Und der Preis für den besten Albumtitel des Jahres 2026 geht an: 13SUNS! Schon Ostfrieslands Dödelbarde OTTO WAALKES arbeitete sich vor vielen Jahren erfolgreich an der Verballhornung von Floskeln oder Phrasen wie „Sehr geehrte Damen und Herren“ ab. Doch das Fünfergespann aus Dresden hat hiermit in dieser Kategorie endgültig den Vogel abgeschossen. Dass 13SUNS ein Gespür für großartige Titel haben, stellen sie auf ihrem ersten Album auch an anderen Stellen unter Beweis. Als schönes Anschauungsexemplar dient hier der cinematische Ausklang der ersten Seite der Schallplatte „Enttäuschte Herzen haben scharfe Zähne“.

Extraterrestrischer Indie Rock

Das Debutalbum „Särge, Erde, Damen & Herren“ erscheint eineinhalb Jahre nach der selbstbetitelten EP und setzt deren Klangwelt aus Alternative, Indie und Post Punk fort. Musikalisch stehen 13SUNS mit einem Bein fest in den 1990ern, mit dem anderen Fuß inmitten des Chaos der Gegenwart, und hängen mit ihrem Kopf irgendwo jenseits der Reichweite der ISS. Das Album lässt sich thematisch und musikalisch in zwei Teile untergliedern. Auf der Schallplatte sind diese Bereiche auch klar voneinander abgegrenzt. So besteht „Särge, Erde, Damen & Herren“ aus der eher farbenfrohen und Indie-Rock-beeinflussten „Side Sun“. Dem gegenüber fällt der Sound auf der „Side Moon“ durch dunklere und melancholische Klänge mit Referenzen aus Post Punk bis zu Noise Rock auf.

Kontrolliertes Loslassen

Sobald die ersten Klänge des spacigen Openers „Samba & Iboprofen“ aus den Boxen knarzen, beginnt ein halbstündiger Trip in unbekannte Sphären des Weltraums, von der Subkultur des späten 20. Jahrhunderts in die wilde Gegenwart, und tief hinein in die Psyche aller Teilnehmenden. Auf ihrem ersten Album verpacken 13SUNS Fragilität in harten Schalen, lassen Sterne explodieren und sonnen sich im Schwarz der Supernova. „Särge, Erde, Damen & Herren“ ist emotional, melancholisch, bewegend und aufbauend. Chaos und Ordnung treffen sich im goldenen Schnitt, und erzeugen eine neue Perspektive.

Homepage von 13SUNS
Bandcamp Profil von Krakenduft

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Noisolution zur Verfügung gestellt.

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Willkommen bei CHIEFLAND! Nein, das ist ausnahmsweise keine Anspielung auf die Kansas City Chiefs, sondern auf eines der deutschen Aushängeschilder im Bereich Emo und Alternative. Gerade den Post-Hardcore-Fans unter euch könnte die Band ein Begriff sein, denn in der Vergangenheit haben CHIEFLAND bereits Genregrößen wie BEING AS AN OCEAN, ACRES und HOLDING ABSENCE supportet. Die quer im Land verstreute Band ist aber nicht nur auf der Bühne fleißig, sondern auch im Studio – und das, obwohl die Mitglieder der Band in verschiedenen Teilen Deutschlands leben. Nach zwei Alben und drei EPs veröffentlicht die Band mit „Sentiment Valley“ nämlich ihre nunmehr vierte EP. Was die enthaltenden fünf Songs in sich haben, verrate ich euch wie immer hier.

Den Genrevorbildern ebenbürtig

Eröffnet wird die EP mit dem Song „Blame“, der die Gesamtstimmung von „Sentiment Valley“ sehr gut einfängt und mich direkt mit dem eingängigen Chorus abgeholt hat. Simple, aber effektive Gitarrenmelodien, wie es teilweise im Genre üblich ist, runden die Atmosphäre ab – als Elder Emo fühle ich mich mit der Platte direkt „wie Zuhause“. Das heimische Gefühl hält auch bei „Gravity“ an, meinem persönlichen Favoriten. Der sanfte Gesang erinnert mich im ersten Moment glatt an den ein oder anderen Pop-Punk-Song, wohingegen der teils raue Sprechgesang an Genrevorbilder wie BEING AS AN OCEAN erinnert. Ein Lob außerdem für die durchweg sehr gute Produktion von „Sentiment Valley“: CHIEFLAND haben sich dafür die Unterstützung von niemand Geringerem als Alan Day von FOUR YEAR STRONG geholt. 

Der dritte Song „Cannibal“ ist zugleich die finale Single der EP und ist ein wunderbar melancholischer Song über eine toxische Beziehung. Vor allem der vergleichsweise harte, eingängige Refrain verleiht dem Song noch einmal mehr Ausdruckskraft. CHIEFLAND beweisen hier deutlich, dass sie nicht nur musikalisch, sondern auch mit ihren englischen Lyrics den Genrevorbildern ebenbürtig sind. „Bad Move“ beschäftigt sich mit dem Thema Verlust und schlägt daher einen ähnlich melancholischen Ton an. Der Name „Sentiment Valley“ ist quasi Programm, denn besagte Gefühle dominieren die gesamte EP. Eine erfrischende Überraschung ist außerdem das Feature von Christine Goodwyne, Sängerin der amerikanischen Band POOL KIDS, welches dem Song noch einmal einen Extra-Kick verleiht.

„Silent Decay“ ist der fünfte und letzte Song von „Sentiment Valley“ und schlägt deutlich ruhigere Töne an. Quasi perfekt um bei einem Konzert Feuerzeuge oder Handy-Taschenlampen auszupacken – oder Taschentücher – je nach Stimmungslage. Das Feature von SKYWALKER kommt daher genau an der richtigen Stelle: Gerade wenn man mit aller Kraft versucht, die Pipi in den Augen zu verdrängen, demonstrieren SKYWALKER gekonnt, wieso es Post-HARDCORE heißt, und holen einen mit einem fetten Breakdown aus dem Tal der Tränen ab. Was für ein Abschluss!

Eine EP ist nicht genug! 

Ach, und da ich gerade ohnehin das Thema Konzerte erwähnt habe: Mit der neuen EP im Gepäck gehen CHIEFLAND Ende November außerdem auf ihre „Welcome To Sentiment Valley 2024“-Tour! Die neue Veröffentlichung muss ja schließlich gebührend gefeiert werden. Die einzelnen Dates habe ich natürlich für euch parat:

• 22.11.2024 Braunschweig, B58
• 23.11.2024 Leipzig, Noel’s Ballroom
• 24.11.2024 Berlin, Cassiopeia
• 29.11.2024 Hamburg, Indra
• 30.11.2024 Oberhausen, Druckluft

Tickets für die einzelnen Shows könnt ihr hier erwerben. 

Fazit

Keine Sorge, das Fazit habe ich nicht vergessen. Mit „Sentiment Valley“ liefern CHIEFLAND eine kurze, aber eingängige EP, die durchaus mit den Genregrößen mithalten kann. Die einzelnen Songs erfinden das Rad zwar nicht neu, aber das müssen sie – meiner Meinung nach – auch nicht. Die sentimentalen Themen ziehen sich wie ein roter Faden durch die einzelnen Songs. Lyrics und Musik ergänzen sich gegenseitig, wodurch eine sehr dichte Atmosphäre erzeugt wird. Vor allem Genre-Fans und Elder Emos werden an der EP Gefallen finden. 

CHIEFLAND auf Instagram

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Das Grunge-Revival ist noch weit davon entfernt, an Intensität zu verlieren. Es könnt sogar sein, dass die Bewegung noch nicht einmal ihren Zenit erreicht hat. Mode, Musik, Attitüde und Ästhetik der 1990er sind allgegenwärtig im europäischen Stadtbild. Davon profitieren natürlich auch die Protagonist*innen der ersten Stunde: THE SMASHING PUMPKINS haben erst im August ein wirklich starkes Comeback Album veröffentlicht, und auch Spencer Elden (Cover Artwork-Star des NIRVANA Albums „Nevermind“) ist vor drei Jahren mal wieder ans Tageslicht gerückt, als er die Band wegen sexueller Ausbeutung verklagt hat. Und auch bei den neuen Spieler*innen auf dem Feld läuft es gut. Wir denken hier an den gefühlvollen Alterna-Grunge der Halleschen Band CONGOROO, oder die progressive Herangehensweise an den Sound der 90er von 120 MINDS aus Hanau. Und auch die neue Riot Grrrl Bewegung um Bands wie 24/7 DIVA HEAVEN oder RIOT SPEARS ist natürlich ein wichtiger Aspekt dieser Bewegung. Das Augenmerk liegt hier nun auf der Metropole am Main, wo das Quartett BIRD’S VIEW innerhalb von sechzehn Monaten zwei Langspieler veröffentlicht hat.

Rastlos und gefühlvoll

BIRD’S VIEW haben im Herbst 2019 begonnen, der goldenen Ära des Alternative Rock und Grunge neues Leben zu verleihen. Schnell erschienen die ersten EPs, und bis zum ersten Album-Release dauerte es nach den Lockdowns auch nicht mehr lange. Seither sind BIRD’S VIEW ständig unterwegs und verbreiten auf energiegeladenen Konzerten ihre emotionalen wie auch massiven Klänge. Ihre Heimat haben sie indes beim Heavy Metal Label Drakkar Entertainment gefunden, wo beide Alben auf CD und Vinyl veröffentlicht wurden.

Für ihr zweites Album „House of Commando“ haben BIRD’S VIEW mit Howie Weinberg zusammen gearbeitet dessen Mastering auch schon legendäre Aufnahmen von THE SMASHING PUMPKINS oder den RED HOT CHILI PEPPERS verzaubert hat. Die Aufnahmen der elf Tracks fanden in Offenbach-Bieber unter Leitung von Tobi Wehner und Oli Rüger statt, wovon Letzterer auch für den Mix verantwortlich ist.

Quo Vadis Grunge?

Zuvor war die Sprache von unterschiedlichen Ausführungen oder Adaptionen des Grunge Revivals. Wenn es um BIRD’S VIEW und „House of Commando“ geht, offenbart sich ein Sound, der äußerst nah den Veröffentlichungen der 1990er ist. Schon das erste Lied „Vienna“ erinnert sehr stark an die FOO FIGHTERS – an deren Song „The Pretender“, um genau zu sein. Derartige Vergleiche mit dem klassischen Alternative Rock Sound ziehen sich wie ein roter Faden durch das Album. Insbesondere Ähnlichkeiten mit der genannten Band von Dave Grohl können alle Nase lang entdeckt werden.

Andererseits legen BIRD’S VIEW in Sachen Entertainment eine ordentliche Nummer aufs Parkett. Von der bittersüßen Ballade „Colorblind“ bis zum rasiermesserscharfen Banger „More to come“ liefert die Band mächtig ab. Rhythmen, die den ganzen Körper bewegen, emotionale Harmonien, und der Nostalgie-Effekt sorgen für eine Menge Spaß. Was jedoch konstant mitschwingt, ist die fehlende Originalität, mit der sich BIRD’S VIEW (bis jetzt noch) nicht vom Sound ihrer Idole absetzen. Die Frankfurter Band beweist zweifelsohne, dass sie ihr Handwerk beherrscht, und dass ihr das Entertainment liegt. Was als nächstes folgen sollte, ist das erste BIRD’S VIEW Album mit austariertem BIRD’S VIEW Sound. Das Potential ist auf jeden Fall da, und ich freue mich, mehr von der vier Frankfurtern zu hören.

Homepage von BIRD’S VIEW

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Supervillain PR zur Verfügung gestellt.

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„Man kann von einem richtigen Neustart sprechen“

Das Jahr 2021 wiederum steht für die Neuerfindung, bei der CONGOROO wie Phönix aus der Asche auferstehen, beschreibt Bassist Severin die aktuelle Situation. „Wir fangen von Null wieder an“, ist eine passende Umschreibung für den aktuellen Status, in dem CONGOROO neues Material produzieren und somit auf ein neues Albumrelease zusteuern. Da ist es berechtigt zu sagen, dass sich die Band mit neuer Kraft und neuer Energie ein weiteres Mal auf ein Debüt vorbereitet – Debüt Nummer drei im neuen Soundgewand, der mehr nach CONGOROO klingt als je zuvor.

Severin erklärt weiter, dass sich seit 2015 einfach sehr viel verändert hat: „Die Songs klingen jetzt einfach anders. Auch die Fans sind anders, da einige gegangen und andere gekommen sind. Auch wir haben uns in der Zwischenzeit verändert – also eigentlich kann man es als das erste Album von CONGOROO 2.0 sehen“.

Der Weg zum „dritten ersten“ Album führt über drei Singles

Fertigstellung und Veröffentlichungstermin stehen noch nicht fest, aber es wird definitiv etwas auf die Ohren geben, das CONGOROO 2.0 den Hörenden präsentiert. In den Toolhouse Studios im sonnigen Rotenburg an der Fulda hat die Band mit Frieder Does drei Songs aufgenommen, mit denen das neue Material promotet wird. Die erste Single „Fly on the Pie“ ist ab dem 20. August 2021, 17:00 Uhr auf dem YouTube Kanal der Band für Augen und Ohren zugänglich. Die nachfolgenden Singles werden wahrscheinlich im Herbst sowie Ende des Jahres ebenfalls mit eigenem Musikvideo erscheinen. Genaueres wird die Zukunft zeigen, aber wir können davon ausgehen, dass wir unterm Weihnachtsbaum bereits alle drei Vorab-Singles anhören können. Den ersten Teaser können wir uns jetzt schon einmal ansehen.

„Wir wurden fünf Jahre lang hingehalten“

Die erste Single „Fly on the Pie“ ist eine nachträgliche Abrechnung mit dem ehemaligen Produzenten der Band. Ein halbes Jahrzehnt lang waren in neues Album und weitere Produktionen in Planung, die letzten Endes niemals fertig gestellt wurden. Unterschätzt und nicht richtig wahrgenommen stand die Band am Ende da – ohne neues Album, ohne öffentlich sichtbare Fortschritte.

„Es hat damit angefangen, dass wir den Satz ‚Underestimate us‘ unterbringen wollten“, erinnert sich Mathias an den frühen Entstehungsprozess. Und Severin fügt hinzu „Uns war es wichtig, ein persönlichen Schlussstrich mit dieser Zeit zu ziehen“, und das tun CONGOROO, indem sie nicht nur einen mächtigen Song veröffentlichen. Auch das dazugehörig Video ist aufwändig und professionell produziert und sagt damit eindeutig ‚Wir wurden zu Unrecht unterschätzt!‘. Für Gregor „gibt es keinen besseren Weg, diesen Schritt zu verarbeiten, als ihn in als Song und Video zu verpacken“. Vollgepackt mit persönlichen Referenzen sind Single und Video ein befreiender Akt für CONGOROO, oder wie Stefan sagt: „Ein ungewöhnliches Kapitel unserer Geschichte wird mit einem eher ungewöhnlichen Song abgeschlossen. Was passiert ist, ist eben passiert und dies ist unser Weg, das Kapitel zu beenden“.

„Wir haben Bock!“

Ein halbes Jahrzehnt Pause ist natürlich ein lange Zeit, aber CONGOROO sind motivierter denn je, ihre neue Musik auf den Bühnen zu präsentieren. Gregor stellt klar, dass die Lust auf Musik und Konzerte gewaltig groß ist, und Mathias pflichtet mit „Word!“ bei.

Nun geht es also wieder los beim Halleschen Quartett, und sie haben eindeutig klar gemacht, dass sie nicht unterschätzt werden sollten. Das zeigen sie auch im Musikvideo zur neuen Single, in der sie Badminton spielen – gegen sich selbst. CONGOROO sind wieder da, und wenn ihr auf gefühlvolle Rockmusik mit atmosphärischem Twist steht, solltet ihr auf jeden Fall die weitere Entwicklung der Band verfolgen.

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„It’s been awhile“… dieser Satz passt gleich mehrfach zum vorliegenden Album.
Es ist ein Weilchen her, dass STAIND zu letzten Mal eine Veröffentlichung hatten. Genauer gesagt, ist es fast neun Jahre her, dass „Live from Mohegan Sun“ bei Eagle Rock verlegt wurde. Im Vergleich zum selbstbetitelten Studioalbum, welches vor einem ganzen Jahrzehnt erschien, erhielt dieser Konzertmitschnitt kaum Beachtung.

Es ist auch ein Weilchen her, dass STAIND eine wichtige Rolle in den Sphären des Alternative Rock, Alternative Metal, Post-Grunge, oder Nu Metal gespielt haben. Ihre erfolgreichste Zeit hatte die Band mit den Alben „Break the Cycle“ (2001), „14 Shades of Grey“ (2003), und „Chapter V“ (2005). Das war die Zeit als der düstere Post-Grunge vom Kellerclub bis hin zu MTV zu den gefragtesten Musikstilen gehörte. Und es war auch die Zeit, als Chad Kroeger den Musikstil noch nicht gänzlich in den Dreck gezogen hat.

Außerdem ist es ein Weilchen her, dass STAIND ihre größten Single Erfolge hatten, auf welche sie leider viel zu oft reduziert werden. Neben ihrem größten Hit „It’s been awhile“ zählen dazu auch „For You“ und „Right here“, welche beide auf dem vorliegenden Live Album vertreten sind.

Passioniert und souverän

Wie der Name schon deutlich macht, wurde „It’s been awhile – Live from Foxwoods | 2019“ im Jahr vor der Pandemie aufgenommen. Das Konzert kann digital, auf CD, Schallplatte, oder DVD erworben werden, und wartet mit satten 71 Minuten auf, in denen STAIND ihre (damals) 24-jährige Historie Revue passieren lassen.

Das Quartett aus Springfield, Massachusetts gibt sich souverän und selbstbewusst auf der Bühne. Voller Hingabe werden 15 der größten Erfolge von STAIND geschmettert. Gefühlvolle Alternative Rock Balladen reihen sich an mächtig krachige Nu Metal Brecher, und das Publikum rastet komplett aus. Spätestens beim Chorus von „Right here“ wird aus unzähligen Kehlen mitgeschrien, bevor STAIND nahtlos ins emotionale „Outside“ überleiten.

Nostalgie oder Blick nach vorne?

Beim Hören und Genießen der Scheibe kann man sich dann doch schnell die Frage stellen, was denn dieses Album zu bedeuten hat. Sind STAIND etwa zurück oder entwickeln sie sich gerade zum wandelnden Denkmal ihrer Selbst? Laut Homepage (s.u.) ist zumindest eine Tournee mit KORN angekündigt. Das macht Hoffnung, dass STAIND nicht die gleiche Entwicklung durchmachen wie andere Legenden des Rock. Man denke an THE ROLLING STONES, die seit gefühlten drei Jahrhunderten Abschiedstourneen spielen, oder AC/DC, die zu allem Unglück auch noch „neue“ Alben aufnehmen.

Um den Bogen zum Live Album zurück zu schlagen: STAIND präsentieren sich souverän wie eh und je, wofür ihnen das Publikum hörbar dankbar ist. Außerdem zeigt die Band, dass sie zu Unrecht auf einzelne Titel wie eben „It’s been awhile“ reduziert werden. Was jetzt noch fehlt, ist ein neues Studio Album, auf dem STAIND ihren typischen Sound im neuen Anstrich präsentieren. Angeblich ist es etwas in Planung… (vgl. Interview mit Audio Ink).

Homepage von STAIND

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Mein erster Berührungspunkt mit BREATHE ATLANTIS ist noch gar nicht so lange her. Und der stammte nicht nur aus der Kategorie „Oh, da hör ich mal rein“, sondern war live und in Farbe. Am 7.12. hatte ich nämlich mein diesjähriges Highlight im Livebereich, und zwar mit OUR MIRAGE im Bandhaus Leipzig. Dort spielten eben auch die titelgebenden (mir bis dahin unbekannten) Herren sowie IMMINENCE aus Schweden. Alles in allem ein grandioser Abend. Und wie es der Zufall will, liegt mir nun das neue Album „Soulmade“ vor. Was soll ich da schon anderes machen, als es Probe zu hören?

Dass das nicht die Art von härterer Musik ist, die ich sonst konsumiere, habe ich mir schon an besagtem Abend gedacht. Nicht, dass es mir nicht gefallen hat, nein, die Band schlägt nur eine gemäßigtere Richtung ein. Als ich die Show verfolgt habe, schoss mir bereits „Irgendwie wie ALAZKA, nur ruhiger (und ohne Shouts)“ durch den Kopf. Das liegt vor allem an der Gesangsart, die Frontmann Nico zelebriert. Die Harmonien und das Gefühl bewegen sich auf einer ähnlichen Ebene. Und das weiß zu gefallen. Ich würde das auch als Aushängeschild der Band bezeichnen.

Das kommt live zwar irgendwie besser rüber als auf dem Album, überzeugen kann die Stimme aber definitiv. Auf musikalischer Seite bekomme ich hier grundsolide Rockmusik. Poppige Melodien („Cold“) gibt es ebenso wie melancholische Momente („At Night“). Einen Ohrwurm hat mir die Band mit „Spirit“ auch eingepflanzt, im Chorus musste ich einfach mitwippen. Zum Teil würde ich den Songs sogar Radiotauglichkeit zuschreiben. 

Ich muss allerdings gestehen, ein Dauerbrenner wird „Soulmade“ bei mir nicht werden. Dafür ist mir der Stil irgendwie zu glatt. Es fehlt an Ecken und Kanten. Warum nicht mal ein wenig mehr über die Stränge schlagen? Bei manchen Songs würde sich das wirklich anbieten. Gerade dann, wenn die Stimme doch mal etwas an Härte zulegt, mangelt es an nötiger Substanz. Wer es aber etwas gemäßigter und ohne Shouts mag, darf hier gern mal reinschnuppern. Produziert ist das Album nämlich auf sehr hohem Niveau und dürfte spätestens seit der angesprochenen Tour viele Anhänger finden. Sympathiepunkte konnten BREATHE ATLANTIS nämlich reichlich sammeln. 

Offizielle Website

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Mehr als nur Wolfsgeheul

Rund zwei Monate nach dem digitalen Release von „Chasing The Horizon“ erfolgt im August die physikalische Veröffentlichung des fünften Albums der japanischen Band MAN WITH A MISSION. Zusätzlich zu den vierzehn Songs auf der Platte enthält die physikalische Kopie noch drei Bonussongs. Die ersten Singles des Albums, welches übrigens der erste internationale Release der Band ist, wurden bereits im vergangenen Jahr veröffentlichen und bieten einen ausgiebigen Vorgeschmack auf die Vielseitigkeit des Albums – denn der Musik von MAN WITH A MISSION lässt sich nur schwer der Genrestempel aufdrücken. 

Mit „2045“ und „Broken People“ eröffnen zwei von Trancemelodien geprägte Songs das Album, welche sich immer wieder mit rockigem Gitarrensound abwechseln. Besonders herausstechend sind die markanten Stimmen des Sängers Tokyo Tanaka sowie des Gitarristen und Rappers Jean-Ken Johnny. Der folgende Track „Winding Road“ schlägt deutlich ruhigere Töne an. Besonders die Wechsel zwischen englischen und japanischen Lyrics lassen das Lied besonders wirken. Gleich noch einmal die Repeat-Taste drücken. 

„Hey Now“ ist ein altbekannter und von Dancemelodien dominierter Song. Mich persönlich holt der Chorus nie richtig ab, weshalb die über fünf Minuten Spielzeit sich eher langatmig anfühlen. Mit „Please Forgive Me“ folgt jedoch mein Favorit auf der Platte. Danceballade beschreibt das Lied wohl am ehesten. Die steten Wechsel des Tempos machen „Please Forgive Me“ äußerst einprägsam und die Lyrics laden quasi zum mitsingen ein. 

Rock, NuMetal, Dance

Die folgenden Songs wie „Break The Contradictions“ oder „My Hero“ hingegen schlagen wieder deutlich rockigere Töne an. Vor allem Jean-Ken Johnnys Rap-Parts wirken sehr erfrischend und zeigen die NuMetal-Einflüsse der Band. 
Generell ist es schwierig, die Musik von MAN WITH A MISSION in ein Genre zu stecken – meiner Meinung nach ist das auch gut so, denn so erhält die Band sich ihren wiedererkennbaren, internationalen Sound. „Dead End in Tokyo“ wurde von FALL OUT BOYs Patrick Stump mitproduziert und bereits letztes Jahr veröffentlicht und nicht umsonst einer der beliebtesten Songs der Band. Einfach ein absolut tanzbarer Rocksong! Nachdem die letzten Songs des Albums die rockige, vereinzelt mit Dance oder sogar NuMetal-Elementen ausgeschmückte Richtung des Albums fortsetzt, schließt„Sleepwalker“ „Chasing The Horizon“ sehr ruhig und melodiös ab. Genau das Richtige nach einem einstündigen Ritt auf der Genreachterbahn!

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Eine EP zu bewerten ist immer recht schwierig. Klar ist es für eine Band ein gutes Mittel, um Output zu bringen, oder  sich schlichtweg vorzustellen. Allerdings ist es auch nicht einfach, sich mit 4 Songs in Gänze zu präsentieren. Viele schaffen dieses Kunststück zwar, bei anderen denkt man aber auch „Da hätte ich jetzt gern mehr gehört, um mir ein echtes Bild zu machen“. 

Letzteres trifft bei mir auf KILL NO ALBATROSS aus Ontario zu. Nach den verklungenen 15 Minuten weiß ich nicht, was ich davon halten soll. Von den 4 dargebotenen Tracks ist allerdings auch keiner dabei, der mein Interesse wirklich geweckt hat. Das Ganze wirkt leider irgendwie uninspiriert und wenig eigenständig. Die Melodien, der Gesang, der Sound, nichts was mich, käme ein Song davon beispielsweise in einem Film vor, nach dem Gehörten googeln lassen würde. Hier und da blitzt sogar mal ein Fünkchen Metalcore durch, aber bis auf ein paar nette Shouteinlagen zwischendurch ist davon auch nicht viel vorhanden. Ich denke aber auch nicht, dass das die Intention der Band war. 

Sicher tut „Speak True Evil“ nicht weh, wenn es bei einem Spieleabend zu Hause im Rockradio laufen würde, aber zu mehr reicht es bei mir auch nicht. Wie sagt man heutzutage: „Das holt mich leider nicht ab“.

Zur Band Homepage

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Bähm! Die DONOTS melden sich mit einem neuen Album ins neue Jahr zurück! „Lauter als Bomben“ heißt das Neuwerk! Damit haben sich die Punkrocker aus NRW eine schmissige, aber leider auch aktuelle Ansage für ihr neues Album gedrechselt. Politik geht halt immer in der Sparte. Und wie man sieht, liefert sie leider nach wie vor genügend Zündstoff (Gott, was ein schlechter Vergleich) für neue Songs. Heureka!

Dabei startet die Platte eigentlich ganz sanft, wie ein kühler Morgen nach dem Regen. Aber nur kurz. Dafür haben die fünf Musiker viel zu viel zu sagen. Über sich, über die Welt, und wie das alles zusammenpasst. Wie können wir zusammen leben, ohne uns gleich gegenseitig alles einzuschlagen, was weh tut. Das Ganze aber nicht mit dem erhobenen Finger, sondern mit nem kräftigen Groove in den Beinen. So vermittelt sich das einfach besser. Und man kann Bier dabei trinken.

„Wie wärs mit einem Happy End, bevor hier alles brennt.“

Genau so. Lächel doch lieber, du Arsch!

Wenn die Platte etwas zeigt, dann, dass Punkrock auch 2018 noch geht. Auch auf Deutsch. Die DONOTS haben die perfekte Mischung aus Inhalt und musikalischer Genialität gefunden. Niemand kann bei diesem Album sagen, nicht zu verstehen, worum es geht. Aber ebenfalls dürfte niemand behaupten können, trotz der teils ernsten Themen nicht auch Spaß an der Musik gehabt zu haben. Die haben die Musiker nämlich sichtlich (hörlich?) daran. Ich hoffe, sie damit auch mal live erleben zu können.

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„This album is dedicated to Tom Searle 1987 – 2016“

244 Tage nach dem Tod eines für viele Fans und Musiker inspirierenden Gitarristen, lese ich diese Worte im Inneren der Gatefold Verpackung. Und sofort fällt mir wieder ein, warum diese Band bereits den Weg unter meine Haut gefunden hat. Eine unglaublich gute Band zollt einer befreundeten, ebenfalls großartigen Band den Respekt, den sie verdient. Tom war ein großartiger Musiker und Mensch. Jeder, der das Glück hatte ihn live zu sehen, weiß das. Über seinen Tod hinwegzukommen wird nie gelingen, aber die mitfühlenden Botschaften – zuletzt in NORTHLANEs „Paragon“ – häufen sich. Dass gerade WHILE SHE SLEEPS ihr gesamtes Album dem ARCHITECTS-Gitarristen widmen, trifft mich noch härter. Selten schafft es Musik, die so gefühlsbetont ist, gleichzeitig so ehrlich und nicht übertrieben zu klingen. Auf dem Debüt „The North Stands For Nothing“ war das so, auf „This Is The Six“ und „Brainwashed“ ebenfalls. Was wird mich also auf der nächsten Reise in die gequälte Gedankenwelt der jungen Briten erwarten?

Die Erwartungen an die LP waren unglaublich hoch, was nicht zuletzt daran liegen dürfte, dass die Vorgänger zu meinen meist gehörten Alben zählen. Vor der Veröffentlichung war jedoch sofort klar, warum diese Scheibe anders wird. Mit dem Sleeps Warehouse hat sich die Gruppe einen eigenen Platz geschaffen. Dort wird Merch designed, bedruckt und Musikvideos aufgenommen. Viel wichtiger ist jedoch, dass hier Musik geschrieben und aufgenommen werden kann. Keine wechselnden Studios, kein Reisestress zu den Aufnahmen, keine ungewollte Beeinflussung durch die Umwelt – das bedeutet Unabhängigkeit. Möglich gemacht wurde das durch die Unterstützung ihrer Fans, weshalb der passende Titel „You Are We“ gewählt wurde. Bei jeder anderen Band käme das kitschig und erzwungen rüber. WHILE SHE SLEEPS hingegen sind genauso wie sie sich geben. Keine Fake-Attitüde, kein Geplapper, keine Inkonsequenz – das bedeutet Musik aus dem Hause Sleeps.

Eine andere Sache, die vor der Veröffentlichung jedem bewusst sein konnte, war die Qualität. Ganze fünf Singles wurden der gierigen Masse zur Verfügung gestellt – und Junge, Junge, hab ich mich satt gehört. 
„Civil Isolation“ war in einer anderen Form am Ende von „Brainwashed“ aufgetaucht: Damals ein akustischer Lagerfeuer-Deluxe-Track, heute ein großartiger, harter Metalcore-Song. Dann kamen „Hurricane“, „You Are We“, „Silence Speaks“ und „Feel“. Jeder Track hatte den gleichen Grundton, aber an sich waren sie unvergleichlich. Wie sieht das im Kontext des gesamten Albums aus?

Sofort begrüßt der Titeltrack die Hörer auf eine Art und Weise, auf die sich meine Lieblings-Sheffielder verstehen. Endgeiles Riffing wird von Lawrence Taylors unverwechselbaren Screams unterlegt – Passagen zum Mitsingen gibt es keine. Der ganze, verdammte Song ist zum Mitgrölen gedacht. Unverwechselbare Breakdowns, wie den am Ende des Openers, haben sie perfektioniert. „Revolt“ hat einen ähnlichen Kracher in der Mitte versteckt, „Hurricane“ auch und ich muss jetzt glaube ich aufhören aufzuzählen. Hört selber rein! Unterstützt werden diese vom akkuraten und exzellenten Drumming, was in dem Mix manchmal untergeht und dann wieder scheinen darf. Sie legen es sich zum Glück so aus wie sie es brauchen.

Eine riesige Evolution gab es jedoch, die sich nicht abstreiten lässt. Wer zwischen „This Is The Six“ und „Brainwashed“ aufgepasst hat, bemerkt eine Auffälligkeit. Die Lieder wurden immer riff-betonter, melodischer und es gab generell mehr Gang-Vocals und derben, normalen Gesang vom Gitarristen Mat Welsh. Da wurde jeder Track zu einem neuen „Seven Hills“ , was bis dahin als Fan-Favorit galt. Hier hat sich dieser Trend fortgesetzt. Jeder Song enthält den derben Clean-Gesang, mitgesungen wird dank der schnellen Verse und auch Refrains immer. Hinterlegt mit den unglaublich geilen Riffs von z.B „In Another Now“, „Silence Speaks“ und „Steal The Sun“ zwingen sie einen quasi zum Mitsummen und -schwingen. Dazu kommen dann auch noch Gitarren-Soli. Wollen die mich eigentlich komplett zum Ausrasten bringen?

Ist das jetzt nur astreine Musik um sich gut zu fühlen? Definitiv nicht bei diesen, im Metalcore üblichen, gesellschaftskritischen Texten. Etwas offener für mehrere Interpretation sind diese geworden, lenken aber immer in eine bestimmte Richtung. Ein nettes kleines Detail ist dabei der Bezug zu den älteren Songs. Viele Tracks verweisen ab und an auf vorherige Texte oder zitieren diese ganz einfach. Jedoch ist das verständlich bei einer Band, die sich so natürlich weiterentwickelt. Wehe hier schreit jemand „Sellout“, WHILE SHE SLEEPS bleiben ihren Wurzeln so treu wie kaum eine andere Band.

„Our leaders won’t save us / Your Queen is dead“ – „Revolt“

Apropos Sellout, den BRING ME THE HORIZON-Frontmann Oliver Sykes konnten sie für „Silence Speaks“ als Unterstützung gewinnen. Und das war noch nicht genug. Der werte Herr Sykes fing für seine Kumpels wieder an zu schreien! Sofort waren alle neuen und alten BRING ME THE HORIZON-Fans auf WHILE SHE SLEEPS aufmerksam gemacht. Trotz den bösen Hintergedanken zu einer klugen Marketingstrategie, gönne ich diesen Erfolg meinen Verbündeten im Geiste. Auch dieser rockigere, alternative Stil steht ihnen sehr gut. Sie bleiben dabei nämlich immer noch sie selbst. Nicht umsonst wurde schon früher in Interviews betont, dass sie lieber als Alternative bezeichnet werden würden. Sie scherten sich nicht um irgendwelche Labels.
Lustigerweise ist es in der Szene immer eine Diskussion gewesen, ob sie nun dem Metalcore oder doch dem Melodic Hardcore zuzuordnen sind. Denn bei ihnen verschwimmen die Genre-Grenzen. Das stimmt für dieses Album umso mehr. Ist „Empire Of Silence“ jetzt ein Southern-Metal-Song, „Civil Isolation“ ein Metalcore-Track, „Hurricane“ eine Stadionhymne und „In Another Now“ ein modernes Hardcore-Lied mit Melodic Death Metal? Wen interessiert das? Vielleicht stimmt ein bisschen davon, aber die Lieder kommen ganz gut ohne das alles aus. Diesem Album kann jeder etwas abgewinnen!

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Der Beitrag Mein Album des Jahres – WHILE SHE SLEEPS erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.