Düster, düsterer, CONCILIVM! Heute gibt’s was auf die Ohren, darauf könnt ihr euch gefasst machen. Feinster Black-Death aus Chile, der nur eine Richtung kennt: Nach vorne.

„A Monument in Darkness“ ist das Debüt-Album der schwarzmetallischen Zwei-Mann-Formation CONCILIVM, die seit 2017 aktiv ist und bis dato nur eine EP und eine Single veröffentlicht hatte. Umso mehr Zeit hatten sie natürlich, nebenher ihr fulminantes full-lenghts-Album fertigzustellen. Und „A Monument in Darkness“ ist definitiv ein hörenswerter Erstling!

CONCILIVM liefern hier in gut 38 Minuten und acht Songs einen schwarzen, brachialen Sound. Düstere Growls paaren sich mit energischen E-Gitarren- und schrammelnden Basstönen. Dazu passend marschiert das Schlagzeug die meiste Zeit einfach durch, ab und an unterbrochen von ruhigeren Passagen, die aber nicht weniger finster daherkommen. Es ist der Sound der frühen 90er, auch wenn die Produktion von „A Monument in Darkness“ definitiv zu gut ist, um nach Garage zu klingen. Aber die Gitarrenriffs und die monotonen Growls, vereinzelt gespickt mit Krächz“gesang“ und heiseren Schreien, lassen keinen Zweifel an den musikalischen Vorbildern.

Copy & Paste? Nö!

Auch wenn sie das Rad nicht neu erfinden, gelingt es CONCILIVM aber trotzdem, eigenständig und nicht recycled zu klingen. „A Monument in Darkness“ strotzt einerseits nur so vor Nostalgie, gleichzeitig ist es aber absolut erfrischend und abwechslungsreich. Verschiedene Rhythmen variieren, jeder Song hat seine individuellen Riffs, und doch fließt alles in ein harmonisches Großes und Ganzes zusammen. Das musikalische Gesamtbild ist eindrücklich und zieht den Hörer – in dem Fall mich – unaufhörlich in seinen Bann.

So sehr, dass ich zu „A Monument in Darkness“ kaum etwas Negatives sagen kann. Für eine 10 von 10 hätte mich das Album vom Stuhl ballern müssen, das hat es nicht ganz geschafft. Aber selten habe ich ein Werk als so stimmig und so wenig redundant empfunden. Kein Song ist mir zu viel oder zu wenig, jeder hat seine Momente. So wie der sechste Track „Moonlight Nigredo“ beispielsweise mit Wolfsgeheul beginnt und sich in „Of Gold and Silver“ eine schöne Gitarrenspur findet, die dem klassische Heavy-Metal nacheifert. Kurzum, ich bin überzeugt. Fürsten der Finsternis, euer akustischer Besuch war meinen Ohren eine Ehre!

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Die REITER sind zurück (zurück)! Und das voll neuer Kraft und Elan. Nach drei Jahren Pause präsentieren die wechselhaften Allround-Metaller ihr neuestes Werk „Der Rote Reiter“. Die Band verspricht, so „entfesselt, ungestüm und kraftvoll“ wie seit langem nicht mehr zu klingen, und das intensivste Album seit „All You Need Is Love“ abzuliefern. Das hört sich doch interessant an – besonders für jemanden wie mich, der über die letzten Jahre leider ein bisschen den Hang zu ihren neueren Werken verloren hat. Vielleicht gerade, weil die alte Härte immer mehr einer etwas einfacher verdaubaren, fast poppigeren Attitüde zu weichen schien. Mal sehen, wie sehr diese Versprechen gehalten werden können.

Die ersten drei Singles

Mit „Wir Sind Zurück“ kam mir schon vor Monaten die erste Single des Albums zu Ohren. Ein schneller Song, der schematisch genau das macht, was er soll: Er reitet dem Album voraus, mit der Message der Rückkehr der „alten“ APOKALYPTISCHEN REITER. Und das voller Energie, schön preschend und ohne viel herumzufackeln. Straight und relativ einfach gehalten macht er klar, was Sache ist: Schnelles Riffing, ja sogar Blast Beats und geschriene Vocals – sie sind zurück! Ich möchte allerdings jetzt das Wort „zurück“ bitte erstmal ein paar Tage nicht mehr hören und sehen. Es folgt die zweite Single – „Der Rote Reiter“ – mit tiefen Growls, Doublebass und bösen Gitarren. Leider fühlt das alles sich irgendwie unnatürlich und aufgesetzt an – gerade im Vergleich zu „All You Need Is Love“ oder anderen älteren Schinken. Punkte für den guten Willen gibt’s aber trotzdem. Die dritte Single, „Auf Und Nieder“, kommt zwar mit interessantem Video, klingt aber fast wieder wie ein relativ unkreativer Popsong. Fand ich erst etwas enttäuschend in Bezug auf die vorigen beiden und das Versprechen von Energie und Härte. Erst nach mehrmaligem Hören erschließt sich mir im Rahmen des Gesamtwerks der Sinn des Liedes so wirklich.

„The Great Experience Of Extasy“ ist wohl der alternativste Song der Scheibe. Wieder treffen Blast Beats  auf harte Riffs. Doch dazu gibt’s diesmal Mönchsgesang, Stampferei und Schreie in einer Sprache, die zumindest mir nicht bekannt ist. Es gefällt. Mein persönlicher Favorit ist „Franz Weiss“. Keine Ahnung wer der Dude ist, aber er ist mir sympathisch. Und zugegebenermaßen ist sorgenfreie, positive Atmosphäre schaffen etwas, das die REITER schon immer ziemlich gut konnten. Auch die Energie des Tracks ist, erzeugt durch hohes Tempo und eben diese upliftende Positivität, nicht zu unterschätzen.

Halten sie ihr Versprechen?

Insgesamt stimmt also schon mehr oder weniger, was versprochen wurde. Die Power ist da. Wieder da. Wenn ich auch den Vergleich zu „All You Need Is Love“ etwas übertrieben finde, so katapultiert mich das Hören der Platte doch immerhin in „Riders On The Storm“- oder „Samurai“-Zeiten (zurück – Verdammt!). Die Texte tänzeln leider teilweise etwas zu sehr auf der Grenze zwischen schöner Lyrik und Kalenderspruchpoesie umher, aber das ist sowieso ein altbekanntes, gelegentlich wiederkehrendes Phänomen bei dieser Band. Nichts Unerwartetes also.

Also ist „Der Rote Reiter“ quasi ein neues „Riders On The Storm“? Jein. Wenngleich auch hier zwischen rauer Härte und positiven Vibes die Energie auf ähnlichem Level gehalten wird, so kommen die Lieder größtenteils leider nicht ganz an das Level an Qualität heran, das die 2006er-Scheibe hervorbrachte. Je öfter man das neue Album allerdings hört, desto mehr scheint es sich einem gefällig zu machen. Besonders kleine Dinge, die mich Anfangs störten (zum Beispiel, dass der Refrain von „Herz In Flammen“ fast genau so klingt, wie der von „Wir Hoffen“), taten dies nach dem zweiten Mal nicht mehr. Was die REITER auf jeden Fall mit diesem Werk gezeigt haben, ist, dass sie keine von denen Bands sind, die man nach einem nicht so sehr mundenden Album für immer abschreiben kann. Man weiß bei ihnen nie so genau, was als nächstes kommt – und so bleibt es zumindest immer spannend.

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Nyon, das beschauliche Städtchen am Genfersee, spielt nicht nur im europäischen Fußball-Kosmos eine große Rolle, sondern beherbergt mit CONJONCTIVE auch eine der hoffnungsvollsten Deathcore-Bands der Schweiz. Die Jungs und das Mädel ließen sich zwar einige Jährchen Zeit mit dem Debütalbum „Until The Whole World Dies“, doch dafür schlug dieses umso härter ein: 2014 gewann die Band mit der Single „Somnambulant Cannibal“ bei der Schweizer Musikmesse m4music die Auszeichnungen für das „Demo des Jahres“ und den „Vielversprechendsten Schweizer Rock Song“. Mit einer Deathcore-Nummer, ganz genau!

Nun folgt mit „In The Mouth Of The Devil“ der zweite Album-Streich. Das Cover von Colin Marks (Rain Song Design) zieht mich direkt in seinen Bann, böse Erinnerungen an „American Horror Story“ werden wach. „Purgatory“ eröffnet die Platte mit mächtigen Streichern und atmosphärischem Anklang an THE BLACK DAHLIA MURDER. Als die Spieluhr leise zu klimpern beginnt, wirkt das im thematischen Kontext von Geisterhäusern und Besessenheit allerdings etwas klischeebeladen. Schließlich chuggen die Gitarren ein „Welcome to Deathcore City!“ durch die verlassenen Flure des Anwesens. Für den Anfang schon mal ganz gut!

MIT CONJONCTIVE IM KELLER

Ein Markenzeichen von CONJONCTIVE stellt die Verwendung männlicher und weiblicher Screams und Growls dar. Das finde ich an sich schon mal sehr spannend. Sängerin Sonia Kaya reicht stimmlich jedoch leider nicht an das hohe Niveau heran, das beispielsweise Simone Pluijmers seinerzeit bei CEREBRAL BORE etablieren konnte. Die Schweizerin klingt einfach zu bemüht nach fieser Blair Witch aus dem Keller, die tote Babys an der Wäscheleine aufhängt.

Ihr männlicher Kollege Randy Schaller läuft ihr in dieser Hinsicht eindeutig den Rang ab. Im Video zu „Down Into The Abyss“ geben jedoch beide keine gute Figur ab. Ernsthaft, gebt den Sängern Mikros in die Hand! Die Musiker spielen ja auch nicht auf Luft-Instrumenten. Und so sieht das einfach ultra albern aus. Aber ich schweife ab … 

MIT BLASTBEAT-POWER AUF AUSGETRETENEN PFADEN

Musikalisch haut das alles in allem schon gut rein. Besonders der Schlagzeuger ballert immer wieder Blastbeats und Doublebass-Läufe raus, dass es nur so raucht. Darüber hinaus lässt „In The Mouth Of The Devil“ allerdings Abwechslung und Eingängigkeit vermissen. Die Gitarren-Fraktion liefert massig genretypisches Chugging und Breakdowns, wobei einige Parallelen zu bekannten Szenegrößen etwas zu offensichtlich hervortreten. „You’re Next“ könnte beispielsweise astrein von den prä-„Doris“–SUICIDE SILENCE stammen.

So stampfen und holzen CONJONCTIVE zehn Tracks lang über größtenteils ausgetretene Deathcore-Pfade, ohne je tiefer in unbekannte Gefilde vorzustoßen. Bis auf das Intro sind alle Songs ungefähr vier Minuten lang (+/- 20 Sekunden). Auch dies erzeugt auf Dauer eine gewisse Monotonie. Vereinzelte Synthie-Einschübe im Hintergrund, die an WINDS OF PLAGUE erinnern, können die starren und meist vorhersehbaren Songs nur wenig auflockern. Die weiblichen Screams stechen immer wieder hervor, jedoch fallen sie mir, wie gesagt, eher unangenehm auf. 

Darüber hinaus gehen Inhalt und Form auf dem Album nicht so recht Hand in Hand. Auf mich wirken das „böse“ Image und die morbiden Texte einfach zu gezwungen und damit irgendwie aufgesetzt. Als hätten sich ein paar Teenager bei Kerzenschein mit einem Ouijabrett und zu viel Gras auf dem Dachboden eingesperrt. Bestes B-Movie-Material! Von teils unrunden Intonationen wie „á-ttack“ oder „á-byss“ mal ganz abgesehen. Vielleicht sehe ich das zu kritisch. Aber solange man noch Texte versteht, müssen sich diese für mich auch dem natürlichen Sprachfluss angleichen. Selbst im Deathcore.

CONJONCTIVE bei Bandcamp und Facebook

CONJONCTIVE „In The Mouth Of The Devil“ komplett bei YouTube anhören

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Wenn ich schreibe, dass das Artwork von „Ritualis Aeterna“ die gebotene Musik recht gut beschreibt, ist das nicht unbedingt ein Kompliment. Nein, als Blickfänger würde ich das Frontcover nun wirklich nicht bezeichnen, denn es ist generisch, blass und ziemlich langweilig. Dabei weckt die Bio der Kapelle erst einmal Hoffnung, werden doch Vorbilder aller möglichen Stilrichtungen genannt: PARADISE LOST meets DIMMU BORGIR und KING DIAMOND? Könnte ein interessanter Stilmix sein! Könnte …

Verwirrte Gehversuche

Ja, könnte was sein, ist es aber nicht so wirklich. Bei den genannten Vorbildern haben sich MANACODA offenbar nur sehr oberflächlich bedient. KING DIAMOND steht Pate für so manchen schrägen Gesangspart – es ist doch klar, dass diese Art Gesang nur beim Original funktioniert, oder etwa nicht? – während sich der DIMMU BORGIR-Einfluss in ein paar Growls äußert. Der Hintergrund alldessen ist schon sehr keyboardlastig, eine gewisse Schwäche für Kitsch ist also unabdingbar, um etwas mit „Ritualis Aeterna“ anfangen zu können.

Gut, als Genre-Liebhaber kann man der Sache sicherlich bis zu einem gewissen Punkt etwas abgewinnen: Die Musiker agieren absolut kompetent, der Gesang ist, von ein paar Nerv-Passagen abgesehen, auch gekonnt. Im tragisch-düsteren „The Wild Hunt“ baut Frontmann Lucas Di Mascio etwa ordentlich Stimmung auf. Ebenso umfassen die sechs Titel ein paar schmucke Soli, die eindeutig für die Band sprechen. Die Produktion geht in Ordnung, kann der Intention, pompöse Klangbilder zu schaffen, aber nicht ganz gerecht werden. Im Endeffekt klingt die Sache eher überladen als groß und erhaben.

Nur lauwarm

Hauptsächlich kämpft die EP damit, dass nichts so recht hängen bleibt. Ein paar brauchbare Hooks haben sich zwar eingeschlichen, allerdings bedienen sich diese tausendfach gehörter Ergüsse artverwandter Bands. In so ziemlich jeder Hinsicht versäumen es MALACODA, so wirklich zu glänzen, denn man kennt die gleiche Mucke in hübscherer Aufmachung schon von anderen Bands. Weder überrollt einen die Produktion, noch zeigen sich zwingende Ohrwurmmelodien, wie sie etwa KAMELOT in beeindruckender Fülle abgeliefert haben. Und um noch einmal auf KING DIAMOND zurückzukommen: Um so kultig zu sein, ist es dann doch nicht schräg genug.

MALACODA sitzen leider zwischen den Stühlen. Es wäre gelogen, würde ich ihre Musik als schlecht bezeichnen – das ist sie keinesfalls. Aber auch nach mehrmaligem Hören will sich keine Begeisterung zeigen, Lust auf einen weiteren Durchlauf schon gar nicht. Dafür ist das Ding einfach zu zahnlos und nichtssagend – ein Output unter vielen eben. Dass die Sache live wohl besser funktioniert, ist wahrscheinlich, denn in Ansätzen ist die Faszination ja da. Nur will es eben bei diesem Silberling noch nicht in der heimischen Stube klappen.

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