An den sonnigen Küsten Kaliforniens, im Schatten der Metropole San Francisco wurde die Band DELIRIA im Jahr 2017 von David Scanlon (DAWN OF OUROBOROS) gegründet. Der Klang, der so gar nicht an die sonnendurchflutete Landschaft des US-amerikanischen Westens erinnert begeisterte Sänger Adam Rupp (KILL THE MESSENGER) einzusteigen. Noch im Gründungsjahr wurde zusammen mit Schlagzeuger Jared Klein (RIVERS OF NIHIL) das Debutalbum „Nausea“ aufgenommen und veröffentlicht. Im darauffolgenden Jahr wuchs die Band weiter, sodass sich DELIRIA immer weiter von vorgefertigten Arrangements verabschieden konnten. Als neue Mitglieder stießen Gitarrist Brent Rockwell (THE UNDYING) und Bassist Jade Forsythe (ARCANE EXISTENCE9 sowie Schlagzeuger Andrew Baird (FALLUJAH) hinzu. Letzterer war noch an den Aufnahmen zum Album „Phantasm“ beteiligt, ist inzwischen jedoch nicht mehr Teil der Band. Durch den jüngsten Wechsel im Line-Up sitzt nun Brandon Clevenstine (SYMBOLIK) am Schlagzeug.

Konflikte im Inneren

In acht Liedern widmen sich DELIRIA erbitterten Kämpfen. Doch finden diese Schlachten nicht auf blutigen Feldern, in feindseligen Eiswüsten, infernalen Feuern oder massiven Festungen statt. Stattdessen geht es auf „Phantasm“ um Kämpfe, die in den Sphären von Seele, Unterbewusstsein und emotionaler Realität ausgefochten werden. Verführerische Trugbilder und besitzergreifende Dämonen lullen den Protagonisten ein und versuchen, ihn in tiefe Abgründe zu reißen. Zwischen depressiven Schüben, spirituellen Erleuchtungen, gefährlichen Sinnestäuschungen und selbstmächtigen Phasen ringt die geschundene Seele mit den Dämonen und mit sich selbst. Stets nah am Abgrund der Vergessenheit zieht sich der ewige Kampf um den Aufstieg aus der Dunkelheit.

Atmosphärische Parabel

Der erste Track „Smoke & Mirrors“ beginnt unerwartet melodisch und mag in den ersten neunzig Sekunden eher an Metalcore oder Post Hardcore erinnern. Dann aber eröffnet sich mit dem Einsatz des Gesangs ein tiefer Strudel in die Untiefen des Post Black Metal. Mit rasender Geschwindigkeit werden die Hörenden in eisig kalte Gefilde torpediert, denen man auch Bezeichnungen wie Atmospheric Black Metal, Depressive (Suicidal) Black Metal, und sogar Doom Metal andichten kann. Melodische Stellen wie die frostige Leadgitarre in „Gemini“ gehören fortan zu einer seltenen Art, bis erst im abschließenden Longtrack „Oblivion“ wieder farbenfrohere Klänge Einzug erhalten.

DELIRIA präsentieren solide und souverän ein Album, das weder thematisch noch musikalisch mit großen Überraschungen aufwartet. Von der Aufmachung bis zur Performance ist „Phantasm“ frei von Mäkeln. Gleichzeitig fehlt es weitestgehend an Aha-Momenten, die für ein nachhaltiges Wiedererkennungspotenzial sorgen. Da DELIRIA aber dermaßen souverän performen, stört das beim Hörvergnügen keineswegs.

Homepage von DELIRIA

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C-Squared Music zur Verfügung gestellt.

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MORBONOCT – „The Highest Purpose“

Veröffentlichungsdatum: 19. Februar 2024
Label: Eigenveröffentlichung
Länge: 59:31
Genre: Cosmic Black Metal

MORBONOCT wurde im Jahr 2021 vom ukrainischen Musiker Alexander Medvedev ins Leben gerufen. Noch im selben Jahr erschien das erste Album „Anmet„. Es folgten die Veröffentlichungen „Чорна безодня“ und „Galactic Gloom„, auf denen sich MORBONOCT auf schwarzmetallenen Klängen der Weltraumthematik widmeten. Inzwischen ist Bandgründer Medvedev aus der umkämpften Stadt Kherson ins polnische Stettin umgezogen, wo die ursprüngliche Ein-Personen-Besetzung um Sänger David Welnicki zum Duo ergänzt wurde. Und auch thematisch wie inhaltlich haben sich bei MORBONOCT einige Dinge geändert, wie das neue Album zeigt.

Ostseewinde und Galaktische Lichter

Auf den ersten drei Alben befasste sich MORBONOCT also vorrangig mit den dunkelsten Ecken des unendlichen Raumes um den Erdball. Teilweise symphonisch und stets düster bewegten sich die Klänge durch das Universum. Mit „The Highest Purpose“ wollen Medvedev und Welnicki nun ihr Spektrum erweitern. Ging es zunächst vor allem um Dunkelheit, wird nun auch deren Gegenpol mit eingebracht. Licht und Finsternis stehen sich hier gegenüber, gehen aufeinander zu, wechseln einander ab, und werden miteinander ins Gleichgewicht gebracht.

Aber nicht nur thematisch, sondern auch musikalisch haben sich MORBONOCT weiterentwickelt. Von den Symphonic Black Metal Einflüssen der vorigen Veröffentlichungen ist nicht mehr viel übrig geblieben. Stattdessen sind die Synthesizer-Einlagen auf „The Highest Purpose“ rau und kalt. Bandgründer Alexander Medvedev sagt, er habe die Kompositionen ausnahmslos bei Ausflügen zur Ostsee geschrieben und aufgenommen.

Zwischen den Gezeiten

MORBONOCT suchen auf „The Highest Purpose“ zum Einen ihre eigene musikalische Ausrichtung. Des Weiteren sucht die polnisch-ukrainische Band die Balance zwischen den Extremen. Licht und Dunkelheit, Leben und Tod, Zerstörung und Schöpfung stehen sich unvereinbar gegenüber, während MORBONOCT auf der Grenzlinie von einer Seite zur anderen springen. Gleichermaßen frostig rau und kosmisch meditativ befördert sich die Klangwelt leider oft aus dem Fokus heraus. Es bedarf also viel Konzentration beim Hören, um nicht abzuschweifen. Nichtsdestotrotz ist „The Highest Purpose“ ein ansprechendes Album für Fans von KEEP OF KALESSIN oder LIMBONIC ART.

bandcamp Profil von MORBONOCT

Das Promo Material wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Solid Rock PR zur Verfügung gestellt.

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Wer die Diskografie und den musikalischen Werdegang von THE MOUNTAIN KING verfolgt, weiß dass es hier selten langweilig wird. Von Doom Metal über Electropunk und Techno, bis in die Welten des Ambient hat der Mainzer Eric McQueen inzwischen schon eine Unzahl an verschiedenen Genres und Stilrichtungen bedient. Mittlerweile ist THE MOUNTAIN KING durch den Zuwachs von Gitarrist Frank Grimbarth und Robert Bished an den Synthies zur Band gewachsen. In dieser Formation wird nun eine neue EP präsentiert, auf der sich der Bergkönig aus dem Rhein-Main-Gebiet wieder den Wurzeln im Doom Metal annähern.

Der Vergangenheit den Rücken kehren

Der Albumtitel ist vom englischen Wort Apostasy abgeleitet. Auf deutsch sagen wir Apostasie und verstehen darunter einen Begriff aus dem Feld der Theologie. Apostasie wird oft mit Glaubensabfall oder Abtrünnigkeit vom Glauben gleichgesetzt. THE MOUNTAIN KING bringen allerdings einen weiteren Aspekt in ihre apostasische Ausführung mit ein, denn die Entfernung vom Glauben beinhaltet zumeist weitere Trennungen. Menschen, die ihre religiöse Gemeinschaft verlassen, entfernen sich dadurch auch oft von Freund*innen, Familienmitgliedern oder gar Lebensgefährt*innen. Es ist kein leichter Weg, und nicht nur in tief in sich verschworenen Sekten kann ein solcher Weggang kompliziert werden. THE MOUNTAIN KING ermutigen die Menschen, ihrem eigenen Kompass zu folgen.

Der zweifache Pfad

Zusammen mit Gastsängerin Julia Gosso werben THE MOUNTAIN KING also dafür, die Vergangenheit zurückzulassen, und sich mit befreiter Seele der Endlichkeit des Seins hinzugeben. Musikalisch untermalt wird diese Findungsreise von atmosphärischen Drones und ätherischen Doom Metal Passagen. In „The White Noise From God’s Radio“ fließen durch das Orgelspiel noch okkulte Prog-Elemente mit ein. Immer wieder erhebt sich das musikalische Konstrukt in windige Sphären des Post Metal, wo auch schwarzmetallene frostige Winde herrschen. Es ist wahrlich eine abwechslungsreiche Klangwelt, in welcher der Glaubensabfall stattfindet.

Im Anschluss an die vier Lieder, auf denen mal melodisch und klar, und mal guttural gesungen wird, folgen instrumentelle Versionen ebenjener Stücke. Wer die EP wirklich als meditatives Mittel zur Reflektion nutzt, findet dann im Anschluss an den textlichen Input das passende Echo. Insgesamt ist das Adjektiv meditativ wohl der passende Ausdruck, um „Apostasyn“ zu beschreiben. Besonders zum Ende hin werden die Klänge immer triumphaler, wenn der anfangs raue Ton aufgelöst wird. So wird mittels gelungenem Spannungsbogen die Apostasie als lohnenswerte Unternehmung vertont.

Linktree von THE MOUNTAIN KING

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Shred Storm PR und THE MOUNTAIN KING zur Verfügung gestellt.

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Die Geschichte der belgischen Band TIM’S FAVOURITE beginnt um die Jahrtausendwende, als die Band noch HEART OF DARKNESS hieß. Der Name mit Referent auf den Autoren Joseph Conrad wurde allerdings bald wieder abgelegt, da er schlichtweg ein wenig zu dunkel schien. Und so begab es sich, dass Gitarrist und Sänger Jan Pauwels sah, wie sein Neffe Tim die Demo-Aufnahmen der namenslosen Band auf dem Walkman hörte. Tim hatte wohl große Freude an der Musik, und somit stand der Name fest: TIM’S FAVOURITE. Seitdem hat die Band drei Alben veröffentlicht und über 100 Konzerte gegeben. Nun ist es Anfang 2024, und das Quartett meldet sich mit Langspieler Nummer 4 zurück. Hier ist „amaConda“.

Fahrt durch raue Gezeiten

In ihren Anfangstagen waren TIM’S FAVOURITE noch sehr stark dem Thrash Metal zugewandt, doch über die Zeit wurde ihre Musik immer ausgefeilter, diverser und melodischer. Das neue Album „amaConda“ weist eine starke Prägung der 1990er auf, die sich in Form von Grunge und Alternative Metal präsentiert. Aber der Thrash Metal ist aus dem progressiven Sound von TIM’S FAVOURITE nicht gänzlich verschwunden. In den harten Anschlägen und vielen mächtigen Groove Parts versorgt die Band das Publikum mit Sounds, die an frühe METALLICA erinnern können.

Zen Metal nennen die vier Musiker ihren Sound, wenn sie gestochen scharfe Riffs an melancholischen Klangwelten reiben lassen und sedierende Strudel entstehen lassen. Besonders zur Mitte des Albums ist der psychedelische Einfluss stark, wofür das Stück „Andy’s Fall“ als großartiges Beispiel dient. In diesem Muster bewegen sich TIM’S FAVOURITE über eine Stunde lang, während sie immer wieder für musikalische Sturmfluten sorgen, und die Wogen daraufhin wieder glätten.

Geschichten aus rauen Zeiten

Gedanken und Ausführungen über Freiheit und Unfreiheit ziehen sich wie ein roter Faden durch die Diskographie von TIM’S FAVOURITE. Alle vier Alben behandeln Themen wie Demokratie und Autokratie, Religion und Aufklärung, oder auch Krieg und Frieden. Das vierte Album „amaConda“ dreht sich hierbei vor allem um die Fragilität von Demokratie und den erkämpften Freiheiten. TIM’S FAVOURITE mahnen an, dass es sich nicht um Selbstverständlichkeiten handelt, und dass Gier, Falschinformationen und gezielte Hetze in der Lage sind, eine Demokratie zu zerstören.

Wer in der Demokratie schläft…

… sollte sich besser wachrütteln lassen. Hierfür versorgen TIM’S FAVOURITE uns mit dem richtigen Soundtrack. Die vier Belgier erinnern selbstbewusst, mit sympathischer Miene, aber auch mit ernstem Unterton daran, aktiv zu bleiben.

Das Promomaterial wurde uns freundlicherweise von Hard Life Promotion zur Verfügung gestellt.

Homepage von TIM’S FAVOURITE

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Der Name NGANGA ist in den Weiten der Metalwelt noch recht unbekannt und höchstens als Geheimtipp bekannt. Das könnte sich aber bald ändern, denn das Quartett NGANGA aus Raleigh, North Carolina legt mit „Phthisis“  sein erstes offizielles Album vor. Gegründet wurde die Band mit dem ungewöhnlichen Namen als Duo von Eyn (Bass und Gesang) und Jordan King (Schlagzeug). Durch den Einstieg von Gitarrist Charles Meyer war die Besetzung komplett, in welcher NGANGA ihr Demoalbum „De Muerte„ aufnahmen. Mit ihrer ungewöhnlichen Herangehensweise an Black Metal erntete die Band viel positives Feedback und als indirekte Folge stieß auch Nate Stokes (Gitarre und Gesang) dazu. Letzterer spielt auch Gitarre bei der Blackened Doom Metal Band NOCTOMB deren selbstbetiteltes Album eine Woche vor „Phthisis“ erschienen ist.

Heilkundige der Bakongoreligion

Der Name NGANGA stammt aus der Sprache Kikongo, die im Westen Zentralafrikas in den Staaten Kongo, Demokratische Republik Kongo, Gabon und Angola gesprochen wird. Die Bedeutung des Wortes kann mit dem deutschen Begriff „Experte“ übersetzt werden. In der Religion der Bakongo jedoch sind die NGANGA Heilkundige, Schaman*innen oder spirituelle Heiler*innen. NGANGA gibt es nicht nur in ihrer west-zentralafrikanischen Herkunft, sondern auch in den Gebieten der afrikanischen Diaspora – vorrangig in der Karibik, in Brasilien und den amerikanischen Südstaaten.

Spuren von Bakongo oder Kikongo findet man in Musik oder Texten von NGANGA vordergründig keine. Es ist eher die Faszination für die Spiritualität und die Mystik, welche die Band aus North Carolina mit ihrem Namen verbindet. Die NGANGA sind kräuter- und heilkundig, stehen in Kontakt mit Geistern und Ahnen, und sie sind in der Lage, Geister oder Objekte – die Nkisi – zu beschwören. Es ist also gut nachvollziehbar, dass auch heute noch Menschen von den Kräften der NGANGA fasziniert sind.

Chaos und Schwindsucht

„Phthisis“ heißt also das erste richtige Album von NGANGA. Wie schon das Demoalbum „De Muerte“ wird „Phthisis“ in Eigenregie ohne Label veröffentlicht und ist sowohl digital als auch auf Kassette erhältlich. Außerdem gibt es die neue Veröffentlichung auch auf CD. Der schwer auszusprechende Name ist eine alte Bezeichnung für Tuberkulose oder Schwindsucht, die sich auf die körperliche Auszehrung oder Abmagerung in Zusammenhang mit der Krankheit bezieht.

Hinter dem Namen verbirgt sich jedoch kein medizinisches Thema. Vielmehr bezieht sich die Schwindsucht auf den Aufbau des Albums sowie auf dessen Narrativ von einem graduellen Abstieg hinab in die Finsternis mentaler Krankheit. Es beginnt mit dem wütenden Spucken von Gift und Galle, von wo sich das Thema immer tiefer hinab in beklemmende und düstere Kerker der Seele windet.

Unkonventionell und klaustrophobisch

Die musikalische Umsetzung dieser mentalen Auszehrung ist äußerst passend. Wie auch die Thematik ist die Musik nichts für schwache Nerven. Vordergründig bedienen sich NGANGA an Elementen des Black Metal wie eisig kalte Stakkati auf der Gitarre, höhenlastige Produktion, giftige Vocals, rasend donnernde Blastbeats. In der Struktur und der Umsetzung aber ist der Sound von einem zutiefst beklemmenden und chaotischen Tenor bestimmt. Anders als viele DSBM- oder Atmospheric Black Metal-Bands setzen NGANGA bei der Vertonung mentaler Krankheit nicht auf Einflüsse aus dem Post Metal. Sie schlagen also einen komplett anderen Weg ein als Protagonisten wie DER WEG EINER FREIHEIT oder PRAISE THE PLAGUE. Stattdessen liegt der Fokus auf chaotischen, dissonanten und obskuren Klängen. Auf diesem Wege vertont das Quartett aus Raleigh innere Kämpfe sowie das verzerrte Verhältnis zwischen Außen- und Innenwahrnehmung. Wahrlich ist dies keine leichte Kost, jedoch ist die Umsetzung äußerst gelungen.

Credits

Eyn – Bass / Gesang
Jordan King – Schlagzeug
Charles Meyer – Gitarre
Nate Stokes – Gitarre / Gesang

Aufnahmen und Mix – by Colin Swanson-White
Master – Colin Marston
Logo – Mario Colon
Album Artwork – Awo Prosatega

Das Promomaterial wurde uns freundlicherweise von C-Squared Music zur Verfügung gestellt.

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FINTE sind eine vierköpfige Band, die ihren Namen wohl kaum hätten besser wählen können. So leichtfüßig und unschuldig kommt der Name erst daher, bis die Hörenden merken, dass sie geradewegs in ebenjene Finte hineingelaufen sind. Hinter dem geschickten Manöver schnappt die Falle zu und eine faustdicke Mischung aus lauter Musik, schweren Riffs und anspruchsvollen Strukturen schießt durch Gehörgänge und Körper. Vor fünf Jahren erschien die EP „Ignoranz und Illusion„, welche noch von einem sehr rauen Klang geprägt war. Seit 2020 haben die vier Hannoveraner nun am ersten Album gebastelt und geschraubt. Gewisse Verzögerungen bedingt durch die Pandemie sorgten für Aufschub, doch nun präsentieren FINTE endlich ihren neuen Sound: weiterentwickelt, reflektiert und mit mehr Weitblick überzeugt „Wie das Endliche treibt“.

Sanfte Wogen, scharfe Klippen

Oberflächlich betrachtet ist „Wie das Endliche treibt“ ein typisches Post-Genre Album. Die Bewegung der Musik kann mit aufgewühltem Wellengang verglichen werden, der zwischen Flaute und Sturmflut hin- und herpendelt. Doch genau hier finden wir auch schon die ersten Ausreißer aus dem Schema F. Anstatt in überschaubaren und erwartbaren Sinuskurven zwischen den Extremen zu schwingen, sorgen die Thema- und Tempowechsel immer wieder für schöne Überraschungen. Hier trifft die Post Hardcore Bewegung auf scharfkantigen Mathcore im Stile von THE NUMBER 12 LOOKS LIKE YOU oder dem Hannoveraner Trio THE HIRSCH EFFEKT.

Progressiv, gefühlvoll, brachial

Wahrlich ist die Musik von FINTE nicht unbedingt der Sound, mit dem man den ESC gewinnt. Überzeugen können die vier Musiker aus Niedersachsen dennoch auf ganzer Linie. So ist es ihnen mit dem Sound auf „Wie das Endliche treibt“ gelungen, aus dem Schatten der Stadtkameraden von THE HIRSCH EFFEKT zu treten. Deutlich eigenständiger und mehr nach FINTE denn je zuvor klingen FINTE hier. Erfrischend ist vor allem, dass das Quartett neue und eigene Elemente in den wilden Pool aus Prog Metal, Mathcore und Post Hardcore wirft. Da ist zunächst ein sehr atmosphärische Indie Rock-Einfluss mit starker Shoegaze-Note, welcher in den emotionalen Passagen auftaucht. Außerdem scheint auch das gegenwärtige Post Punk-Revival seine Spuren im Songwriting hinterlassen zu haben.

Ausbruch aus der ewigen Spirale

Nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch geht es auf „Wie das Endliche treibt“ darum, bekannte Muster aufzubrechen, sich aus ihnen herauszureißen, und dann doch wieder in neuen Spiralen zu landen. Es ist eine menschliche Eigenschaft, sich immer wieder nach Geborgenheit und verständlichen Abläufen zu orientieren. Diese Suche nach Befreiung aus den alten Kreisläufen, Brechen mit Konventionen und einem Zurückfallen in alte Muster wird hier in Texten, Thema und Kompositionen umgesetzt.

FINTE bescheren uns ein Album, das von vorne bis hinten durchdacht ist. Hier sitzt alles genau da, wo es sitzen soll. Jede Silbe, jeder Anschlag sind Teil eines in sich schlüssigen Gesamtwerkes. Der Spannungsbogen zieht sich in scharfkantig zerklüfteter Manier vom sanften Indie Pop Opener „Ende“ bis in die Black Metalleske Klimax des letzten Titels „Im Licht“. Dazwischen stauen sich aus gemächlichen Wogen gigantische Türme aus Wellen auf, die mit voller Kraft gegen spitze Felsen krachen oder sich in sich selbst ergießen.

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Bandcampprofil von FINTE
YouTubekanal von FINTE

FINTE sind:
Steffen Feuerhake – Gesang und Bass
Christopher Pavenstädt – Gitarre und Gesang
Timur Nilitaş – Gitarre
Marvin Dreiwes – Schlagzeug.

Gäste auf „Wie das Endliche treibt“:
Simon Achsler – Saxofon in „Herbst“
Jochen Müller – zusätzliche Gitarre in „Herbst“

„Wie das Endliche treibt“ wurde in den Monkey Moon Recording Studios in Dortmund aufgenommen.

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von FINTE zur Verfügung gestellt. Das Cover Artwork stammt von Philipp Zurmöhle.

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Ihre erste EP „Warren of Necrosis“ haben BLACK RABBIT aus dem niederländischen Apeldoorn im Jahr 2020 veröffentlicht. Noch im selben Jahr folgte die Single „Taken By The Devil“, und das Quintett aus Gelderland machte klar, dass es nicht einfach nur mal eben so in die Thrash und Death Metal Szene hereingeplatzt ist. Nein, BLACK RABBIT sind hereingekommen, um zu bleiben, und um der Bewegung neuen Schwung mitzugeben. Jedes der fünf Bandmitglieder bringt unterschiedliche Einflüsse mit, und obwohl sich der Sound vorrangig in den Sphären von Thrash, Death und Groove Metal bewegt, haben BLACK RABBIT somit ihren ganz eigenen Stil entwickelt.

Traumreise in die Unterwelt

Für ihr Debutalbum haben sich die fünf Musiker aus Apeldoorn direkt ein umfangreiches Konzept überlegt. „Hypnosomnia“ ist nicht einfach nur ein Album dessen zwölf Stücke in unterschiedlichen Tempi und Intensitäten nach vorne preschen. BLACK RABBIT haben ihrem ersten Album nicht eins sondern gleich zwei Konzepte verpasst, die miteinander in Einklang stehen. Zunächst ist da die musikalische – und vor allem rhythmische – Perspektive: die unterschiedlichen Tempi der zwölf Stücke stehen für die verschiedenen Schlafphasen, die das menschliche Gehirn durchläuft, wenn es den Körper in den Stand-By Modus schickt.

Auf textlicher Ebene haben BLACK RABBIT dieses Konzept mit der Geschichte eines schwarzen Hasen verknüpft, der seinen Opfern aus einem Buch vorliest und sie somit hypnotisiert. Sobald sie in der Traumwelt angelangt sind, werden die Hypnotisierten in Richtung Hölle entsandt. Nach einer Reihe an Prüfungen, die bestanden werden müssen, wird den Träumenden gewahr, was mit ihnen geschieht und dass sie auf dem Weg in die ewige Verdammnis sind.

Hypnose durch Headbanging

Was die Musik angeht, wissen BLACK RABBIT durch abwechslungsreiche und doch vertraut klingende Klänge zu überzeugen. Wie eingangs erwähnt, ist der musikalische Sud aus einer Vielzahl von verschiedenen Einflüssen gebraut worden. Mit Thrash und Death Metal als hauptsächliche Stilrichtungen legen BLACK RABBIT aus „Hypnosomnia“ ein vielseitiges Werk vor, das vor allem die Nackenmuskulatur beansprucht. Durch die Tempowechsel und geschickt eingesetzte Akzentuierung wird „Hypnosomnia“ zu keinem Moment langweilig und lediglich der Song „Dealta Waves“ lädt aufgrund seiner unrunden Struktur zum Überspringen ein.

Rundumerneuerung

Von den ineinandergreifenden Konzepten zur musikalischen Umsetzung ist BLACK RABBIT mit „Hypnosomnia“ ein großartiges Debut gelungen. Nahezu ohne Aussetzer rammt das niederländische Quintett seine Fahne in den trockenen Boden des Death Thrash Metal. Mit junger Energie und großen Ideen hat die Band viel Potential, Genre und Szene umzukrempeln.

Alle Bilddateien wurden uns freundlicherweise von Hardlife Promotion zur Verfügung gestellt.
Alle Bandfotos stammen von Sven Scholten.

Homepage von BLACK RABBIT

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Im Jahr 2018 formierte sich die niederländische Band MYTH OF ORIGIN und bereits im folgenden Jahr erschien die erste EP „Rites of Passage“. Das Quintett hat es sich zur Aufgabe gemacht, leicht zugängliche Musik mit harten Klängen in Harmonie zu setzen. Überzeugt vom ersten Release setzten sich MYTH OF ORIGIN zusammen, um am ersten Album zu arbeiten. Zusammen mit Daan Janzig, der auch schon für MAIDEN UNITED oder MY FAVOURITE SCAR die Produktion in die Hand genommen hat, begannen 2021 die Aufnahmen für „Sane Asylum“. Knapp vierzig Minuten lang befassen sich MYTH OF ORIGIN mit Gegensätzen wie Licht und Dunkelheit, Gesundheit und Krankheit, Balance und Chaos.

Zwei Gesichter

Das Coverartwork von Designificance zeigt eindrucksvoll, welche Spannungen die Thematik von „Sane Asylum“ beschreibt. MYTH OF ORIGIN behandeln in acht kurzen Geschichten die Dualität aus Licht und Schatten. Einerseits wird die Seite des Lebens gezeigt, mit der man sich gerne in Szene setzt: die schöne und strukturierte Seite also. Auf der anderen Seite liegen Dunkelheit und Schatten, Chaos und Disharmonie. Es sind Dinge wie Depressionen, Traumata oder andere Dispositionen, die hier liegen: Seiten von uns selbst, die wir nur ungern präsentieren.

Aus der Mitte des Spannungsfeldes

Wie zwischen magnetischen Polen entsteht ein Spannungsfeld dessen Kraft sich MYTH OF ORIGIN widmen. So handeln die Lieder auf „Sane Asylum“ beispielsweise von Angst vor der Zukunft („Black Horizon“), Reue („My Darkest Hour“), Depressionen („Over the Edge“) oder innerer Leere („The Void“). Auch Abgründe menschlichen Handelns werden thematisiert. So geht es in „Gravity of this Matter“ um die Shoa und die Verbrechen der Deutschen im Nationalsozialismus. Das Lied „The Hunt“ handelt von Menschen, die zur Unterhaltung tödliche Jagd auf andere machen, und in „Screams in my Castle“ geht es um den amerikanischen Serienmörder H.H. Holmes. Außerdem wird in „Claim the Firstborn“ das Narrativ aus dem Märchen Rumpelstilzchen aufgegriffen.

Das Leben ist wie eine Schachtel Pralinen…

… manchmal erwischt man etwas Süßes, mal etwas Bitteres. So könnte das Fazit zu „Sane Asylum“ mit den Worten von Forrest Gump lauten. MYTH OF ORIGIN befassen sich offensichtlich mehr mit der dunklen Seite; sie machen den schwarzen Schwan zur Hauptfigur ihres Prog Metal-Schwanensees. So weit, so gut.
Musikalisch wird diese Inszenierung mit Prog Metal, viel Melodie und gelegentlichen symphonischen Einlagen zum Besten gegeben. Alles in allem schafft es „Sane Asylum“ aber nicht zu überzeugen. Die einzelnen musikalischen Elemente und Einflüsse interagieren nicht rund, und es entsteht kein Fluss.

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Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Hardlife Promotion zur Verfügung gestelllt.

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Es gibt Dinge, die passen einfach zusammen. Und manchmal ist auf den ersten Blick gar nicht so klar, warum die eigentlich so gut zusammen passen. Eines dieser Phänomene ist Stoner und Desert Rock aus Skandinavien. Es braucht keinen akademischen Abschluss in Geographie um zu erkennen, dass die Heimatstadt von SLOMOSA Bergen recht weit von der Wüste entfernt ist. Und dennoch kommen gerade aus den skandinavischen Ländern einige der besten Wüstenrock Bands unserer Zeit. DOZER, GREENLEAF, BRUTUS und SPIRITUAL BEGGARS sind nur einige Beispiele dafür.

In dieser Reihe darf sich nun auch Bergen’s Quartett SLOMOSA wähnen. Die vier Musiker aus der zweitgrößten Stadt Norwegens platzten in diesem Sommer mit ihrem selbstproduzierten und selbstbetitelten Debut auf den Musikmarkt. „Slomosa“ ist standesgemäß mit einem Kamel auf dem Cover geschmückt, und kann seit Ende August Digital, auf CD oder auf Vinyl erworben werden.

Melodischer Wüstenfuzz

Somit leisten sich SLOMOSA einen soliden Einstand. Dabei reichen die Einflüsse von den schwerfälligen Desert Rock Giganten THIN WHITE ROPE über den krachigen Desert Fuzz à la SLOBURN bis zum zackigen und melodischen Skandivavien Blues, wie BRUTUS ihn spielen. Die Strukturen sind eingängig, aber nicht langweilig und mit ihrer bunten Klangwelt erzeugen SLOMOSA eine farbenfrohe Atmosphäre zum Autofahren, Duschen und Tanzen. Zackig, fuzzgeladen und mit angenehmer Dynamik bewegt das Album den Körper. Herausstechend ist hier die Akzentuierung im Song „Just to be“, die einen flotten Blues in ausgefallene Richtungen verschiebt.

Kalte Wellen und Wanderdünen

Im Zentrum steht der hypnotisierende Gesang, der sich gekonnt von den rauen und harmonischen Arrangements absetzt. Die Musik auf „Slomosa“ bewegt sich mal wie eine schroffe Brandung bei Flut und ist andermal dezent wie Sandanhäufungen in der Wüste. SLOMOSA verstehen es, die Zuhörenden an sich zu fesseln und mitzureißen. Da könnte man manchmal ganz vergessen, dass das Album an sich gar nicht soooo innovativ ist. Der Desert Rock wird weder neu erfunden noch revolutioniert. Nichtsdestotrotz bereitet es wirklich viel Freude, dieses kurzweilige Album mehrfach durchlaufen zu lassen.

SLOMOSA auf Bandcamp

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