HEADS., LENTO und SOVIET SOVIET sind mir namentlich geläufig, ich hatte allerdings noch nicht das Vergnügen mit selbigen. SUN WORSHIP habe ich hingegen schon einmal abfeiern dürfen und freue mich riesig darüber, sie im Programm für dieses Jahr entdeckt zu haben. Naja, und DOWNFALL OF GAIA, die sind eine Größe, die man wohl einfach kennt.

Oder eben auch nicht.

Ich habe sie in den letzten (bestimmt drei, vier) Jahren ganz erfolgreich wegignoriert. Fehlen noch zwei Bands – und zu denen habe ich wirklich keinerlei Bezug – FOTOCRIME und BRIQUEVILLE. Zeit, den Horizont zu erweitern … aber was machen die alle eigentlich?!

Den Reigen werden HEADS. eröffnen. Ich gebe zu, dass ich die deutsch-australische Kapelle bis dato nur vom Namen her kenne. Aus dem JAGUWAR-Dunstkreis. Mit noisigem, düsterem und waberndem Rock, der die Schwere von Sludge und den Dreck von Grunge in den Schuhprofilen mit sich trägt, stellen sie sich mir auf ihrem Langspieler “Collide” vor und versprechen damit ein vereinnahmender Start in den Abend zu werden.

„Collider“ by HEADS.

FOTOCRIME brechen mit dem, was das Opener-Trio anbringt und schmeißen mich in die Dark-Post-Punk-New-Wave-Sounds der tiefsten 80er. Synthielastiges Vor-Sich-Hinschunkeln, ein bisschen Leiden und Träumen – THE CURE, JOY DEVISION und SISTERS OF MERCY lassen grüßen. Ich bin gespannt, wie sich die aus den USA stammenden FOTOCRIME live machen. Denn solche Musik kenne ich bisher nur aus der Konserve,

Anknüpfend an die letzten Jahre wird es auch postig werden. BRIQUEVILLE sorgen für einen instrumentalen Sog, der live im besten Fall ordentlich zu hypnotisieren weiß. Die Belgier werden mit ihrer musikalischen Schwere dem Abend eine dramatische Wendung geben, um das Publikum auf SUN WORSHIP vorzubereiten, die episch und überwältigend das Kassablanca mit ihrem atmosphärischen Black Metal überrollen werden. Versprochen!

Wie soll es dann weitergehen? Nachdem doch schon gemetzelt wurde? Mit mehr Gemetzel!

So zumindest versprechen es LENTO aus Italien. Ebenso wie SUN WORSHIP suchen sie das Jenaer DEAF ROW FEST nicht zum ersten Mal auf und holzen instrumental gut los. Ich weiß beim ersten Reinhören nicht so richtig, wohin es gehen soll. Post Black? Sludge? Auf jeden Fall: Chaos. Und ziemlich anstrengend. Puh, mal sehen, was das wird… LENTOs Landsleute von SOVIET SOVIET, die ich ja nun bisher auch nicht weiter kenne, fahren ebenfalls ordentliche Soundwände auf, funktionieren aber ganz anders. Weniger chaotisch, viel harmonischer. Irgendwas lässt mich mit PLACEBO assoziieren – Basssound und Rhythmusarbeit, vielleicht auch ein bisschen der nölende Gesang – so würde ich die Gemeinsamkeit lokalisieren. Alternative Rock mit einer Schippe postiger Träumerei obendrauf. Es schiebt romantisch vor sich hin. Ich bin höchst erquickt und sehe der Band gespannt entgegen.

„Endless“ by SOVIET SOVIET

Headliner werden DOWNFALL OF GAIA sein. Ja, genau, die Wegignorierten. Erstkontakt sagt: Schön! Schnell! Düster! Black Metal also. Der Vergleich zu FALL OF EFRAFA ließ mich schon aufmerken, selbige wissen mich schon seit längerem gut zu begeistern. Und ja, nach den ersten Kostproben aus der Konserve könnten mir auch die atmosphärischen DOWNFALL OF GAIA in Zukunft gut schmecken, wenn sie mich in Jena zu überzeugen wissen.

Umrahmt wird das diesjährige LineUp wieder von aehm an den (echten!) Plattentellern (für echtes Vinyl!), der in den letzten Jahren schon die passenden Töne zur Pausenuntermalung finden konnte. Ich freu mich drauf!

Was?                          DEAF ROW FEST VII

Wann?                       29.09.2018

Wo?                            Kassablanca Jena

Preis:                         20€ VVK / 25€ AK

Genre:                      Post Rock, Post Metal, Post Punk, New Wave, Instrumental, Alternative, Noise, Black Metal, Sludge, Grunge

Bands:                     HEADS., FOTOCRIME, B R I Q U E V I L L E, SUN WORSHIP, LENTO, SOVIET SOVIET, DOWNFALL OF GAIA

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Plauen – eine Stadt im Vogtland, die eigentlich nichts mit dem großen weiten Weltall zu tun hat. Dennoch haben es sich 3 Jungs aus der Gemeinde auf die Fahne geschrieben, ein wenig außerirdische Energie in der sonst doch recht kargen Kreisstadt freizusetzen. Nachdem ihr letztes Album „Absturz“ mit dem Titel „Hangar“ endete, haben es sich die Burschen leicht gemacht und ihr neuestes Werk ebenfalls auf „Hangar“ getauft. Dass das nicht irgendwelcher zusammenhangsloser Stuss ist, beweist schon der Opener „Prototyp“. Hier wird nahtlos an das Vorgängeralbum angeschlossen, welches die MOTHER ENGINE auf dem Wüstenplaneten „X Alpha Wolf 538“ abstürzen ließ.

Was ich erwarte …

Mittlerweile sind Alben mit einer Spielzeit von über einer Stunde eine wirkliche Rarität geworden. Kaum ein Album überschreitet mehr die magische 50 Minuten-Marke. Als ich sah, dass „Hangar“ sich weit über eine Stunde zieht, war ich mir nicht sicher, ob ich diese Klangreise ohne Gliederschmerzen überstehe. Ich meine schon, dass überlange Songs ihren ganz besonderen Reiz haben, aber 4 Songs in 77 Minuten sind schon harter Tobak. Noch dazu, weil die Vogtländer gänzlich auf Gesang verzichten und lediglich ihr Können an den Instrumenten sprechen lassen.

Was ich bekomme …

MOTHER ENGINE schaffen es, dass ich in den 77 Minuten die verschiedensten Weltraumlandschaften durchreise. Es braucht keine Worte, um zu verstehen, was jeder einzelne Song ausdrücken soll. Allein die Riffs, Takte und Effekte lassen erahnen, dass das neue Mutterschiff schon kurz nach der Fertigstellung mindestens genauso rund läuft wie die alte Kiste, die es ja zerlegt hat. Aber warum sollen wir alten Sachen nachtrauern, wenngleich das neue Werk doch viel stabiler und mächtiger wirkt.

Musik für Maschinenbaustudenten

Natürlich ist die Planung eines neuen Raumschiffes nichts für Unwissende. „Prototyp“ eröffnet „Hangar“. Im Hangar herrscht ein wildes Treiben und man hört die Mitarbeiter, wie sie gestresst die Außenhülle des neuen Spacetaxi in Form bringen. Das Gehäuse steht, also geht es ab in den Windkanal. Schnittig, dynamisch und doch tonnenschwer präsentiert sich der Opener. Auch wenn es noch Ecken und Kanten gibt, steht für mich fest, dass das neue Fluggerät deutlich leistungsstärker durch die Sphären schwebt. Schon jetzt wird mir klar, dass diese Reise niemals langweilig werden kann, denn die Jungs setzen innerhalb kürzester Abstände Akzente, die einen dicken Stempel auf meinem Trommelfell hinterlassen. Auch unter starker Belastung zeigt die neue MOTHER ENGINE keine Schwächen. Die Plauener wissen, wie sie mich mit greifbaren Stoner-Riffs und bluesigen Parts erreichen können!
Ohne Treibstoff geht natürlich nichts! „Biosprit“ nennt sich der nächste Titel. Ich spüre, wie jeder Tropfen des durchaus flüchtigen C2H6O durch die Leitungen des Schiffs fließt und es flugtauglich macht. Langsame, atmosphärische Riffs verdeutlichen mir dieses Szenario, ehe klirrende Gitarrensaiten das Luftgefährt zum ersten mal zum Leben erwecken. Jetzt wird es deutlich ruppiger. „Biosprit„ ist schon deutlich dynamischer als noch der Opener, was vor allem durch postrockige Passagen zustande kommt. Auch während dieser 18 Minuten kommt keine Langeweile, sondern eher Schrauberlaune, auf.

Jetzt, wo alle Leitungen befüllt sind und die Maschinen auf Hochtouren laufen, wird mit „Tokamak“ das unterstützende Bauteil zugeschaltet. Tokamak? Ohne Wikipedia hätte ich auch nicht gewusst, was das sein soll. Es handelt sich dabei um einen Fusionsreaktor. Die Jungs gehen also auch mit der Zeit und setzen umweltschonende Alternativen ein. Nicht übel! „Tokamak“ glänzt mit fuzzig-bluesigen Riffs, die flüssig und einleuchtend sind. Von Minute zu Minute steigert sich dieser Song schon fast zu einem Doom-Hit, ehe das Konstrukt eingerissen und von Blasinstrumenten ein hymnischer Psychedelic-Part eröffnet wird. Richtig wild wird der Titel nochmal zum Ende hin. Spätestens jetzt wird auch jeder Physikstreber passen müssen. Der Song endet mit einem Part namens „Lawson Kriterium“. Mindestens genauso wild wie der Part ist auch die Definition des Lawson Kriteriums. Zieht es euch bei Wikipedia einfach mal rein.
Mit „Weihe/Leerlauf“ geht „Hangar“ dann auch „schon“ wieder zu Ende. Anders als bei den vorherigen Songs, ist dieses Stück nicht noch einmal in Untertitel gegliedert und benötigt überhaupt keine Anlaufphase. Das technische Konstrukt ist mittlerweile eingelaufen und schwebt durch das All. Zum Abschluss wird nochmal alles an Einflüssen zusammengekehrt. Space, Psych, Prog, Post, Stoner – alles darf hinein. Die neue MOTHER ENGINE läuft rund und setzt ihre Reise in die Unendlichkeit fort. Ich bin sehr gespannt, was mich auf dem nächsten Album der Jungs erwarten wird!

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Ein cooler Bandname ist die halbe Miete. Das bewahrheitet sich im Falle von GHOST TOAST einmal mehr. Sonst wäre mir diese eher unbekannte Prog-Rock-Band vermutlich durch die Finger geglitten. So durfte ich jedoch feststellen, dass die Kreativität der vier Ungarn über den Prozess der Namensfindung bei Weitem hinausgeht. Denn die neun Instrumentalstücke auf „Out Of This World“ machen dem Titel des Albums alle Ehre. Lasst euch also von der großen Hand im Himmel auf einen überirdischen Trip entführen!

Der Opener „Ka Mai“ beginnt verhalten, zieht jedoch nach rund 30 Sekunden mit kraftvollen Gitarrenriffs nach vorne. Ab da klebe ich mit beiden Ohren an den Boxen und sauge gierig jeden Ton in den Gehörgang. Extrem smoothe Bassläufe, vereinzelte Cello-Töne und komplexe Rhythmik versetzen mich in Ekstase. Gesang wäre hier völlig überflüssig, denn die Instrumente sprechen für sich. Die letzten eineinhalb Minuten reißen mit fantastischen Gitarren-Leads meine Armhaare endgültig gen Himmel. Während der Schlussakkord ausklingt, muss ich erst einmal durchschnaufen. Als Raucher bräuchte ich jetzt die Zigarette danach. Was für ein Auftakt!

FREILAUFENDER PROG ROCK

Doch servieren GHOST TOAST mit „Gordius“ direkt den nächsten musikalischen Leckerbissen. Die erste Minute besteht aus freilaufendem Prog Rock ohne Zusatzstoffe. Mit markanter Cello-Note versehen, offenbart das Stück seine aromatische Vielfalt. Schwungvolle Synthesizer-Passagen intensivieren das Geschmackserlebnis und sorgen für richtig Spaß in den Backen (Der Post-Rock-Gourmet mag sich hierbei an Kreationen aus dem Hause MASERATI erinnert fühlen.). Warmes Cello-Aroma, aufgepeppt mit knusprigem Gitarrenspiel Marke GOD IS AN ASTRONAUT, garantiert den perfekten Abgang. Ein akustischer Gaumenkitzel erster Güte!

Mit „Alia“ und „The Dragon’s Tail“ lebt die Band ihre Begeisterung für Soundtracks aus. Erstgenanntes Stück versetzt mich durch seine Flüster- und Sprachpassagen sowie die geheimnisvollen Synthie- und Cello-Klänge assoziativ in die Welt des Videospiels „Eternal Darkness“. Sanftes Gitarren- und Bassspiel bringen etwas Dynamik in den Song. Dennoch bildet das Stück nach der vorangegangenen Intensität einen willkommenen Ruhepol. Ganz im Gegensatz jedoch zum folgenden Titel.

FLUG ÜBER MITTELERDE … UND DER TIEFPUNKT DES ALBUMS

Trommeln in der Tiefe. Pianoklänge. Sanfte Hörner. Dann trägt eine kraftvolle Männerstimme in unbekannter Sprache eine Art Beschwörung vor. Christopher Lee tritt in wallendem Gewand als Saruman vor mein geistiges Auge. Und – bumm! Jetzt wird es richtig episch. Von Trommeln begleitet, fliegen Hörner und Cello in „The Dragon’s Tail“ über die endlosen Berge und Täler Mittelerdes. Nach der Ablösung durch weitere Sprachsamples sowie Piano- und Synthie-Klängen prog-rocken GHOST TOAST wieder hart. Schließlich trägt das Cello den Hörer hinaus und schließt Minas Tiriths Pforten hinter ihm. Absolut beeindruckend!

„Minotaur“ bildet den Mittel- und leider auch den Tiefpunkt des Albums. Also, kein allzu tiefer Tiefpunkt. Eher jammern auf hohem Niveau. Einen solchen „Tiefpunkt“ würden sich zahlreiche andere Bands wünschen! Von musikalischen Großtaten umringt, erscheint der Song einfach etwas weniger herausragend. Zumindest die ersten drei Minuten lang. Gemischt mit Cello-Spiel und Synthies, progt es hintenraus doch noch fein. Sorry, „Minotaur“, selbst in einer Eliteklasse muss es einen 2er-Schüler geben!

HULDIGT DER FRUCHTBARKEITSGÖTTIN!

Von mystischen Klängen getragen, schwebt nun „Kaia“ heran. Unter Percussions und Cello mischt sich orientalisch angehauchter Frauengesang. Auch der Bassist profiliert sich einmal mehr als elementarer Bestandteil des Klangkonstrukts. Nach fünf Minuten tritt der mehrstimmige weibliche Gesang komplett in den Mittelpunkt, die Bandmitglieder positionieren ihre Instrumente dabei wie Opfergaben um die Statue einer Fruchtbarkeitsgöttin. Die Thematik und der instrumentale Song erinnern unweigerlich an die Werke der Psychedelic-Rocker MY SLEEPING KARMA – definitiv ein Kompliment!

Hier findet ihr übrigens das komplette Album „Out Of This World“ bei YouTube

„KOKW calling, come in. KOKW calling, I’m on international frequency. Come in.“ Diese Worte eröffnen das Stück „Last Man“, das seine Inspiration aus dem Film „The Last Man On Earth“ (1964) zieht. Kraftvolle Prog-Riffs und zurückhaltendes Cello-Spiel ummanteln die eingespielten Zitate aus dem Sci-Fi-Horror-Klassiker. Wenn die Gitarre dabei mit Vollgas nach vorne prescht, fängt sie das Cello immer wieder mit melancholischen Melodien ein. Diese Art der Komposition jagte mir schon beispielsweise bei MAYBESHEWILL regelmäßig wohlige Schauer über den Rücken. Mit „Last Man“ stehen GHOST TOAST dem in nichts nach.

KRIECHT EIN SAXOFON DURCH DEN DSCHUNGEL …

Bei „Ishvara“ tritt das Cello einmal mehr an prominente Stelle. Auch hier trägt orientalisch klingender, klagender Frauengesang zur mystischen Atmosphäre bei. Diesmal gesellt sich jedoch ein männlicher Konterpart hinzu. Als „Ishvara“ bezeichnet man im Hinduismus übrigens den jeweils höchsten persönlichen Gott (danke, Dr. Wiki!). Erneut kommt man assoziativ kaum an MY SLEEPING KARMA vorbei. Während der Song gemächlich, vorbei an lianenverhangenen Tempeln, durch den indischen Dschungel kriecht, schlängelt gegen Ende sogar ein Saxofon aus dem Gebüsch. Sehr eindrucksvoll und klangfarbenfroh!

DAS GROSSE FINALE? NICHT GANZ …

Wer beim Schlussstück „Pawn Of Fate“ mit einem epischen Finale rechnet, dürfte vielleicht zunächst enttäuscht sein. Denn der letzte Song ist mit 3:12 Minuten Spielzeit zugleich der kürzeste des Albums. Macht aber nix. Nach einem letzten musikalischen Höhenflug geleiten GHOST TOAST den Hörer mit ruhigen Klängen zur Erde zurück. Es ist wie das sanfte Erwachen aus einem wunderschönen Traum. Mit dem Unterschied, dass es für „Out Of This World“ einen Replay-Button gibt, den ich nur zu gern betätige.

GHOST TOAST bei Facebook und Bandcamp

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ELDER – eine Band, die ich zum ersten Mal vor 3 Jahren für mich entdeckt habe. 3 Jungs aus Massachusetts, die einen Scheiß darauf geben, in welche Schublade sie gesteckt werden könnten. Das geht nämlich gar nicht, denn dafür müsste man die Band auf ein Vielfaches teilen. Schon vor 3 Jahren dachte ich, dass ihr damals aktuelles Album „Dead Roots Stirring“ eigentlich gar nicht mehr zu übertreffen ist. Da hab ich mich wohl geirrt. Mit „Lore“ kamen schließlich die deutlich progressiveren ELDER zum Vorschein. 
Als ich Wind davon bekam, dass für dieses Jahr ein neues Album in Planung ist, stieg sofort mein Puls, denn ich wollte eigentlich sofort wissen, wo die musikalische Reise von ELDER nun hingeht. Back to the Roots oder doch eher noch verzwickter?

Alles beim Alten im Hause ELDER

„Lore“ wurde mit „Spirit At Aphelion“ beschlossen und genau dort wird auf „Reflections Of A Floating World“ mit „Sanctuary“ weitergemacht. Verträumte Gitarrenklänge, die es vom ersten Ton an schaffen, mich in die „Floating World“ zu transferieren. Ganz klar steht auch auf dem neuen Werk der Gesang eher im Hintergrund, was die Gesangsleistung von Sänger und Gitarrist Nick DiSalvo aber nicht unterdrücken soll. Sein relativ hoher Klargesang wird wohl dosiert an den richtigen Stellen der Songs eingesetzt und sorgt so für noch mehr Zauber.
Fies wird es auch noch, als ich nach gut 8 Minuten denke (und erwarte), dass der Opener nun endet. Denkste, Promillo! Nach kurzem Gitarrenklimper wird noch einmal eine wahnsinnige Soundwand errichtet, die „Sanctuary“ dann nach gut 11 Minuten enden lässt.

Dieses Album ist wirklich nichts für Hörer, die es eilig haben. Erstens mal, weil die Songs durch Überlänge bestechen und zweitens, weil es erst einmal eine Weile dauert, bis ein Song Fahrt aufnimmt. So auch „The Falling Veil“. Über eine Minute dauert es, bis überhaupt mal strukturierte Musik zum Vorschein kommt. Da ich aber massig Zeit habe, genieße ich die Zauberformel vor dem eigentlichen Song, in der sich in mir ein riesiger Berg voller Spannung anhäuft. Dann gehts aber los und ich werde wieder nicht enttäuscht. Nicks verspielte Art seine Gitarre zu strangulieren wirkt zwar im ersten Moment erstmal gewöhnungsbedürftig, doch wenn man einmal ganz tief in den Geist dieser Musik eingetaucht ist, kommt man so schnell nicht mehr heraus.

Das klingt jetzt alles nach softem Geklimper, ist es aber nicht! Gerade „The Falling Veil“ wird durch einen flotten rockigen Part nochmal um einiges aufgewertet, ehe auch er nach 11 monumentalen Minuten zu Ende geht.
Da wir ja gerade das Thema Schubladen hatten. Natürlich kann man ELDER auch mit „Staving Off Truth“ nicht in eine eben solche stecken, doch tritt bei diesem Titel der Geist des Stoner Rock erstmalig auf dem Album etwas in den Vordergrund. Doch das war es noch nicht mit den Überraschungen. Im Mittelteil des Songs setzt plötzlich ein Keyboard ein, welches dem Stück wieder eine ganz besondere Magie aufdrückt. Bei diesem Sound, gepaart mit dem kräftigen Gitarrensound, muss ich automatisch an unberührte Natur denken.

In „Blind“ geht es erstmal ziemlich ruppig zur Sache, ehe die gefühlvolle Seite ELDERs zur Geltung kommt. Gefühlvoller Gesang und Keyboard, nicht mehr und nicht weniger. Und als ich mich gerade an die sanften Klänge gewöhnt habe, rollt mir die nächste Soundwand gegen den Kopf, in der lediglich noch der gefühlvolle Gesang und ein paar Akzente des Keyboards enthalten sind.

Wir kommen zu einem kleinen Rätsel!

Du fühlst dich schwach, ausgelaugt, lethargisch, hast keine Lust auf irgendetwas. Vormittags um 12 braucht dich sowieso niemand ansprechen. Am späten Nachmittag kehren deine Kräfte langsam wieder in deinen Körper zurück und kurz vor dem Ende des Tages fühlst du dich fitter denn je! Na, von welchem Tag rede ich? Natürlich, dem „Sonntag“! Warum hab ich das jetzt kursiv geschrieben habe, ist simpel erklärt. Das ist der Titel des einzigen Instrumentalsongs der neuen Platte, der der neue Sonntagssoundtrack im Hause Promillo werden wird! „Hä? Ich denke das sind Amis?“ werden sich jetzt einige denken. Recht habt ihr, doch Sänger Nick wohnt schon seit einigen Jahren in Berlin und beherrscht die deutsche Sprache mittlerweile schon richtig gut. Davon können wir uns hier noch nicht überzeugen, aber vielleicht ja dann auf dem nächsten Album.

Nachdem der Sonntag nun auch überstanden ist, wirken ELDER auch gleich wieder viel fitter und hauen mit „Thousand Hands“ noch ein Lied zum Verlieben raus. Die Jungs wissen, was ihre Stärken sind und die werden in diesem Stück komplett ausgespielt. Einprägsame Gitarrenläufe, verspielter Bass, markanter Gesang und ein grandioses Drumming sind das, was mich bei dieser Band beeindruckt und genau mit diesen Mitteln beschließen sie ihr neues Album.

Und was dauert jetzt hier?

Das ganze Album dauert! Nicht nur vom zeitlichen Aspekt, sondern brauchte es auch eine gewisse Zeit, bis es mich komplett eingenommen hat. Deswegen kommt das Review auch erst jetzt, obwohl das Album schon seit 2 Wochen  erhältlich ist.  Dass die neuen Songs nicht sofort greifen werden, war mir schon vorher klar, da die Strukturen der Songs einfach zu komplex sind, um sie beim ersten Durchlauf vollends zu verstehen.
Umso glücklicher bin ich jetzt, dass „Refelections Of A Floating World“ nun auch von mir Besitz ergriffen hat.
Übrigens: ELDER haben einen Headliner-Slot auf dem diesjährigen Stoned From The Underground inne. Wer sich das nicht gibt, ist selbst dran Schuld!!!

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Mathcore? Was’n das? Dahinter versteckt sich ein besonders hoher instrumentaler Anspruch und der Einfluss verschiedener Musikrichtungen. REMEMBER WHY WE’RE HERE fügen dieser Theorie nun ein Klangbild bei. Ihr selbst veröffentlichtes Debüt-Album trägt dabei den Titel „Colours May Bleed“ und kommt mit dem von ihnen geprägten Mix zwischen „Fahrstuhlbossa und Blastbeats“ daher. Ob ein unscheinbarer YouTube-Link die Scheinwerfer auf dieses doch eher unbeleuchtete Sub-Genre richten kann?

Ist das Kunst oder kann das weg?

Als ich auf den Album-Link klicke, öffnet sich ein Hintergrundbild, welches mich sofort an jeden beliebigen „Best-Chill-out-Mix-20XX“ erinnert. Mit dieser seltsamen Anspannung im Gefühl drücke ich den Play-Button. Ich beginne trotzdem sofort in den leichten Drums und den im Hintergrund ein anschwellendes Riff spielenden Gitarren zu versinken. „Gaia“ ist also schon einmal ein gelungener Auftakt und leitet durch ein gesampeltes Filmzitat gekonnt zum nächsten Song über.

Dieser trägt den Titel „Zwiespalt“ und kommt als fließende Fortsetzung des Vorgängers daher. Na dann rein in dieses Instrumental-Werk! Als mir jedoch plötzlich deutschsprachige Screams und Cleans um die Ohren gehauen werden, kehrt ein freudiges Lächeln in mein Gesicht zurück. Der fast schon zwanghafte Drang, noch einmal zurück zu spulen, stellt sich ein. Ein Song, welcher irgendwie wie verdammt guter Metalcore klingt. Mehr davon!

„Act Like Thepsis“ beginnt ohne Umschweife mit einem fast schon unheimlich zum grooven bringenden Riff. Der später einsetzende Bass verleiht dem Track anschließend die nötige Tiefe. Abgerundet wird das Ganze durch die enorme Vielseitigkeit in Form von unterschiedlichen Tempi und mehreren Taktwechseln.

Schreit der nochmal?

Es folgt ein Song für die Kategorie „Titel, die nie jemand wird nennen können“, was nicht zuletzt an einem der längsten Songtitel liegt, die ich je gehört habe. „T.D.T.S.T.I.B.O.R.T.U.I. (their desire to shroud themselves in beauty only reveals their ugliness insid)“ ist zugleich der zweite Ausflug der Solinger in die Vokalmusik. Der Track bildet für mich DAS Highlight des Albums, da anscheinend auch englische Sprache inklusive Screams und klarem Gesang in Verbindung mit Blastbeats und Jazz-Einflüssen für die vier Jungs kein Problem darstellen.

Mit „Interlude“ und „Oneironaut’s Log“ wird das Konzept des Albums nun durch stärkere Jazz-Elemente, wie beispielsweise dem Slap-Bass, erweitert und ein ruhigeres, jedoch trotzdem kraftvolles Klangbild kreiert.

„Willenlos“ bildet anschließend einen gekonnten Mix aus den bisherigen Elementen und endet mit einem meiner heißgeliebten Slap-Bass-Solos. Die beiden abschließenden Tracks „Mirrors“ und „Apprehension“ formen zum Ende einen gekonnten, jedoch keinen überragenden Schluss, da beide Tracks besondere Alleinstellungsmerkmale vermissen lassen.

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So, mal wieder Review-Zeit im Hause Promillo! Schon seit Tagen bekomme ich auf Facebook Werbung des neuen FREEDOM HAWK-Albums. Also mal die Promoliste durchforstet und siehe da, wir haben die Platte tatsächlich zugesandt bekommen. Also den guten alten Windows Media Player startklar gemacht und das Album durchgehört. Klingt sogar richtig gut! Problem: „Sunlight“ von FREEDOM HAWK stammt ursprünglich aus dem Jahr 2009 und wurde nun nochmal neu aufgelegt!

„Junge Junge Junge Junge Junge…“ Ronny Schäfer

Und jetzt? Wie weiter? Nachdem ich das Review im Kopf schon geschrieben habe, wird die Festplatte zurückgesetzt. Jetzt brauch ich was leicht Verdauliches! Da trifft es sich, dass ja so manches ehemalige KYUSS-Mitglied in schöner Regelmäßigkeit neue Alben rausbringt. Nein, ich schreibe jetzt nicht über die aktuelle BRANT BJORK-Platte, die jetzt auch schon wieder fast in halbes Jahr auf dem Markt ist. Nein, es geht um die Stimme! JOHN GARCIA hat mit „The Coyote Who Spoke In Tongues“ sein zweites Album aus der Wüste exportiert.

Und wo wir gerade beim Thema Re-Release waren… Stolze 9 Songs finden sich auf der neuen Platte wieder. Allerdings nur 5 komplett neu geschriebene Titel! Die übrigen 4 Titel sind Akustikversionen von den KYUSS-Hits „Green Machine“, „Gardenia“, „El Rodeo“ und „Space Cadet“.

Ein großes deutsches Musikmagazin schrieb, dass GARCIA mit den neu interpretierten KYUSS-Klassikern Gefahr läuft, das Vermächtnis seiner Kult-Band zu entzaubern. Verstehe ich überhaupt nicht. Im Gegenteil! Der alte Wüstenfuchs beweist mit „The Coyote Who Spoke In Tongues“ mehr denn je, dass seine ehemalige Ausnahmeband immer noch fester Bestandteil in seinem musikalischem Schaffen ist. Genauso gut könnte man den Spieß umdrehen und die 5 neu komponierten Songs in ein fuzziges, basslastiges E-Gitarren-Gewand kleiden. Der Großteil der Stoner Rock-Szene würde wahrscheinlich vermuten, dass sich die Konfliktparteien JOSH HOMME vs. JOHN GARCIA nun endlich mal gemeinsam an den Tresen gesetzt und in dichtem Kneipendunst das Kriegsbeil begraben haben. Darauf werde ich vermutlich noch ewig warten müssen.

Mit „Kylie“ wird „The Coyote Who Spoke In Tongues“ gleich mal genauso trocken gestartet, wie JOHNs Heimat, das kalifornische Palm Desert, ist. Wie immer ist seine Stimme unverkennbar und ich weiß sofort, woran ich bin. Das Highlight des Songs ist ohne Frage der Refrain, der von einem unglaublich griffigen Gitarrenriff lebt. Irgendwie erinnert mich diese Passage an TENACIOUS D. Liegt wohl am Gesang und dem akustischen Geklampfe.

„Green Machine“- der absolute Überhit! Nachdem ich mir die neue Version zum ersten Mal gegeben habe, krieg ich gleich wieder richtig Bock auf diesen Song. Nach 5 Livevideos jetzt wieder zurück zum aktuellen Geschehen. Mit sehr viel Gefühl wird die „grüne Maschine“ vorgetragen, ohne aber in nur einer einzigen Sekunde den ursprünglichen Spirit zu verlieren. Selbiges gilt auch ohne Abstriche für „Space Cadet“, „Gardenia“ und „El Rodeo“.

„Give Me 250ML“ hat da schon deutlich weniger Hitpotential. Dennoch überzeugt er mich durch seine Tieftönig- und Tiefgründigkeit. „The Hollingsworth Session“  hätte sich, vertont mit elektrischen Instrumenten, ohne überstehende Kanten in egal welches Album der KYUSS-Diskografie eingefügt. Und genau das ist es, wovon dieses Album lebt: der Geist!
Wenn mich jemand fragt:

Ey Promillo, wie klingt eigentlich die Wüste?

Wie Wüste klingt, willst du wissen? Dann hör die mal „Argleben II“ an. Hier hörst du alles, was dir die Wüste bietet. Einerseits Tristesse, auf der anderen Seite aber auch die pure Lebhaftigkeit. JOHN GARCIA ist einfach ein Meister darin, jedes einzelne Sandkorn der Wüste Kaliforniens aufzugreifen und zu vertonen. „Court Order„ bringt das Album dann auch leider schon wieder instrumental-akustisch zum Ende.

Kleiner Tipp zum Ende:

Du hörst unglaublich gern Stoner Rock und willst deine/n Partner/in auch mit diesem Virus infizieren, obwohl sie/er eher auf die sanfteren Klänge steht? Dann ist „The Coyoto Who Spoke In Tongues“ genau das richtige für euch. Ihr werdet zu 100% auf eure Kosten kommen. Beide!

JOHN GARCIA auf FACEBOOK

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Und Gott sprach: es werde nicht.

Da ich seit circa 11 Jahren Metal im Allgemeinen höre, und seit ungefähr 7 Jahren den Black Metal für mich im Speziellen entdeckt habe, durchforste ich dieses Genre mittlerweile mehr als alles andere. Dabei ist es mir im Grunde egal, ob es sich um bunten, abgedrehten, tristen, oder auch unglaublich verstörenden Black Metal handelt, solange er nicht zu plastisch, klinisch oder braun klingt. Diese Spielart des Metals muss aber vor allem authentisch sein. Sicherlich wird der ein oder andere Einwände haben, klar sind auch die anderen Schubladen auf ihre Art und Weise glaubwürdig, jedoch wird in kaum einer anderen Richtung so sehr darauf geachtet, ob eine Band natürlich, oder auch meinetwegen „true“ ist.

Wenn ich also einer neuen Band aus dem Gebiet des Schwarzmetalls eine Chance gebe, sind die Erwartungen (unbewusst) höher. Als erstes muss ich sagen, ist es immer eine spannende Möglichkeit Musik neu zu erleben, wenn auf Stimmen verzichtet wird. Gitarrenmelodien werden bewusster wahrgenommen und übernehmen gewissermaßen den Gesang, der Bass bekommt mehr Freiraum, das Schlagzeug entfaltet seine ganze Kraft. Es gibt sogar Interpreten, die genau durch solche Abwesenheit etwas „Unfertiges“, aber gleichzeitig etwas Perfektes erschaffen haben.

Eine Botschaft steckt nicht nur im Wort. Selbst Töne transportieren eine Message und lösen Gefühle aus, die ungeahnte Sichtweisen auf das Erlebte geben.

So schafft es auch die 2016 gegründete Ein-Mann-Band NEGATIVE SYMBOLS mit ihrem ersten Lebenszeichen „Without Voices“ eine nachdenkliche Stimmungslage in mir auszulösen. Jedoch keine positive. Das Schlagzeug tackert künstlich wie eine Nähmaschine, alleine der Sound der Bassdrum ist anstrengend anzuhören und zerrt gehörig am Nervenkostüm. Es würde mich nicht wundern, wenn das Ganze auf einem PC oder mit einem E-Schlagzeug eingespielt wurde. Ich kann nämlich beim besten Willen weder Leidenschaft, noch menschliches Handwerk heraushören. Zum Glück entwickeln die Saiteninstrumente einen eigenen Charakter, der in professionellem Stereoklang daherkommt. Episch sollen sie klingen, verzweifelt und voller Melancholie. Das gelingt zum Teil problemlos, aber Black Metal kann man das nicht mehr nennen, wie man schon im 2. Song „II“ (sehr kreative Songtitel übrigens …) hören kann.

Zwischendurch gibt es immer wieder ruhige Momente, die eine fragile Ausstrahlung verbreiten sollen, jedoch nur den Eindruck erwecken, dass Füllmaterial gebraucht wurde. Sehr schön im seligen „IV“ zu hören, welches langweilig vor sich hinplätschert. Allerdings schafft der ehemalige Live-Bassist von DER WEG EINER FREIHEIT es, in einigen Stücken wie „V“ aus dem altbewährten „Laut/Leise“-Konzept auszubrechen und serviert tatsächlich stimmige Melodien, die ein wenig an CULT OF LUNA oder ALCEST erinnern. Das funktioniert ebenso in „VII“, wo endlich der gewünschte Kopfkinoeffekt eines brechenden Damms seinen Weg in meine grauen Zellen findet.

Ein Songaufbau, sie alle zu knechten

Schade, dass solche Momente nicht lange von Belang sind und ausgefadet werden. Stattdessen stelle ich erschreckenderweise fest, wie nahezu jeder Song austauschbar mit einem Blastbeat beginnt, sich dann in ruhige Gefilde zurückzieht, um sogleich mit vermeintlicher Breitwandepik den Track ausklingen zu lassen. Dementsprechend öde gestaltet sich auch der Waschzettel zu „Without Voices“. Von vertrackten Riffkombinationen ist hier die Rede. Von gelassener Schönheit und Wohlklang, die im Black Metal kaum zu finden sind. Ich werde den Eindruck nicht los, dass ich eine falsche Platte zur Kritik bekommen habe. Außer dem Drumcomputer ist nichts vertrackt und wer das Schöne, aber zugleich Raue, im Black Metal nicht findet, hat maximal an der Oberfläche des Black Metals gekratzt und verdient definitiv Nachhilfe in diesem einzigartigen Genre.

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So, da ja keine Band meinem Aufruf nachkam, mir Promomaterial zuzuschicken, musste ich also in den nächstgelegenen Plattenladen fahren, um sämtliche Neuerscheinungen durchzuwühlen.

„Hmm… kaum was Brauchbares dabei bzw. unbezahlbar!“

Und dann hatte ich doch noch das große Glück, die neueste Scheibe der Dänen von CAUSA SUI zu finden. Wie gewohnt, verpacken die Nordlichter ihr schwarzes Rund in eine Hülle aus recycelter Pappe. Zumindest lässt die Farbe sehr darauf schließen.

Manchmal überkommt es mich und ich kann mir einfach keine Musik mit Gesang reinziehen. Alles nervt nur noch und ich brauche einfach mal mindestens eine Albenlänge Abstand. Genau aus diesem Grund fiel auch an besagtem Tag meine Wahl auf das neueste Werk von CAUSA SUI. Das gute Stück hört auf den Namen „Return To Sky“ und lässt mich wahrhaftig in den Himmel zurückkehren und all den Alltagsstress für 45 Minuten vergessen.
„Return To Sky“ ist das mittlerweile 10. Studioalbum (und 3. Album komplett ohne Gesang) der 4 Jungs aus Odense, die sich mit Herz und Nieren dem Psychedelic Rock hingegeben haben. Auch ihr neues Werk beinhaltet wieder die besten Eigenschaften aus 40 Jahren Rock-Geschichte. Ob nun dezenter Orgeleinsatz, fuzzige Gitarrenparts, ruhige Gitarrensoli oder abgespacete Synthesizer-Elemente – diese Platte kann einfach mit allem dienen.
Mit dem 10-minütigen „Dust Meridian“ startet die Platte schon ganz schön druckvoll mit einem herrlichen Zusammenspiel aus Drums und Bass, ehe später Hammond-Orgel und Gitarre einsetzen. Schon beim Opener werden unglaublich hohe Mauern errichtet. Da kann sich ein gewisser Herr Trump mal ´ne Scheibe von abschneiden und bewundern, wie man Wände aufbauen kann!
Weiter geht’s mit dem unglaublich groovigen „The Source“. Dieser Track hat sich besonders bei mir eingebrannt, da es die Band hier richtig gut verstanden hat, eine gute Mischung aus kurzen ruhigen Parts und Passagen, die einem die Ohrbehaarung nur so wegwehen, zu finden.
„Mondo Buzzo“? Klingt doch voll nach ´nem KYUSS-Titel! Der Song hat anfangs ziemlich wenig mit den Wüstenrockern zu tun, doch nach ca. 3 Minuten hält auch die Wüste in dem Song und in meinem Wohnzimmer Einzug. Die ersten 3 Minuten leide ich richtig mit dem Bassisten mit, da er sich kaum austoben kann und man ihm anmerkt, dass sein Bassspiel mit zunehmender Dauer nervöser wird. Und dann… bricht der Vulkan aus!
Abgeschlossen wird „Return To Sky“ vom gleichnamigen Song. Ich genieße nochmal die letzten 11 Minuten in einer anderen Welt und könnte jetzt schon wieder kotzen, wenn ich an das Rumgegrunze der nächsten Dorffest-Grindcore-Band denke.

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Der Beitrag Augen zu und durchstarten! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.