Die Göteborger mal wieder! Man kommt im (Death-)Metal einfach nicht um sie herum. Und das aus gutem Grund, wie uns NIGHT CROWNED heute mit ihrer neuen EP „Rebirth of the Old“ unter Beweis stellen. Euch erwarten 20 Minuten feinster melodischer Black-Death mit Symphonic-Elementen. Spoiler: Reinhören lohnt sich!

NIGHT CROWNED haben vor noch gar nicht allzu langer Zeit, nämlich 2018, ihre erste EP „Humanity Will Echo Out“ veröffentlicht. Seit dem haben Schweden aber auch jedes Jahr neues Material geliefert. Ihr letztes full-lenghts-Album „Hädanfärd“ erschien erst im Juli 2021, und jetzt werfen sie mit „Rebirth of the Old“ schon wieder einen Hörgenuss auf den Markt. Die neue EP besteht aus vier Tracks – zugegebenermaßen sind drei davon Englissprachige Versionen älterer Songs. Wenn man sich ihre Diskographie anschaut, fällt auf: NIGHT CROWNED singen seit jeher sowohl auf Englisch als auch auf Schwedisch.

Einen neuen Track spendieren sie uns aber doch: „Born of the Flickering“ heißt das gute Stück und leitet mit eingängigen riffs und krächzendem Gesang die Dunkelheit ein. Der E-Gitarre kommt hierbei eine tragende Rolle zu, sie führt den Hörer sicher durch die prasselnden Blast Beats der Drums. „Born of the Flickering“ zeigt sich sehr melodisch und gefällt mir wirklich gut.

Der zweite Track, die englische Version von „Rex Tenebrae“ (das schwedische Original findet sich auf „Hädanfärd“), kommt noch abwechslungsreicher daher: Das Keyboard leitet in der Mitte des Songs symphonische Töne ein, die wie aus einem Horror-Kabinett anmuten. Doch als sich bei mir gerade eine angenehme Gruselstimmung einstellt, kommt plötzlich der Bruch – pathetische Klargesang.

Oh je. Der ist ja mal so gar nicht meins. „Rex Tenebrae“ ist zwar der einzige Song auf der EP, der Klargesang beinhaltet. Aber das gereicht ihm in meinen Ohren leider nicht zum Vorteil. Der Gesang ist mir zu platt, zu glattgebügelt, und die Tonlage auch einfach zu hoch. Da gefällt mir das Krächzen und Growlen des Sängers doch wesentlich besser. Zum Glück eilen die E-Gitarren schnell zur Hilfe, und so kann ich mich nach einem kurzen Schreckmoment letztlich doch mit dem Song versöhnen.

Die letzten beiden Tracks, „Shackled“ (Schwedisch: „Fjättrad“) und „A Fate Sealed In The Grave“ (Schwedisch: „Ett Gravfäst Öde„) führen den Stil der EP unbeirrt weiter. Die Melodien der Gitarren stämmen sich mutig gegen die Blast Beats, welche sich immer wieder mit ruhigeren Passagen abwechseln, und der Gesang bleibt schön heiser und agressiv. Bei mir besonders hängengeblieben ist im Falle von „Shackled“ noch das spannungsgeladene Staccato-Motiv ab Minute 2:22.

Mein Fazit zu „Rebirth of the Old„? Das Rad wurde zwar nicht neu erfunden, aber trotzdem bieten NIGHT CROWNED einen eigenständigen Stil und eine gute Adaption ihrer eigenen Songs. Die Produktion ist sauber und harmonisch, die EP beinhaltet wenig Überraschungen, hält dafür aber ein durchgängig hohes Niveau. Fans von melodischem Black-Metal sind hier genauso willkommen wie Freunde des Göteborger Melo-Deaths. Leiht NIGHT CROWNED euer Ohr, es lohnt sich!

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„Open the Otherness“ ist der Titel des neuesten Werks der schwedischen Black Metal Kapelle VOODUS. Die Band, die ursprünglich unter dem Namen Jormundgand unterwegs war, ist zuletzt vor zwei Jahren in Erscheinung getreten. Im Jahr 2018 erschien das erste und bisher einzige Langspielalbum von VOODUS „Into the Wild„.

Die Entdeckung des Longtracks

Seitdem war die Band nicht untätig, sodass es ab 26. Juni auf LP, MC und CD ein neues Werk zu hören gibt. Bei „Open the Otherness“ handelt es sich um ein Mini Album, dessen Konzept gleichzeitig minimalistisch und ausschweifend ist. Zwei Anspieler hat die neue Veröffentlichung. Beide Stücke sind wiederum lang genug, um jeweils einen großen Raum auf einer 12“ Platte einzunehmen.

Auf einmal elf und einmal dreizehn Minuten versorgen VOODUS die Zuhörenden mit melodischem Black Metal. Es wird viel Spannung aufgebaut, Atmosphäre geschaffen und zwischendrin ordentlich auf die Instrumente eingedroschen. VOODUS klingen auf ihrem neusten Output melodischer denn je zuvor. Dennoch behalten sie ihre eisige Kälte bei.

Zwischen Permafrost und Wärme

Das Konzept auf „Open the Otherness“ läuft nach einem klaren Schema. Beißend kalte Stakkato Attacken gehen mit viel Zerre und schreienden Vocals einher. Demgegenüber stehen die ruhigen und melodischen Passagen, die durch warme Klänge und tiefen, manchmal geflüsterten Gesang geprägt sind. Die Übergänge zwischen diesen Parts sind oft durch klare Abgrenzungen definiert.

Nödtveidts Erben?

Es lässt sich nicht vermeiden, bei den zwei neuen Tracks von VOODUS an DISSECTION zu denken. Ähnlich wie einst bei den Szenegrößen des melodischen Black Metal werden die Elemente verknüpft. Der Anteil gemächlicher und ruhiger Stellen ist allerdings auf „Open the Otherness“ noch größer als auf jeglichen DISSECTION Alben. Wenn die Lead-Gitarre zum Ende der beiden Stücke zum behäbigen Solo ausholt, werden sogar noch ein paar Heavy Metal Einflüsse hörbar.

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Finnland – Land der tausend(en) ……… Metal-Bands

Dass Finnland eine der ultimativen Hochburgen für metallische Qualitätsware ist, sollte szeneintern bekannt sein.  Über Genregrenzen des Old School/Melodic Death, Folk/Pagan/Viking, Melodic Power und Black Metals hinweg setzten über Jahrzehnte hinweg unzählige Bands aus dem Land der tausend Seen internationale Standards für die härteste Tonkunst dieses Planetens. Besonders der Black Metal, welcher von diesem Erdenfleck kommt, trumpft immer wieder in einer den dortigen klimatischen Verhältnissen entsprechenden besonders rohen, aggressiven, frostigen und urwüchsigen Machart auf.  Die passionierten Blasphemiker um bspw. SARGEIST, HORNA, ARCHGOAT, IMPALED NAZARENE, BEHERIT und BEHEXEN gelten in tiefschwarzgetränkten Hörerkreisen als Inbegriff für dogmatischen Akustikterror der Extraklasse. Einfach laut aufdrehen und jeder gutbürgerliche Volksmusik-Romantiker-Nachbar rennt wimmernd und schweißgetränkt aus der mit Kuckucksuhren übersäten Wohnung und vergisst, angesichts seines Schocks, gar die Telefonnummer der Polizei oder der örtlichen Irrenanstalt, welche er eigentlich kontaktieren wollte. Doch genug der Stereotypen forcierenden und übertreibenden Anektoden.

Progressive Grüße aus Norwegen?

Black Metal mit progressiven Elementen, sphärischen, einprägsamen Melodien, beschaulichem Klargesang und/oder erhabenen tranceartigen Genussmomenten ist dagegen seltener in Finnland beheimatet. Die Platzhirsche aus diesem Segment stammen prioritär aus Norwegen und tragen weitreichend bekannte Namen wie BORKNAGAR, VINTERSORG, CRONIAN, ARCTURUS, ICS VORTEX, IHSAHN oder SOLEFALD. Als konkurrenzfähiges Gegenangebot möchte ich euch heute das neue und damit dritte Vollwerk des aus Tampere stammenden Sextetts VORNA vorstellen. Ja, richtig, mit „V“ und nicht mit „H“.  Wie schon auf den beiden Vorgängeralben wurden alle Tracks, sowie auch der Albumtitel „Sateet Palata Saavat“ in ihrer Heimatsprache verfasst. Nach einer kurzen dürftigen Recherche bedeutet der Titel anscheinend so viel wie „Der Regen kehrt zurück“. (Um kompetente Verbesserungsvorschläge wäre ich euch sehr verbunden). Während meines ersten Hördurchlaufes bin ich zwar nicht in einen Freudentränenschauer ausgebrochen, trotzdem kann ich der Platte von Beginn an eine magnifizierende Aura zuschreiben, welche sich wohldosiert über ihren gesamten Verlauf ausbreitet.

Ein brillianter Auftakt

Gemächlich eröffnet das Intro „Ylle Kaartuvat“  einen idyllisch-apokalyptischen Sonnenaufgang, welcher gegen Mitte der Laufzeit mittels erhabenen Bläserinterventionen marschartig das anstehende Geschehen andeutet. Aufbruchartig, frisch und interessefördernd läutet dann „Toinen“ ein. Melodisch erklingen die Gitarrenriffs, dazu gesellt sich eine altbekannte, im leichten finnischen Dialekt verortete Krächzstimme. Symphonische Elemente schmiegen sich sacht an, während glockenartige Klänge und modern-rockige kurze Riffintervalle für Progressivität sorgen. 

Ebenso melodiös schreiten VORNA mit „Syvyydet“ fort.  Wieder gelingt mit den symphonischen und glockenartigen Elementen eine optimale Mixtur-Gradwanderung, sodass sich die Weite der finnischen Natur förmlich vor einem ausbreitet. Der anschließende Part mit baritonalem Klargesang sorgt für ein kurzes, weniger traditionelles oder folkloristisches, sondern eher melancholisch-jazziges Zeitfensters des nachdenklichen Versunkenseins ohne schmalzig oder übertheatralisch zu wirken, bevor die tragende gutturale Stimme in Verschmelzung mit der Melodie wieder die gewünschte Härte ins Gesamtbild des Songs einbringt. Die beiden Parts wiederholen sich ein bis zweimal, bevor die Bridge in die letzte höhepunktbringende Strophe überleitet.  

Von Progressive Black zu Post Black Metal ?!?

In  „Sydäntalven puut“  werden VORNA im Folgenden wuchtiger, aber noch eingängiger und nachdenklicher, wobei in den Strophen die Glockenspiele klarer zum Vorschein kommen. Im Titel „Aalloista“ sorgen ein schon sphärisches, „drumgespicktes“ Intro mit anschließenden post- und doom-lastigen Riffs und der cleanen Halbsprechgesang-Stimme aus „Syvyydet“ endgültig für eine spirituelle Teleportation in die finnische Tundra. Aus der Ferne winken uns durch „klingelnde“, intervallartige Post-Black-Metal Riffs DYNFARI, SORROW PLAGUES, CUSCUTA und ECHOES OF THE MOON kurz zu. (Wer die Bands kennt bzw. allgemein gern Atmospheric Post Black Metal hört, wird sicherlich wissen, was ich damit meine.)

Trotzdem verkennen die Herren in diesem Song nicht ihren Stil. Das finnische Flair schwingt immer noch in jeder Note mit. BORKNAGAR und VINTERSORG, aber auch nicht zuletzt INSOMNIUM und WINTERSUN haben hier definitiv ihre Fußstapfen im meterhohen Pappschnee hinterlassen. Choral und erhaben kommt der Track zum Ende und vollzieht einen homogenen, aber gebundenen Übergang zum nächsten Track, welcher symphonisch und wieder hochmelodiös auftritt. Spätestens ab „Virvatulet“ zeigt sich jedoch die Schwachstelle des Albums, wie sie wohl in mindestens 95% aller Alben auftritt. Das Konzept beginnt sich, zwar immer noch auf hohem Niveau befindend, fest zu fahren. Man hat das Gefühl, alles schon gehört zu haben.  Nichtsdestotrotz behält „Sateet Palata Saavat“ bis zum Schluss die Kondition. Lediglich der letzte Track „Kauas“  missfällt mir ein wenig.

Kompetenzfortschritt durch musikalischen Fortschritt?

Die beiden Vorgängeralben „Ajastaika“ (2013) und „Ei Valo Minua Seuraa“ (2015) gaben schon ein hohes Niveau für „Sateet Palata Saavat“ vor. Ebenso vor Melodiösität und symphonischen Arrangements strotzend, waren diese Werke noch paganer und eine Idee traditioneller und eben nicht so progressiv und modern aufgestellt. In „Ajastaika“ hört man sogar stellenweise noch ein akkordeonartiges Instrument. „Sateet Palata Saavat“ klingt eben im Vergleich etwas abgewandelter sowie experimentierfreudiger, aber definitiv nicht schlechter. Andernfalls kann ich mich auch nicht recht für eine explizite Steigerung ihres musikalischen Niveaus aussprechen, was allerdings damit zusammenhängt, dass ihre Tonkunst bis dato schon auf einem sehr hohen Level angesiedelt war. Hervorzuheben ist jedoch, dass m.E. Vesa, dem Sänger der Truppe die (zurückgewonnene) episodische Tiefe im gutturalen Gesang ziemlich gut steht.

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Nachdem ich bereits meine Meinung zur neuen THORONDIR-Scheibe kundgetan habe, werde ich euch heute auch zur zweiten April-Veröffentlichung aus dem Hause Trollzorn Records meine Eindrücke schildern. Als begeisterter Fan der Kombo ISTAPP aus der südschwedischen Provinz Blekinge war die Auseinandersetzung mit ihrer neuen und dritten Full-Length-Scheibe quasi vorprogrammiert. Anno 2015 wurde ich auf ihr damals aktuelles Werk „Frostbiten“ aufmerksam. Die Eingängigkeit, die Melodiefokussierung, die lyrische Neigung zu Thematiken um eisige Kälte, aber auch die Songstrukturen der Eiszapfen-Brigade (ISTAPP heißt zu deutsch Eiszapfen) haben mich in ihrer authentischen und trendunbewussten Gestalt von Beginn an beeindruckt.

Wie schon beim neuen THORONDIR-Album möchte ich ausdrücklich das gelungene Cover-Artwork im Voraus loben. Das hätte auch durchaus als Cover für Tech Death-Bands wie ORIGIN, DREAM VOID oder SPAWN OF POSSESSION durchgehen können. Da wundert es mich auch gar nicht, dass Pär Olofsson das neue Coverbild von ISTAPPS neuen Werk kreiert hat. Denn Olofsson hat in der Vergangenheit nicht nur für einige der eben genannten Formationen Cover entworfen, sondern auch für Größen wie IMMORTAL, EXODUS oder MALEVOLENT CREATION.

Betreten wir fremdes Terrain oder verteidigen wir wohlbekannte genre-konforme Klangkonzepte?

Wer ausgehend von meinen in den Raum geworfenen Analogien einer außergewöhnlichen Mixtur aus melodischem, nordischem Black Metal und Tech-Death-Vibe entgegenfiebert, muss ich an diesem Punkt leider enttäuschen. Denen, die sich dafür interessieren könnten, kann ich nur SINGULARITY aus Tempe, Arizona empfehlen.

Vom introlosen Beginn des neuen Albums an fluten die ISTAPP–typische Melodieführung, die brachialen Vocals sowie die eingängigen Lead-Guitar-Samples meine Gehörgänge. Damit bestätigen sie mir kompromisslos, mit welcher Band ich gerade konfrontiert werde. Der Opener-Track „Eternal Winter“ spiegelt nicht nur namentlich optimal die thematische Grundausrichtung der Band auf kälteinfiltrierte, schneegehüllte Eislandschaften wieder. Darüber hinaus steht er auch stellvertretend für ihren bewährt-harschen, aber dennoch überaus melodieambitionierten musikalischen Stil. Beim ersten und zweiten Hören bleibt besonders der Refrain im Gedächtnis. Allerdings bin ich von den ersten beiden Titeln „Apep“ und „Frostbiten“ von ISTAPPs Vorgängeralbum „Frostbiten“ ein höheres Hitcharakterpotenzial gewohnt. Gleiches gilt für Tracks wie „Köldens Union“ und „I Väntan På Den Absoluta Nollpunkten“ vom Debütalbum „Blekinge“.

Ein Tribut an die Urväter

Besonders der traditionelle Clean-Gesang in ursprünglicher Normannenart erweist sich, zumeist in den Refrains, wie schon auf den vorausgegangenen Veröffentlichungen der Band als so ziemlich der mitreißenste Bestandteil der Kompositionen. Hinsichtlich des leicht sphärisch-erhabenen Klargesanges können gut Vergleiche zu Veröffentlichungen ihrer norwegischen Kollegen von GALAR gezogen werden. Der geneigte Hörer wird auch ziemlich schnell auf den Trichter kommen, dass beide Kombos wohl maßgeblich von WINDIR, einem Urgestein des Viking Black-Metals, beeinflusst sein müssen. 

Das Konzept der Songs im weiteren Verlauf

Der gutturale Gesang des Frontmannes Tizheruk klingt stark und wurde im Rahmen des Mixings ansprechend auf die instrumentalen Elemente abgestimmt. Auch in den übrigen Tracks dominiert eine kohärente und fesselnde Melodik statt pointierte Folk-Einschübe à la MANEGARM. Die lädt den Hörer zu fantastischen Naturimpressionen oder ausgedehnten mentalen Bootsfahrten durch skandinavische Fjorde ein. Allgemein wird beim zweiten Durchlauf der Scheibe das Mitreißpotenzial der Songs stärker. Durch die moderaten Laufzeiten der einzelnen Nummern von oft weniger als vier Minuten ist „The Insidious Star“ überaus kurzweilig.

Der dritte Titel „Natten då Gud Blundade (1888)“ steigt sogar mit dem traditionellen Klargesang ein, welcher sich im Bridge-Teil wiederholt. Auffallend ertönt die männliche Stimme dabei etwas höher beziehungsweise heller und peripher ist auch eine Frauenstimme heraushörbar.

Das Songkonzept zieht sich durch das gesamte Album und stagniert dabei nicht. Im fünften Track „Muspelheim“ wird eine leichte Veränderung hörbar, indem die refrainfreie Bridge als Atmosphären-Trimmung zum kurzen Verweilen im Moment verleitet. Außerdem liegt mir besonders am Herzen, den leicht hallenden, teils mehrstimmigen und wieder einmal männlichen Cleangesang in seiner besänftigenden, astralen Aura im siebten Track „The Insidious Star“ nochmal ausdrücklich zu preisen.

Trotz überzeugender Leistung ist noch Nachbesserung möglich

Ohne Kritikpunkte kann ich diese Review jedoch nicht abschließen. Neben dem mit steigender Laufzeit zunehmend homogener anmutenden Grundstrukturkonzept der Titel missfällt mir noch eine weitere Sache, die sich schon auf den Vorgängerwerken bemerkbar gemacht hat. Schon wieder hat es sich die Band erspart, ein einladendes Intro sowie ein abschließendes Outro zu komponieren. Man wird im wahrsten Sinne des Wortes ins KALTE Wasser geworfen und abrupt wieder herausgezogen. Das dürfte ein erster Schritt zur potenziellen Perfektionierung des Sounds sein. Gerade im Kontext ihrer lyrischen Versiertheit auf Themen um kalte Witterungsverhältnisse sind lukrative atmosphärische Einsteiger durchaus authentisch umsetzbar.

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Die letzten Dezembertage: Das Jahr 2018 klingt, wie die vorangegangenen Jahre auch, ohne merkliche Kälteschübe unter dem Gefrierpunkt aus. Ebenfalls werden malerische, von pulvernem Weiß bedeckte Felder und Wiesen vermisst, welche allenfalls über die heimischen Fernsehbildschirme in diversen Weihnachtswerbespots husch(t)en, um auf die illusorische Sehnsucht nach Winterfeeling anzuspielen, welche sicherlich zahlreiche Zuschauer verspüren.

Aus diesem Anlass möchte ich euch heute, zumindest auf akustischer Ebene, ein adäquates Kontrastprogramm mit einer schwarzmetallischen Veröffentlichung aus der Ukraine bieten. Angesichts seiner tief verschneiten Wälder und karpatischen Berge kann dieser Erdenfleck schon auf geographischer und landschaftstechnischer Ebene das Herz eines jeden Sympathisanten von Black Metal-Tonkunst höher schlagen lassen.

An Bord eines wegweisenden Labels

Mit „Lifelong Journey“ hinterlässt das aus der Stadt Chmelnyzkyj stammende Quartett STRYVIGOR den zweiten Paukenschlag  in ihrer Schaffensgeschichte. Schon allein das Cover-Artwork mit seiner im Dämmerlicht versinkenden Landschaft sollte das Interesse oder zumindest die Aufmerksamkeit der meisten Atmospheric Black Metal-Fans erwecken. Doch lässt sich hier schon erkennen, wohin sich die musikalische „Journey“ dieser Kombo noch entwickeln kann? Als kompetenter Vermarktungspartner stand der Formation bei dieser Veröffentlichung das deutsche Label Northern Silence Productions zur Seite, welches schon Wegbereiter für viele (heute) namenhafte Größen der Szene wie AMESOEURS, BELENOS, BROCKEN MOON, ELFFOR, HERETOIR, HORN, SAOR oder WOODS OF DESOLATION war.

Ehrlicher, griffiger Sound oder kunstvolle Ausschmückung?

Schon das Intro des Opener-Tracks „Roots“ macht keine halben Sachen. Der einleitende Schneesturm, unterstützt von symphonischen Klängen, geht schnell in tiefe, raue und kräftige Gitarrenriffpassagen über. Die sich anschließend einsetzende tiefe Stimme ist passend zu den Instrumenten gemixt worden und fügt sich angenehm in die Komposition ein. Sie verliert sich nicht im Klanggewitter der Instrumente. Außerdem gibt das einschlägige Growling im leichten Berserker-Stil der Musik Stabilität.

Natürlich hört man wie bei einigen Bands aus dem russischen und slawischen Kulturkreis den Akzent zwischen den englischen Lyrics stark raus. Aus meiner Perspektive tut das dem Hörvergnügen jedoch keinen Abbruch, im Gegenteil. Die vom Akzent durchtränkten Vocals harmonieren sehr gut mit den melodiös fokussierten Riffs und den dezent gesetzten Keyboardpassagen. Diese Zusammensetzung passt hervorragend und verliert auch im weiteren Verlauf nicht an Kontinuität.

Nur abgespeckter Atmospheric Black?

Im Gegensatz zu Bands wie LUSTRE, SOJOURNER oder ELDAMAR fallen bei STRYVIGOR keine wirklichen Natur-/Fantasy- oder Folk-Nuancen ins Gewicht. Jedoch sind Einflüsse aus dem Cosmic bzw. Space Ambient nicht zu leugnen, die ab der 2. Hälfte des Albums auffallend zunehmen, beispielsweise in den Tracks „In the Depths of Silence“ und „Where Autumn will Reign Again“. Die wirken allerdings sehr malerisch, leicht verträumt und durchdacht eingesetzt. Allerdings jagen sie mir beim Hören keinen Schauer über den Rücken, wie beispielsweise bei DARKSPACE, PAYSAGE D´HIVER oder COLDWORLD.

Insgesamt findet auch keine wirkliche Auseinandersetzung mit tiefen Emotionen wie Melancholie, Depression oder Nachdenklichkeit statt. Trotzdem darf nicht vorschnell das Urteil gefällt werden, dass hier typische Elementen aus dem Atmospheric Black Metal einfach weggelassen worden sind. Vielmehr speist sich die Atmosphäre von „Lifelong Journey“ aus dem Zusammenspiel von Melodieführung, Vocals und den optimal integrierten Keyboardklängen. Aus wenigen musikalischen Komponenten wurde hier ein kleines bezauberndes und atmosphärisches Kunstwerk geschaffen.

Vom selben/ ähnlichen Schlag

Dabei sollte man in meinen Augen (oder Ohren) den Einfluss der inoffiziellen Meister des atmosphärischen und teils auch melancholischen Pagan Black Metals auf dieses Album nicht vergessen: DRUDKH. Wenn die ihre Landsleute von STRYVIGOR bei diesem Album in Sachen Melodik und Flair nicht inspiriert haben, wer sonst?

In Sachen Stilistik betreten STRYVIGOR mit ihrem Genre-Hybrid aus atmosphärischem und melodischem Black Metal zweifelsohne kein Neuland. Die erste Band, die mir gerade einfällt, die das Konzept auf 2 Alben ganz ähnlich umgesetzt haben, sind SHYLMAGOGHNAR aus den Niederlanden. Weniger stoisch und naturinspirierter als STRYVIGOR, bedient sich das Duo dafür teilweise an progressiveren Melodien.

Ein paar kleine Empfehlungen zum Schluss

Hinsichtlich des rauen Grundcharakters in „Lifelong Journey“ empfehle ich noch die Bands SKOGMARK aus Russland und VELDES aus Slowenien. Wer es gern atmosphärisch hat, allerdings auch experimentelle, progressive  Konzepte mag und stellenweise auch auf Härte verzichten kann, ist mit NE OBLIVISCARIS aus Australien bestens bedient. OAK PANTHEON aus den USA konzentrieren sich ebenfalls mehr auf Melodik, abwechslungsreichen Gesang und gelegentliche Einsätze akustischer Gitarren und Folkinstrumente.

Diejenigen unter euch, die sich näher für Northern Silence Production-Releases und noch mehr für melodiefokussierten Atmospheric Black Metal interessieren, können auch mal die indonesischen VALLENDUSK auschecken. In diesem Zusammenhang gibt es auch ein interessantes Ein-Mann-Projekt aus Indonesien zu entdecken, das sich PURE WRATH nennt und einen etwas raueren uns schnelleren Gesamtsound mitbringt. Ihr habt den Überblick verloren? Kein Problem, hier gibt es eine Links zu den Bandcamp-Seiten aller Bands, die von mir als Referenzen genannt worden sind.

STRYVIGOR

DRUDKH

SHYLMAGOGHNAR

SKOGMARK

VELDES

NE OBLIVISCARIS

OAK PANTHEON

VALLENDUSK

PURE WRATH

Übrigens: Für alle besonders Ausgefuchsten unter euch habe ich im Titel meiner Review eine kleine Anspielung auf ein anderes Atmospheric/Ambient Black Metal Projekt versteckt. Wer von euch hat sie erraten?

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22 Bandjahre, 8 Alben – das wars. ALGHAZANTH trennen sich – und bauen sich mit „Eight Coffin Nails“ ihren eigenen Sarg. Einen ziemlich schönen Sarg allerdings!

ALGHAZANTH schaffen es, eingängige Melodien und Black-Metal-Gewitter so zu kombinieren, dass es nicht in Richtung Kitsch abdriftet. Eine ganze Menge Abwechslung ist natürlich auch mit drin: Mal klingt es wütend und aggressiv, um dann wieder schwermütig und melancholisch zu wirken. Gerade Drummer Gorath Moonthorn zeigt in Songs wie „The Foe of Many Masks“, wie unterschiedlich sein Drumming und damit auch die Band klingen kann. 

Leider finden ALGHAZANTH nicht in allen Songs diese Balance. Manche Titel wirken etwas übertrieben episch konzipiert. Trotzdem ein sehr ansehnliches letztes Album – ich bin auch ein bisschen traurig, dass wir in Zukunft nichts mehr von den Finnen hören werden. Als Studio-Keyboarder konnte der nicht gerade unterbeschäftigte Henri „Trollhorn“ Sorvali (FINNTROLL, MOONSORROW) für die Aufnahmen zu „Eight Coffin Nails“ gewonnen werden, was auch nochmal einer späten Adelung gleichkommt.

ALGHAZANTH im Web und auf Bandcamp

Dies ist ein Beitrag von Gastautorin: Moni

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DAS INTERVIEW

S: Du bist das einzig verbliebene Gründungsmitglied von CRAVING. Was bedeutet die Band für dich und welchen Stellenwert hat sie in deinem Leben?

Ivan: Das ist richtig, die erste Besetzung löste sich langsam auf, als man zu Studieren anfing. Das gleiche ist mehr oder minder mit der zweiten Besetzung passiert, oder man hat sich in seltenen Fällen einfach nicht verstanden und ging getrennte Wege.

„Die Band selbst ist ein fester Bestandteil meines Lebens geworden.“

Unsere Musik begleitet mich schon ein gutes Stück und ist das Kind meiner, oder unserer musikalischen Kreativität. CRAVING ist quasi ein Teil von mir und bedeutet mir entsprechend viel.

S: Was ist dein innerer Antrieb, mit CRAVING weiterzumachen?

Ivan: Ich denke, die Leidenschaft und die Liebe für Musik und das Musizieren treiben mich voran. Außerdem macht die Band unglaublich viel Spaß. Mit CRAVING haben wir mittlerweile die Möglichkeit, mit unserer Musik einen kleinen Kreis von Menschen weltweit zu erreichen. Das motiviert einen immer wieder aufs Neue weiter zumachen.

Beispielsweise schrieb mir nach unserem Konzert in Bremen ein Mann, der seit Monaten an Depressionen litt. Er hat sich für den Auftritt bedankt, der ihm für ein paar Minuten geholfen haben soll, die Depressionen zu vergessen. Einmal hat mich auch ein Fan angeschrieben, der seit gut 6 Jahren unsere Band verfolgt. Er hat sich unser Bandlogo auf den Oberarm tätowieren lassen – das war gleichzeitig sein erstes Tattoo.

Sprich, wenn man merkt, welchen positiven Einfluss die Musik auf manche Hörer hat, ist das natürlich eine besondere Form der Motivation, die dabei entsteht. 

S: Woher kommt die Entscheidung zu den Themen, die ihr behandelt?

Ivan: Es gibt kein festes lyrisches Konzept, die Themen werden spontan gewählt. Jeder von uns hat einen Pool aus Texten, auf die er zugreifen kann.

„Meistens dienen unsere persönliche Erfahrungen, Gedanken und Gefühle als Inspiration für unsere Texte.“

Das hört man beispielsweise in Liedern wie „Seven Steps to Darkness“, „The Fountain of Memory“ oder „Hellraiser“. Wir benutzen ebenfalls Gedichte von Nikolay Gumilev, einem russischen Poeten des silbernen Zeitalters. Der Hintergedanke dabei ist simpel: wir wollen dem Hörer die intelligente Seite der russischen Kultur nahelegen. Lieder wie „Leopard“, „Olga“ und „Cave of a Dream“ sind mit seinen Gedichten versehen.

S: Wer ist die treibende Kraft der Band?

Ivan: Das sind wohl Leo und ich. Bis 2012 war ich die einzige treibende Kraft der Band, mit dem Zugang von Leo hat sich einiges zum Positiven verändert. Er schreibt auch Texte und Songs, beteiligt sich am Booking und Albumproduktionen. Davor übernahm ich diese Baustellen alleine, jetzt sind wir zu zweit. Es macht Spaß, mit ihm Musik zu machen. „Wielder of Storms“ wurde beispielsweise von uns gemeinsam geschrieben.

WAS DIE ZUKUNFT BEREIT HÄLT

S: Euer letztes Album erschien vor einem Jahr. Ist ein Nachfolger in Aussicht?

Ivan: Wir haben circa acht neue instrumentale Songs, von einem neuen Album möchten wir aber noch nicht sprechen. Vielleicht veröffentlichen wir 2018 eine EP. Mal schauen.

S: Wie läuft die Arbeit im Studio? Ist es ein Selbstläufer oder ein eher langwieriger Prozess?

Ivan: Ich kann nicht für Leo sprechen. Meinerseits schreibe ich viel und manchmal sogar sehr viel. Ich nenne diesen Zustand einen kreativen Rausch. In diesem Rausch kann eine Menge Musik entstehen. Wir haben eigenes Studioequipment, daher ist die Arbeit im Studio entspannt, denn wir schicken das Material lediglich zum Abmischen und Mastern raus.

Es ist immer unterschiedlich und kommt irgendwie auf den Augenblick an, mal laufen die Aufnahmen wie geschmiert, mal laufen sie sehr zäh oder auch gar nicht. Das eigene Studioequipment hilft uns dabei sehr.

S: 12 Jahre existiert CRAVING nun. Welche Ziele oder Ideen habt ihr für die Zukunft?

Ivan: Ich sehe den eigentlichen Beginn der Band eher mit der Veröffentlichung des ersten Albums im Jahr 2012. Davor hat man viel ausprobiert, viele Leute kommen und gehen gesehen und nicht wirklich viel erreicht. Erst 2012 mit der Veröffentlichung von „Craving“ gings los.

In der Zukunft möchten wir natürlich viel auftreten. Momentan sammeln wir Ideen für eine neue EP und eventuell ein neues Album, allerdings handelt es sich dabei noch um Zukunftsmusik.

CRAVING auf Facebook und Bandcamp

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Es zieht dunkler Nebel auf – MALLEVS MALEFICARVM

Die Pforten öffnet das Hellraiser pünktlich 19:00 Uhr. Um allerdings das immense Pensum an fünf Bands gewährleisten zu können, wurde ohne große Umschweife kurz nach 19:00 Uhr mit MALLEVS MALEFICARVM der Abend eingeläutet. Live-Sänger der Band ist kein geringerer als Robert „Robse“ Dahn, seines Zeichens Sänger der Folk-Metaller EQUILIBRIUM. Die Band betritt mit klassischem Corpsepaint die Bühne. Das Bühnenlicht hüllt die Herren von MALLEVS MALEFICARVM in einen roten Schleier. Bei so einer Aufmachung handelt sich natürlich um Black Metal, der uns um die Ohren gehauen wird. Allerdings tendiert das Debüt-Album „Homo Homini Lupus“ eher in die melodischen Gefilde des Black Metal. Der Auftritt kann sich schon mal sehen lassen.

Auf zum entern! – THE PRIVATEER

Nach kurzer Umbaupause gehts weiter mit THE PRIVATEER. Der bunte Haufen aus Freiburg präsentiert äußerst tanzbaren Folk Metal im Freibeuter-Gewand. Dementsprechend heiter ist sowohl die Aufmachung als auch die Stimmung auf der Bühne. Ersatz-Sänger Kolai beweist, dass auch seine Stimme der eines Freibeuters würdig ist. Das Repertoire an Songs ist abwechslungsreich und melodische Gesangsparts und eine stimmungsvolle Violine lockern die Atmosphäre auf. Die Band hat eine extrem positive Ausstrahlung auf der Bühne, die förmlich ansteckend ist. Im Vergleich zu anderen Pirate-themed Folk Metal-Bands kommt sie keineswegs albern rüber. Wer sich dem Folk Metal hingezogen fühlt, sollte sich dieses Quintett mal genauer ansehen.

Verrückte Welt – BLACK THERAPY

Mit BLACK THERAPY steht kurz nach 21:00 Uhr die erste Melodic Death Metal-Band auf dem Plan. Musikalisch ordne ich die Herren aus Italien zwischen den Finnen von MORS PRINCIPIUM EST und den Australiern von BE’LAKOR ein. Sänger Giuseppe Massimiliano Di Giorgios Growls sind ungewohnt kratzig und kantig, was aber im Zusammenspiel mit den eingespielten Klavier-Parts sehr stimmig ist. Am besten gefällt mir der Opener „In the Embrace of Sorrow, I Smile“ und ein Cover von „Mad World“, den die Italiener als Abschluss spielen. Die Klavierparts geben den Songs einen Hauch von Traurigkeit, die durch die barschen Vocals aufgebrochen werden. Das rote und blaue Licht unterstützt die Melancholie der Songs. Die Band setzt optisch auf Authenzität und verzichtet vollständig auf Stage-Outfits, treten aber geschlossenen in üblicher schwarzer Kleidung auf. Mit zwei Studio-Alben sind BLACK THERAPY noch recht unbekannt, man sollte diese Melodic-Deather aber auf jeden Fall im Auge behalten.

True Finnish Samurai Metal – WHISPERED

Während BLACK THERAPY komplett auf Stage-Outfits verzichten, gehört die „Verkleidung“ bei WHISPERED zum Konzept. Die Herren aus Finnland verbinden melodischen Death Metal mit Folk-Elementen aus der japanischen Kultur. Ähnlich wie die Kollegen von CHTHONIC aus Taiwan (mittels Erhu) und den Chinesen EGO FALL (mittels Morin khuur) werden die folkigen Klänge durch altertümliche, asiatische Instrumente erzeugt – im Fall von WHISPERED durch ein Shamisen. Das War Paint der Band erinnert eher an weiße Masken mit rot-schwarzer Verzierung. Die Kleidung ist an die Gesichtsbemalung angepasst und stellt bei näherem Hinsehen alte Samurai-Rüstungen dar. Selbst das Arbeitsgerät von Sänger und Gitarrist Jouni Valjakka trägt die Farben der Band, die damit auf jeden Fall meinen persönlichen Style-Contest des Abends gewinnen. Was es mit dem Style eigentlich auf sich hat, verriet uns Jouni dann im Interview vor Ort.

Mit dem Song „Strike“ des neuen Albums „Metsutan – Songs of the Void“ eröffnete die Band ihre Show und konnte auf jeden Fall gut Stimmung machen. „Hold the Sword“ ist für mich das besondere Highlight, da er als Song vom zweiten Album „Shogunate Macabre“ deutlich melodischer ist. Die Show ist so energiegeladen, dass der Drummer beim nächsten Song mittendrin plötzlich vergisst, welches Lied er spielen soll. Zu diesem kleinen Patzer muss man allerdings sagen, dass der eigentliche Drummer Jussi Kallava für die Tour unpässlich war und man somit nur 2 Monate Vorbereitungszeit mit dem Ersatz-Drummer Ukri Suvilehto hatte. Alle anderen Songs klappten dann aber wieder hervorragend und das Missgeschick war schnell vergessen.

Der Wald wird abgeholzt – WINTERSUN

Gegen 23 Uhr wird klar, wofür die meisten Leute ins Hellraiser gepilgert sind. Zum Start von WINTERSUN ist der Laden gerammelt voll. Passenderweise beginnt die Show mit dem Song „Awaken from the Dark Slumber (Spring)“. Diesen Songtitel finde ich äußerst treffend. Hat die Schaffenszeit für ihr zweites und drittes Album doch mehr als 12 Jahre verschlungen. Mit „Beyond the Dark Sun“, „Wintermadness“ und „Starchild“ spielt die Band Klassiker von ihrem Debüt-Album „Wintersun“ und alle sind extrem aus dem Häuschen. Sänger Jari Mäenpää konzentriert sich auf der Tour ausschließlich aufs Singen und überlässt das Gitarrespielen lieber seinen Kollegen. Und das tut dem Auftritt auch richtig gut. Jari rennt auf und ab und überträgt seine positive Energie mittels energischen Handbewegungen auf das Publikum. Treffenderweise wurde er bei YouTube dafür als Winter Wizard bezeichnet.

Mit „Eternal Darkness (Autumn)“ wird zum Schluss noch ein neuer Song gespielt. Ich bin sichtlich überrascht. Der Song ist zwar melodisch, aber die Vocal-Parts sind deutlich aggressiver. Diese Black Metal-artigen Screams stehen WINTERSUN verdammt gut und ich schätze die Abwechslung, die die Band auf die Bühne zaubert. Auch hier sei gesagt, dass die Band auf ihren Drummer Kai Hahto wegen einer Handverletzung verzichten musste. Mit Rolf Pilve von STRATOVARIUS und Heikki Saari von FINNTROLL konnte WINTERSUN gleich zwei exzellente Drummer als Ersatz engagieren. Letzterer war in Leipzig aktiv und hat einen absolut sauberen Job gemacht.

Was mir bei der Show besonders auffällt, ist der klare Sound. Kein Track klingt verwaschen und nahezu perfekt. Bis zum 10. Oktober läuft die Tour noch, leider sind die 3 Termine in Deutschland bereits Geschichte. Die Show hat sich auf jeden Fall mehr als gelohnt, wer also nicht dabei war, darf sich jetzt ärgern. Ihr habt auf jeden Fall was verpasst.

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Der US-Amerikaner Daniel Jackson hat unter dem Spitznamen Erus schon viele Projekte angefangen, die es selten über EPs und Demos hinaus geschafft haben. Sein neuester Anlauf mit VOID RITUAL soll das jetzt ändern. Im Gegensatz zu VOLKERMORD, LEGIONS und CORPUS DOMINI schenkt er dieser neuen künstlerischen Schaffensphase ein komplettes Album. Aber hat er dafür genügend Puste? 2013 entjungferte er sich selbst bereits mit seiner ersten LP überhaupt. Wie erwartet, hat VOID RITUAL die gleichen Probleme, die bei ANCESTRAL OATH schon omnipräsent waren.

Langeweile versprüht diese nach dem Lehrbuch ausgeführte Version von Melodic Black Metal zu Genüge. Total irrelevant ist an dieser Stelle, welche Genreväter ich als Einflüsse zitiere. Hier werden TAAKE und DISSECTION vorerst genügen. Der erste Song offenbart schon den Gähn-Faktor. Ein atmosphärisches, langsames Riff läutet das unglaublich klar abgemischte „The Flood“ ein. Der abgehackte Wechsel von Aufbau und Eruption lässt zwar auf mehr davon hoffen, verliert sich aber schnell in überdramatischer Soße. Was dem Opener aber am stärksten schadet: er stimmt darauf ein, für den Rest des Albums vom scheppernden Plastik-Schlagzeug belästigt zu werden. Dazu kommt die wenige Variation in der Stimmlage. Alle diese Dinge hübschen den Track nicht gerade auf. Danke dafür, Death Metal!

Das folgende „Breathing Ice“ bedient sich so ziemlich der gleichen Mittel. Hier werden die Riffs sogar noch etwas übertriebener in den Vordergrund gestellt. Und das, ohne auch nur annäherungsweise spannungsreich zu sein. Daher hat es eine zweite Betrachtung nicht verdient. Für mich wird es wohl genügen müssen, die besten Lieder der LP anzupreisen. Wer zum Beispiel nicht nur den explosiven Lead-Gitarren-Einheitsbrei hören möchte, schaut lieber in „Nachzehrer“ rein. Dort zeigt Daniel Jackson, wozu er eigentlich in der Lage ist. Die mühelose Einarbeitung von chaotischen und dunklen Passagen inmitten des Harmonie-Gewitters macht den letzten Song auf dieser Scheibe mehr als attraktiv. Komplettiert wird das Stück durch die tiefen Growls aus dem Black Metal. Ein solch besänftigendes Ende war defintiv nötig, nachdem Songs wie „Heretical Wisdom“, „The Frozen Altar“ und „The Maelstrom“ überstanden werden mussten. Letzterer besitzt einerseits mehr Alleinstellungsmerkmale, versinkt andererseits genauso schnell in einem Harmonie-Sumpf.

Es kommt mir immer mehr so vor, als würde sich die kurze Spielzeit des Albums bereits nach der Hälfte ins Unendliche strecken. Es gibt einfach neben den Riffs auf „A Mockery of Flesh & Bone“ keine, die im Kopf bleiben wollen. Das so was einprägsamer und gefühlvoller vonstattengehen kann, wird erst auf „Dead in Blackest Night“ wieder hörbar. Auf dessen etwas besseren Mittelteil folgt ein bis zum Schluss des kürzesten Stücks anhaltender Ausbruch gnadenloser Monumentalität. Warum konnten solche Knaller nicht die Antlitze der ersten sechs Songs verzieren? Diese landen dank ihrer Gleichförmigkeit in der Schublade verschmähter Lieder.

Genau an dieser Tristesse des Projekts zeigt sich wieder der anfangs angesprochene, grundlegende Fehler: Der Solo-Künstler und Alleskönner hat noch so seine Probleme damit, ein vollständiges Projekt auf die Beine zu stellen. Für die Länge einer EP, die nur die letzten drei Songs beinhaltet, hätte das Material auf „Heretical Wisdom“ allemal gereicht. Mehrmals anhörbar wäre es damit auch geworden und verspräche eine strahlendere Zukunft. Im jetzigen Zustand werde ich mich jedoch wahrscheinlich nicht mit dem Album und der Machart anfreunden können.

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Für fast alle Dates haben sie sich die (wirklich empfehlenswerten!) Melodic Black Metaller von WOLVES DEN aus München als Begleitung auserkoren. An deren Front steht Helge Stang, der bereits bei EQUILIBRIUM einige Jahre lang mit seiner Sangesleistung überzeugen konnte.

Deus Vult by Wolves Den

Az Esm` by WELICORUSS

Die Bands spielten in dieser Kombination bereits im vergangenen Jahr einige Konzerte (SILENCE berichtete).

Dates:
02.03. DE, München
03.03. DE, Neumarkt
04.03. DE, Radolfzell
05.03. CH, Chur
07.03. FR, tba
08.03. CH, Zürich
09.03. CH, Luzern
10.03. AT, Innsbruch
11.03. CH, Geneva
12.03. DE, Metzingen
14.03. NL, Eindhoven
15.03. FR, Lille
16.03. FR, Paris
17.03. BE, Charleroi
18.03. BE, Liege
19.03. DE, Aachen
21.03. NL, tba *
22.03. NL, tba *
23.03. DE, Krefeld*
24.03. DE, Wuppertal*
25.03. DE, Großerlach*
26.03. DE, Erlangen*
*nur Welicoruss ohne WOLVES DEN

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