TOMMY STEWART’S DYERWULF sind ein Doom Metal Duo aus Atlanta, Georgia. Die Band hat bis dato zwei Alben, eine EP und einige Singles veröffentlicht. Neben dem namensgebenden Bassisten und Sänger Tommy Stewart gehört noch Schlagzeuger Dennis Reid zum Line-Up. Zu zweit verbreiten TOMMY STEWART’S DYERWULF auf den Bühnen Nordamerikas und über Tommys Label Black Doomba Records minimalistischen und krachigen Doom Metal. Ihr neuester Streich ist die Vier-Track-EP „Fyrewulf One“ bei der sich um den ersten Teil einer Doppel-EP handelt. Die nachfolgende EP, die den Namen „Fyrewulf Two“ tragen wird, ist für das Jahr 2025 geplant.

Schunkel-Doom und Shock Rock

TOMMY STEWART’S DYERWOLF holen alles heraus, was das minimalistische Line Up der Band ermöglicht. Schlagzeuger Dennis Reid baut viele Elemente in seinen Rhythmus mit ein, und beweist vor allem Feingefühl im Bereich der Percussions. Indes zupft, slidet, hämmert und tippt Tommy Stewart an seinem Bass herum, welchen er mit verschiedenen Effekten klangvoller und verzerrter gestaltet hat. Der Gesang ist immer tief, und orientiert sich in Melodie und Rhythmus zumeist am Bass. Mit diesen Mitteln liefern TOMMY STEWART’S DYERWOLF zunächst die sehr schunkeligen Stücke „Me ’n‘ my Meds“ und „Kept Pain Busy“. Etwas schneller geht es dann im dritten Lied „Zoomagazoo“ zur Sache, und spätestens hier könnte beim Zuhören eine Offenbarung zustande kommen. Irgendwo zwischen den Mitsing-Refrains, dem Grunge-Einfluss im Gitarrensound, und dem dominanten Bass machen sich klare Parallelen zu den  MELVINS bemerkbar.

Zu guter Letzt erlebt die EP noch ihr Highlight. Das Stück „Melvin Laid An Egg“ ist ein mächtiger Bastard aus dem Doom Metal der ersten Stunde und dem okkulten Hard Rock der 1970er. Der Shock Rock Banger wurde mit GRAVE NEXT DOOR Schlagzeuger Patrick Salerno aufgenommen. Dennis Reid von TOMMY STEWART’S DYERWULF hat das Ganze zum Schluss noch mit Percussions verfeinert.

Was am Ende auf dem Tisch liegt ist eine unterhaltsame EP, die in ihren fünfzehn Minuten Spielzeit keine Zeit für Langeweile lässt. Man mag hier an BLACK SASQUATCH, SAINT VITUS oder eben an bereits genannte MELVINS denken, und wird garantiert nicht enttäuscht. Auf lange Sicht ist die EP wiederum sehr überschaubar und wenig abwechslungsreich.

Linktr.ee von TOMMY STEWART’S DYERWULF

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Metal Devastation PR zur Verfügung gestellt.

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Das Kölner Trio RIOT IN THE ATTIC wurde nach Veröffentlichung ihres ersten Albums „Dawn“ als das verloren gegangene Bindeglied zwischen Stoner und Hard Rock bezeichnet. Ein Debut inmitten der Pandemie zu veröffentlichen mag erstmal gewagt klingen. Andererseits wusste im November 2020 noch niemand, in welcher Form und wie lange uns das Virus noch begleiten würde. Nicht dass wir heute viel schlauer wären, aber allem zum Trotze schlugen RIOT IN THE ATTIC im ersten Jahr des Coronazäns ein wie eine hochdosierte Spritze Vaxzeria. Noch bevor sich irgendjemand daran zerreißen konnte, ob denn ein Release ohne Möglichkeit zum Touren sinnvoll sei, hatte RIOT IN THE ATTIC-Songwriter Dan schon längst wieder Stift und Zettel in der Hand, um am zweiten Langspieler zu arbeiten.

Schwere Staubwolken wirbeln auf

Musikalisch bewegen sich RIOT IN THE ATTIC auf ihrem zweiten Album wieder in ähnlichen Gefilden wie auf „Dawn“. Zentnerschwere Hard Rock Riffs walzen gnadenlos nach vorne, während der fuzzgeladene Stoner und Desert Rock Sound für zusätzliche Trockenheit sorgt. Ein bisschen Grunge schwingt immer mit, was dem Klangbild letzten Endes einen düsteren Farbton verpasst. Und es ist ebenjene Dunkelheit, in der sich „Those Who Don’t Belong“ vom vorigen Album unterscheidet.

Obgleich RIOT IN THE ATTIC es nach wie vor vor nach allen Regeln der Kunst krachen lassen, ist das neue Album doch deutlich nachdenklicher, als das Debut. Es sind Themen wie Isolation, Einsamkeit, Verlust und Abschied, die in nüchterner Selbstreflektion den roten Faden durch das Album gestalten.

Zwischen den Welten

So sehr RIOT IN THE ATTIC sich im Bindeglied zwischen Hard und Stoner Rock bewegen, sind gleichsam Ausreißer in beide Richtungen erkennbar. Neben rotzigen Hard Rock Knallern wie „Drag Me Down“ sind es vor allem die atmosphärischen Stoner Rock Hymnen wie „All For One“, die dem Album ihre Würze geben. Wer es mit Vergleichen hat, mag einerseits eine beliebige Zakk Wylde Band sehen, während sich gegenüber DOZER aufbauen.

Hier mag Geschmack sicherlich eine Rolle spielen; dennoch erscheinen die Lieder mit Fokus auf Desert, Grunge oder Stoner deutlich ausgefeilter. Während vor allem in der ersten Hälfte des Album mit simplen Strukturen und flotten Rhythmen zum Tanz geladen wird, gestaltet sich der weitere Verlauf von „Those Who Don’t Belong“ deutlich reflektierter und anspruchsvoller.

Was bleibt, ist in jedem Fall ein Album, das Fans vieler unterschiedlicher Richtungen abholen wird. Ignoriert man Skiptracks wie „Wildlife“, findet man ein Album vor, das sich voller Freude durch Schubladen und Kategorien hindurch bohrt.

Homepage von RIOT IN THE ATTIC

Die Bilder wurden uns freundlicherweise von Noisolution zur Verfügung gestellt.

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Dass es sich bei den BONGBONGBEERWIZARDS um keine „Bong Hit Wonders“ (so der Titel ihres ersten Albums) handelt, wissen wir spätestens seit Veröffentlichung von ihrem zweiten „Albong“. Nun haben Reib Asnah (Bass, Gesang, Flöte), Chill Collins (Schlagzeug, Gesang) und Bong Travolta (Gitarre, Synthesizer, Saxophon) zum dritten Schlag ausgeholt. Zusammen mit Gastmusiker*innen Jule Schneider (Synthesizer) und Ben Plochowietz (Gesang) präsentiert das Trio aus Dortmund „Ampire“. Fast fünfzig Minuten lang erstrecken sich die drei Stücke auf dem Langspieler und verbreiten eine tiefenentspannende, zu Halluzinationen anregende Klangwelt – Heavy Meditational Doom.

Aus den Untiefen des Rausches

Zum Einstieg legen BONGBONGBEERWIZARDS direkt das 23-minütige Stück „Choirs & Masses“ aufs Parkett. Kratzige Glitches und Drone Sounds werden von einer mächtigen Walze aus Doom Metal und Sludge Riffs überrollt. So leitet das Dreiergespann zu einer musikalischen Entdeckungstour ein, die nach brennenden Lungenflügeln, Gedankenspiralen und Tiefenentspannung schmeckt. Mit der Macht von überzüchtetem Indika drückt der Sound die Hörer*innen in die Sitzkissen und sorgt dafür, dass ab sofort alle Bewegungen deutlich verlangsamt vonstatten gehen. Dabei legen BONGBONGBEERWIZARDS Wert auf Variation. Anstatt ein einheitliches Waten durch tiefen Morast zu vertonen, sorgt das Wechselspiel aus Drone, Sludge und Doom für das typische Auf und Ab, das eine kräutergestützte Séance mit sich bringt.

Der Griff nach den Sternen

Noch facettenreicher wird es auf der B-Seite des Albums. Nicht nur, weil hier gleich zwei Songs auf Vinyl gepresst sind, gibt es mehr Abwechslung als auf der A-Seite. Zunächst wird zwar in „Unison“ im Stile des vorigen Anspielers weitergemacht, allerdings wird bereits nach wenigen Minuten zusätzlich Fahrt aufgenommen. Der Gesang schafft es hier, die Trance der Hörenden nachhaltig zu fördern, und in der zweiten Hälfte kehrt mit vermehrten Drone-Einlagen ein entscheidender Wendepunkt ein. Immer wieder und mit steigender Frequenz werden unverzerrte Passagen eingebaut. Diese psychedelischen Einspieler erscheinen wie Sonnenstrahlen, die durch dicke Wolkendecken hervorlugen.

Nachgelegt

Was klingt wie singuläre Eindrücke aufkeimender Nüchternheit, währt nur von kurzer Zeit – The Show must go on! Mit neu entflammter meditativer Kraft beginnt der Song „Slumber“; und damit das große Finale. Anfangs kehren BONGBONGBEERWIZARDS die psychedelische Stimmung aus dem Schluss von „Unison“ leicht um, indem sie Black Sabbath-artige traditionelle Doom Metal Themen verwenden. Dies wird schnell ausgebaut und zu einer massiven Schraube geformt, die sich mit steigender Intensität und Geschwindigkeit in die Synapsen bohrt. Am Höhepunkt der Spannung angelangt, bereiten sich BONGBONGBEERWIZARDS auf den endgültigen Rausch vor. Mittels stampfender und ausholender Bewegung wird die finale Achterbahn eingeleitet. Ein kurzer Break, eine Bassline auf atmosphärischen Drones, und ab geht die wilde Reise. Zum Schluss werden nochmal alle Register gezogen, um den meditativen Rausch kurz nach seinem Höhepunkt ausklingen zu lassen.

Heilendes Feuer

Das Album „Ampire“ mag klingen wie ein Ritt durch die Flammen der Unterwelt in Zeitlupe oder wie eine intensive Erfahrung mit sinneserweiternden Substanzen. Man mag den Aufbau des Albums mit einer tiefen Meditationssitzung, mit einer Nahtoderfahrung oder auch mit einer Ayahuasca Zeremonie vergleichen. In jedem Fall ist es neben der Musik vor allem die Struktur des Albums, die entscheidend ist. Durch den langen Weg über schwere und sumpfige Tiefen, über sonnige Passagen bis zum letzten infernalen Ritt bekommt „Ampire“ eine äußerst bestärkende Wirkung. Wenn das Album am Stück durchgehört wird, kann es seine volle Kraft entfalten.

Homepage von BONGBONGBEERWIZARDS

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COMA HOLE sind ein Duo aus Westerly im US-Bundestaat Rhode Island an der Ostküste. Mit den beiden Singles „Old Climb„ (September 2021) und „Wind and Bone„ (April 2022) haben uns Eryka Fir (Bass und Gesang) und Steve Anderson (Schlagzeug) bereits die ersten Leckerbissen präsentiert, die auch beide auf der nun veröffentlichten Debut EP vertreten sind. Das Wort EP mag in Zusammenhang mit den beiden verhältnismäßig kurzen Titeln zu falschen Annahmen führen, denn mit den beiden Longtracks „The Familiar“ und „Sinking“ kommt das Release auf stolze 35 Minuten Spielzeit und könnte problemlos eine 12“ LP füllen.

Von Wiederholungen und ewiger Wiederkehr

Zur Eröffnung ihrer Debut EP präsentieren COMA HOLE mit „The Familiar“ direkt ein monolithisches Gebilde aus Drone, Stoner Doom und atmosphärischer Tiefe. Das fast zwölfminütige führt die Hörer*innen perfekt an die Welt von COMA HOLE heran. Ein ätherischer Drone baut sich zu mächtig walzendem Stoner Doom auf, über den Eryka Fir mit okkult-betörender Stimme singt.

Im darauffolgenden „Old Climb“ setzen COMA HOLE dann zusätzlich auf Tempo und Fuzz, während sie von der frustrierenden ewigen Wiederholung der immer gleichen Tätigkeiten berichten. Auf das an Sisyphos erinnernde Lied folgt mit „Wind and Bone“ das nächste kurze Lied. Das achtminütige Stück ist eine finster-schöne Hommage an die ewigwährende Kraft der Natur und ihren zirkulären Rhythmus aus Geburt und Tod. Hier konzentrieren sich COMA HOLE musikalisch wieder vorrangig auf Doom Metal und behäbige, okkulte Klangbilder, die stellenweise an ALUNAH erinnern. Nach steigender Intensität, die in einem prickelnden Drone mündet, gleiten die finalen Klänge von „Wind and Bone“ in den abschließenden Song „Sinking“.

Ganz im Stile der apokalyptischen Literatur erfolgt in diesem Lied die Auflösung der aufgestauten Energie aus den ersten drei Stücken der EP. Auf dynamischeren Klängen und mit wärmerer Harmonie besiegeln COMA HOLE feierlich das Ende eines weiteren Zyklus. Mit leichten Sludge-Anleihen à la YAMA verzaubert das Duo hier das Gehör. Im letzten Drittel erfolgt dann das große Finale von „COMA HOLE“. Weißes Rauschen und ein packender Drone werden von einem immer stärker werdenden Wirbelwind aus Stoner Riffs aufgewühlt, bis sie sich wieder in der Stille des Drones verlieren. Beim Hören auf Repeat fällt auf, dass der letzte Drone nahtlos in das Intro von „The Familiar“ mündet.

Ein ganzer Kreislauf

Auch wenn es dem Genre Doom Metal sehr typisch ist, so ist es doch schön zu erkennen, wie COMA HOLE eine zirkuläre Apokalypse zum Thema ihrer ersten EP gemacht haben. Außerdem kann man sich an dem naturverbundenen Bild begeistern, welches das Duo hernimmt. Und die Tatsache, dass es sich um ein Duo handelt, ist direkt der Aufhänger für den nächsten Punkt. Während Schlagzeuger Steve Anderson seine mächtig walzenden Patterns durch vielerlei Fills verschönert, füllt Eryka Fir ein gewaltiges Klangspektrum. Mit ihrem Bass und Effekten baut sie eine Wand aus Sound auf, die jede zusätzlichen Gitarren oder Melodieinstrumente obsolet macht. Mit der hypnotischen Stimme als Krönung auf diesem Klangbild hauen uns COMA HOLE ein fulminantes Debut um die Ohren.

Bandcamp Profil von COMA HOLE

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Zwischen den malerisch schönen Dünen von Capo Comino auf Sardinien wurde einst von Sänger und Gitarrist Athos Cherchi zusammen mit Bassist Marco „Buzz“ Murru ein Projekt ins Leben gerufen. Dass diese musikalische Zusammenarbeit ernster wurde, manifestierte sich spätestens durch den Beitritt von Schlagzeuger Keko Magrini und Gitarrist Kiko De Santis. Im Jahr 2019 war es dann soweit, dass MANO DE MONO ihre offizielle Bandgründung bekannt geben konnten. Der Name des Quartetts bezieht sich auf den gleichnamigen Song der amerikanischen Alternative Rock Band CORROSION OF CONFORMITY. Als weiteren Einfluss nennen die vier Sarden die Kurzgeschichte „The Monkey’s Paw“ des britischen Horror-Autors William Wymark Jacobs.

Der Punk der Dünen

In ihrer Musik vereinen MANO DE MONO den staubig-trockenen Klang des Desert Rock mit den durstigen Noten des Southern Rock, der Energie des Punk, und der Schwermut des Alternative Rock und Grunge. Dabei verbinden sie die dünig-sandige Umgebung ihrer Heimatinsel mit Texten über soziale Ungerechtigkeit, während sie ein brennend heißes Klangbild erzeugen. Die eingängige Beschäftigung mit sozialen Fragen geht auf dem Album „Chameleon Tongue“ über die Texte und den aufbegehrenden Charakter der Musik hinaus. So haben MANO DE MONO die beiden Seiten ihrer Platte nicht „A“ und „B“ sondern „Inside“ und „Outside“ genannt. Damit stellt das Quartett die komplexen sozialen Strukturen dar, in denen sich Menschen einem Doppelleben unterwerfen, das einerseits aus Ängsten und Nöten besteht, und andererseits von Selbstoptimierung und Erfolgsdruck geprägt ist. Auch das Cover Artwork von Jo Riou zeigt den Kampf des Individuums gegen die Fesseln von Gesellschaft und Kapitalismus.

Gefangen im Hamsterrad

Die acht Lieder des Debütalbums begleiten namenlose Person, welche nur am Rande dem gesellschaftlichen Treiben teilhat, und versucht sich den oppressiven Mechanismen zu entziehen. Dabei entwickelt die Hauptperson zunehmende Abneigung gegen jene, die sich scheinbar gedankenlos in den Spiralen der modernen Welt umherdrehen. Doch auch mit sich selbst ist sie am Hadern. Die Betrachtung des sozialen Geschehens versetzt sie in einen immer wiederkehrenden Strudel aus Eskapismus, Selbstzweifeln und Unzufriedenheit. Motivation und Aktivismus wechseln sich mit Verzweiflung und Desillusionierung ab.

Staubtrocken und siedend heiß

Auf musikalischer Ebene fahren MANO DE MONO schwere Geschütze auf. Das Album „Chameleon Tongue“ ist geprägt von massig schweren Riffs, die sich mittels schwerem Fuzz durch die Prärie wälzen. Das eingängige und energetische Gemisch aus Desert, Heavy, Southern, Punk und Alternative Rock geht sehr gut ins Ohren und setzt sich dort fest wie feiner Wüstensand. Parallelen zu MOS GENERATOR, GREENLEAF oder den SPIRITUAL BEGGARS sind nicht von der Hand zu weisen. Das stört die Freude am Hören allerdings keineswegs. Stattdessen klingt „Chameleon Tongue“ äußerst erfrischend, denn MANO DE MONO schaffen es, frischen Wind in das Subgenre zu bringen. Es ist ein Album ohne Aussetzer und Tiefpunkte.

Bandcamp Profil von MANO DE MONO

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Zwei Demos sowie die EP „Electric Drone Wasp“ haben TWIN VOID aus Spokane, Washington bisher veröffentlicht. Damit hat sich das Trio aus dem pazifischen Nordwesten vor allem in der heimischen Umgebung einen Namen gemacht, wo TWIN VOID als gefeierte Live Band bekannt sind. Das sardinische Label Electric Valley Records vertreibt nun in vier verschiedenen Vinylfarben den ersten Langspieler der amerikanischen Band. Ganze neun Tracks haben TWIN VOID in eine halbe Stunde gepackt, wobei sie ordentlich um sich schlagen und Wut abschütteln. Hier bastelt sich die Band einen kurzweiligen Cocktail aus Stoner Metal, Punk Rock, Sludge und Rock’n’Roll zusammen.

Moshen gegen COVID

Das Intro „Hardtimes“ erinnert uns mittels eingespielten Nachrichtensamples, dass wir noch immer mitten in der Pandemie stecken. Die Schnipsel aus Funk und Fernsehen werden von einem  nachträglich einsetzenden, kratzigen Gitarrenriff untermalt – ein Motiv das schon beim legendären AUS-ROTTEN Album „The System works… for them“ großartig gewirkt hat. Ein Pistolenschuss markiert den Übergang und TWIN VOID landen direkt im krachig nach vorne treibenden Song „HELLCAT“. Das mächtig schwere Stoner Riff schießt über den rollenden Punk Rhythmus, während der kräftige Chorus direkt den ersten Höhepunkt der Platte definiert.

Antiklimax

Auch der darauffolgende Titel „Bird Days“ fängt ähnlich vielversprechend an. Das Eröffnungsriff klingt nach einer kräftigen Sludge Abrissbirne, und obwohl es im Verlauf des Liedes mehrfach in abgeänderter Form wieder auftaucht, kann es nur wenig retten. TWIN VOID rutschen hier in eine Art Southern Metal ab, die noch davon verstärkt wird, dass Sänger Nathan Bidwell hier sehr nach Axl Rose klingt. Nach „Bird Days“ folgt mit „Poor Ol‘ Me“ eine massive Rock’n’Roll Nummer, mit der sich TWIN VOID noch weiter vom eingänglichen Sludge und Stoner Punk Thema entfernen. Was teilweise an die Death Metal Band MACABRE erinnert, taugt als Partysong sicherlich gut, überzeugt darüberhinaus aber keineswegs.

Zurück zu den Stärken

Seinen absoluten Tiefpunkt erlebt das Album mit der Ballade „Set Me On Fire“. Glücklicherweise ist der furchtbar langsame Track nur eineinhalb Minuten lang, bevor er in den etwas stärkeren und flotteren Titel „Sharper then a Switchblade“ überleitet. Zum Ende hin steigern sich TWIN VOID langsam wieder und so stellt die schwergewichtige Sludgehymne „Sky Burial“ den zweiten Wendepunkt dar. Es folgt der Gastauftritt von Liam Joseph Cormier (CANCER BATS), der sich zum Auftakt von „California Death-Rattle“ zu Wort meldet. Die Todesrassel sowie auch der finale Titel „You can hear the Devil walkin'“ präsentieren wieder das, was TWIN VOID besonders gut können: schwere Riffs auf dynamisch rollende Rhythmen packen und dabei einen kräftigen Wirbelwind erzeugen. An die Energie des Titels „HELLCAT“ kommt das letzte Aufbäumen nicht heran; dennoch fängt die Platte mit ihren letzten zwei Titeln wieder an, Spaß zu machen.

Invertierte Spannungskurve?

Abschließend kann man nun überlegen, ob diese umgekehrte Spannungskurve vielleicht ein Stilmittel ist – und das würde definitiv Sinn ergeben. So erlaubt es die Struktur des Albums, dass sich die Hörenden zum Einstieg ordentlich auspowern. Danach lässt die Band eine lange Verschnaufpause bis zu den letzten zwei Liedern. Sicher, ist Geschmack bekanntermaßen Geschmackssache, und besonders Fans von GUNS’N ROSES oder THE ALLMAN BROTHERS werden bestimmt mit dem Mittelteil viel Freude haben. Für mich wiederum sind dadurch zwei Drittel des Album reine Skip-Tracks.

TWIN VOID auf Bandcamp

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Während ACID KING aus dem sonnigen San Francisco ihrem dreißigsten Bandjubiläum entgegenschauen, gibt es dieses Jahr noch ein kleines Schmankerl für Fans und alle, die es noch werden wollen. Der Titel des vorliegenden Albums mit sieben Stücken ist selbsterklärend und bedarf keiner weiteren Erläuterung. Das bisher einzige Live Album des Trios enthält Lieder vom 1999 veröffentlichten Album „Busse Woods„, sowie vom 2005 erschienenen Langspieler „III„. Außerdem ist auf der Live Aufnahme in Holland der damals noch unveröffentlichte Titel „Coming down from outer Space“ zu hören, welcher dann anno 2015 auf „Middle of Nowhere, Center of Everywhere“ zu hören war.

In Medias Res

An diesem 14. April wurde nicht lange gefackelt, als ACID KING die Bühne im niederländischen Tilburg bestiegen. Ohne große Ankündigungen oder Ansagen stieg das Trio mit „Busse Woods“ ins Geschehen ein und zog sein Set routiniert und stetig durch. Ebenso selbstbewusst und kräftig ist auch der Klang der sieben Stücke auf „Live at Roadburn 2011“: dröhnend, krachig, stellenweise kratzig und stets hypnotisierend wälzt sich das kalifornische Trio unentwegt nach vorne.

Festivalfeeling für zuhause

Eine Dreiviertelstunde lang dürfen wir uns nun die Atmosphäre des großartigen Auftritts von ACID KING auf dem Roadburn 2011 nach Hause, ins Auto oder auf die Kopfhörer holen. Überragend sind dabei vor allem der immense Spannungsaufbau im Opener „Busse Woods“, die geballte Energie im darauffolgenden „2 Wheel Nation“, oder die Gänsehautstimmung in „Electric Machine“.

Die Hitze von Tilburg

Insgesamt ist das Live Album eine starke und großartig inszenierte Selbstdarstellung des kalifornischen Trios. Etwas schade ist, dass sich das Set mit Ausnahme des Tracks „Coming Down from outer Space“ ausschließlich auf zwei Alben beschränkt und damit das Debut „Zoroaster“ sowie die bis dato erschienenen drei EPs völlig auslässt. Das tut dem klanglichen sowie dem atmosphärischen Erlebnis von „Live at Roadburn 2011“ jedoch keinen Schaden an. Somit ist die Live Aufnahme also eben genau das, was sie verspricht: eine qualitativ hochwertige Aufnahme eines großartigen Konzerts. Wir genießen hier den Sound einer Band, die im Stoner sowie im Doom schon lange zurecht Legendenstatus genießt.

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Kürzlich habe ich MUSICFRIDAY #50 die Veröffentlichung von MARAGDAs selbstbetiteltem Debütalbum angekündigt. Nun möchte ich auf Worte noch mehr Worte folgen lassen, indem ich mich dem gesamten Werk widme. Das sieben Lieder starke Album erscheint bei den beiden spanischen Labels Nafra Records und Spinda Records sowie dem peruanischen Label Necio Records, welches zu meinen Lieblingslabels zählt. Zu hören gibt es auf etwa einer halben Stunde Spielzeit die musikalischen Erzeugnisse von Marçal (Bass, Synths, Gesang), Xavi (Schlagzeug, Gesang), und Guillem (Gitarre, Synths, Gesang). Das Trio aus Katalonien hat mit seinem Debüt eine zusammenhängende Reihe von Liedern veröffentlicht, in denen sie eine fantastische Geschichte erzählen.

Nach der Katastrophe

MARAGDA erzählen hier die fiktive Geschichte des Maragda Volkes, das sich nach einem verheerenden Unheil in die Tiefen des Untergrunds zurückgezogen hat. Nach Jahren des Ausharrens sind die Erinnerungen an das Leben auf der Erdoberfläche bereits restlos verblasst. Doch auch der Rückzugsort ist kein Paradies, denn hier herrscht The Core – ein unbarmherziges und unterdrückerisches, totalitäres Regime. Und so geschah es eines Tages, dass sich eine fremde Stimme in den Köpfen der Maragda bemerkbar machte, die zu den Unterdrückten sprach. Einige Rebellen erkannten diesen Ruf und machten sich auf, um die Geheimnisse der Vergangenheit und der Zukunft der Maragda zu erforschen.

Finster und farbenfroh

Das spannende Narrativ wird in einer vielfältigen Mischung aus musikalischen Stilen dargeboten. MARAGDA spielen eine progressive und oft sehr mächtige Spielform des Psychedelic Rock, die sich oft an fuzzgeladenem Garage Rock reibt. Krautrock Passagen sorgen vor allem im Rhythmus für zusätzliche Energie, während die Synthesizer Klangwelten voller Farbenpracht zaubern. Mit ihrem Heavy Psych untermalen MARAGDA die aufregende Stimmung der Geschichte wunderschön, indem sie Neugier, Dunkelheit, Hoffnung und Ungewissheit in Szene setzen. So bleibt es inhaltlich wie auch musikalisch von Anfang bis Ende spannend.

MARAGDA auf Bandcamp

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Es tut sich was im deutschen Grunge Punk! Ich möchte hier nur ein paar hoffnungstragende Namen nennen: RIOT SPEARS, PASSIONLESS POINTLESS, oder auch TAPE SHAPES stehen für eine Bewegung, die bei uns viel zu lange hat sich warten lassen. Aber jetzt ist sie da; und wie sie da ist! Und wo wir gerade bei Punk Rock, Grunge und Riot Grrrl sind, kommt hier eine der großartigsten Veröffentlichungen des noch jungen Jahres 2021: das Berliner Trio 24/7 DIVA HEAVEN setzt mit „Stress“ neue Maßstäbe. Auf pinkem Vinyl kommt hier eine geballte Ladung fuzziger Arschtritte und energetischer Sedierung.

Getrieben von Stress und Ironie

Kat, Mary und Karo lieben es, mit Gegensätzen zu spielen, Extreme miteinander in Verbindung zu bringen und somit eine irre Energie zu erzeugen. Wie eine Katze auf einer Gummimatte bauen die drei Künstlerinnen elektrische Spannung auf, die sich dann wie in einem lauten Gewitter entladen muss. Ruhig-sedierender Desert Grunge wie im Lied „Everyman“ sorgt für steigende Spannung, die an anderen Stellen wie im oben verlinkten Video ‚Potface‘ ihr Ventil findet. Grunge, Noise, Stoner Rock und Punk bedingen sich auf „Stress“ gegenseitig und fügen sich zu einem fantastischen Gesamtwerk zusammen.

Hoch die Fäuste – das ist die Diva Revolution!

24/7 DIVA HEAVEN hauen mächtig auf den Putz, lassen es krachen und verbreiten eine unfassbare Ladung an Spaß und Freude. Dabei geht es keineswegs um belanglose Themen oder eine Weltsicht durch rosarote Brillen. Beim Berliner Trio gibt es keinen Platz für Fremdenfeindlichkeit, Homophobie, Sexismus oder Rassismus. Dass der Kampf gegen Ungleichheit und ihre Apologet*innen alles anderes als ein Zuckerschlecken ist, wird auf „Stress“ perfekt vertont. Manchmal ist das Leben eben auch wie der Versuch, mit Essstäbchen eine Buchstabennudelsuppe zu essen – stressig. Da lohnt es sich doch, die Faust in die Luft zu strecken und die wütenden sowie aufmunternden Texte der drei Diven zu verinnerlichen. Auch außerhalb der Musik engagieren sich 24/7 DIVA HEAVEN beim Berliner Kollektiv Grrrl Noisy – schaut mal auf der Website vorbei.

24/7 DIVA HEAVEN AUF BANDCAMP

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Es gibt Dinge, die passen einfach zusammen. Und manchmal ist auf den ersten Blick gar nicht so klar, warum die eigentlich so gut zusammen passen. Eines dieser Phänomene ist Stoner und Desert Rock aus Skandinavien. Es braucht keinen akademischen Abschluss in Geographie um zu erkennen, dass die Heimatstadt von SLOMOSA Bergen recht weit von der Wüste entfernt ist. Und dennoch kommen gerade aus den skandinavischen Ländern einige der besten Wüstenrock Bands unserer Zeit. DOZER, GREENLEAF, BRUTUS und SPIRITUAL BEGGARS sind nur einige Beispiele dafür.

In dieser Reihe darf sich nun auch Bergen’s Quartett SLOMOSA wähnen. Die vier Musiker aus der zweitgrößten Stadt Norwegens platzten in diesem Sommer mit ihrem selbstproduzierten und selbstbetitelten Debut auf den Musikmarkt. „Slomosa“ ist standesgemäß mit einem Kamel auf dem Cover geschmückt, und kann seit Ende August Digital, auf CD oder auf Vinyl erworben werden.

Melodischer Wüstenfuzz

Somit leisten sich SLOMOSA einen soliden Einstand. Dabei reichen die Einflüsse von den schwerfälligen Desert Rock Giganten THIN WHITE ROPE über den krachigen Desert Fuzz à la SLOBURN bis zum zackigen und melodischen Skandivavien Blues, wie BRUTUS ihn spielen. Die Strukturen sind eingängig, aber nicht langweilig und mit ihrer bunten Klangwelt erzeugen SLOMOSA eine farbenfrohe Atmosphäre zum Autofahren, Duschen und Tanzen. Zackig, fuzzgeladen und mit angenehmer Dynamik bewegt das Album den Körper. Herausstechend ist hier die Akzentuierung im Song „Just to be“, die einen flotten Blues in ausgefallene Richtungen verschiebt.

Kalte Wellen und Wanderdünen

Im Zentrum steht der hypnotisierende Gesang, der sich gekonnt von den rauen und harmonischen Arrangements absetzt. Die Musik auf „Slomosa“ bewegt sich mal wie eine schroffe Brandung bei Flut und ist andermal dezent wie Sandanhäufungen in der Wüste. SLOMOSA verstehen es, die Zuhörenden an sich zu fesseln und mitzureißen. Da könnte man manchmal ganz vergessen, dass das Album an sich gar nicht soooo innovativ ist. Der Desert Rock wird weder neu erfunden noch revolutioniert. Nichtsdestotrotz bereitet es wirklich viel Freude, dieses kurzweilige Album mehrfach durchlaufen zu lassen.

SLOMOSA auf Bandcamp

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