S: Danke für eure Zeit! Wie geht’s euch?
C: Gut, danke. Wir haben ja kürzlich unsere Single „Exit Wound“ veröffentlicht. Bisher waren die Rückmeldungen dazu wirklich gut, das freut uns natürlich. Es ist immer spannend, etwas neues zu veröffentlichen und zu schauen, wie die Reaktionen sind. Die können ja wirklich durchaus unterschiedlich sein. Das hier ist ja jetzt gewissermaßen eine Auslage vom neuen Album, daher ist das nochmal besonders.

S: Habt ihr jetzt schon Pläne dafür? Wie sieht es mit einer Tour aus?
C: Ja, im November gehen wir mir SUICIDE SILENCE auf Never-Say-Die-Tour. Das Line-Up wird insgesamt ziemlich cool. Das ist cool, als dänische Band zweimal hintereinander bei einer Never-Say-Die-Tour mit dabei zu sein. Das ist ein Weltrekord (lachen).  Ja, es gibt darüber hinaus schon Pläne, die sind aber noch nicht offiziell.

S: Was ist momentan für euch denn spannender, wieder gleich in so einem Line-Up auftreten zu können, oder auch ein neues Album dabei zu haben?
C: Es ist natürlich gut, die Songs, die wir das ganze letzte Jahr schon im Probenraum und Studio gespielt haben, jetzt auch live spielen zu können. Wir lieben es, Musik zu schreiben, all das drumherum. Aber der Grund, weshalb wir das machen, nämlich aufzutreten, ist schon genauso wichtig.

S: Das ist ja meistens nochmal der größte Schritt, vor einem Publikum zu stehen, nicht nur den Produzenten.
C: Ja! Im Probenraum ist manchmal schon ein Minenfeld. Aber dann…

S: Das ist ja bereits euer drittes Album, wenn ich mich nicht irre. Und ihr habt auch schon eine gewisse Reputation. Was macht das nochmal für euch aus, auch an eigenen Erwartungen?
C: Es erhöht klar den Druck, weil das, was wir bisher gemacht haben, schon so gut funktioniert hat. Man muss irgendwie daran anschließen und sich daran gemessen weiterentwickeln.

S: Ich denke, ihr habt jetzt vom Label auch wirklich Support bekommen und vermutlich auch von Fans. Merkt ihr das? Oder wie ist das für euch?
C: Ja, auf jeden Fall. Das Label, bei dem wir momentan sind, hat uns ein viel breiteres Publikum ermöglicht, als wir es vorher hatten. Das bedeutet natürlich auch höhere Erwartungen, weil sie ja auch Geld in uns und das Team um uns herum investiert haben. Es sind dadurch auch mehr Leute, die wir nicht hängen lassen wollen. Aber trotzdem genießen wir das immer noch, was gerade passiert, weil man so auch eine deutliche Entwicklung merkt. Mit Nuclear Blast haben wir wirklich sehr gut zusammen gearbeitet bis jetzt. Für uns ist das wirklich ein tolles Match. Wir können an unseren eigenen Ideen arbeiten, sie lassen uns das machen und bringen manchmal einfach noch ein paar Vorschläge. Das ist ziemlich cool, so mit einem professionellen Team arbeiten zu können.

S: Seht ihr auch eine Entwicklung bei euren Fans und anderen Musikern, die auf euch zukommen?
C: Geographisch gesehen weiß ich gar nicht, wie sehr sich unsere Fanbase verändert hat. Ich denke, wir haben natürlich mehr Leute erreicht, die anderen Bands von Nuclear Blast folgen. Ein Unterschied ist bei der Wahrnehmung vermutlich, dass wir jetzt dieses Label im Rücken haben und dadurch schon ernster genommen werden.
Unsere älteren Songs waren etwas mehr deathcore-esk und tradiotioneller, wenn du so willst. Das neue Album streut jetzt etwas weiter als die beiden vorherigen Veröffentlichungen. In der Art der Anstellung, die wir jetzt haben, kam halt auch mehr Einfluss in das neue Album als früher. Und das zeigt sich auch bei den Reaktionen darauf.

„Das neue Album streut jetzt etwas weiter als die beiden vorherigen Veröffentlichungen.“

S: Denkt ihr, dass momentan eine gute Zeit für aufstrebende Bands ist, bekannter zu werden?
C: Schwierig zu sagen. Es hatten ja jetzt alle diese zwei Jahre Unterbrechung und veröffentlichen jetzt etwas neues. Die sind damit jetzt alle gleichzeitig auf Tour. Dadurch entsteht automatisch ein Wettbewerb. Trotzdem denken wir, dass wir nie zuvor so eine starke Grundlage hatten und momentan so profitieren. Es hatte vorher schon genervt, das vorletzte Album zu haben und damit nicht touren zu können. Das war schwierig und frustrierend, dennoch sind uns trotz Covid viele positive Dinge passiert, vor allem sowas wie Nuclear Blast. Es ist auf der anderen Seiten auch gut zu sehen, wieviel gute Musik jetzt veröffentlicht wird. Niemand wollte während der Pandemie wirklich etwas veröffentlichen. Bei dem letzten Album waren wir gewissermaßen dazu gezwungen, weil wir schon zu weit in dem Veröffentlichungszyklus waren. Das war Anfang April, gerade, als alles zu gegangen ist. Wir haben noch gefragt, ob wir das rückgängig machen können. Da hieß es noch „Ja, das dauert ein paar Monate, dann ist alles wieder normal“. Ja, haha (lachen).

S: Manche Bands experimentieren ja auch eher am Sound als nur mit Tempo und Technik. Denkt ihr, der Stil in dem ihr euch bewegt, wird sich da auch verändern?
C: Also was uns persönlich, so gesagt, direkt beeinflusst, gerade auch Chris, der unser Hauptsongwriter ist, sind viele Einflüsse, die in den letzten zwei Jahren über Youtube rein kamen. Input durch verschiedene Videos, aber auch durch Kommentare. Er hatte eh schon einen eigenen Stil, an Musik heranzugehen, und durch diese Zeit wurde das nochmal besonders beeinflusst. Wir hatten immer eine recht gute Onlinepräsenz und haben da auch gelernt. Wir haben TikTok gemacht und auch früh mit Patreon angefangen. Ich würde gerne LinkedIn sagen, aber das zählt nicht (lacht). Viele Online Plattformen, von denen wir früher nie gedacht hätten, dass wir sie brauchen würden, waren plötzlich während der Pandemie interessant. Facebook, Instagram, da lief so der normale Stuff, und mit Patreon konnten wir auch mal zeigen, was so hinter den Kulissen läuft und ein paar Spenden nehmen. Und TikTok ist ja eh nur so Ferz, um Unsinn zu machen. Aber sowas kommt an, viele Fans, die wir über die Jahre so bekommen haben, haben diesen Prozess auch mitgemacht und sind mit sowas eh auch mitgewachsen.

S: Ja, viele Bands veröffentlichen auch einfach Dinge wie ein Play-Through mit Instrument X durch Song Y und sowas. Beides ist auf seine Art interessant und gut. Durch die Pandemie haben die sozialen Medien für Künstler ja wirklich nochmal eine neue Bedeutung bekommen.
C: Wir wollen das auch eigentlich noch mehr nutzen. Die Möglichkeiten da sind echt cool, aber es ist wirklich auch viel zusätzliche Arbeit, wenn man fünf oder sechs Kanäle bedienen will. Meistens schreibt einer von uns eine Idee auf und versucht, die anderen davon zu überzeugen. Das ist oft lustig, kann aber auch anstrengend sein, wenn wir immer darüber diskutieren. Meistens sieht es ja nach Banalitäten aus, aber es steckt ja trotzdem Arbeit dahinter. Aber es zahlt sich auch aus. Es ist halt eben 2022, es reicht nicht mehr, nur Musik zu spielen. Du musst die Leute auch auf Social Media unterhalten (lachen). Es ist eh jeder online. Wieso das also nicht nutzen. Es fühlt sich schon influenzeresk an, was zu machen. Einmal haben wir was mit Monster gemacht. WIr haben eine nicht-rülpsen Challenge daraus gemacht. Jeder hat eine Dose bekommen und musste sie exen. Das ist witzig, sowas machen zu können. Versucht einfach, Spaß mit uns zu haben.

„Es ist halt eben 2022, es reicht nicht mehr, nur Musik zu spielen. Du musst die Leute auch auf Social Media unterhalten.“

S: Wie sieht es live aus? Habt ihr irgendwelche Festivals auf der Wunschliste, auf denen ihr gerne mal spielen wollt?
C: Oh  ja. Hellfest, Brutal Assault, Copenhell, Roskilde, Summerbreeze. Am liebsten alle irgendwie. Aber es geht so eins nach dem anderen. Rock am Ring und Bloodstock wären geil. Wir lieben es, auf Festivals zu spielen, das ist immer eine gute Zeit. Es ist einfach ein komplett anderes Feeling als Club Shows. Dieses Jahr haben wir ein paar Festivals gespielt und das war jedes Mal wie ein kleiner Urlaub. Die bist immer für ein paar Tage da, kannst die anderen Bands sehen und dir das Land anschauen, in dem du bist. Auf Club Tour bedeutet ja ein wenig, man spielt heute in England und morgen in Frankreich, zwischendrin schläfst du im Bus und hast kaum Zeit, mal rumzuhängen und dir was anzuschauen. In Tschechien gibt es das Fluff Fest, kennst du das? Das ist ein DIY-Festival, nicht ganz unser Publikum, aber echt eine coole Atmosphäre.

S: Habt ihr noch was, das ihr loswerden wollt?
C: Puh, ja. Wir haben ja schon eine Single draußen. Ende Oktober kommt dann das Album raus. Vom 5.-27. November sind wir dann auf der Never-Say-Die Tour in Europa und UK mit SUICIDE SILENCE. Da freuen wir uns drauf und hoffen natürlich, viele Leute wieder zu treffen und eine gute Zeit zu haben.

S: Cool, ja, da wünsche ich euch viel Erfolg. Danke für eure Zeit.
C: Gerne, gleichfalls. Folgt uns auf TikTok (lachen). Gute Zeit!

Puh, das war intense! Jetzt erstmal ein Monster zum runterkommen. Auf welchem Festival würdet ihr die Band denn gerne mal sehen? Und sagt jetzt bitte nicht TikTok!

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Vor zwei Jahren erschien das Debutalbum „Puritan Masochism“ der dänischen Band KONVENT. Das 2015 gegründete Quartett aus Kopenhagen hat damit für ordentlich Furore in den Sphären des Death und Doom Metal gesorgt. Doch dabei soll es nicht bleiben, denn nun legen KONVENT mit „Call Down the Sun“ nach, wobei sie die Messlatte nochmal deutlich erhöhen. Diese Dreiviertelstunde reinster Finsternis wird präsentiert von Julie Simonsen (Schlagzeug), Heidi Withington Brink (Bass), Sara Helena Nørregaard (Gitarre), und Rikke Emilie List (Gesang). Als Gast tritt außerdem Felix Havstad in Erscheinung, welcher mit Cello und Violine die Atmosphäre des Titels „Harena“ unterstützt.

Der Klang der Dunkelheit

Getragen wird das musikalische Gerüst auf „Call Down the Sun“ von mächtigen sowie behäbigen Rhythmen, die sich in den Tempi des Funeral Doom abspielen. Das heißt aber noch lange nicht, dass Schlagzeugerin Julie Simonsen wenig in Erscheinung tritt. Krachendes und kontrolliertes Zwischenspiel dekoriert das massive Fundament, auf welchem Bassistin Heidi Withington Brink für mitreißenden Groove sorgt.

Der volltönende Bass erzeugt zusammen mit den brachialen Gitarrenriffs von Sara Helena Nørregaard eine elektrisierende, spannende und eingängige Stimmung aus düsterer Harmonie und Dissonanz. Auf diesem mächtigen Gebilde aus Doom Metal, Death Metal und Anleihen von Black Metal übernimmt Sängerin Rikke Emilie List das Szepter. Die brutalen Growls kommen aus einer Untiefe, die einige Etagen unter der Hölle liegt. Mit voller und brachialer Kraft geht diese Stimmgewalt auf die Hörenden nieder und hinterlässt nichts als Asche.

Die Sonne versinkt, ein Stern steigt auf

Das vorige Album „Puritan Masochism“ mag es schon angedeutet haben, doch nun ist es höchst offiziell. KONVENT machen hier weitaus mehr, als dem Genre Doom Death Metal neues Leben einzuhauchen. Das Quartett aus der dänischen Hauptstadt revolutioniert den musikalischen Stil gänzlich, und ganz nebenbei setzen die vier Musikerinnen sich dabei selbst die Krone auf. Behäbigen Schrittes und mit bestialischer Gewalt setzen KONVENT die Elemente in Bewegung, auf dass die Sonne in einem Meer aus Finsternis versinkt. Eine Dreiviertelstunde lang überzeugen KONVENT ohne auch nur einen einzigen Aussetzer oder faden Moment unterzubringen. Und so schafft es die Band, auch bei gemächlichem Tempo atemberaubend und umwerfend zu klingen. Das macht „Call Down the Sun“ nicht nur genreintern zu einem Aspiranten für das Album des Jahres 2022.

Der Beitrag KONVENT – Perfektion in Doom und Death erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Als ich im April diesen Jahres erfuhr, dass AFSKY (dänisch: „Ekel“) – das Ein-Mann-DSBM-Projekt von SOLBRUD-Frontmann Ole Pedersen Luk aus Dänemark – ein neues Album releasen, war mir sofort klar: Das muss ich haben! Und: Das Ding wird richtig gut. Gespannt war ich insbesondere, ob es seinen (einzigen) Vorgänger, die unglaublich starke Scheibe „Sorg“ (dänisch: „Trauer“) noch übertreffen würde. Vorab: Die Antwort lautet „Ja“ und „Nein“. Denn die beiden Alben sind vielleicht doch gar nicht so richtig miteinander vergleichbar.

Liebe auf den ersten Blick

Vorab: Wie habe ich AFSKY entdeckt? Nun, das begann alles, als ich SOLBRUD, die erwähnte „Hauptband“ Ole Luks, im August 2018 gemeinsam mit MULTILATION RITES und ZEIT beim „Paranoya over Dresden“ in der Chemiefabrik Dresden erleben durfte. Als absoluter Liebhaber (melodiös-) schwarzmetallischer Klänge war das für mich ein Pflichttermin, zumal die gute alte „Chemo“ ohnehin immer einen Besuch wert ist. Ich erwartete Gutes und bekam: Großartiges. Wenn mich eine Band live direkt sowas von überrollt und mitschleift, dann muss ich mich hinterher einfach intensiver mit ihnen beschäftigen.

Und siehe da: Über Bandcamp erfuhr ich, dass der unglaublich sympathische Sänger, mit dem man in der familiären Atmosphäre der „Chemo“ ein schönes Schwätzchen halten konnte, noch ein DSBM-Projekt betreibt: AFSKY. Vorerst skeptisch, da selbst mir in diesem Genre so manches Werk doch zu gestört und zu wenig „vorantreibend“ klingt, wurde ich sogleich auch von „Sorg“ so sehr abgeholt, dass ich mir die Band unbedingt live geben musste. Dazu hatte ich beim „Vendetta Fest“ 2019 im „Zukunft am Ostkreuz“ Gelegenheit. Und, was soll ich sagen? Einmal wieder waren die Wucht und Atmosphäre noch atemberaubender als der gute Sound der Band. Warum ich Euch das erzähle? Nun, als absolute Empfehlung sich AFSKY live anzuhören!

Dann war es soweit: Dank der sozialen Medien aka Instagram (@excalikurt, @afskyofficial) und Bandcamp bekam ich schon frühzeitig mit, dass da etwas Großartiges auf dem Weg ist.

Eine Reise durch die dänische Kulturgeschichte

Schon das Coverartwork von „Ofte Jeg drømmer mig død“ gewährt einen ersten Eindruck von der nüchternen, trostlosen und doch brachial verzweifelten Atmosphäre des Albums. Es handelt sich um das Gemälde „Udslidt“ („Abgearbeitet/erschöpft“) von H. A. Brendekilde (1889), das im Kunstmuseum „Brandts“ in Odense, Dänemark, in beeindruckender Größe (207 × 270 cm) ausgestellt ist. Es handelt sich um das bedeutendste Werk des Künstlers. Es zeigt eine Frau aus einfachen, ländlichen Verhältnissen, die auf einem weiten Acker ihren von der harten Arbeit zu Tode erschöpften Mann im Arm hält, während sie aus Verzweiflung mit weit geöffnetem Mund (um Hilfe) schreit.

 

 

 

 

 

 

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Very impressive size! Today I’m invited to Odense art museum Brandt’s, to be a part of the online presentation of the painting ‘Udslidt’ I used for my album artwork. Amazing to see it live for the first time! . Check out the event on Facebook if you like! Starts 2pm danish time. . .. … #brandts #klædefabrikken #afsky #blackmetal #habrendekilde #udslidt

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Jun 3, 2020 um 3:52 PDT

Diese Atmosphäre und die Kritik an den gesellschaftlichen Verhältnissen – der Schere zwischen Arm und Reich – die das Bild thematisiert, finden sich auch in vielen der Texte und Gedichte wieder, die auf „Ofte Jeg drømmer mig død“ („Oft träume ich mich tot“) zu finden sind und die von Ole Luk lediglich mit seiner Musik untermalt wurden. Also: Keine der Lyrics auf „Ofte Jeg drømmer mig død“ sind von Luk, sondern historische Texte teils bekannter Autoren, die im Booklet oft mit abgebildet sind. Es lohnt sich daher, einen genaueren Blick in diese Texte zu werfen. So ist auch der Titel des Albums selbst textlicher Bestandteil des dritten Stücks „Imperia“, das auf dem gleichnamigen Text von Sophus Claussen, einem dänischen Autor der Neoromantik, beruht. Aber fangen wir vorne an, bei „Altid Veltilfreds“ nämlich.

Genügsamkeit finden in der Einfachheit

Das Stück geht auf den gleichnamigen Text eines unbekannten Autors um 1600 zurück und bedeutet übersetzt „Immer zufrieden“. Es startet mit beruhigendem Meeresrauschen, über das sich akustische Gitarrenklänge und eine Nyckelharpa legen. Der Melodieverlauf schwillt in Begleitung von E-Gitarre und Schlagzeug immer weiter an, bis sich das Stück nach fast 3 Minuten und einer kurzen Ruhepause mit einem Schrei vor dem Hörer aufbäumt. Von da an kämpft sich „Altid Veltifreds“ schnell und getrieben seinem Ausklang entgegen.

Man könnte die Stimmung des Stücks als „sentimentales Voranpreschen“, als „schmerzenden Kampf“ beschreiben. Der Text handelt, soweit ich das bei der Übersetzung eines so alten dänischen Textes sagen kann, von Gedanken, die ein bescheidener, zufriedener, einfach lebender, aber nachdenklicher Mensch seinerzeit wohl hat. Von der Vergänglichkeit des Lebens, dem Glück, das man in einfachen Momenten finden kann, der Unbeeinflussbarkeit der Dinge und des scheinbar nutzlosen Strebens nach Dingen, die sobald man sie erreicht hat, schon vergangen sind. Der Protagonist findet viel mehr seine nüchterne Erfüllung in dem, was sich ihm ergibt.

Auszug:

Lieber tot, als Sklave zu sein

Gefolgt wird der Song von „Tyende Sang“ („Lied des Dieners“) nach dem gleichnamigen Text Jeppe Aakjaers aus 1907. Der enthält deutlich mehr Aktionismus, den man auch musikalisch spürt. Die letzten drei Zeilen des Stücks sind separat im Inlay des Albums abgedruckt und bedeuten ins Deutsche übersetzt in etwa:

„Dann pflügen wir fröhlich unser hügeliges Land, nachdem wir unseren eingeschüchterten Stand aus der Macht der jahrelangen Sklaverei befreit haben“

(„Da pløjer vi muntre vort bølgende Land, naar først vi har friet vor kuede Stand fra Tusindaars-Trældommens Nat.“)

Der Text kann also als Hymne des Aufstands und der Revolution der Unterdrückten gegen ihre Peiniger verstanden werden – und genauso hört sich auch der Song an. „Tyende Sang“ knüpft direkt an den Ausklang seines Vorgängers an und bricht dann in gnadenloses Doublebassgewitter aus, überschattet von vorantreibenden, melodiösen Riffs. Melodische Leadgitarren übernehmen das Spiel, durchdrungen von den geschrienen Textpassagen. Über seine ganze Spiellänge wechselt sich der Song dann ab mit ruhigen Abschnitten und brachialen, aber auch intensiv melodiösen Ausbrüchen, bevor er wieder mit Akustikgitarrenspiel und Regenschauern ausklingt und man sich fragt, wovon dieses Stück erzählen will – vom Sieg unter Hinnahme schwerer Verluste oder doch von ernüchternder Niederlage.

„Oft träume ich mich tot“

Und so gelangen wir schließlich zu „Imperia“, dem eingangs erwähnten Stück, aus dem der Albumtitel entliehen wurde:

„Ich bin Imperia, die Königin der Erde. So stark wie die Kälte die im Schoß der Berge schlummert. Dunkel und unveränderlich. Oft träume ich mich tot.“

Und genau so, wie die ersten Zeilen dieses Textes anmuten, klingt auch „Imperia“. Ein unglaublich kraftvoller Song des Albums, der nur in seinen ersten Sekunden schwermütig anklingt, um direkt mit einer erhabenen Eiseskälte über mich hereinzubrechen.

Aber sollte man „Imperia“ wegen seines Bezugs zum Albumtitel als Herzstück des Albums bezeichnen? Meines Erachtens bewegt sich der Song musikalisch absolut ebenbürtig zwischen seinen fünf „Mitstreitern“. Wie auf dem gesamten Album paaren sich auch bei „Imperia“ immer wieder ruhigere, teils akustisch/folkloristisch anmutende Passagen mit gnadenlos sägenden und melancholisch-melodiösen Gitarren, begleitet von Blastbeats und untermalt von Luks Schreien voll markerschütternder Kälte. Tempo- und Melodiewechsel finden nahezu im Minutentakt statt. Das macht dieses Album sehr angenehm zu hören. Es lässt beim Hören stets Verschnaufpausen, treibt mich trotzdem immer wieder mit neuer Energie voran und schreit gefühlt den ganzen Schmerz, der in den Texten verarbeitet wurde, heraus.

Um das eigene Leben kämpfen

Ähnlich wie „Tyende Sang“ mutet auch „Bondeplage“ („Bauernleid“), basierend auf einem Text aus 1600, wie eine Hymne zur Befreiungsschlacht der Unterdrückten an und walzt ebenso majestätisch alles nieder, was sich ihm in den Weg stellt. Eine Fusion aus Doublebass und Gitarren überrollt mich beim Zuhören, reißt mich nieder, bevor sie mich mit sich reißt und anschließend überwältigt zurücklässt. Ganz so wie die donnernden Hufe einer rasenden Horde, die gekommen ist, um ihre Knechtschaft abzuwerfen und dabei alles zu geben – notfalls ihr Leben. Auch hier wird, ähnlich wie bei „Tyende Sang“, das Gemetzel durch eine Erzählstimme unterbrochen, bis der Sturm der Wut, Verzweiflung und Rache erneut hereinbricht und sich zuletzt ein fast schon idyllisch anmutendes, ruhiges Ende anschließt, in das sich der Song verabschiedet.

Frieden finden

Fast schon wie eine Art ernüchterte Einsicht, vielleicht darüber, dass sich die Zustände ja doch nicht nachhaltig zum Besseren wenden, wirkt dagegen der fünfte und damit vorletzte Song des Albums „Stemninger“. Hier wurde ein Gedicht von Hans Christian Andersen verarbeitet, dessen Titel sich mit „Stimmungen“ übersetzen lässt. Der Text spielt mit der Akzeptanz, ja fast schon dem Herbeisehnen des Todes. Romantische Metaphern wie die, dass auf dem eigenen Grab Wildrosen wachsen werden und Kinder dort spielen, wo man begraben ist, zeichnen ein ganz neues Bild. Ein Bild, das auch sagen könnte: „Es ist gut – der Kampf ist gewonnen. Es hat sich gelohnt. Ich habe ihn für euch gekämpft, ihr kommenden Generationen“.

Zugleich klingt „Stemninger“ deutlich tragender und schleppender als seine Vorgänger. Gleichwohl ertönt auch hier irgendwann der martialische Schrei, begleitet von Doublebass und schwereren Melodien. Die sägend-melodiösen Gitarren sind wohl ein musikalischer Ausdruck der Sentimentalität und Ernüchterung, die sich durch das gesamte Album zieht.

Schlussendlich verabschiedet sich das Album von uns mit „Angst“ nach Emil Aarestrup, dessen Titel wohl keiner Übersetzung bedarf. Die in „Stemninger“ begonnene Schwere und Trauer setzt sich fort und findet sich in ebenso bleischwer und bitter anmutenden Melodieverläufen wieder. Auch hier wurde natürlich nicht an üppigen Gitarrenwänden und Doublebass gespart. Die Stimmung ist dennoch deutlich weniger „aufmüpfig“ als noch bei „Tyende Sang“ oder „Bondeplage“. Stattdessen verstärkt sich die romantische Stimmung noch mehr und wirkt wie der Genuss des Momentes im Angesicht der eigenen Vergänglichkeit. Allerdings erscheint diese Einsicht eher tröstend. Es ist, als wollte der Text lehren, den Moment zu „umarmen„, solange das Herz noch „Blut und Wärme“ hat. Mit dieser romantisch-sentimentalen Stimmung und friedlichem Vogelgezwitscher schließt dieses Stück das Album.

Mein Fazit

Nach dieser umfangreichen Reise durch die Hintergründe des Albums können wir getrost festhalten, dass „Ofte Jeg drømmer mig død“ alles andere als ein belangloses Stück Musik ist. Es ist alles andere als Gepolter und Blastbeats. Es hat Herz, und zwar ein sehr altes, das aus den alten dänischen Texten und deren Bedeutung für den Künstler besteht, der sie nach seiner Wahrnehmung musikalisch untermalt hat. Doch auch ohne inhaltliches Auseinanderklamüsern reißt die Scheibe schon beim ersten Hören mit, sodass man sich schnell in dessen vorantreibende, schwere und düstere Kraft hineinfindet.

Von seinem Vorgänger „Sorg“ unterscheidet sich das Album allerdings stellenweise deutlich. „Sorg“ ist depressiver, aber auch schneller und hört sich aufgrund der deutlich bassärmeren Vertonung rauer, kälter, roher, kompromissloser und irgendwie trockener an als sein Nachfolger.  „Ofte Jeg drømmer mig død“ wirkt etwas schleppender und sein Sound hört sich satter und wärmer an. Dementsprechend ist „Sorg“ ein ausgezeichneter und herausragender Vertreter dessen, was klassischen, schnellen DSBM ausmacht. 

Das Album wurde von der dänischen Presse so stark wahrgenommen, dass es gleich in mehreren Artikeln dänischer Zeitungen aufgegriffen wurde und Ole Pedersen Luk vor dem Originalgemälde im Kunstmuseum „Brandts“ in Odense gemeinsam mit einer Cellistin ein Akustikkonzert geben durfte.

 

 

 

 

 

 

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Thanks for watching yesterday! And big thanks to @stniabrstrm for helping out with the cello! Thanks to @kunstmuseum_brandts for having me! #afsky #blackmetal #brandts #klædefabrik

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Jun 4, 2020 um 1:41 PDT

 

 

 

 

 

 

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5/6 in one of the biggest danish newspapers!! . .. … #afsky #blackmetal #politiken

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Mai 15, 2020 um 3:01 PDT

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Simon

Der Beitrag AFSKY – DÄNISCHE LYRIK BRACHIAL VERTONT erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Freunde von CHILDREN OF BODOM, THE BLACK DAHLIA MURDER und DARK TRANQUILLITY aufgepasst, ich hätte da was für euch: CHRONICLE! Die Dänen stehen mit ihrem neuen Album „Demonology“ in den Startlöchern und versüßen uns damit in Zeiten von Kontakt- und Ausgangsbeschränkungen den viel zu zähen Tag.

Das Album beginnt mit dem gesprochenen Intro „I Believe“, was wohl eine düstere, ernste Atmosphäre erzeugen soll. Mich persönlich hats eher amüsiert, aber es ist jetzt auch nicht völlig fehl am Platze. Dennoch, mit der Musik geht’s erst im zweiten Track „They Have Returned“ los, dafür aber richtig. Das, was hier und in den folgenden acht Songs passiert, kann man eigentlich nur als großartig beschreiben.

Auf ins Getümmel!

Wir haben hier gemäß den oben genannten musikalischen Vorbildern eine Mischung aus catchigem Melo Death und Auf-die-Fresse Old School Death bzw. Thrash Metal. Jeder Song hat seine eigene durchdachte Struktur, eingängige Riffs gepaart mit aggressivem Gesang und einem stetig nach vorne strebenden Schlagzeug. Abgerundet wird das Ganze von einer sehr guten technischen Leistung: Die Jungs haben offensichtlich ganz schön was drauf an ihren Instrumenten!

Bei so viel beeindruckenden Eindrücken ist es gar nicht so leicht, sich einen Favoriten herauszupicken. Anfangs war ich vor allem von „Living Hellscape“ sehr begeistert, weil hier das Motiv im Refrain wirklich seeehr catchy ist, aber je öfter ich „Demonology“ höre, desto mehr lerne ich jeden einzelnen Song darauf lieben. Am besten ist also, ihr hört euch nicht nur die hier aufgeführte Songempfehlung an, sondern zieht euch gleich das komplette Album rein!

„Nur“ sehr gut oder auch überragend?

Bisher klingt das ja alles ziemlich verdächtig nach 10 von 10 Punkten. Und ich war auch kurz davor, diese zu vergeben, weil mich CHRONICLE mit ihrem neuen Werk wirklich gekriegt haben. Woran scheitert die Bestbewertung also? Ich weiß es selbst nicht so genau. Vielleicht liegt es daran, dass sie mir teilweise ein bisschen zu sehr nach THE BLACK DAHLIA MURDER klingen, vielleicht fehlt mir auch der eine, alles überragende Track auf dem Album.

Dennoch: CHRONICLE sind auf einem verdammt guten Weg, wenn ihr mich fragt, und ich hoffe sehr, dass die Dänen demnächst auch mal auf dem ein oder anderen deutschen Festival anzutreffen sein werden!

Der Beitrag CHRONICLE – Die Dänen sind los! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Kurze Einleitung, warum und wieso…

In unserer Bemusterungsliste las ich bei APHYXION als Genrebezeichnung „Melodic Deathcore“. Gut, Deathcore ist zwar nicht meins, aber Melodic dafür umso mehr. Klang also spannend, musste ich mal lauschen. Auf Youtube bekam ich die Single „Sleepwalkers“ geboten und saß erstmal mit offenem Mund vor dem Schirm. Nicht sabbernd übrigens. Jedenfalls war das definitiv kein Deathcore, nein, das war Melodic Death Metal! Und zwar eben dieser, den ich am liebsten hab. Extrem eingängig, angereichert mit Elektronikhappen und sogar mit cleanen Parts. Tja, was soll ich sagen, ich habe mich instant verliebt und mir die beiden bis dahin existierenden Alben geklickt. Übermittlungsfehler können also auch solch positive Effekte haben. 

Soviel zur Vorgeschichte

Während meiner Recherche stieß ich auf Aussagen wie „Die Retter des Melodeath“. Ok, ich wusste nicht, dass dieser stirbt, aber im Vergleich zu den Bands, die ich in dem Bereich sonst höre, nehmen APHYXION schon eine besondere Stellung ein. Mit dem neuen Longplayer „Void“ soll diese Stellung nun gefestigt werden. 

Wer nun bereits erschrickt, weil ich von Cleans gesprochen hab, diese sind tatsächlich die Ausnahme. Weshalb es ein interessanter Schachzug war, als Albumpromo den besagten Song als erstes zu wählen. Auf den Vorgängern gab es diese Vocals zwar auch zu hören, aber nur vereinzelt als hintergründige Unterstützung. Obendrein ist „Sleepwalkers“ auch noch einer der gemäßigten Tracks des Albums, denn die Dänen wissen genau, wie man melodisch und trotzdem brachial agiert. Solltet ihr bereits den Vorgänger „Aftermath“ kennen, könnte ich mir vorstellen, dass ihr euch um die Entwicklung sorgt. Müsst ihr definitiv nicht! Tracks wie der Titelsong „Void“, „Sedate Myself“ oder „Restless Nights“ schlagen genau in diese Kerbe und können sogar noch mit ausgefeilterem Sound punkten. Mit „Pain“ und „Happily Apathetic“ findet man noch zwei weitere Songs mit deutlicher Klarstimme im Chrous, im Großen und Ganzen war es das dann auch schon. Diese Parts verstehen sich sozusagen als neues Stilmittel, welches aber nicht überstrapaziert wird und dennoch bestens ins Bild passt. 

Was aber macht „Void“ beziehungsweise die Band selbst so besonders? Ich kann es nicht genau definieren, tendiere aber zur Spielweise. Man hört der Band einfach an, dass sie für dieses Genre leben, und es auch genau so zum Ausdruck bringen. Ebenso sind sie sich nicht zu fein, auch mal über den Tellerrand zu schielen und mit neuen Einflüssen zu spielen. Im direkten Vergleich finde ich den Vorgänger zwar besser, aber auf diesem hier ist die Produktion nochmal um einiges stärker. Auf jeden Fall ein super drittes Album und eine durchdachte Weiterentwicklung. 

Offizielle Website

Der Beitrag APHYXION – definitiv kein nichts! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

„Heavy Metal (englisch für ‚Schwermetall‘) ist eine Stilrichtung des Metal, deren Ursprünge im Hard Rock, Bluesrock und Psychedelic Rock liegen. […] Als erste reine Metalbands, auch aus eigenem Verständnis, verstehen sich die einige Jahre später auftretenden Gruppen wie Judas Priest und die Bands der New Wave of British Heavy Metal.“ So steht es zumindest auf der liebsten Recherche-Webseite von Siebtklässlern und hilflosen Journalisten – Wikipedia. Und genau das ist laut eigener Aussage auch der Stil von PECTORA aus Dänemark… mal schauen, ob sie dem auch gerecht werden!

Wie Heavy Metal ist PECTORA?

„Untaken“ legt schonmal Heavy-Metal-mäßig mit dem Titeltrack los, mit einem langen Intro und ner Menge Wumms dahinter. Ich kann PECTORA schon auf einer Konzertbühne der 90er Jahre stehen sehen – vielleicht als Vorband von METALLICA oder IRON MAIDEN? Irgendwo dort könnte man PECTORA auch einordnen! Da spielt auch die Stimme von Sänger Kenneth Steen Jacobsen eine Rolle, weil sie perfekt geeignet ist für Heavy Metal. Keine tiefe Bassstimme, sondern eine Stimme, die sich gern ein bisschen in die Höhe schraubt. Dazu ist sie noch ziemlich rau. Bei „Haunted Memory“ erinnert mich der Gesang auch durch die Melodie und den Backgroundchor ein bisschen an „Holy Diver“ von DIO, nur einen Tick rauer und natürlich auch mit der heutigen Technik besser produziert. Punkt 1 auf der Heavy-Metal-Checkliste: Der Gesang. Check.

Punkt 2: Gitarrenriffs und -soli. Die sind natürlich ganz besonders wichtig – und bei PECTORA herrlich roh. Nach den ersten beiden schnellen Songs werden die Riffs etwas simpler. Bei „The Fare“ stört es mich dann sogar, dass die Riffs ein so großer Bestandteil des Songs sind – denn grade im Soloteil dauert es eine ganze Weile, bis sich eine der Gitarren etwas selbstständiger machen darf. Trotzdem passen die Gitarren sehr gut zu den Breakdowns vom Schlagzeug. Damit ein großer Headbang-Faktor – also: Check.

Punkt 3: Das Tempo. „Untaken“ startet mit einer Menge Energie, gerade der zweite Song „Collide“ beeindruckt mich, weil PECTORA nach dem Titeltrack nochmal eins draufsetzen.

Im zweiten Teil des Albums werden die Songs ein bisschen langsamer, verlieren aber trotzdem nicht an Energie und Intensität. Bei „No Regrets“ kriegen wir sogar ein cleanes Gitarren-Intro-Solo zu hören. Danach geht’s wie gewohnt groovy und stark weiter. Mit „The Arrival“ steht ein schweres, unglaublich starkes Stück am Schluss des Albums.

Bei welchem Song bin ich nochmal grade?

Leider unterscheiden sich die Songs in ihrer Intensität gerade im Mittelteil des Albums wenig voneinander – beim Hören drifte ich ein bisschen ab und ertappe mich dabei, dass ich nicht mehr weiß, bei welchem Song ich gerade bin. Trotz der eingängigen Melodien schaffe ich es nicht immer, die einzelnen Songs auseinander zu halten, gerade wenn wieder eine lange Solopause kommt, in der die Riffs immer und immer wieder wiederholt werden. Damit wirkt zum Beispiel der Song „Running Out Of Days“ überlang.

Fazit

Je länger ich PECTORA zuhöre, desto mehr habe ich das Gefühl, sie sind gerade erst aus einer Zeitmaschine herausgestolpert. Die Gitarrenmelodien, der Rhythmus, bei dem ich unbewusst anfange, mitzunicken, der Gesang, der direkt aus den 80ern kommen könnte, und schon beim zweiten Mal Hören das Gefühl, dass ich den Song irgendwoher schon kenne… Ja, Oldschool ist cool! Aber ein paar Längen sind drin in „Untaken“, und ein ruhigerer Song zwischendrin, der nicht ganz so heavy ist, hätte für ein bisschen mehr Abwechslung gesorgt. Insgesamt ein sehr gutes Debütalbum, das man sehr gut beim Autofahren hören kann – oder auch beim Gewichtheben, wenn man ein bisschen Antrieb brauchen kann.

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Ich frag mich des Öfteren, wie Bands auf ihre Namen kommen. Klar, heutzutage kann man das Rad auch nicht mehr neu erfinden, aber schmunzeln muss ich doch hin und wieder. Dabei sind COLD NIGHT FOR ALLIGATORS für meine Ohren zwar neu, aber doch kein unbeschriebenes Blatt. Die Dänen bringen mit „Fervor“ bereits ihr zweites Album an den Start.

Progressive ist generell eigentlich nicht so mein Betätigungsfeld, allerdings finde ich an diesem Album hier durchaus Gefallen. Das liegt vor allem daran, dass die Band viele Elemente in ihren Sound einfließen lässt – und das auch auf ziemlich clevere und klangvolle Art. So finden sich zum Beispiel immer wieder elektronische Sounds, die perfekt ins Gesamtbild passen. Gerade was das angeht, möchte ich den Song „Get Rid Of The Walls“ hervorheben. Der Refrain und seine von Synthis getragene Stimmung ist eine regelrechte Schmeichelei für meine Elektrowurzeln. Das Ganze funktioniert auf melodischer Ebene auch noch richtig gut. Ein weiterer Reißer in dem Bereich ist „Coloured Bones“. Verdammt starke Komposition! Der Rest von „Fervor“ ist zwar auch auf hohem Niveau, allerdings stechen besagte 2 Songs besonders hervor, wohingegen einige andere Melodien nicht immer komplett überzeugen können. Es fehlt meistens der eine zündende Funke. Auf handwerklicher Seite kann man sich aber keineswegs beschweren. Das komplexe Gitarrenspiel sowie sehr kreative Drums sorgen für gute Laune. Die Stimme von Sänger Johan bewegt sich hingegen manchmal in Höhen, die mir persönlich nicht immer gefallen, zumal diese durchaus über Wiedererkennungswert verfügt. 

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Der Versuch, GET YOUR GUN in eine Genreschublade zu packen, scheitert kläglich. Die Band beschreibt ihre Musik selbst wie folgt: „A blend between the weight and aggressive nature of stoner-rock, the nordic melancholy, and the darkest tales of country- and folkmusic.“ (Quelle) Ein paar Parallelen zu anderen Künstlern lassen sich allerdings ziehen. So denke ich an mancher Stelle an CHELSEA WOLFE, EMMA RUTH RUNDLE, manchmal sogar an HEXVESSEL oder NICK CAVE.

Minimalprinzip?

Eins kann ich definitiv festhalten: Trotz eher minimalistischer Musik erzeugen die beiden Dänen maximale Wirkung. Trotz einem weiten Raum und viel Hall habe ich das Empfinden, beengt zu werden, sogar jeden Moment nach Luft ringen zu müssen. Unfassbar!

Die Erfahrungen kannst du allerdings selbst sammeln, denn SILENCE hält für dich hier die exklusive Videopremiere zum Titel „You’re Nothing“ vom kommenden zweiten Album „Doubt Is My Rope Back To You“ bereit. Der Silberling ist ab dem 13. Oktober diesen Jahres erhältlich (Preorder).

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Bild mit freundlicher Genehmigung von GET YOUR GUN und Jonas Bang

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Das Debüt-Album „Loss“ ist gerade mal ein Jahr alt und schon wartet die nächste Veröffentlichung des Quartetts auf uns. Wobei nicht alles auf dieser Split mit WOVOKA niegelnagelneu ist. Die Lieder auf „Traces/Marks“ sind schon vor dem letzten Album geschrieben oder zum Teil von der Band im Alleingang veröffentlicht worden.

Die erste Kostprobe hat es in sich. In knackigen vier Minuten rollt all das auf den Hörer zu, was LLNN ausmacht. Schwer, negativ und dissonant sind die perfekte Beschreibung für die Tongewalt „The Guardian“. Wer jetzt noch nicht neugierig geworden ist, aber trotzdem was zum Moshen braucht, kann jetzt exklusiv bei uns in den Track reinhören. Am 12. Juni erscheint die gesamte Split via Pelagic Records.

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Normalerweise bleibt bei allen Bands, über die ich hier so schreibe, wenigstens eine Kleinigkeit hängen, wegen der ich irgendwann noch einmal reinhöre. Und sei die Scheibe noch so plump, hat sich bislang immer der eine Song oder Part gefunden, der dann doch wieder im Kopf rumschwirrt und zum erneuten Hören verleitet. Natürlich kann ich an dieser Stelle nur Vermutungen aufstellen, aber bei NORÐ könnte sich das erstmals ändern.

Banalität ist der Feind

So mies? Jein. Was NORÐ auf ihrer Debüt-EP „Alpha“ abliefern, ist keinesfalls gut. Andererseits gibt es aber auch weitaus schlimmere Werke, zumal die Dänen ihre Instrumente richtig herum halten. Ambitionen kann man der Truppe auch unterstellen, schließlich versuchen sie sich an progressiven Klängen, was ja nun nicht die einfachste Baustelle ist. Das Problem von „Alpha“ ist, dass daran einfach nichts so richtig gut ist, für einen coolen Trash-Faktor aber auch einfach der Charakter fehlt.

„Alpha“ ist, um es kurz zu fassen, fürchterlich nichtssagend. Das liegt zum einen an der Produktion, die wirklich nicht gut ist. Die EP wirkt beim Hören kraftlos und billig, was selbst bei gutem Songwriting ins Gewicht fallen würde. Aber auch in dieser Hinsicht kranken NORÐ, denn die Songs dümpeln alle halt so irgendwie vor sich hin. Typisches Beispiel von „Teil reiht sich an Teil“, faszinierende Gesamtbilder entstehen so auf keinen Fall. Das alles hat diesen bemüht proggigen Touch – man kauft die Sache einfach nicht ab.

Hilfeschreie?

Selbst wenn man sich mit den Songs an sich irgendwie abfinden kann und dem Sound eine Chance gibt, hat man noch nicht alle Hürden überwunden. Da wäre nämlich noch der Frontmann, der durchaus um technische Vielfalt bemüht ist. Teilweise macht ihm der lasche Sound einen Strich durch die Rechnung, so klingen die Growls etwa – wie so ziemlich alles auf „Alpha“ – vollkommen kraftlos. Stören tun sie zwar nicht, aber darüber hinaus erbringen sie keinen echten Mehrwert. Wobei das einleitende Grunzen auf „Omega“ eher belustigt: Halbherzige Pigsqueals hätte ich in dieser Sparte jedenfalls nicht erwartet.

Abseits der Growls halten aber auch sehr bemüht klingende Schreie und unsicherer Clean-Gesang Einzug. Hat alles so einen Hauch von SYSTEM OF A DOWN gone wrong. Nein, auch in dieser Hinsicht können NORÐ nicht punkten. „Alpha“ klingt in jeder Hinsicht amateurhaft – was bei einer ersten Veröffentlichung durchaus zu verzeihen ist! Es fehlt aber auch der eine Ansatz, wo sich der Hörer sagen kann: „Da haben sie was gezimmert! Mehr davon, und ich bin dabei!“ Als Appetithappen versagt „Alpha“ eigentlich auf ganzer Linie. Positive Punkte behält der Hörer kaum zurück, und wenn, dann höchstens etwas im Stil von „Immerhin bluten meine Ohren nicht, und sie sind nicht den einfachsten Weg gegangen.“

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