Von der Therapie zum Ritual

Multiinstrumentalistin Valira erlebte im Jahr 2014 eine Offenbarung, welche sie auf den Weg zu sich selbst geleiten sollte. Gefangen zwischen den Welten begab sich die Künstlerin also auf die Reise zu ihrer wahren Identität. In Form von Ritualen und Enthüllungen kam Valira peu à peu voran, und auch eine Therapie sollte die Lücke zwischen irdischem und dämonischem Sein schließen. Einer der wohl wichtigsten Schritte auf diesem langen Pfad lag im Jahr 2023, als Valira die Band VESSELES ins Leben rief. Noch im Folgejahr erschien die erste EP „I Am A Demon“ deren Nachfolgewerk das erste richtige Album „Home“ ist. Valira bechreibt auf einer knappen Dreiviertelstunde ihren Werdegang und ihre Reise zwischen Menschen- und Dämonenwelt.

Der Kreis schließt sich

Dieses Kapitel der Selbstfindungsphase ist eine komplexe und mitunter schmerzhafte Episode. VESSELES beschreiben ein Erwachen, Zu-Sich-Selbst-Kommen, oder Zurückkehren. Nur ist der Ort, an dem sich Protagonistin Valira auf „Home“ wieder findet, fremd und unbekannt. Wie die Rückkehr an einen Heimatort, den man selber nie wirklich bewusst wahrgenommen oder gekannt hat, fühlt sich die Geschichte auf „Home“ an. Doch VESSELES belassen es nicht bei diesem einen Motiv. Stattdessen wird die Geschichte weiter erzählt. Nun befindet sich Valira im inneren Konflikt zwischen Zugehörigkeit und Fremde. Erst der Titeltrack bringt die inhaltliche Wende und deutet auf die zerstörerische und simultan triumphale zweite Hälfte des Albums hin. Mit dem Abschlusstrack „This Is Not Home“ wird der narrative Zirkel kunstvoll zu Ende gezogen und die phänomenale Wiedergeburt beschrieben.

Anmutig und Mythisch

Der musikalische Spannungsbogen auf „Home“ ist gekonnt aufgebaut, und er orientiert sich parallel zum narrativen Inhalt des Albums. VESSELES vertonen Ungewissheit, Bestimmung, Angst, Entschlossenheit, Schmerz, und Triumph. Genretechnisch kann man „Home“ ohne große Zweifel im Bereich Symphonic Black Metal einordnen, und tatsächlich sind die musikalischen Überschneidungen mit Szenegiganten aus dem Vereinigten Königreich oder Norwegen nicht von der Hand zu weisen. Nichtsdestotrotz lässt die Band um Valira Fontänen aus Höllenfeuer tanzen und reißt die Grenze zur Welt der Dämonen ein. Im abschließenden Track „This Is Not Home“ werden dann nicht nur sämtliche Register gezogen. Hier präsentieren sich VESSELES eigenständiger, progressiver und vielfältiger als auf dem Rest des ohnehin schon starken Albums. Es bleibt also zu hoffen, dass die Geschichte noch nicht zu Ende erzählt ist, und dass uns Valira und VESSELES bald mit dem nächsten Ritual versorgen.

linktr.ee von VESSELES

Das Pressematerial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C Squared Music zur Verfügung gestellt.

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An den sonnigen Küsten Kaliforniens, im Schatten der Metropole San Francisco wurde die Band DELIRIA im Jahr 2017 von David Scanlon (DAWN OF OUROBOROS) gegründet. Der Klang, der so gar nicht an die sonnendurchflutete Landschaft des US-amerikanischen Westens erinnert begeisterte Sänger Adam Rupp (KILL THE MESSENGER) einzusteigen. Noch im Gründungsjahr wurde zusammen mit Schlagzeuger Jared Klein (RIVERS OF NIHIL) das Debutalbum „Nausea“ aufgenommen und veröffentlicht. Im darauffolgenden Jahr wuchs die Band weiter, sodass sich DELIRIA immer weiter von vorgefertigten Arrangements verabschieden konnten. Als neue Mitglieder stießen Gitarrist Brent Rockwell (THE UNDYING) und Bassist Jade Forsythe (ARCANE EXISTENCE9 sowie Schlagzeuger Andrew Baird (FALLUJAH) hinzu. Letzterer war noch an den Aufnahmen zum Album „Phantasm“ beteiligt, ist inzwischen jedoch nicht mehr Teil der Band. Durch den jüngsten Wechsel im Line-Up sitzt nun Brandon Clevenstine (SYMBOLIK) am Schlagzeug.

Konflikte im Inneren

In acht Liedern widmen sich DELIRIA erbitterten Kämpfen. Doch finden diese Schlachten nicht auf blutigen Feldern, in feindseligen Eiswüsten, infernalen Feuern oder massiven Festungen statt. Stattdessen geht es auf „Phantasm“ um Kämpfe, die in den Sphären von Seele, Unterbewusstsein und emotionaler Realität ausgefochten werden. Verführerische Trugbilder und besitzergreifende Dämonen lullen den Protagonisten ein und versuchen, ihn in tiefe Abgründe zu reißen. Zwischen depressiven Schüben, spirituellen Erleuchtungen, gefährlichen Sinnestäuschungen und selbstmächtigen Phasen ringt die geschundene Seele mit den Dämonen und mit sich selbst. Stets nah am Abgrund der Vergessenheit zieht sich der ewige Kampf um den Aufstieg aus der Dunkelheit.

Atmosphärische Parabel

Der erste Track „Smoke & Mirrors“ beginnt unerwartet melodisch und mag in den ersten neunzig Sekunden eher an Metalcore oder Post Hardcore erinnern. Dann aber eröffnet sich mit dem Einsatz des Gesangs ein tiefer Strudel in die Untiefen des Post Black Metal. Mit rasender Geschwindigkeit werden die Hörenden in eisig kalte Gefilde torpediert, denen man auch Bezeichnungen wie Atmospheric Black Metal, Depressive (Suicidal) Black Metal, und sogar Doom Metal andichten kann. Melodische Stellen wie die frostige Leadgitarre in „Gemini“ gehören fortan zu einer seltenen Art, bis erst im abschließenden Longtrack „Oblivion“ wieder farbenfrohere Klänge Einzug erhalten.

DELIRIA präsentieren solide und souverän ein Album, das weder thematisch noch musikalisch mit großen Überraschungen aufwartet. Von der Aufmachung bis zur Performance ist „Phantasm“ frei von Mäkeln. Gleichzeitig fehlt es weitestgehend an Aha-Momenten, die für ein nachhaltiges Wiedererkennungspotenzial sorgen. Da DELIRIA aber dermaßen souverän performen, stört das beim Hörvergnügen keineswegs.

Homepage von DELIRIA

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C-Squared Music zur Verfügung gestellt.

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ELDER DEVIL sind ein Quartett aus der kalifornischen Stadt Fresno am Rande der Sierra Nevada. Die Band wurde im Jahr 2016 gegründet, um Grindcore und Sludge durch das Tal stürmen zu lassen. Seitdem sind vier EPs und das Album „The Light Dimmed Eternal“ erschienen, und nun haben die vier Krachkünstler von der Westküste zum zweiten Langspielschlag ausgeholt. Dreizehn Songs platzieren sich in kaum mehr als einer halben Stunde auf CD oder LP und verbreiten finstere Klänge, die aus Beklommenheit entstanden.

What is Love?

Die Frage nach dem Grund für die Liebe haben schon TINA TURNER, HADDAWAY oder auch ASHANTI auf sehr unterschiedliche Weisen gestellt, und auch die BLACK EYED PEAS haben einst zusammen mit JUSTIN TIMBERLAKE nach ihr gesucht. Auch Stephen Muir, seines Zeichens Sänger von ELDER DEVIL hat sich gefragt, woher Zuneigung und Affektion kommen und warum Liebe immer mit Vergänglichkeit verbunden ist. Die Texte für das Album „Everything Worth Loving“ sind stark vom Tode der Mutter des Vokalisten beeinflusst und haben somit eine persönliche Note erhalten. Doch es geht nicht nur um die Endlichkeit des Lebens, sondern um menschliches Miteinander trotz der Gewissheit, dass alles ein Ende haben wird.

Farbenfrohe Momente inmitten der ewigen Finsternis

In dieser Welt, in der alles Leben und alles Handeln im Schatten der Endlichkeit existiert, spielt sich die philosophische Gedankenwelt von „Everything Worth Loving“ ab. Für die musikalische Umsetzung greifen ELDER DEVIL hierbei auf ihre Steckenpferde zurück. Rasanter Crustcore, der immer wieder in Richtung Grindcore ausbüxt und von Black Metal Elementen durchzogen ist, beschreibt einen wichtigen Teil der Klangwelt. Zusätzlich werden schwere Geschütze aus Sludge aufgefahren, welche neben den wilden Hardcorethemen einherstampfen. Wahrlich ist das nichts Neues, und „Everything Worth Loving“ sticht nicht unbedingt durch musikalische Einzigartigkeit hervor. Nichtsdestotrotz unterhalten ELDER DEVIL eine halbe Stunde lang, indem sie den Sound zum Abreagieren über die Ungerechtigkeit des Lebens spielen.

Schreie wider die Hilflosigkeit

Auf ihrem Mix aus Sludge mit Blackened Hard- und Crustcore befreien sich ELDER DEVIL also vom Unmut über die Vergänglichkeit. Dabei kommen Fragen auf, ob das Lieben überhaupt wert sei, wenn doch letzten Endes alles vergeht. Doch mag es genau dies sein, was Leben und Lieben überhaupt seinen Wert gibt. Die Beantwortung solcher Gedanken wird wahrscheinlich nicht auf einem halbstündigen Album stattfinden; und schon gar nicht im Rahmen einer kurzen Rezension. Was ELDER DEVIL stattdessen anbieten ist der Soundtrack, um negative Emotionen abzuschütteln. Besonders in den sehr Crust-lastigen Titeln „Awash In Light“ oder dem Titeltrack gelingt dies äußerst gut. Im weiteren Verlauf des Albums gibt es keine wirklichen Aussetzer, allerdings auch keine richtigen Highlights.

ELDER DEVIL sind:

Stephen Muir – Gesang
Jacob Lee – Gitarre
Peter Ruacho – Schlagzeug und Noises
Ryan Urquidez – Bass

bandcamp Profil von ELDER DEVIL
Facebook Profil von ELDER DEVIL
Instagram Profil von ELDER DEVIL
YouTube Kanal von ELDER DEVIL

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Corinne Westbrook / C-Squared Music zur Verfügung gestellt.

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Nicholas Turner und Jared Moran aus Südkalifornien sind alte Bekannte, die schon in vielen Formationen zusammen musiziert haben. In und um die Metropole Los Angeles herum ist das Duo ein fester Bestandteil der örtlichen Death und Doom Metal Szene, und wer schon mal von FERAL LORD, ACAUSAL INTRUSION oder PSIONIC MADNESS gehört hat, ist den beiden schon mal begegnet. Ende 2021 haben diese beiden Künstler ihr erstes Album unter dem Namen SLOG aufgenommen. Das knapp dreiviertelstündige Debut „Graves“ erschien bei Transylvanian Recordings und Morbid and Miserable Records auf CD und Kassette. Dreizehn Monate später dürfen Liebhaber*innen von tiefdüsteren sowie brachialen Klängen sich über das Nachfolgewerk „Divination“ freuen, welches wieder bei Morbid and Miserable Records vertrieben wird.

Hymnen von Schmerz und Weisheit

Pechschwarze Esoterik prägt den Klang der acht Stücke auf „Divination“. Nur selten entfernen sich SLOG dabei vom schwermütig behäbigen Funeral Doom Tempo. Midtempo-Ausreißer wie das leicht schwarzmetallen angehauchte Thema in „Labyrinth Amulet“ stellen eine absolute Ausnahme dar. Schwer wie Grabplatten walzt sich der Sound durch eine alptraumhaft-psychedelische Séance. Angeleitet wird die finstere Meditation von Morans gutturalen Growls, die einen Hauch von Tod und Verderben versprühen, während brachiale Riffs und minimalistische Melodien zwischen Horror und Hypnose umeinander tanzen.

Zwischen Urgewalt und Monotonie

SLOGs „Divination“ vereint Funeral Doom und Death Doom mit der betörenden Energie einer Ayahuasca Session. Wer sich auf der Suche nach einer tiefen meditativen Sitzung nicht vor musikalischen Extremen oder todessehnsüchtiger Romantik scheut, ist hier bestens aufgehoben. Ohne diese Neigungen oder Kontexte wiederum vermag „Divination“ schnell eintönig erscheinen. Für den gezielten Hörgenuss in der richtigen Stimmung sei es empfohlen, „Divination“ am Stück, in einer abgedunkelten Umgebung und bestenfalls ohne jegliche störenden Einflüsse von außen zu konsumieren.

SLOG auf bandcamp

Das Cover Artwork von Jared Moran wurde und freundlicherweise von Cave Dweller Productions zur Verfügung gestellt.

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Und erste Male bergen doch eine ganz besondere Vorfreude, gell?

Wie auch die „Akroasis-Tour“ (hier unser Bericht aus Dresden 2016) ist die aktuelle Tour mit spannenden Supportbands ausgestattet und mit unter 30€ pro Ticket nach meinem Empfinden äußerst erschwinglich! Meine Fresse – eine deutsche Band, drei Bands aus Übersee, eine davon aus Kanada. Hört sich schon mal gut an, nicht wahr?!

Das Album selbst, „Diluvium“, ging irgendwie recht großzügig an mir vorbei. Überraschend. Denn nachdem mich „Akroasis“ so richtig mitgenommen hat, habe ich nicht wirklich intensiv beim 2018er Album hingehört. Aber ich werde im Vorlauf des Konzerts aber meine Hausaufgaben machen und das nachholen.

Erfahrungsgemäß werden die Jungs live bei mir ganz sicher für feuchte Augen sorgen können. Ihre Präzision und Ausstrahlung ist hinreißend. Kein reines Griffbrettgewichse sondern auch Show liefern sie ab. Für mich ganz klar eine Band, die es sich lohnt, sowohl live als auch von Platte zu genießen. Schließlich haben sie sich in den inzwischen 17 Jahren Bandbestehen nicht umsonst einen Namen in der Szene gemacht

Eine Vorfreude, die ich bei den Supportbands so 100%ig sicher noch nicht teilen kann – da ich diese schlicht noch nie habe spielen sehen. Nein, auch FALLUJAH nicht, die diese Tour sicher gut als Promotion für ihr am 15. März erscheinendes neues Album nutzen können.

FALLUJAH ist so eine Band, die mir seit Jahren ans Herz gelegt wird. Und ich habe es auch immer wieder mit ihnen versucht. Habe mich sowohl durch „The Flesh Prevails“ als auch „Dreamless“ der Kalifornier gehört. Versucht, einen Ansatzpunkt zu finden, mich tiefergehend damit zu befassen. Bisher hat es noch nicht gefunkt. Nun, im März folgt „Undying Light“, neuerdings mit Antonio Palermo am Mikro. Und auch damit werde ich es wieder versuchen. Genau wegen dieser Startschwierigkeiten freue ich mich erst recht, die Tech Deather endlich live abfassen zu können.

Vielleicht eröffnet mir das Liveerlebnis ja einen neuen Blick auf deren Musik.

Mit in den Reigen gesellen sich ALLEGAEON (die sich auch schon in unser „Cover des Monats“ geschlichen haben), welche mir auf den ersten Hörer direkt besser schmecken als FALLUJAH. Frickelig und melodiös und blastig – drückt schön die Falten ausm Gesicht. Und das ganz ohne Rumgedjente. Aber auch mit weniger Atempausen. Das soll also „Technical Melodic Death Metal“ sein? Aha. Gut. Dann nehme ich diese Klassifizierung einfach mal an und sage, dass ich solche Spielereien mag. Der Auftritt des Fünfers aus Colorado wird sicher äußerst „intense“, wie der Ami vermutlich schnöselig formulieren würde.

Als ich den Namen der dritten Supportband, FIRST FRAGMENT, lese, klingelt es irgendwo bei mir im Hinterstübchen. Auch die sind mit im „Diluvium“-Gepäck. Woher kenne ich die Kapelle? Der Name kommt mir so bekannt vor! Aber das kann eigentlich gar nicht sein. Denn sie betouren das erste Mal Europa. Eine Tech Death-Band aus Kanada, die seit Gründung 2007 zwar schon einige Jahre auf dem Buckel, aber erst ein einziges Full Length Album veröffentlicht hat.

FIRST FRAGMENT überrollen mich hier zunächst mit der harten Brutalität in den Vocals. Ihrer Rotzigkeit und Rohheit. Darunter bewegt sich alles hochverschlungen in einem wahnwitzigen Tempo. Etwas wird dieser Fön dank weicher Unterfütterung durch Fretless-Bass-Sounds wieder etwas abgemildert. Groovige Einschübe gibt es auch? Okay. Macht mal! Bei den Jungs bin ich wirklich gespannt, wie meine Reaktion sein wird. Feuchte Augen dank technischer Finesse oder Flucht nach Vorn aufgrund unhörbarer Frickelei oder wahlweise Vocals?

Egal, wie ich persönlich dann die Bands einschätzen werde – es wird sicherlich ein tolles Zusammentreffen fähiger Musiker sein. Sowohl auf als auch vor der Bühne. Ich bin gespannt, wie viele mitten in der Woche ins Conne Island pilgern. Ich hoffe, so manche! Schließlich gibt es eine solch frickellastige und transkontinentale Bandzusammenstellung nicht aller Tage.

Hier geht es zu den Webseiten der Bands: OBSCURA, FALLUJAH, ALLEGAEON und FIRST FRAGMENT

Die kommenden Tourdates:

02/17 – Aarau, CH @ KiFF 
02/18 – Vienna, AT @ Arena 
02/19 – Leipzig, DE @ Conne Island 
02/20 – Berlin, DE @ Lido
02/21 – Hamburg, DE @ Logo
02/22 – Oberhausen, DE @ Kulttempel
02/23 – Salzburg, AT @ Rockhouse

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Yeah, Pagan Metal! Endlich wieder heroische Musik, mit der ich mich beim Autofahren fühle, als würde ich in einem Monster Truck sitzen und nicht im Micra meiner Eltern! Aber schaffen es HELSOTT, sich als eigene Marke zu präsentieren und nicht als Abklatsch von den Bands, die es in dem Genre ganz nach oben geschafft haben, so wie AMON AMARTH?

Denn HELSOTT sind auch keine Finnen, Norweger oder Schweden, wie man es von Viking-Metal-Bands erwartet – sie kommen aus dem schönen Kalifornien. Anscheinend kann man auch am Strand über Walküren und den nordischen Winter sinnieren! So ganz ohne Helfer geht das aber doch nicht: Masha Scream und Lazar von ARKONA unterstützen die Band, TROLLFEST hat Dr. Leif Kjonnsfleis und Trollmannen geschickt, von ELVENKING sind Damna und Lethien dabei, Dom Crey von EQUILIBRIUM, außerdem noch Kevin Storm und Bjorn Friedrichsen. Puh. So viele Namen.

Aber jetzt mal weg von den Namen und endlich zu dem, worauf es ankommt. Zur Musik also. Schon der Titeltrack „Slaves and Gods“ startet schön rumpelig, sodass sich jeder Fan von Wikingergeschrei gut aufgehoben fühlt. Eigentlich müsste ich ja jeden Song einzeln beschreiben, weil sie so unterschiedlich sind. Ich würde das Album als eine Art Compilation beschreiben: Gute Musik, zusammengebastelt aus den typischen Elementen, die durch den Viking-, Pagan- und Folk Metal geistern. Da sind traditionelle Instrumente aus der Folkmusik dabei und es erinnert auch ein wenig an den Humppa Metal von Korpiklaani. Dann ist wieder ein kleines Orchester am Start. In „Return Hyperborea“ ist sogar eine Frauenstimme mit dabei. Die Ideen sind gut, und dadurch wird „Slaves And Gods“ sehr abwechslungsreich. Jedoch wirkt das Album etwas überladen, als hätten sich HELSOTT schlichtweg nicht gegen einzelne Elemente entscheiden wollen. Ist das vielleicht die amerikanische Art?

Im Großen und Ganzen macht das Album trotzdem Spaß. Gerade, dass die Sänger immer wieder wechseln, hat einfach was! Wenn ihr damit klar kommt, dass ihr innerhalb von drei Songs von Trashgerumpel über eine Ballade zum weiblichen Cleangesang wechselt, könnt ihr euch HELSOTT auf jeden Fall anhören. Ein Abklatsch ist „Slaves And Gods“ definitiv nicht, vielleicht eher eine Hommage?

Ach ja, apropos Hommage – ein TOM-PETTY-Cover ist auch auf dem Album drauf. Die Metalversion von „Runnin‘ down a dream“ kann sich auch echt hören lassen.

HELSOTT im Netz

HELSOTT auf Facebook

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Tja, was soll ich zu dieser Kapelle noch großartig sagen. FU MANCHU ist eine der, wenn nicht sogar die konstanteste Stoner Rock-Band, die auch heute noch existiert und es schafft, seit ihrem ersten Album „No One Rides For Free“ (1994) Knalleralben am Fließband abzuliefern. Ok, in den letzten Jahren lief das Fließband schon deutlich langsamer und so haben sich die Jungs für „Clone Of The Universe“ ganze 4 Sonnenumrundungen Zeit genommen.

„Fu Manchu“ – ein uraltes Familienrezept

Das Erfolgsrezept von FU MANCHU hat sich seit mittlerweile über 20 Jahren nahezu kaum verändert. Die tragenden Säulen bleiben weiterhin eine gute Portion Punk, drückend-schleppende Gitarrenriffs und sozusagen das Maggi in der Suppe: ihre kalifornische Leichtigkeit. Diese Lässigkeit zieht sich wieder durch das komplette Album und doch passiert gegen Ende etwas total Unvorhergesehenes. „Kurz, knapp und auf den Punkt!“ war schon immer das Motto der Jungs um Sänger und Gitarrist Scott Hill. Und dann wird mit „Il Mostro Atomico“ eine über 18-minütige Klangreise auf die Wüstenjünger losgelassen. Hätte ich vorher nicht gewusst, wen sich FU MANCHU hier als Gastmusiker mit an Bord geholt haben, hätte ich es wahrscheinlich nach spätestens einer Minute erahnt. Kein Geringerer als RUSHs Alex Lifeson wurde eingeladen, um der neuen Platte eine satte Ladung Space unterzumischen. Ich werde jetzt schon ganz nervös, wenn ich daran denke, wie dieser „Trip“ auf der im März stattfindenden Tour auf mich wirkt. Solche Odysseen hätte es in meinen Augen schon viel eher mal geben dürfen.

Anspieltipps: „(I´ve Been) Hexed“ + „Il Mostro Atomico“

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Stoner Rock – wohl kein anderer Musikstil kann mit einer solchen Behäbigkeit und gleichzeitiger Explosivität und nur so vor Kraft strotzenden Riffs auftrumpfen. Ist ja alles gut und schön, aber was hat das jetzt mit SASQUATCH zu tun?

1. SASQUATCH spielen Stoner Rock
2. Exakt die Eigenschaften treffen auch 1 zu 1 auf ein Sasquatch zu (ausgenommen die Riffs)

Sasquatch? Wasn das?

Nichts anderes als ein bekanntes nordamerikanisches Fabelwesen. In unseren Breiten vielleicht besser bekannt als „Bigfoot“! Und jetzt seid mal ehrlich, hat der Stoner Rock nicht wirklich eine Menge Gemeinsamkeiten mit dem haarigen Riesen? Schon immer habe ich eine besondere Verbindung zu diesen liebenswerten Geschöpfen. Ob es die ähnliche Körperbehaarung oder doch die Liebe zur behäbigen, energiereichen Musik ist – ich weiß es nicht.
Ob die Musik SASQUATCHs auch eine längere Affäre für mich wird?

Wer braucht denn schon ein Intro?

Sind wir doch mal ehrlich. Wie viele Alben, die in den letzten 12 Monaten erschienen sind, kommen ohne ein Intro oder ewiges „atmosphärengehasche“ aus? Also ich kann die Alben an einer Hand abzählen. SASQUATCH hingegen haben von Anfang an Bock und zeigen, dass sie dem Hörer nichts vorgaukeln wollen, was sie nicht sind.
Mit „Rational Woman“ und „More Than You´ll Ever Be“ wird die Richtung vorgegeben, in die sich auf „Maneuvers“ begeben wird. Straighter Stoner Rock mit dezenten Einflüssen aus Psychedelic Rock und einer gehörigen Portion Metal.

Diese Vorgabe wird sich auch mit „Destroyer“ nicht ändern, ehe „Bringing Me Down“ meinen Kopf das erste mal zum Mitnicken bewegt. Anders als bei den 3 Songs zuvor, wird zu Beginn des Titels das erste Mal so etwas wie Atmosphäre erzeugt. Ein etwas gebremstes Tempo und leicht verspielte Gitarrenläufe stehen den 3 Jungs aus Los Angeles jedenfalls sehr gut zu Gesicht. Im letzten Drittel kommt sogar einmal annähernd ein wenig KYUSS-Feeling auf. Und dieses Gefühl hat bekanntlich noch keiner Band geschadet.

„Just Couldn´t Stand The Weather“ startet ähnlich gemächlich und überzeugt mich deutlich mehr als die flotteren Titel der Platte. Bei den schnellen Songs fehlt mir einfach das Alleinstellungsmerkmal der Band. Sowohl gesanglich, als auch musikalisch kommen die Stärken der Truppe bei den schleppenden Liedern deutlich besser zum Vorschein. Keith Gibbs kann sich an der Gitarre deutlich besser austoben und wagt auch mal kleine Experimente, die sich perfekt in den Song einfügen.

Jetzt groovts!

Bis jetzt prägte sich kein Song so wirklich in meinen Gehörgängen ein. Mit „Drown All The Evidence“ soll sich das ändern. Ein einfaches effektgeladenes Gitarrenriff und ein schickes Solo – mehr brauch es nicht, um einem Promillo ein Lächeln auf die Lippen zu zaubern. Und als ob das noch nicht reicht, beginnt „Anyway“ gleich wieder mit einem solchen Riff. Schau mal einer an, so langsam entwickelt sich die Platte doch noch zu einem echten Hinhörer!

Kaum getippt, erklingt der Schlussakt von „Maneuvers“. „Window Plane“ startet mit einer furiosen Soundwand, die mit einer Orgel partiell untermalt wird. Doch die Wand soll nicht lange halten, denn dann kommt die gefühlvolle Seite der Fellviecher durch. Wenn ich diesen Song so höre, stelle ich mir den Tagesablauf eines Bigfoots bildlich vor. Wildes Umherstapfen durch den Wald, ehe eine kurze Ruhephase angesagt ist um dann wieder der Herr des Waldes zu sein und den Erdenbewohner vor eines der größten Rätsel der Menschheit zu stellen:

Gibt es Sasquatch?

Ich werde mich auf jeden Fall auf die Suche begeben, denn live könnte er eine Menge Spaß machen und mir kam zu Ohren, dass er auf dem diesjährigen Stoned From The Underground zugegen seine soll!

SASQUATCH auf Facebook
SASQUATCHens Homepage

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So, mal wieder Review-Zeit im Hause Promillo! Schon seit Tagen bekomme ich auf Facebook Werbung des neuen FREEDOM HAWK-Albums. Also mal die Promoliste durchforstet und siehe da, wir haben die Platte tatsächlich zugesandt bekommen. Also den guten alten Windows Media Player startklar gemacht und das Album durchgehört. Klingt sogar richtig gut! Problem: „Sunlight“ von FREEDOM HAWK stammt ursprünglich aus dem Jahr 2009 und wurde nun nochmal neu aufgelegt!

„Junge Junge Junge Junge Junge…“ Ronny Schäfer

Und jetzt? Wie weiter? Nachdem ich das Review im Kopf schon geschrieben habe, wird die Festplatte zurückgesetzt. Jetzt brauch ich was leicht Verdauliches! Da trifft es sich, dass ja so manches ehemalige KYUSS-Mitglied in schöner Regelmäßigkeit neue Alben rausbringt. Nein, ich schreibe jetzt nicht über die aktuelle BRANT BJORK-Platte, die jetzt auch schon wieder fast in halbes Jahr auf dem Markt ist. Nein, es geht um die Stimme! JOHN GARCIA hat mit „The Coyote Who Spoke In Tongues“ sein zweites Album aus der Wüste exportiert.

Und wo wir gerade beim Thema Re-Release waren… Stolze 9 Songs finden sich auf der neuen Platte wieder. Allerdings nur 5 komplett neu geschriebene Titel! Die übrigen 4 Titel sind Akustikversionen von den KYUSS-Hits „Green Machine“, „Gardenia“, „El Rodeo“ und „Space Cadet“.

Ein großes deutsches Musikmagazin schrieb, dass GARCIA mit den neu interpretierten KYUSS-Klassikern Gefahr läuft, das Vermächtnis seiner Kult-Band zu entzaubern. Verstehe ich überhaupt nicht. Im Gegenteil! Der alte Wüstenfuchs beweist mit „The Coyote Who Spoke In Tongues“ mehr denn je, dass seine ehemalige Ausnahmeband immer noch fester Bestandteil in seinem musikalischem Schaffen ist. Genauso gut könnte man den Spieß umdrehen und die 5 neu komponierten Songs in ein fuzziges, basslastiges E-Gitarren-Gewand kleiden. Der Großteil der Stoner Rock-Szene würde wahrscheinlich vermuten, dass sich die Konfliktparteien JOSH HOMME vs. JOHN GARCIA nun endlich mal gemeinsam an den Tresen gesetzt und in dichtem Kneipendunst das Kriegsbeil begraben haben. Darauf werde ich vermutlich noch ewig warten müssen.

Mit „Kylie“ wird „The Coyote Who Spoke In Tongues“ gleich mal genauso trocken gestartet, wie JOHNs Heimat, das kalifornische Palm Desert, ist. Wie immer ist seine Stimme unverkennbar und ich weiß sofort, woran ich bin. Das Highlight des Songs ist ohne Frage der Refrain, der von einem unglaublich griffigen Gitarrenriff lebt. Irgendwie erinnert mich diese Passage an TENACIOUS D. Liegt wohl am Gesang und dem akustischen Geklampfe.

„Green Machine“- der absolute Überhit! Nachdem ich mir die neue Version zum ersten Mal gegeben habe, krieg ich gleich wieder richtig Bock auf diesen Song. Nach 5 Livevideos jetzt wieder zurück zum aktuellen Geschehen. Mit sehr viel Gefühl wird die „grüne Maschine“ vorgetragen, ohne aber in nur einer einzigen Sekunde den ursprünglichen Spirit zu verlieren. Selbiges gilt auch ohne Abstriche für „Space Cadet“, „Gardenia“ und „El Rodeo“.

„Give Me 250ML“ hat da schon deutlich weniger Hitpotential. Dennoch überzeugt er mich durch seine Tieftönig- und Tiefgründigkeit. „The Hollingsworth Session“  hätte sich, vertont mit elektrischen Instrumenten, ohne überstehende Kanten in egal welches Album der KYUSS-Diskografie eingefügt. Und genau das ist es, wovon dieses Album lebt: der Geist!
Wenn mich jemand fragt:

Ey Promillo, wie klingt eigentlich die Wüste?

Wie Wüste klingt, willst du wissen? Dann hör die mal „Argleben II“ an. Hier hörst du alles, was dir die Wüste bietet. Einerseits Tristesse, auf der anderen Seite aber auch die pure Lebhaftigkeit. JOHN GARCIA ist einfach ein Meister darin, jedes einzelne Sandkorn der Wüste Kaliforniens aufzugreifen und zu vertonen. „Court Order„ bringt das Album dann auch leider schon wieder instrumental-akustisch zum Ende.

Kleiner Tipp zum Ende:

Du hörst unglaublich gern Stoner Rock und willst deine/n Partner/in auch mit diesem Virus infizieren, obwohl sie/er eher auf die sanfteren Klänge steht? Dann ist „The Coyoto Who Spoke In Tongues“ genau das richtige für euch. Ihr werdet zu 100% auf eure Kosten kommen. Beide!

JOHN GARCIA auf FACEBOOK

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Eine Stoner-Band mit über 34.000 Likes auf Facebook und ich hab noch nie was davon gehört? Ja, das soll es auch durchaus geben. Wenn dann aber nicht einer meiner Freunde aus dem „blauen Leben“ die Band kennt, dann mache ich mir schon ernsthafte Gedanken. Wurden da vielleicht ein paar Fans in dem ein oder anderen südostasischen Land erworben? Oder hat die Truppe in ihrer Heimat so eine große Anhängerschaft, die sie zu begeistern weiß?

So gehe ich also völlig unvoreingenommen an ihr neues Album heran und bin mächtig gespannt, was das Trio aus Los Angeles so zu leisten im Stande ist und ob die große Anzahl der Fans aus den Netzwerken gerechtfertigt ist. Den ersten Schreck bekomme ich, als ich sehe, dass satte 14 Tracks den Weg auf das neue Werk der Kalifornier gefunden haben. Schon ungewöhnlich für mich als eingefleischten Stoner/Doom-Fan, der so manch eine Schallplatte in seiner Sammlung hat, die mit einem Lied mehr Spielzeit zusammenbekommt als KYNG mit 14 Songs.
Schon bei den ersten Takten von „Pristine Warning“ wird mir allerdings gleich klar, dass die Jungs noch nicht mal so gesteinigt sind. Vielmehr klingt das Ganze nach kräftigem US-Metal mit einer dezenten Brise Wüstensound in den Gitarrenriffs. Tja, da hat mich Metal Archives wohl ein wenig verarscht… Die Seite ist auch nicht mehr das, was sie mal war. Egal, die Gitarrenarbeit, die hier verrichtet wird, ist sehr stark und prägt sich schon nach dem ersten Durchlauf der Platte sehr gut ein. Schon weniger überzeugend finde ich da den Gesang. Sänger und Gitarrist Eddie Veliz hat eine sehr hohe Stimme und kann mich mit dieser gar nicht zufriedenstellen. Zumindest nicht in Verbindung mit der kraftvollen Musik, die er und seine Mitstreiter zocken. Teilweise muss ich sogar automatisch an BLIND GUARDIAN denken, von denen ich kein sonderlich großer Fan bin, wenn er beginnt sein Organ auf die Hörer loszulassen. Seine Stimme ist wahrlich nicht schlecht, aber dann doch eher für andere Projekte passend.

Puh, schon 10 Songs durch und noch immer keine klare Linie erkannt

Ja genau, das Album ist ziemlich vielfältig, aber ich habe das Gefühl, dass die Band einfach noch sehr viel probiert und ihren persönlichen Stil noch sucht. Ich brauch einfach die klare Linie in einem Album, die mir vorgibt, wo mich die Reise hinführen wird. Da passt es einfach nicht, dass man zum Teil einen Song mit typischem 70er-Jahre-Sound startet („Closer To The End“) und ein paar Titel später von einer hämmernden Doublebass überrumpelt wird („The Battle Of Saint – Lines“). Wenn man sich den einzelnen Track anhört, ist es vielleicht einfacher ihn zu verstehen, als wenn man ihn zusammen mit den anderen Songs der Veröffentlichung hört.

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