Einige Lesende werden sich erinnern, dass wir im Frühjahr 2021 die Band SERMON aus İzmir vorgestellt haben. Den Artikel findet ihr hier. Die ursprünglich in den späten 1990ern gegründete und im Jahr 2021 neu formierte Band arbeitete seither fleißig an der Fertigstellung des ersten Langspielers der Bandgeschichte. Außerdem wurde das Line-Up erweitert und SERMON sind inzwischen zum Quintett herangewachsen. Nun ist es soweit, dass das knapp einstündige Werk zu hören ist. Leider wird im Heimatland der Band wohl erstmal keine große Release Show stattfinden.

I’m good, thank you. But I am very sad for the earthquake disaster in Turkey

schrieb mir Gitarrist Cem am Montag.
Daraufhin heißt es im redaktionellen Dienst: Aufatmen, dankbar sein, bei Möglichkeit Unterstützung walten lassen, und das Album würdigen.

Melancholie und Epik

Es ist durch und durch eindrucksvolles Klangbild, das SERMON auf „Till Birth Do Us Part“ präsentieren. Death und Doom Metal vermengen sich, ohne dass eine der beiden Hauptzutaten an ihrer Stärke verliert. So gibt das epische Moment des Doom Metal das Tempo vor. Schwermütig aber mit Weitblick und vor einem breiten Horizont aus sonoren Klängen baut sich eine unfassbar große Wand aus endzeitlicher Musik auf. Mit schwerer Zerre, tiefen Growls und unzerstörbarer Brachialität spielt sich in den Zwischenräumen dieser Klangwelt ein Hagel aus Death Metal Elementen ab.

Wie erhabene Wanderer

Man mag an gigantische Fabelwesen denken – Riesen, Titanen, Giganten, oder Halbgötter – , die ruhigen Schrittes durch eine brennende Welt wandern. Stoisch, manchmal demütig und immer unaufhaltsam wälzt sich der Mix aus Doom und Death Metal durch die Staubwüste. Dabei ist es ein besonderes Element, welches für besondere Nachhaltigkeit im Innenohr sorgt. Vor allem im Mittelteil von „Till Birth Do Us Part“ machen sich Harmonien aus orientalischen Skalen im Klangbild breit, was äußerst gut in das gesamte Konzept passt.

Vom epischen Intro über die brachiale Eingangsphase bis zum offenen Ende wissen SERMON auf „Till Birth Do Us Part“ zu überzeugen. Kleine Aussetzer sind dabei, stören aber das insgesamte starke Album kaum.

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Nicholas Turner und Jared Moran aus Südkalifornien sind alte Bekannte, die schon in vielen Formationen zusammen musiziert haben. In und um die Metropole Los Angeles herum ist das Duo ein fester Bestandteil der örtlichen Death und Doom Metal Szene, und wer schon mal von FERAL LORD, ACAUSAL INTRUSION oder PSIONIC MADNESS gehört hat, ist den beiden schon mal begegnet. Ende 2021 haben diese beiden Künstler ihr erstes Album unter dem Namen SLOG aufgenommen. Das knapp dreiviertelstündige Debut „Graves“ erschien bei Transylvanian Recordings und Morbid and Miserable Records auf CD und Kassette. Dreizehn Monate später dürfen Liebhaber*innen von tiefdüsteren sowie brachialen Klängen sich über das Nachfolgewerk „Divination“ freuen, welches wieder bei Morbid and Miserable Records vertrieben wird.

Hymnen von Schmerz und Weisheit

Pechschwarze Esoterik prägt den Klang der acht Stücke auf „Divination“. Nur selten entfernen sich SLOG dabei vom schwermütig behäbigen Funeral Doom Tempo. Midtempo-Ausreißer wie das leicht schwarzmetallen angehauchte Thema in „Labyrinth Amulet“ stellen eine absolute Ausnahme dar. Schwer wie Grabplatten walzt sich der Sound durch eine alptraumhaft-psychedelische Séance. Angeleitet wird die finstere Meditation von Morans gutturalen Growls, die einen Hauch von Tod und Verderben versprühen, während brachiale Riffs und minimalistische Melodien zwischen Horror und Hypnose umeinander tanzen.

Zwischen Urgewalt und Monotonie

SLOGs „Divination“ vereint Funeral Doom und Death Doom mit der betörenden Energie einer Ayahuasca Session. Wer sich auf der Suche nach einer tiefen meditativen Sitzung nicht vor musikalischen Extremen oder todessehnsüchtiger Romantik scheut, ist hier bestens aufgehoben. Ohne diese Neigungen oder Kontexte wiederum vermag „Divination“ schnell eintönig erscheinen. Für den gezielten Hörgenuss in der richtigen Stimmung sei es empfohlen, „Divination“ am Stück, in einer abgedunkelten Umgebung und bestenfalls ohne jegliche störenden Einflüsse von außen zu konsumieren.

SLOG auf bandcamp

Das Cover Artwork von Jared Moran wurde und freundlicherweise von Cave Dweller Productions zur Verfügung gestellt.

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S: Wie habt ihr die letzten Monate so wahrgenommen? Seid ihr als Band dadurch auch ein Stück näher zueinandergekommen?

DN: Wir haben natürlich in den letzten Monaten fast ausschließlich am Album gearbeitet und uns eher im Studio oder im Proberaum versteckt. Aber auch da holten uns Kontaktbeschränkungen ein. Ich glaube, es ist gerade für uns schwer, in einer solchen Zeit zueinander zu finden. Für uns, und sicher auch für viele andere Bands, ist das Liveerlebnis, miteinander auf der Bühne zu stehen, den Abend zu erleben, ein fester Anker und hält die Band zusammen. Die Arbeit im Studio verlangt natürlich auch viel Kommunikation und man freut sich über das Ergebnis. Aber es ist nicht ansatzweise so verbindend, wie gemeinsam auf der Bühne zu stehen.

S: Kann sich eine solche Situation auch auf die künstlerische Produktivität auswirken?

DN: Viele Bands haben natürlich ihre Tourausfälle genutzt, um an neuem Material zu arbeiten. Sei es nun aus wirtschaftlichen Gründen oder weil ihnen die Decke auf den Kopf gefallen ist. Genug Vorlagen, um sich geistig mit dem Thema zu befassen und es in Texte einfließen zu lassen, gibt es allemal. Wenn man das denn wirklich will. Es wird sicher für einige unverhofft viel freie Zeit entstanden sein, die gerade dazu einlädt, sich von der Muse küssen zu lassen. Aber ich denke, es kann auch sehr schnell ins Gegenteil umschlagen. Wenn Unsicherheit und Zukunftsängste eher eine Blockade bilden und einen so aus dem kreativen Fluß reißen. Das wird nicht selten passiert sein.

S: Ihr habt selbst aktuell ein neues Album fertig. Wäre es unter anderen Umständen anders geworden?

DN: Das auf jeden Fall nicht! Das Album war ja im Prinzip in der Vorproduktion schon fertig, bevor es mit den Einschränkungen los ging und man so nach und nach Bewusstsein dafür erlangt hat, dass es nicht nur ganz weit weg ist und einen selbst nicht betrifft. Wir hatten jetzt auch nicht mehr oder weniger Zeit im Studio, was es hätte beeinflussen können. Man könnte schlecht von einem erkennbaren Coronaalbum reden.

S: Gibt es eine Geschichte zu dem Album?

DN: Eine Geschichte aus der das Album resultiert, gibt es nicht. Das Album hat natürlich einen gewissen Weg der Entstehung und dieser wird von vielen Eindrücken und Begebenheiten geprägt. So fließt natürlich einiges in die Musik ein. Musikalisch wie auch textlich.

S: Haben reine Instrumentalstücke in euren Augen eine besondere Stärke? / Kann diese Musikform ohne Gesang in der heutigen Zeit mit so vielen Stimmen/Meinungen eine Art Therapie (falls man das so nennen kann) sein?

DN: Ich glaube schon, dass es immer wichtiger wird, einen Ruhepol für sich zu bekommen. Die mediale Welt wird nicht nur immer schneller, sondern auch immer aggressiver, immer lauter und fordernder. Kommunikation in sozialen Netzwerken gleicht eher tätlichen Angriffen und hat mit Gedankenaustausch nichts mehr zu tun. Um so wichtiger wird es immer mehr, einen Gegenpol zu finden. Rein Instrumentale Stücke könnten da schon wieder an Bedeutung gewinnen. Wir schreiben alle unsere Songs von vornherein erst einmal rein instrumental. Erst wenn uns der Song schon ohne Text abholt, wird daran weiter gemacht und der Text kommt hinzu. Vielleicht ergibt es sich ja mal, dass ein Stück von uns das Zeug hat, ohne Text vollendet zu werden.

S: Was hat den schon auffälligen Stilwechsel im Vergleich zum Vorgängeralbum verursacht/beeinflusst?

DN: Ich glaube, wir alle erkennen bei „The Renaissance Of Hope“ keinen wirklichen Stilwechsel. Es sind darauf eher einige unserer Facetten stärker oder schwächer ausgeprägt als auf dem Vorgängeralbum. Nach vier Alben betrachtet, ist unser Weg eher zwischen allen Alben zu sehen. Unser Pfad führt von Album zu Album wohl nicht auf einer geraden Linie. Die Komplexität des „Autumn Kings“ Albums war in gewisser Weise wieder der Antrieb, um auf „The Renaissance Of Hope“ offener zu werden. So beeinflussen sich die Werke sicher untereinander und man bekommt nach einem Release Lust, auch die anderen, etwas zu kurz gekommenen, Seiten an uns wieder etwas näher zu betrachten.

S: Ging die Produktion / Studiozeit schneller als unter „normalen“ Bedingungen?

DN: Wir hatten uns im Vorfeld für die Studiozeit schon etwas den Kalender frei gehalten und nicht all zu viele Konzerte in diesen Zeitraum gelegt. Allerdings hätten wir liebend gern zwischendurch den Aufnahmeraum mit der Bühne getauscht. Wir hatten uns eigentlich auf einen langen Studiozeitraum eingerichtet, da unser Produzent Alexander Dietz mit seiner Band Heaven Shall Burn auf so ziemlich jedem Festival des Sommers zu gegen gewesen wäre. Nun sind diese ausgefallen und die Zeit wurde für die Produktion genutzt. Doch wie es immer so ist, wurde es am Ende hektisch und die Zeit zum Abgabetermin wurde mehr als knapp

S: Habt ihr Kontakt mit anderen Künstlern und so einen Vergleich, wie die momentane Situation, die an sich für alle ja neu sein dürfte, künstlerisch behandelt wurde? Oder spielt das für euch überhaupt eine Rolle?

DN: Eine künstlerische Verarbeitung konnten wir noch nicht in unserem Umfeld feststellen, es sei denn in Sachen Überlebenskunst. Ich hoffe auch nicht, dass die Thematik in ihrem Verlauf so viel Potential bekommt, um einen festen Platz in der Kunst zu finden. Das wünsche ich uns allen. Natürlich hat man Mittel und Wege gesucht. Streaming Studios entstanden und haben Agenturen ihren Dienst angeboten. Studio Konzerte wurden zu Live-Alben. Es werden überall Mittel und Wege gesucht. Für uns hatte das bis jetzt noch keine Rolle gespielt. Sieht man mal von den Wegen ab, welche wir gehen mussten, um unsere Release Shows zu organisieren.

S: Habt ihr das Gefühl, dass sich durch fehlende Auftritte auch das Hörverhalten/Rezipieren von Musik verändert?

DN: Unter so manchem Kopfkissen lauerte eine kleine Rücklage für den Festivalsommer. Es hat sich ein großer Teil davon sicherlich in die „Plattenläden“ bewegt. Die Szene sucht natürlich nach Ersatz, der aber nur zum Teil gegeben werden kann. Es ist ja nicht nur die Live- Musik, sondern auch das Treffen mit Freunden, mit Gleichgesinnten. Einfach das, was eine Szene ausmacht. Sicherlich kann man sich abends vor den Rechner setzen oder die Kopfhörer auf, um sich durch den unendlichen großen Wald auf Streaming Portalen zu arbeiten, aber das gemeinsame Hören und der Austausch von Musik ist sicher gegen Null gelaufen. Ich habe das Gefühl, dass sich gerade in den letzten Monaten, die Leute an die „Gute alte Zeit“ und damit auch an die dazu gehörigen Bands zurück besonnen haben, um sich ein Stück heile Welt in Nostalgie zurück zu holen. Dann sind wahrscheinlich die jungen und aufstrebenden Bands im Hörverhalten etwas in den Hintergrund geraten.

S: Seid ihr von Fragen über Corona und eure Situation darin schon genervt?

DN: Es ist ja ganz normal, dass dieses Thema allgegenwärtig beschäftigt und behandelt wird. Ich habe selbst versucht oder vielmehr versucht darauf zu achten, dieses Thema nicht beim Treffen mit anderen gleich aufzugreifen, sondern sich über andere Dinge zu unterhalten. Aber es ist nicht möglich. Man kommt zwangsläufig auf Corona und die Situation zu sprechen. In so fern ist es eher zur Normalität geworden darüber zu reden oder danach gefragt zu werden. Aber man sehnt sich schon danach, andere Themen behandeln zu können.

S: Fehlt euch musikalisch in der Metal- und Rockszene momentan etwas? Habt ihr das Gefühl, an irgendeiner Stelle Potenzial für neue Wagnisse/Weiterentwicklungen zu sehen?

DN: Ich glaube nicht, dass etwas fehlt. Es ist ein kleines Universum, welches sich seit Beginn in alle Richtungen gleichmäßig ausdehnt. Es werden neue Sachen genau so gierig verschluckt, wie die Ursprünge bewahrt werden. Es wäre vermessen, krampfhaft Neues zu suchen oder zu planen. Die Sachen entstehen von allein und man sollte sich überraschen lassen.

S: Wo würdet ihr gerne mal auftreten?

DN: Wir können zwar auf einige Bühnenerfahrung bauen und auf einige Konzerte zurück blicken, aber die Welt ist für uns noch unerreichbar groß und somit gibt es unzählige Orte oder Festivals bei denen wir gerne auf der Bühne stehen würden. Wir mögen schon auch große Bühnen. Womit einige Plätze der Festival-Landschaft zu unseren „Sehnsuchtsorten“ zählen. Aber wir mögen auch das Besondere. Den Reiz einer Location, welche besondere Begebenheiten hat. Das war auch neben Corona ein Grund, warum wir uns für das Schauspielhaus in Erfurt für unsere Releaseshows entschieden haben.

S: Sind Release Konzerte etwas Besonderes für eine Band? Oder ist es besser, wenn das Publikum das Album bereits kennt?

DN: Es ist für uns auf jeden Fall immer etwas ganz besonderes. Wir haben so viele Ideen und es reizt uns immer sehr, diese Konzerte zu etwas ganz Besonderem zu machen. Leider fehlten uns bisher die Möglichkeiten, alles umzusetzen. Nun sind wir mit den Konzerten in einem alten Theater unseren Vorstellungen erheblich näher gekommen und wir fiebern nun auf eine Durchführung hin, auch wenn uns die aktuellen Verbote der Konzerte den Charakter einer Releaseshow etwas beraubt haben. Wenn ich von mir ausgehe, ist es mir schon lieb, wenn bekannte Titel den Abend dominieren und nur ein Teil der neuen Songs den Weg auf die Setlist finden. Die Reaktionen des Publikums auf bekannte Songs sind deutlich stärker und man muss schon gestehen, dass es einem mit guter Stimmung des Publikums auf der Bühne wesentlich leichter fällt. Die heutige Struktur einer Veröffentlichung hält aber auch im Metal einige vorgeschobene Single Auskopplungen bereit, so dass es schon ein paar Songs des Albums gibt, bevor es bei einer Releaseshow auf die Bühne geht.

S: Gibt es Bands, die euch beeinflusst haben / aktuell beeinflussen?

DN: Das gibt es natürlich, aber auch wieder nicht. Einer Beeinflussung kann man sich nicht entziehen. Das passiert ganz automatisch und sicher sehr unterbewusst. Und man kann unsere aktuellen Hörgewohnheiten auch nicht in unseren Songs ausmachen. In den meisten Reviews werden wir mit Bands verglichen, die eher selten oder gar nicht bei uns Gehör finden. Um so verblüffender ist es, wenn man uns deren Beeinflussung nachsagt.  Aber es ist natürlich auch ein gewisser Grundstein einer Musikrichtung, den Bands gelegt haben und auf den wir jetzt aufbauen. Damit ist die Beeinflussung quasi wieder allgegenwärtig, auch wenn sie uns nicht persönlich und direkt betrifft.

S: Könnte sich in euren Augen die Bedeutung von Neuerscheinungen, egal wie lange es die Band schon gibt und wie bekannt sie ist, in Zeiten wie Corona besonders neu entwickeln?

DN: Die Neuentwicklungen sehe ich zur Zeit nicht bedingt durch die Krise. Es ist vielmehr eine Veränderung in der Musikwelt und dem Hörverhalten, welche auf die Bedeutung von Neuerscheinungen einwirkt. Alles beschleunigt sich. Der Konsum über die neuen Medien hat enorme Fahrt aufgenommen und die Bands sind angehalten, sich darin zu vermarkten. Das heißt, ständig medial präsent zu sein. Am Tag drei Sachen online stellen, obwohl man gar nichts zu sagen hat. Es sind nicht mehr die CDs im Handschuhfach vom Auto, welche 5 Jahre lang immer wieder den Weg in den Player finden. Es wird an der Ampel das nächste Album gezogen. Das ermöglicht zum einen auch jungen und kleineren Bands den Weg zur Hörerschaft, aber es stellt auch eine sehr schnelle Fluktuation dar. Das drängt natürlich dazu, immer schneller bedient zu werden. Große Top Acts werden weiterhin Alben wie große Fußstapfen setzen und mit neuen Sachen Jahre lang touren. Aber gerade mittleren Bands kann es in Zukunft Schweißperlen auf die Stirn treiben, um nicht in der Masse abzurutschen und unter zu gehen.

S: Mit welchem Gefühl bringt ihr jetzt die CD raus? Denkt ihr, falls es das überhaupt gibt, es ist eine ausgesprochen gute oder schlechte Zeit dafür?

DN: Wir haben uns natürlich auch der Frage stellen müssen, ob es sinnvoll ist, das Album jetzt raus zu bringen. Viele Bands haben ihre Veröffentlichung verschoben. Wenn man genau darüber nachdenkt, ist es aber ein rein kommerzieller Gedanke. Der finanzielle Schwung, den ein neues Album mit sich bringt, verpufft ohne die Konzerte oder die Tour dazu. Der Merchverkauf läuft nur schleppend und die teure Produktion ist für die Bands ohne Konzerte nicht zu kompensieren. Wir hatten das Glück, etwas finanziell unabhängig zu sein und können das etwas gelassener betrachten. Sicherlich wären ein paar Einnahmen bitter nötig gewesen, auch um unsere laufenden Kosten etwas aufzufangen. Aber für Musik oder auch für Kunst im Allgemeinen sollte es keine Zeit geben. Leider endet hier oft die Musiker Romantik oder auch die heile Welt der Fans. Und man muss auch erkennen, dass eine Band auch ein wirtschaftliches Unternehmen ist, und dass es in solchen besonderen Zeiten auch knallhart um Existenzen geht. Für uns gab es keine gute oder schlechte Zeit dafür. Wir hoffen, das Album findet seinen Platz. Es ist geschrieben und nun quasi für die menschliche Ewigkeit zugänglich. Auch nach dieser Krise. Rückblickend wird es sich nicht anders anhören, als wenn es diese Zeit nicht gegeben hätte.

Was mir an der Haltung von Sebastian sehr gefällt, ist seine Nüchternheit und trotzdem grundsätzlich positive Haltung in der aktuellen Lage. Wie wahrscheinlich allen wird ihm durch die momentane Situation die Wichtigkeit und individuelle Bedeutung für jeden von Livekonzerten noch bewusster. Nicht nur, um neue Stücke live präsentieren zu können, zumal Konzerte heutzutage die Haupteinnahmequelle für Musiker sind, sondern auch, da dort der Austausch zwischen Musikliebhabern stattfindet. Streamingdienste und Co. können eine Band nach oben spülen, können sie aber genauso in der Masse sofort wieder untergehen lassen. An dieser Gefahr hat sich momentan kaum etwas geändert. Dennoch, was soll man anderes tun außer positiv denken und hoffen, dass der gesellige Teil der Musikkultur bald wieder möglich ist. Dabei Décembre Noir live zuhören zu können, wäre auf jeden Fall eine Menge wert.

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Tod und Niedergang sind so zwei Sachverhalte, die passen einfach zusammen wie Arsch und Eimer. Der (Welt-) Untergang hat unweigerlich mit ziemlich viel Tod zu tun. Und auf der anderen Seite kann massenhaftes Sterben problemlos dazu führen, dass ein Kapitel in der Geschichte des Welt sich dem Ende neigt. Meistens ist ein solches Ende auch der Beginn von etwas Neuem, was die Sache mit dem Sterben und der Apokalypse nicht ganz so endgültig macht. Extreme Beispiele wären dafür die immer und immer wiederkehrende Erschaffung Midgards im Verständnis der nordischen Kulte oder auch Religionen, deren Angehörige ihre Seelen im Sinne der Reinkarnation recyclen. Aber ich möchte nicht noch weiter abschweifen…

Ableben und Apokalypse

Sucht man nach einer Verknüpfung von Tod, Untergang und Neustart in der europäischen Kultur, kommt man nur schwer an der Offenbarung des Johannes vorbei. Und dahingehend kann es doch für eine Band, deren Stil sich aus Death Metal und Doom Metal zusammensetzt kaum ein besseres Thema geben. So in etwa könnte es geschehen sein, als sich das niederländische Trio BEAST OF REVELATION zusammentat, um die stampfende Behäbigkeit des Doom und die brachiale Gewalt des Death Metal miteinander zu kombinieren.

In Zeitlupe in den Schlund der Hölle

Düstere Untergangsmusik mit harten Riffs und tiefen Growls zu vermengen ist an sich keine neue Idee. Jedoch haben viele dieser Bands eine starke Affinität zu sedativen Kräutern. Wenn sich das sich auf die Musik auswirkt, entstehen oft Bands, die ein bisschen klingen wie ELECTRIC WIZARD. BEAST OF REVELATION wiederum hört man keine Kiffer Attitüde an. Hier gibt es nicht die geringsten Anzeichen von Sludge oder Stoner Doom. Stattdessen wird im tonnenschweren Low Tempo und abgrundtiefer Brutalität ein höllisches Szenario nach dem anderen bearbeitet. Einzig der letzte Track „We, the Lords of Chaos„, der einen leichten Black Metal Einschlag hat, bietet eine flotte und weniger tiefe Abwechslung. Abgesehen schaufeln sich BEAST OF REVELATION ohne jede Eile Schlag für Schlag in Richtung Erdkern.

Die Mitglieder des niederländischen Teufelsdreiers sind auch alles andere als Unbekannte. Am Schlagzeug sitzt etwa Bob Bagchus, der auch schon bei ASPHYX, HELLEHOND, oder SOULBURN auf die Felle gehauen hat. Sämtliche werden Sateninstrumente wurden von A. J. van Drenth eingespielt. Diesen Künstler kennt man, wenn man sich schon mal mit BEYOND BELIEF, THRONE oder TEMPLE auseinandergesetzt hat. Zusammengehalten wird all dies vom düsteren Zeremonienmeister John McEntee, welcher sonst bei INCANTATION unterwegs ist.

Im Marschschritt der toten Armee

Dadurch dass die Rhythmen einander oft ähneln, leidet hier und da die Varianz von „The Ancient Ritual of Death“. Auch Johns Gesang ist zwar irre eindrucksvoll, aber bewegt sich oft in den gleichen Spektren. Somit bleibt es an den Riffs, Abwechslung auf das Album zu bringen. Das funktioniert zwar einigermaßen, jedoch auch nicht immer. Es sind einige Highlights, durch die sich manche Tracks vom Rest abheben. Bei „The Fallen Ones“ ist das eindrucksvolle Intro, im Lied „The Days of Vengeance“ ist es die Coda.

Woran ich unweigerlich denken muss, wenn ich diese Platte höre, sind gleich zweierlei Vergleiche. Zum Einen hat das brachiale Element etwas von ALL SHALL PERISH, bevor sie dem Deathcore verfallen sind. Außerdem erinnert die schleppende Atmosphäre an TOTENMONDs musikalische Darstellung schwerer Kriegsmaschinerie. Wer sich den schleppenden Todesritt nach Hause holen möchte, kann sich „The Ancient Ritual of Death“ als Vinyl, CD oder digitale Version bei Iron Bonehead bestellen. Die Höhepunkte des Albums sind meiner Meinung nach die letzten zwei Tracks, weil hier durch den Black Metal Einschlag der größte Wiedererkennungswert vorliegt.

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„Slow“ statt „Slam“

Death Metal ist enorm vielfältig. Während es viele Technical Death- und Slam-Brutal-Death Metal-Kapellen wie ARCHSPIRE, KRAANIUM, ANALEPSY, ACRANIUS, GUTTURAL SECRETE, DRIPPING oder ORCHIDECTOMY (nicht nur) für mich mit stupider Frickelei und Blast-Attacken ungezügelt übertreiben, gibt es als Gegenpol auch ein Subgenre, welches in laaaaaaaangsamer Manier versucht, sämtliche Hörzellen zu „dampfwalzen“. Die Rede ist von Death Doom Metal. (Seltener auch als Doom Death Metal oder Death/Doom Metal bezeichnet.) Hier treffen die Brachialität und das Destruktionspotenzial des Death Metal auf die Gemächlichkeit, die Ausweglosigkeit und/oder die Bedrücktheit von Doom Metal. Während einige Bands aus diesem Segment wie MY DYING BRIDE, OCTOBER TIDE oder SWALLOW THE SUN mehr oder weniger deutlich auf Atmosphäre getrimmt sind, hinterlassen bspw. COFFINS, ENCOFFINATION, PHRENELITH, HOODED MENANCE und KRYPTS mit übersteuerten und verzerrten Gitarrenwänden und paranormal tiefen Stimmlagen durch alle ihre Tracks hinweg okkultistisch-bedrohliche Abgänge und Nachhalle.

Wie heranwachsende Pilze

Fanatiker dieser Tonkunst werden besonders auf Seiten wie Bandcamp schnell fündig. Unzählige Demo-Veröffentlichen von relativ jungen Bands überragen hier mit hervorragenden und kurzweiligen Kompositionen, welche sich nicht nur als Playlist-Lückenfüller eignen. Eines dieser Promo-Werke trägt den Titel „Altar of Decay“ und stammt von der us-amerikanischen Band MORTIFERUM. Das bereits 2017 veröffentlichte Erstlingswerk der Olympianer strudelt in etwa durch das verdauerte, toxische Fahrwasser von ENCOFFINATION und INCANTATION. Allerdings sorgen Tempovariationen immer wieder für Abwechslung. Das Gesamtgewand der Soundstruktur ist ebenso optimal. Weder zu übersteuert, noch zu glatt poliert….

Gut kopiert statt schlecht selbst gemacht?

… doch genau letzterer Aspekt formiert leider für mich die größte Schwachstelle in MORTIFERUMS neu erschienener erster Full-Length-Veröffentlichung. Wirkt die Platte etwa zu sauber? Mit sehr hohen Erwartungen durch meine Eindrücke von „Altar of Decay“ ging ich an „Disgorged From Psychotic Depths“ heran. Das nebulös-aurenhafte und trve Old-School-Cover mit TOMB MOLD-ähnlichem Bandschriftzug intensivierte meine Vorfreude und Anspannung noch.

In stereotypischer Manier wird der Opener „Archaic Vision of Despair“ intoniert. Watende, übersteuerte Funeral-Doom-Riffs versuchen sich schwerfällig, doch zugleich mit gebündelter Kraft selbst voranzutreiben. Dies klingt vielleicht für Außenstehende wie beißende Kritik, ist es aber nicht. Solche Intros sind im Death Doom Metal Konvention. Nach etwa zwei Minuten kommt der Track in Fahrt. Das Tempo nimmt eine Spur zu. Dazu gesellen sich monströs-unnachgiebige bis erbost oder auch apathisch-abweisende Growls. Im Death Doom ist gerade die stimmliche Komponente schwer mit adäquaten Adjektiven zu beschreiben, aber ich glaube meine Darlegungen sind in dieser Hinsicht relativ angemessen. Demnach ist „Archaic Vision of Despair“ ein mediokrerer Death Doom-Track welcher punktuell auch alte ENTOMBED durchsickern lässt.

Im darauf Folgendem „Inhuman Effigy“ geht es konventionell rhythmusorientiert weiter, nämlich schleppend, walzend und schwermütig, anfänglich jedoch noch mit einem auffallend schnellem Riffgewitter. Nach circa einer Minute pegelt sich das Tempo wieder in gewohnten Gefilden ein. Die Stimme bekommt nun durch das Mixing eine stärkere Gewichtung zugetragen. Während des Voranschreitens in der Tracklist wird am musikalischen Grundkonsens festgehalten. Langsame, gehaltene, massive und wuchtige Riffs nehmen die Überhand und treffen sich einige Male zum kurzen Schlagabtausch mit Midtempo-Schwedentod-Hooks. Durchweg zweifelsohne in rhythmischer Verortung. Lediglich im selektierten Intermezzo „Anamnesis“ zeigen sich MORTIFERUM von ihrer schmalen akustischen und sphärisch-ambientalen Seite.

Wie Death Doom Metal für mich noch veredelt werden kann

Doch zurück zur Ausgangskritik mit der Anfechtung der allgemeinen Soundarchitektur. Hört man das Album mit Kopfhörern auf dem MP3-Player, hat man wirklich schnell das Gefühl, „Disgorged From Psychotic Depths“ sei etwas glatt poliert. Über Lautsprecher mit aufgedrehtem Bass wird dieses Gefühl glücklicherweise merklich gemindert, sodass ich den im Voraus erhobenen Zeigefinger wieder etwas herunter nehmen muss. Allerdings wirken die Kompositionen an sich schon ab dem zweiten bzw. dritten Titel zu vorhersehbar. Ein Negativkriterium, welches vielen Alben aus der Sparte Death Doom leider Gottes anlastet. Des Weiteren fehlt mir bei dem Werk eine katakombenartige, verlassene, bedrückende und ausweglose Grundatmosphäre, welche durch dezente hintergründige ambientale Soundscapes hätte inszeniert werden können. Oder alternativ durch dissonante, konfuse und sprunghafte Gitarrensoli-Interventionen. Irgendwie kommt mir bei diesem Gedanken das schon etwas ältere BLUT AUS NORD-Album „Mort“ in den Sinn, welches zwar auch spürbar in Linearität verharrt aber genau die eben geschilderten Gefühlslagen atmosphärisch evoziert.

Auch die Vorbilder waren zwischenzeitlich fleißig

Bereits am 20.09. erschien das nunmehr fünfte Album „Beyond The Circular Demise“ der Underground-Heroen COFFINS. Vor einigen Monaten habe ich dessen musikalische Ergüsse im Rahmen meiner Rezension zur neuen TRIUMVIR FOUL-EP als mir persönlich teilweise zu linear bezeichnet. Diese Kritik muss ich, zumindest in Anbetracht ihres neusten Werks, wieder verwerfen. Leicht gereifte und trotzige Growls infiltrieren dauerhaft den dichten und packenden Sound des Silberlings. Rhythmische, mitreißende Motivänderungen verhindern die im Genre oft drohenden Monotonieauswüchse. Ich möchte hierbei jedoch keine weitere explizite Rezension zum neuen Werk des japanischen Quartetts darlegen. Vielmehr ist es mir ein Anliegen, euch dahingehend zu bewegen, beide Alben einmal im direkten Vergleich anzuhören und euch selbst eine Meinung zu bilden. Welche Formation entscheidet diesen inoffiziellen Konkurrenzkampf für sich: Die Neulinge oder die altbewährten Vorreiter? Lasst es mich gerne im Kommentarbereich wissen.

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