aufgehört zu strahlen, unglaublich sympatisch! So war es ingesamt eine Stunde, die viel zu schnell verging, aber mächtig Eindruck hinterließ. Apropos Eindruck – mir gefällt ja immer, wenn ich instrumentale Besonderheiten erkenne und so fiel mir dann auf, dass Bassist Sami Hinkka einen mächtigen sechs-Saiten-Bass spielt, den er aufgrund seiner physischen Präsenz dabei allerdings auch wie eine Ukulele aussehen lässt. Ein geiler Auftritt, mir war warm wie nach ner finnischen Sauna und Publikum und Band strahlten um die Wette – so muss das!

Der einzige kleine Wermutstropfen bei dem Set war lediglich das deutlich zu helle Bühnenlicht, das ungünstig an die Decke fiel und den Saal zu stark ausleuchtete. Wenn da vorne kämpferische Wikinger ihre Mythen und Geschichten vortragen, während sie eifrig ihre Instrumente verprügeln, dann will ich nicht unbedingt den Beipackzettel im Shirt vom Vordermann lesen können. Da reichen mir verzerrt-begeisterte Fratzen, schemenhafte Wikingerhelme ( wahlweise Plastik, selbstgebaut oder auch gehäkelt vorzufinden ) und gereckte Fäuste. Aber das ist nun nur ein kleiner Punkt am Rande, der den Auftritt in keinsterweise schmälerte!

Kleine Pause vor dem großen Finale

Es folgt eine letzte Umbaupause und nach kurzer Frischlufterholung konnte ich dann auch schon das mir noch im Gedächtnis gebliebene Wikinger-Quietscheentchen auf der Bühne erspähen – ALESTORM nahte nun mit großen Schritten. Und wenn ich ehrlich bin erübrigt sich hier eigentlich ein Bericht, denn die Band kommt raus, ist von jetzt auf gleich völlig präsent und weiß genau was sie tun muss, um die Menge anzuzünden und wann da wo welcher Knopf gedrückt werden muss, damit sich alles in eine wilde Meute verwandelt. Natürlich ist ein Auftritt der Band nichts für einen Metal-Puristen, dessen musikalische Auswahl in der NWoBHM der ersten Stunde begrenzt ist. Schon alleine die verwendete Keytar und das zusätzliche Keyboard dürften hier abschrecken.

Aber umgedreht wiederrum muss man glaube ich auch kein ausgewiesener Metalhead sein, um einen Auftritt der sympathischen Schotten ausgiebig zu genießen. Die Band liefert lupenrein ab, bringt eine Riesenparty auf die Bühne und ins Publikum und ist dabei aber irgendwie auch nie drüber oder zieht etwas ins lächerliche. Es ist eben einwandfreier Piratemetal mit dazu passenden Texten und die ideale Gelegenheit um in einem Metalumfeld eine feine Party zu genießen. Dabei hat die Band natürlich Klassiker im Gepäck, unter die dann beliebig verschiedene Stücke neuerer Alben gemischt werden können, sodass immer genug für alle dabei ist. Das Repertoire ist groß genug, aber natürlich sind „Drink“, „Keelhauled“, „Fucked with an Anchor“, „Hangover“ aber auch neuere Lieder wie  „P.A.R.T.Y.“ oder „Uzbekistan“ eine Basis, um die sich vieles perfekt arrangieren lässt.

Party? Aber hallo!

Das Publikum geht hier absolut einwandfrei mit, viele sogar permanent textsicher – und mit großer Begeisterung entstehen Moshpits, Circle Pits und natürlich auch die obligatorische Rudereinlage sobald irgendeine Band mit nautischem Bezug auf der Bühne ist. Hier bleibt auf jeden Fall kein Auge trocken, kein Shirt unverschwitzt und kein Bein, das nicht den ein oder anderen Tanzschritt einlegt. Und so liefern ALESTORM hier einen (denk)würdigen Abschluss des Abends ab, und überzeugen mich absolut davon, dass das Partybandkonzept auch in einer geschlossenen Lokalität mitten im kalten Winter hervorragend funktioniert.

Was mich allerdings stark irritierte war dann doch die Tatsache, dass die Band – im Gegensatz zu vielen ihrer Songs – auf der Bühne eher zur Wasserflasche als zu der ein oder anderen Spirituose griff, hier hatte ich eher Rum aus dem Schuh des Nebenmannes erwartet, aber vielleicht passiert das dann doch eher hinter verschlossenen Türen nach einem gut performten Gig, was dann auch irgendwie wieder für die Professionalität der Truppe spricht.

Fazit:

Wer noch die Möglichkeit hat, das Paganfest 2025 zu besuchen – geht hin! Hier gibt es einen riesigen Haufen guter Musik für einen fairen Preis in einem absolut würdigen Rahmen mit großer Begeisterung! Diesen Abend sollte man sich nicht entgehen lassen, wenn man den dort vertretenen Spielarten des Metal zugetan ist! Ich sah nach dem Abend genauso zufrieden aus, wie der ausblasbare Kollege hier:

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Der Name TANTRUM kann viele Assoziationen aufrufen. Viele denken sicherlich an das gleichnamige Getränk aus der Serie HOW I MET YOUR MOTHER, und auch in den Sphären der Musik taucht der Name oft auf. Es geht hier allerdings weder um die Post Hardcore Band aus Montpellier, noch um die japanische Hardcore Punk Band, und auch nicht um die Thrash Metal Band aus Sri Lanka. Es geht um TANTRUM aus Glasgow, um Mark Riches (Schlagzeug), Chris Horne (Bass), Micah Snow (Gitarre), Baz Fitzsimmons (Gitarre), und Mark Reid (Gesang). Nach „Melt It Down“ (2018) und „Another Life“ (2023) veröffentlicht die schottische Band mit „No Place For The Damned“.

Dreifaltigkeit und Zerstörung

Schon auf ihren vorigen Releases haben TANTRUM gerne lyrische Themen eingebaut, die sich über mehrere Lieder erstrecken. Im Falle des vorliegenden Albums ist das die Trinity Trilogie, die in den Stücken „Manifest Destiny“, „Hellbound Planet“ und „Traveller“ erzählt wird. Um dieses Narrativ herum handeln acht weitere Stücke von düsteren Zeiten, sowohl im Kleinen als auch im ganz Großen. Es geht um depressive Episoden und Suizidalität, um die Zerstörung unseres Heimatplaneten, um Gewalt, Krieg und Zerstörung. Wahrlich sind das keine Gute-Nacht-Geschichten, die uns TANTRUM hier präsentieren. Stattdessen zeigt das Quintett nüchtern und kompromisslos auf viele Dinge, die auf unserem Planeten und in der menschlichen Gesellschaft schief läuft.

Tradition und Nostalgie

Auf musikalischer Ebene bewegen sich TANTRUM in den Gefilden des Heavy Metal mit gewissen Ausflügen in Richtung Power Metal. Eine genauere Eingrenzung führt in Regionen wie New Wave of British Heavy Metal oder New Wave of Traditional Heavy Metal. Wer also musikalisch vor allem den britischen Sound der 1970er und 80er liebt, wird hier sicherlich frohlocken, den VoKuHiLa bürsten und die Jeansweste mit den IRON MAIDEN– und JUDAS PRIEST-Patches aus der Kammer holen (oder natürlich mich für diese hart vereinfachte Stereotypisierung rügen).

Das soll heißen „No Place For The Damned“ bereitet auf weiten Strecken wirklich viel Freude, und lädt zum Headbanging und zum Feiern einer unsterblichen Musikkultur ein. Allerdings bleibt in der Nachlese wenig hängen. Mit „Manifest Destiny“, „The Darkest of Times“ und „The Judge“ hat „No Place For The Damned“ wahrlich einige Highlights vorzuweisen. Originalität oder Alleinstellungsmerkmale sucht man jedoch vergeblich. So ist das dritte Album von TANTRUM für lange Strecken im Fortbewegungsmittel der Wahl sicherlich eine gute Hintergrundbeschallung, und taugt auch garantiert prima als musikalische Untermalung für einen Abend in der Bar. Abgesehen davon klingt „No Place For The Damned“ nach einem generischen Heavy Metal Album, einem lauwarmen Aufguss von unzähligen Releases der letzten 50 Jahre.

Homepage von TANTRUM

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Metal Devastation Radio zur Verfügung gestellt.

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Gehört ihr zufällig auch zu den Menschen, die KITTIE so gegen 1999 besonders wegen „Brackish“ gefeiert haben? Bei mir war das so. Also ich mochte das ganze „Spit“ Album und auch noch den Nachfolger „Oracle“. Aber dann ist irgendwie was passiert. Was das war, weiß ich auch nicht mehr, aber danach hab ich die Band komplett aus den Augen verloren. Vermutlich kam einfach das Leben und eine andere musikalische Orientierung dazwischen. Jedenfalls hab ich dann Jahre später mal mitbekommen, dass es die Band noch gibt (das war so 2011 zum Album „I’ve Failed You“), aber irgendwie war das da grad so überhaupt nicht meins. Danach hat die Band wohl auch pausiert und nun… 13 Jahre später erschien da plötzlich die Single „Eyes Wide Open“, die mich zugegebenermaßen ziemlich umgehauen hat. Jetzt sitze ich hier und schreibe über das jetzt erscheinende Album „Fire“… Das Leben geht schon interessante Wege. 

ENTWICKLUNG MIT KRONE

Seit Veröffentlichung von eben genannter Single erschienen noch 3 weitere, allesamt extrem überzeugend. Besonders „We Are Shadows“ halte ich für ein ziemliches Brett! Was direkt auffällt, ist die erhebliche Steigerung auf allen Ebenen. Klar, 13 Jahre sind ne lange Zeit, aber in der kann man sich auch durchaus mal verschlechtern, KITTIE aber nicht. Also so gar nicht! Sei es das Songwriting, die Produktion und der Sound an sich, oder eben besonders die stimmlichen Facetten. Egal ob nun die klaren Vocals, oder das was Frontfrau Morgan aus den Tiefen ihrer Kehle rausholt – überall hört und spürt man eine enorme Steigerung zum direkten Vorgänger von 2011. Dafür direkt mal fetten Respekt! 

Das Album besteht aus 10 Songs, von denen keiner auch nur eine Sekunde Zeit verschwendet. Jeder Track kommt direkt zum Punkt und dauert auch nie länger als 4 Minuten. Lückenfüller gibt es keine, das hat „Fire“ auch absolut nicht nötig. Das Spannende an dem Album für mich: ich hatte nie das Gefühl, dass ich hier eine Zeitreise durchmache, oder Anflüge von Nostalgie verspüre. Es wirkt fast, als würde ich eine komplett neue Band entdecken. Das liegt aber sicher auch daran, dass ich ein paar Alben und praktisch die ganze Entwicklung zum Sound von KITTIE heute verpasst habe. Bei einigen Parts des Titeltracks „Fire“ hatte ich aber kurze Flashbacks. Gewollt? Gut möglich. Fakt ist aber: der Song „I Still Wear This Crown“ darf gern genau das aussagen. 

Für wen ist dieses „Comeback-Album“ denn nun eigentlich am ehesten geeignet? Tja, schwer zu sagen. Ich treibe mich zumeist im Core rum und finde auf „Fire“ einiges, was auch diesen Sektor ansprechen sollte. Ansonsten kann ich eigentlich nur sagen: wer für modernen, fett produzierten, krachenden und trotzdem reichlich melodiösen Metal auch nur ein halbes Ohr offen hat – hier macht ihr nix verkehrt! Den Spruch mit Wein und so kennt ihr ja, daher kurz zusammengefasst – alter „Falter“ – starkes Album! Leider ist es auch recht schnell wieder vorbei, aber ich hoffe, da kommt in Zukunft noch mehr. Ich passe jetzt auf, dass ich nichts mehr verpasse

Zum Schluss mal eine Aussage der Band selbst, die ich genau so unterschreiben würde. Wer hätte das vor 10 Jahren gedacht?  

„10 years ago, if someone would have told us that we would be releasing new Kittie music in 2024, we’d have dismissed them right away. It feels like something deeper than fate that’s brought us together again, allowing us to create something fearless and magical for you. We’ve worked incredibly hard over the past year, and surrounded ourselves with the ultimate dream team to make this album a reality. We cannot wait for you to lose yourselves in the passion and strength of ‘Fire’.“

Offizielle Website

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Seit ihrer Gründung vor zehn Jahren haben LUTHARO aus Hamilton, Ontario zwei EPs und ein Album in Eigenregie veröffentlicht. Zwischen dem Release des Debutalbums „Hiraeth“ und jetzt gab es noch ein paar kleine Änderungen in der Besetzung, und jetzt präsentieren sich LUTHARO stolz und kraftvoll auf ihrem zweiten Langspieler „Chasing Euphoria“. Beim deutschen Label Atomic Fire Records gibt es das Release auf Schallplatte, auf CD sowie zum Download. Die Band wiederum macht sich direkt nach dem Release zusammen mit WICKED, VICIOUS RUMORS, und RAVEN auf eine mehrwöchige Tournee durch die USA und Kanada.

Ein bunter Cocktail

„Chasing Euphoria“ ist ein äußerst abwechslungsreiches Album. Die Rhythmus-Sektion treibt sich zumeist in den Gebieten von Heavy Metal und Thrash Metal herum, während viele Gitarrenriffs in Richtung Melodic Death Metal reisen. Hier kommt der Gesang von Krista Shipperbottom sehr gut zum Einsatz, denn die Sängerin ist vom melodischen Klargesang bis zum giftigen Guttural-Schrei vielseitig fähig. So wechseln sich harmonische Hooklines, die zum Mitsingen und Feiern einladen gerne mit halsbrecherischen Headbanging-Passagen ab. Fließende Übergänge, die wie ein warmes Messer durch Butter gleiten kommen hier ebenso vor wie scharfkantige Themenwechsel, die für kleine Überraschungen sorgen.

Goodbye, Subkultur!

Mit „Chasing Euphoria“ haben LUTHARO ein Album zusammengestellt, dessen Musik für die großen Bühnen, für Feiern, und für ein breit aufgestelltes Publikum gemacht ist. LUTHARO treten selbstbewusst aus den Katakomben der Subkultur heraus und beweisen einmal mehr, dass Genres wie Melodic Death und Heavy Metal sehr wohl Menschen im popkulturellen Bereich bewegen können. Großartige Produktion trifft auf ausgefeiltes Songwriting und auf eine vielfältige Klanglandschaft, die ein weites Feld inner- und außerhalb der Genregrenzen des Heavy Metal abdeckt.

Vielleicht zu viel? Viellicht ja. Es ist sehr wahrscheinlich, dass LUTHARO mit „Chasing Euphoria“ einen entscheidenden Durchbruch schaffen, und womöglich wird sich der Stil danach auch wieder verfeinern. Derzeit wirkt es fast, als würden sie versuchen, auf zu vielen Hochzeiten gleichzeitig zu tanzen. Starke Unterhaltung bieten sie allemal.

Homepage von LUTHARO

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C Squared Music zur Verfügung gestellt.

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PURSUIT?

…hä? Wer ist das denn? Antwort: eine neu gegründete Band aus Leipzig! Die Mitglieder – bisher musikalisch eher im Hardcore unterwegs – hatten offenbar Bock auf was Neues, etwas leichter Verdauliches, Fetziges. Zudem liegt „retro“ ja irgendwie auch immer im Trend – sei es in der Mode oder in der Musik.

Immer mehr Leute scheinen zu realisieren, dass die Blütezeit (unter anderem) des Rock wohl unbestritten die 80er bzw. End-70er bis Anfang-90er sein dürften. Szenegrößen wie MÖTLEY CRÜE, ALICE COOPER, IRON MAIDEN, SAXON, DANZIG, BLACK SABBATH… deren Songs, deren Stil scheint ein magischer zeitloser Charakter inne zu wohnen. Genau diesen musikalischen Zeitgeist, dieses Flair, fangen PURSUIT auf, fassen es zusammen, beleben es wieder – und zwar nicht mit unsäglichen Remixes von Titeln anderer Künstler, sondern mit eigenen, neuen Songs, die aber trotzdem das Feeling von damals vermitteln!

Ab auf die Reise und los geht die Verfolgungsjagd!

Also zieht euch am besten eine Jeans- oder Lederjacke an, Schlaghosen und Boots, steigt in ein Cabrio mit eurer Langhaarfrisur mit Pony, Oberlippenbart und Pilotenbrille und lasst „Loose Lips“ am besten in Dauerschleife durchlaufen.

 Bereits am 15. September diesen Jahres legten PURSUIT  mit der Veröffentlichung von „hate your darlings“ inklusive Visualizer auf YouTube einen überzeugenden Start hin:

Düster-zwielichtig: „In the veil of the night we are safe“

Nicht lange danach darauf folgte am 20.10. bereits der eingängige Album-Titeltrack „Loose Lips“ inklusive Musikvideo.

Hieran erkennt jeder schnell, dass die fünf Jungs alles andere als Anfänger sind, was sowohl die Beherrschung ihrer Instrumente als auch Musikvideos betrifft. Nichtsdestotrotz unterstreicht auch das in der Handlung simple, klassisch aufgebaute, authentische Musikvideo zusätzlich den Sound und beamt einen direkt in die Musikwelt der 80er zurück – nur eben mit coolem Video in guter Qualität: ein win-win!

Typen in Schlaghosen mit langen Haaren und Oberlippenbärten

…die ihre Instrumente neben Verstärkertürmen in einer verlassenen düsteren Lagerhalle spielen, durchdrungen von Aufnahmen aus spärlich beleuchteten, zwielichtigen Gassen, in denen sich eine junge Frau herumtreibt, die von der Dunkelheit der Nacht verängstigt, verfolgt und verführt wird. Aah – das ist also diese „Pursuit“!

Ein Blick auf die übrigen Songtitel lässt erahnen, dass die Thematik ähnlich gelagert bleibt: Egal, ob leicht anrüchig/sexy: „lovers have their price“, „your last kiss“, „hate your darlings“ oder düster-zweideutig mit „coins on your eyes“, „roadreaper“, „beast with two backs“, „porcelain“ – die Songliste liest sich also in sich stimmig und passt in das Image, das Musik und Band vermitteln.

Wie klingt’s denn nun?

Tja, und wie klingen die Jungs nun? Wer sich nicht schon nach den eingangs erwähnten Szenegrößen etwas vorstellen kann oder unter „Sound der 80s“, dem sei die Musik PURSUITs kurz beschrieben mit: treibende Rhythmen, vielseitiges Riffing mit jeder Menge „Soli der alten Schule“ und mitreißender, inbrünstiger Gesang, der mich manchmal (wenn tief) an Danzig und manchmal (wenn sehr hoch) an Iron Maiden erinnert. Dazwischen – ganz vereinzelt und gezielt – ein paar Synthie Keyboards, die sich passend zum Zeitgeist dazugesellen und stimmige Passagen elegant ein bisschen schöner machen.

Tracklist:

01 – Lovers Have Their Price
02 – Loose Lips
03 – Coins On Your Eyes
04 – Your Last Kiss
05 – Roadreaper
06 – Porcelain
07 – Hate Your Darlings
08 – Beast With Two Backs

Den heißen Scheiß von PURSUIT findet ihr ab sofort bei bandcamp!

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Obwohl sich einige Bands in den letzten zwei Jahren aufgelöst haben, sind drei Hamburger mutig genug, den Versuch zu starten, sich einen Namen zu machen. VOLDT nennen sich die Jungs und haben am 08.04. ihr Debütalbum „Vandalism“ veröffentlicht. Ganz neu sind sie allerdings nicht, denn 2019 hatten sie bereits eine EP mit dem Namen „Voken“ veröffentlicht.

Die Fakten

VOLDT besteht aus den drei Musikern Alexander ’Al‘ Shirazi, Johannes Horas und Wanja Gröger. Die Band durchlief einige Phasen der Veränderung, bis sich schlussendlich das heutige Projekt VOLDT herausbildete. Ihr Debütalbum umfasst 8 Songs, läuft ca. 42 Min. und stellt ihre Interpretation des Modern Heavy Metals dar.

Ein wilder Ritt durch gesellschaftliche Themen

Der erste Track der Platte heißt „The great command“ und hat sogar schon ein zugehöriges Video. Das Intro legt direkt los und bestimmt gleich, wo es für den Song lang gehen soll – und das ist direkt nach vorne. Sehr prägnant ist auch die Stimme des Sängers Alexander. Textlich behandelt man hier einen größenwahnsinnigen Machthaber, der seine Macht ausnutzt und sich darüber erfreut, seine Soldaten immer wieder in den sinnlosen Tod zu schicken. Ein Song, der nicht aktueller sein könnte.

Beim zweiten Song „Headless haunting hound“ gefallen mir die Gitarrenparts echt gut. Das geht klanglich für mich stellenweise vom Heavy Metal in den Power Metal über. An ein oder zwei Stellen wirkt das gesamte Soundpaket etwas chaotisch überladen, aber ich glaube, dass es sich hierbei um ein Stilmittel handelt. Denn in dem Track geht es darum, was passiert, wenn man dem eigenen Schweinehund in sich erliegt, und wie befreiend und gleichzeitig verdammend es sich anfühlen kann. Dieses Stilmittel sorgt aber auch dafür, dass man den Song nicht einfach nebenbei, sondern bewusst hören muss, womit VOLDT ihre Zuhörer direkt an die Musik binden.

„Killing at the speed of light“ hat passenderweise ein paar Gesangsparts, die deutlich in Richtung Screams gehen. Passend deswegen, weil hier die Bereitschaft zu grenzenloser Gewalt unter dem Vorwand übergeordneter Ideologien besungen wird. Meines Empfindens nach hebt sich der Song auch rhythmisch vom Rest der Tracks ab. „Symphony of suicide“ hingegen spricht ein sehr heikles Thema an. Das Wesen in diesem Song ist eine Metapher für eine Angst, die den Protagonisten letztendlich in den Selbstmord treibt. Ich finde, das Thema wird sehr gut beschrieben und auch musikalisch gut umgesetzt. Passend zum Schluss verklingt der Song in ausgedehntem Hall. Gefällt mir gut.

Weiter gehts…

„Monsters of the sea“ ist die dritte Videoveröffentlichung von VOLDT. Auch wenn es ein sehr seltsames Video ist, das sich nicht wirklich verändert – aber seht lieber selbst. Hier haben VOLDT eine Art Ballade mit viel Raum für die Melodie geschaffen. Der Song selbst verlegt die Echsenmenschen-Story unters Meer. Ein interessanter Ansatz, der mir als Lovecraft-Fan natürlich gefällt. 

In „Teachings“ wird dafür wieder sehr viel Fahrt aufgenommen, aber auch hier kommt die Melodie nicht zu kurz. Auch die Gesangsstimme ist nicht ganz so prägnant und omnipräsent wie in den meisten anderen Songs, was dem Track aber gut tut. Und auch hier befasst man sich verschnörkelt doch irgendwie mit aktuellen Themen, denn hier geht es um die kryptische Eingebung eines apokalyptischen Vorboten. Solcherlei Personen laufen derzeit ja mehrfach durch die Gesellschaft.

Bei „Servant“ wird die Geschwindigkeit stellenweise wieder runtergefahren und mehr auf Melodie denn auf Rhythmus gesetzt. Das bedeutet allerdings nicht, dass es dem Song an Kraft fehlt, denn auch hier gibt es genug Platz, um Bass und Schlagzeug gezielt einzusetzen. „Shame or Glory“ wiederum thematisiert den Kreislauf des Lebens und fasst das Album damit noch einmal zusammen. Auch werden hier Melodien aus vorherigen Songs des Albums aufgegriffen, was das Album sehr gut abrundet.

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Metalbands, die sich nach alten Gottheiten benennen, sind nichts Neues. Metalalben, auf denen es um historische oder mythische Themen geht, sind ebenfalls kein Novum. Man denke hier nur an Kapellen wie HELLOWEEN oder METAL CHURCH, die christliche Predigten mit Heavy Metal vertonen. Und dann sind da natürlich noch die ganzen modernen Wikinger:innen, die das germanische Heidentum verehren. Das Geschlecht griechischer Gottheiten wiederum scheint ebenso unterrepräsentiert oder schwer sichtbar wie Bands, die sich nach weiblichen Gottheiten benennen. Zum Glück gibt es APHRODITE, das Speed Metal Punk Trio aus dem kanadischen Ottawa. Jo Steel (Schlagzeug, Bass, Gitarre), Brennan Whitworth (Lead Gitarre) und Tanza Speed (Gesang) haben mit „Orgasmic Glory“ ihr zweites Album veröffentlicht, welches auf das 2019er Debut „Lust and War“ folgt.

Troja steht in Flammen

Auf acht Stücken lassen APHRODITE die griechische Antike aufleben. Wie auch schon auf dem vorherigen Album handeln die Texte der acht Stücke von den Wirrungen und Irrungen der mythologischen Erzählungen um Olymp und Erde. Im Opener „Troy is burning“ geht es um die Schlacht, bei welcher Agamenon, Achilleus und Diomedes zusammen mit vielen anderen die Stadt Troja belagerten und letztendlich durch eine List eroberten. Ein Pferd kommt auch in der Geschichte vor. Auch der Herakles findet seine Würdigung auf dem Album, ebenso wie die phönizische Königstochter Europa, die einst von Zeus nach Kreta entführt wurde. Es ist also ein Album, an dem auch Interessierte antiker Geschichte ihre Freude haben werden, wenn sie beim Lernen gerne Speed Metal hören.

Schneller als Hermes

Musikalisch zeichnet sich „Orgasmic Glory“ vor allem durch die unbändige Geschwindigkeit aus. Hier steht nicht nur „Speed Metal“ drauf – APHRODITE schießen auch kräftig nach vorne, sodass kein Streitwagen oder fliegender Götterbote hinterher käme. Die flinken Riffs kommen ohne übermäßige Zerre aus und flitzen mit der Intensität ganzer Pfeilhagel über die Griffbretter von Gitarren und Bass. Besonders im Schlagzeug merkt man darüberhinaus einen starken Punk Rock Einfluss, womit das Album sich gut für einen Moshpit olympischen Ausmaßes eignet. Somit ist „Orgasmic Glory“ kurzweilig, unterhaltsam und ohne Frage um Längen besser als der Film „Troja“ mit Brad Pitt als Achilles.

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Vier Jahre ist es jetzt her, dass ORDEN OGAN ihr letztes Album „Gunmen“ veröffentlichten. Zeit für etwas Neues! Mit „Final Days“ präsentieren die Power-Metaller ein zehn Tracks starkes Album, das sowohl mit epischen Ohrwürmern, aber auch mit herzzerreißenden Balladen aufwartet. Damit kann man doch eigentlich nichts falschmachen?

Gleich der erste Song „Heart Of The Android“ ist ein großer Favorit von mir. Der Refrain, gleichermaßen melodisch und episch, geht super schnell ins Ohr und verleitet zum Mitsingen aus tiefster Seele. Die eingängigen Refrains sind generell eine Stärke von ORDEN OGAN und finden sich in fast jedem Song, so auch im zweiten Track „In The Dawn Of The AI“.

Unter dem Namen des dritten Tracks „Inferno“ hätte ich mir allerdings etwas anderes vorgestellt. Ein Inferno halt! Dafür klingt er mir fast ein bisschen zu zahm. Der vierte Track „Let The Fire Rain“ ist dann wieder voll nach meinem Geschmack, auch wenn ich finde, dass er noch einen Tick detaillierter oder noch bombastischer hätte sein können. Das Potenzial für „total epicness“ ist jedenfalls da!

Der sechste Song „Alone In The Dark“ ist nicht nur eine wunderschöne Ballade, sondern auch noch ein feature mit der bezaubernden Ylva Eriksson von BROTHERS OF METAL! Definitiv ein Highlight, auch wenn ich die Platzierung mitten im Album etwas seltsam finde. Ich hätte die Ballade eher ans Ende gestellt, denn so folgt den melancholischen Sehnsuchtstönen recht übergangslos wieder die mächtigen Powermelodien. Wobei der letzte Track „It’s over“ schon auch gut als Abschluss passt.

„Final Days“ kann man glaube ich getrost als Konzeptalbum betiteln, sowohl thematisch als auch vom Klang zieht sich durch alle Songs ein roter Faden. Dazu ist sind die 50 Minuten auch gut am Stück zu hören. Dank ihrer eigängigen Motive funktionieren die Songs aber auch einzeln ganz wunderbar.

Was gibt es also zu meckern? Nicht viel. Allein, ich vermisse eine derart epische Hymne wie „Gunman“, „Fever“ oder „Fields of Sorrow“ auf dem Album. Tracks wie „Heart Of The Android“ oder „In The Dawn Of The AI“ sind zwar episch, aber dieser Hymnen Charakter fehlt mir irgendwie. Vielleicht legen ORDEN OGAN beim nächsten Album ja nochmal eine Schippe an Bombast und Ausdrucksstärke drauf – wie wär’s zum Beispiel mit einer epischen Alternativversion von „Let The Fire Rain“?

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Das Thrash Metal Trio ACROYLYSIS ist mir im November 2019 das erste Mal aufgefallen, als ich eine Review zu ihrem zweiten Album „Black Dog’s Serenade“ geschrieben habe. Damals hat mich die pure Wucht aus Thrash Metal und Hardcore Punk richtig umgehauen. Mit diesem Album lässt es sich auf jeden Fall in die Revolution ziehen.
REAVER wiederum waren mir bisher noch gänzlich unbekannt. Allerdings ist Konstantine Ana – Sänger und Gitarrist von ACROLYSIS – hier am Bass. Auf diesem Wege kamen die beiden Bands bereits im Jahr 2018 auf die Idee, eine gemeinsame EP aufzunehmen, was dann Ende 2020 auch finalisiert wurde. Das Ergebnis ist eine 4-Tack EP mit zwanzig Minuten Thrash Metal aus Sydney.

A-Seite: Das A steht für ACROLYSIS

Die Einteilung in A- und B-Seite mag bei einem rein digitalen Release etwas fehl am Platze wirken. Letzten Endes bin ich als Vinyl-Nerd daran gewöhnt, diese Unterteilung vorzunehmen. ACROLYSIS legen mit „A Message to You“ los. Der Song ist eine deftige Kampfansage. Das Trio setzt nahtlos an der rauen Urgewalt ihres letzten Albums an. Doch mit dem zweiten Titel „Vision“ verlassen sie den Pfad des Thrash Metal Punk und legen eine Art Groove Metal ein. Die Mischung aus kratzigen Strophenriffs und dem viel zu melodischen Refrain will bei mir einfach nicht ankommen. Fans von Melodic Death Metal mit viel Groove wiederum könnten hieran ihren Gefallen finden.

B-Seite: Das B steht für brachiale Riffs

Ich habe mich oft verlesen und war zwischendurch wirklich mal der Überzeung, die Band hieße BEAVER. Aber nein, es geht hier nicht um im Wasser lebende Nager sondern um einen archaischen Begriff für Räuber. REAVER legen nach einem etwas zu langen Intro mit „Broken Smoker“ los. Und wie die loslegen! Vollgas Thrash Metal mit kunstvollen Zwischenspielen und wütender Stimme wird hier geboten. Das erinnert mich doch sehr an den Einstieg der ersten Band auf dieser Split, was natürlich eine gewisse Erwartungshaltung vorprogrammiert. Glücklicherweise wird diese Annahme nicht erfüllt. Denn im Gegensatz zu ACROLYSIS knicken REAVER auf ihrem zweiten Track nicht ganz so sehr ein. Der Titeltrack geht stärker in Richtung Heavy Metal und weist gewisse Spuren Accept und Judas Priest auf. Alles in allem geht das Ganze gut ins Ohr und motiviert zu schnellen Bewegungen mit Kopf, Hüfte und Ellenbogen.

ACROLYSIS auf Bandcamp

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