SECOND SUN sind ein Quartett aus der schwedischen Hauptstadt Stockholm. Diese eingängliche Information ist wichtig, weil es noch einige andere Künstler mit dem selben Namen gibt. Neben den nordeuropäischen Proggern findet man auf Bandcamp auch eine Alternative Rock Band aus Australien, eine amerikanische Metalcore Band, sowie eine Indie Gruppe aus Großbritannien. Damit dürften den gröbsten Verwechslungen vorgebeugt sein. Es handelt sich folglich um Adam Lindmark (Schlagzeug), Marcus Hedmark (Bass), David Grannas (Gitarre) und Jakob Ljungberg (Gitarre und Gesang). Die vier Schweden präsentieren nun ihr drittes Album „Kampen Går Vidare“, das auf Gaphals Records veröffentlicht wird.

Der Kampf des Robert Pehrsson

SECOND SUN’S „Kampen Går Vidare“ ist ein Konzeptalbum, wie es im Buche steht. Der Titel, der übersetzt „Der Kampf geht weiter“ heißt, ist dem schwedischen Musiker Robert Pehrsson gewidmet. Pehrsson dürfte einigen Lesenden als Gitarrist und Sänger von Bands wie Dundertåget, Death Breath oder Robert Pehrsson’s Humbucker bekannt sein. Und wie der Titel schon vermuten lässt, geht es um einen fortwährenden Kampf ebenjenes Protagonisten der schwedischen Rock- und Metalwelt. Die A-Seite der Schallplatte ist noch sehr hoffnungsvoll, motiviert und sommerlich gehalten. Die Rückseite wiederum ist eher eine Vertonung des schwedischen Winters, in dem der Protagonist dem Zynismus verfällt und sich lustlos an seinem Schreibtisch verschanzt.

Zwischen Folk, Prog und Heavy Metal

Musikalisch ist „Kampen Går Vidare“ ein äußerst ausgefallenes Werk. Wie auch schon auf dem letzten Album „Eländes Elände“ mischen SECOND SUN flotten Prog Rock mit einer ordentlichen Portion Folk. Was auf ihrer dritten Veröffentlichung dazukommt, ist ein starker Einfluss aus dem NWoBHM. Es ist also hier und da nicht einfach zu erkennen, ob weite Flanellhosen oder enge Lederkutten besser zum musikalischen Outfit passen. Oder vielleicht auch einfach beides? Zumindest scheint sich die Band für eine Heavy Metal-konforme Tracht entschieden zu haben.

Eines steht so oder so fest: selbst ohne jegliche Kenntnis der schwedischen Sprache bringt dieses Album unheimlich viel Spaß. „Kampen Går Vidare“ animiert den ganzen Körper und motiviert die Sinne. SECOND SUN spielen Prog Rock, der so zackig ist wie einst Focus, und vermengen ihn mit schwedischer Leichtigkeit, melodischem Folk und der Dynamik von frühen Iron Maiden. Nicht zu tanzen ist nahezu unmöglich, wenn die Stockholmer ihr flottes Narrativ über Pehrsson spielen. Außerdem wird es nicht nur an dem COVID-19-bedingten Entzug liegen, dass diese Platte wahnsinnige Lust auf Konzerte macht.

SECOND SUN auf Bandcamp

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Die VILLAGERS OF IOANNINA CITY sind in den ersten zwölf Jahren ihres Schaffens außerhalb ihrer heimischen Region Epirus in Griechenland kaum aufgefallen. Es gab seit Gründung eine Promo CD, ein Album und eine EP. Aber so richtig wollte der progressive Post Rock mit Einschlag griechischer Folklore nicht zünden und so blieben die Musiker vorerst eher unbekannt. Ich selbst habe die älteren Veröffentlichungen auch erst kürzlich das erste Mal angehört und war nur mäßig unterhalten. Letztes Jahr aber erschienen die ersten Teaser für das zweite Album „Age of Aquarius“, das jetzt endlich bei Napalm Records erhältlich ist. Mit ihrem neuen Album ist der Band aus Ioannina eine komplette Neuerfindung gelungen, mit der sie bereit sind, alles abzureißen.

Wie eine psychedelische Rakete

Mit leisen aber großen Schritten bauen die VILLAGERS OF IOANNINA CITY das Thema im Eröffnungstrack „Welcome“ auf. Herzlich Willkommen im Zeitalter des Wassermanns, dessen Beginn 5TH DIMENSION schon vor einem halben Jahrhundert besungen haben. Von hier an startet die Band gnadenlos durch, indem sie ein kunterbuntes Feuerwerk progressiver, melodischer und psychedelischer Rockmusik feuert. Die atemberaubenden Bilder, die auf „Age of Aquarius“ gemalt werden verbinden die harmonischen Klänge von MY SLEEPING KARMA mit der Intensität von ROTOR und dem intelligenten Post Rock von NOORVIK. Wie auf einer Achterbahn, die durch bunte Tunnel fährt nehmen VILLAGERS OF IOANNINA CITY Fahrt auf und produzieren vorzügliche, abwechslungsreiche und intelligente Musik. Als Sahnehäubchen fungieren die folkloristischen Elemente, welche ein wunderschönes Alleinstellungsmerkmal sind.

Beeindruckend und unikat ist auch das Line Up der Band. Neben den üblichen Instrumenten einer Rockband kommen hier auch Klarinette, Sackpfeife und Kaval zum Einsatz. Letzteres ist eine besonderes Flötenform, die man vor allem in Süd- und Osteuropa bis nach Vorderasien findet. Mit dieser Besetzung lässt es das Quintett ordentlich krachen und spannt gewaltige Bögen aus harmonischem, psychedelische und dennoch lauten Sound. So schaffen sie es, dass wirklich jeder einzelne Track Hitpotential hat. Meine persönlichen Favoriten sind „Father Sun“ und „For the Innocent“, aber es gibt wirklich keine Lückenfüller oder Aussetzer.

Progressive Folk Jam

Der Aufbau der einzelnen Songs erinnert an entspannte Jam Sessions, bei denen Takt um Takt die Intensität zunimmt. Oft beginnen die Lieder auf „Age of Aquarius“ in Form von eingängigen Blues- oder Rockmustern, die dann immer weiter modifiziert werden. Aber anstatt die Songs kaputtzujammen wird hier jede noch so einfache Basis innerhalb kurzer Zeit zu einem Kaleidoskop vorzüglicher Musik. Besonders im ruhigen Stück „Millenium Blues“ beweisen die VILLAGERS OF IOANNINA CITY, was man alles aus einer simplen Jam herausholen kann.

Auf Plattformen wie YouTube und Spotify gibt es „Age of Aquarius“ bereits seit einiger Zeit zu hören und seitdem läuft es bei mir auf Hot Rotation. Die VILLAGERS OF IOANNINA CITY haben nicht nur ihre alten Werke gestellt. Das neue Album ist in meiner Einschätzung ganz klar ein Anwärter für das Album des Jahres. Von vorne bis hinten stimmt hier einfach alles und jeder Moment, jeder Ton, jede Harmonie auf diesem Werk sind makellos.

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ALKALOIDs Ruf eilt ihrem neuen Album weit voraus. Die Besetzung verspricht schon Großartiges und Erfahrungswerte vom Vorgängeralbum lassen in mir die Hoffnungen auf ein spannendes, neues Werk wachsen. Das Mitwirken von (Ex-)Mitgliedern von OBSCURA, NECROPHAGIST, ABORTED als auch DARK FORTRESS geben eine Vorahnung davon, welch Hochkarätigkeit hier aufeinander prallt. Laut Genrebeschreibung hat „Liquid Anatomy“ Extreme, es hat Prog, und es hat Metal, aber wie hat die Band es zusammengebaut? Also, Lauscher auf Empfang und auf geht die wilde Fahrt …

Die erstmal gar nicht so wild beginnt, wie ich vermutet hatte

„Kernel Panic“ empfängt mich unerwartet proggy im Stil der alten, progrockigen Vorbilder. Luftiges Guitarpicking auf Synthi-Hintergrund und Cleangesang – der sogar mehrstimmig! Mein Proggerherz macht einen Hüpfer und ich sinke in eine Badewanne Entspannung. The 80’s-YES-influence is strong in here! Es plätschert und groovt so vor sich hin, bis sich dann doch die Stimme ins Rotzige wandelt und das Schrot ausgepackt wird. Im Folgenden alterniert die Musik des Albums stetig zwischen mehr oder weniger schnellem Death Metal-Getöse und auflockernden, in sich wunderbar verdrehten Prog-Passagen.

Der Opener leitet sehr entspannt in das Album, die Stimmung verdichtet sich dann mit dem folgenden Song „As Decreed By Laws Unwritten“, der in stetig groovigem Mid-Tempo Trommelsalven und repetitive Schrotgitarren abfeuert. Kleine Spielereien mit Atonalitäten dazwischen geschoben, walzen die Riffs in einer unglaublichen Schwere alles nieder. Positiv zu vermerken ist der äußerst passige Einsatz des Gesangseffektes, der das Niederdrückende noch vereinnahmender werden lässt.

Melodiös ist auch auf jeden Fall anders, aber das braucht es hier auch gar nicht

Vor allem „In Turmoil’s Swirling Reaches“ zeigt im Reigen mit den zwei vorhergehenden Songs sehr schön die Komplexität des Albums. „Azagthoth“ offenbart diese beispielsweise fein ziseliert mit Percussion, Gitarrengekniedel und trippy Sphären, die sich im Laufe in ohrwurmtaugliche Brutalität wandeln. Wiederkehrend und für mich äußerst unterhaltsam sind die ab und an eingestreuten rhythmischen Verschiebungen. Daneben nervt mich allerdings schon bald die stetige Wiedeholung von Lyrics und Riffs… aber vielleicht muss ich da auch einfach noch reinwachsen.

Im Verlauf des Albums steigert sich die Brutalität und das Tempo enorm. Dass der Songtitel „Chaos Theory and Praxis“ wie der Titel eines vermutlich nicht uninteressanten Uni-Seminares anmutet, lässt mich doch ein wenig schmunzeln. Währenddessen staubsaugt mir die Death-Walze das Trommelfell frei. Feinstes Durchgeballer mit kontrastreich eingesetzten Ruhephasen und charakterstarkem Klausenitzer-Bass. Mit dem knapp 20-minütigen Finale „Rise Of The Cephalopods“ endet diese rasante und abwechslungsreiche Fahrt mit einem wahren Opus. Ruhige, vor sich hin plätschernde Schunkelpassage im 80’s-Sound an groovigem Schrot und Staubsauger, gespickt mit mehrstimmigen Flitzefingersoli … was zur Hölle geht denn hier ab?! Is this prog? Ich weiß es nicht, aber interessant ist es allemal. Ich könnte dir hier noch eine feingliedrige Beschreibung dessen, was passiert, abliefern. Mach ich aber nicht. Hör selbst mal rein.

Alles in allem keine leichte Kost – aber das hat doch auch niemand wirklich von den Jungs erwartet, oder?

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Wir heißen euch willkommen in einer Galerie voller Schrecken und Erleichterung. Ab sofort wird Cthulhu die 6 besten Cover des vergangenen Monats für euch zusammenfassen. Unterstützt wird er dabei von meiner Wenigkeit und einer/m monatlich wechselnden zweiten SILENCE-Sklaven/in. Für diese Ausgabe gibt Steffi ihre Favoriten des Augusts zum Besten. Meine Liste findet ihr dann unter ihrer.

III. BENEATH – Ephemeris
Veröffentlichungsdatum: 18.08.2017
Label: Unique Leader

Was hat dieses Albumcover, dass es mich zu einem Spontankauf inspiriert hat? Vermutlich das außerirdisch-technische, das der Band auch sehr gut zu Gesichte steht. Wer sich für Technical Death Metal interessiert, wird hier nach ganzer Bandbreite bedient: finster, abwechslungsreich, mit einer ganzen Menge wechselnder Rhythmen und doch in sich stimmig. Das 3. Album der Isländer ist definitiv nichts zum Headbangen, trotzdem sehr angenehm zu hören. Chapeau für das gelungene Artwork! Da geht jedem SciFi-Fan das Herz auf.

II. DIE APOKALYPTISCHEN REITER – Der Rote Reiter
Veröffentlichungsdatum: 25.08.2017
Label: Nuclear Blast

Da kommt ein musikalischer Meilenstein der Band auf uns zu: Das neue Album der Thüringer Ausnahmeband, das bisher überwältigend positive Reviews erhielt, ist ein gelungenes Zusammenspiel aus „alter“ Death Metal-Manier und neueren melodischen Elementen. Produziert von talentierten Musikern, angeführt vom charismatischen Sänger „Fuchs“, trägt das gute Stück als Cover passend eine Anlehnung an eines seiner Kunstwerke, das auch in Ausstellungen zu sehen war. Eine würdige Aufmachung also für ein bedeutungsvolles Album nach der gut einjährigen Pause.

I. DAGOBA – Black Nova
Veröffentlichungsdatum: 25.08.2017
Label: Nuclear Blast

Je länger man hinschaut, desto gemeiner wird es: Was von weitem an ein altes Kindergeburtstagsspiel erinnert, verbirgt beim genaueren Hinsehen haufenweise fiese, dennoch wahnsinnig ästhetisch angeordnete Details, die den Eindruck erwecken, als seien sie frisch dem Alptraum von letzter Nacht entsprungen. Die französischen Groove- /Industrialmetaler durften sich zuletzt immer steigenderer internationaler Beliebtheit erfreuen, auf dem neuen Album haben die elektronischen Elemente noch zugenommen. Für Freunde härterer melodischer Klänge sehr zu empfehlen!

III. THY ART IS MURDER – Dear Desolation
Veröffentlichungsdatum: 18.08.2017
Label: Nuclear Blast

Die Deathcore-Saufköpfe aus Australien bewegen sich musikalisch mehr dem Death Metal entgegen. Da sollte es niemanden überraschen, dass Klischees aus dem alten Genre vermieden werden sollen. Schon bei „Holy War“ entfernten sie sich von den ekligen Cover-Arts der Vorgänger, verhielten sich jedoch in der Bildsprache so zügellos, dass der Verkauf des Albums nur mit einer zensierten Vorderseite erlaubt wurde. Da liegt es nahe, dass ein stereotypischer Wolf im Schafspelz für das neue Album nicht ausreicht. Stattdessen nuckelt hier ein Lamm genüsslich an den Zitzen einer Wolfsmutter. Böse Zungen behaupten in der Hinsicht, das primäre Geschlechtsteil eines männlichen Wolfes würde im Mund des Tieres stecken. Damit wäre das Cover noch grotesker als es eigentlich schon ist.

II. STEVEN WILSON – To The Bone
Veröffentlichungsdatum: 18.08.2017
Label: Caroline International

Für aufgewühlte Fan-Herzen sorgte in diesem Jahr STEVEN WILSONs Ausflug nach Bollywood („Permanating“). Sein von langer Hand geplantes Pop-Album spaltete seine treuen Anhänger in zwei Lager. Zum Glück ist es dabei vollkommen egal, ob seine neue „glückliche“ Hälfte gute Musik macht, das Cover fetzt allemal. Mit dieser exzellenten Fotografie setzt sich die Zusammenarbeit mit dem Fotografen Lasse Hoile fort, der immer nur entweder seine Brillianz oder Unfähigkeit beweisen konnte. Dass es keinen Mittelweg gibt, zeigt die Rückseite des Albums eindeutig. Die Frontseite wird hingegen von diesem Foto verziert, das in seinem Aufbau und sogar Farbschema (Vergleiche mit DAVID BOWIE) den Pop-LPs gerecht wird, denen STEVEN WILSON mit seiner neuen Scheibe Tribut zollt.

I. PYRRHON – What Passes For Survival
Veröffentlichungsdatum: 11.08.2017
Label: Throatruiner 

Mensch, das ist ja schon das zweite Tier in meiner Liste! Dieses experimentelle Death Metal-Projekt hat nicht nur einen passenden Titel bekommen, sondern auch ein darauf zugeschnittenes Cover. Die mehrschichtige Arbeit von Caroline Harrison glänzt erneut mit der schieren Tiefe und Detailverliebtheit, die es einfängt. Schon bei „The Mother Of Virtues“ trug ihre grauenhafte, beunruhigende Illustration auf dem Cover zum aufreibenden Ton der Scheibe bei. Hoffentlich bleibt diese Kollaboration noch lange bestehen, schließlich wurde die Musik perfekt in Szene gesetzt. Bei jeder Veröffentlichung der New Yorker war allen Freunden rauer und abstrakter Musik klar: das hier ist Death Metal-Chaos pur!

Aus unserer Review-Kiste empfehle ich noch die folgenden Alben. Sie haben es zwar nicht in mein Ranking geschafft, sollten aber für ihr ausgezeichnetes Packaging und Design gelobt werden: THE HIRSCH EFFEKTs „Eskapist“ und KOLARIs „Fear/Focus“.

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Ein cooler Bandname ist die halbe Miete. Das bewahrheitet sich im Falle von GHOST TOAST einmal mehr. Sonst wäre mir diese eher unbekannte Prog-Rock-Band vermutlich durch die Finger geglitten. So durfte ich jedoch feststellen, dass die Kreativität der vier Ungarn über den Prozess der Namensfindung bei Weitem hinausgeht. Denn die neun Instrumentalstücke auf „Out Of This World“ machen dem Titel des Albums alle Ehre. Lasst euch also von der großen Hand im Himmel auf einen überirdischen Trip entführen!

Der Opener „Ka Mai“ beginnt verhalten, zieht jedoch nach rund 30 Sekunden mit kraftvollen Gitarrenriffs nach vorne. Ab da klebe ich mit beiden Ohren an den Boxen und sauge gierig jeden Ton in den Gehörgang. Extrem smoothe Bassläufe, vereinzelte Cello-Töne und komplexe Rhythmik versetzen mich in Ekstase. Gesang wäre hier völlig überflüssig, denn die Instrumente sprechen für sich. Die letzten eineinhalb Minuten reißen mit fantastischen Gitarren-Leads meine Armhaare endgültig gen Himmel. Während der Schlussakkord ausklingt, muss ich erst einmal durchschnaufen. Als Raucher bräuchte ich jetzt die Zigarette danach. Was für ein Auftakt!

FREILAUFENDER PROG ROCK

Doch servieren GHOST TOAST mit „Gordius“ direkt den nächsten musikalischen Leckerbissen. Die erste Minute besteht aus freilaufendem Prog Rock ohne Zusatzstoffe. Mit markanter Cello-Note versehen, offenbart das Stück seine aromatische Vielfalt. Schwungvolle Synthesizer-Passagen intensivieren das Geschmackserlebnis und sorgen für richtig Spaß in den Backen (Der Post-Rock-Gourmet mag sich hierbei an Kreationen aus dem Hause MASERATI erinnert fühlen.). Warmes Cello-Aroma, aufgepeppt mit knusprigem Gitarrenspiel Marke GOD IS AN ASTRONAUT, garantiert den perfekten Abgang. Ein akustischer Gaumenkitzel erster Güte!

Mit „Alia“ und „The Dragon’s Tail“ lebt die Band ihre Begeisterung für Soundtracks aus. Erstgenanntes Stück versetzt mich durch seine Flüster- und Sprachpassagen sowie die geheimnisvollen Synthie- und Cello-Klänge assoziativ in die Welt des Videospiels „Eternal Darkness“. Sanftes Gitarren- und Bassspiel bringen etwas Dynamik in den Song. Dennoch bildet das Stück nach der vorangegangenen Intensität einen willkommenen Ruhepol. Ganz im Gegensatz jedoch zum folgenden Titel.

FLUG ÜBER MITTELERDE … UND DER TIEFPUNKT DES ALBUMS

Trommeln in der Tiefe. Pianoklänge. Sanfte Hörner. Dann trägt eine kraftvolle Männerstimme in unbekannter Sprache eine Art Beschwörung vor. Christopher Lee tritt in wallendem Gewand als Saruman vor mein geistiges Auge. Und – bumm! Jetzt wird es richtig episch. Von Trommeln begleitet, fliegen Hörner und Cello in „The Dragon’s Tail“ über die endlosen Berge und Täler Mittelerdes. Nach der Ablösung durch weitere Sprachsamples sowie Piano- und Synthie-Klängen prog-rocken GHOST TOAST wieder hart. Schließlich trägt das Cello den Hörer hinaus und schließt Minas Tiriths Pforten hinter ihm. Absolut beeindruckend!

„Minotaur“ bildet den Mittel- und leider auch den Tiefpunkt des Albums. Also, kein allzu tiefer Tiefpunkt. Eher jammern auf hohem Niveau. Einen solchen „Tiefpunkt“ würden sich zahlreiche andere Bands wünschen! Von musikalischen Großtaten umringt, erscheint der Song einfach etwas weniger herausragend. Zumindest die ersten drei Minuten lang. Gemischt mit Cello-Spiel und Synthies, progt es hintenraus doch noch fein. Sorry, „Minotaur“, selbst in einer Eliteklasse muss es einen 2er-Schüler geben!

HULDIGT DER FRUCHTBARKEITSGÖTTIN!

Von mystischen Klängen getragen, schwebt nun „Kaia“ heran. Unter Percussions und Cello mischt sich orientalisch angehauchter Frauengesang. Auch der Bassist profiliert sich einmal mehr als elementarer Bestandteil des Klangkonstrukts. Nach fünf Minuten tritt der mehrstimmige weibliche Gesang komplett in den Mittelpunkt, die Bandmitglieder positionieren ihre Instrumente dabei wie Opfergaben um die Statue einer Fruchtbarkeitsgöttin. Die Thematik und der instrumentale Song erinnern unweigerlich an die Werke der Psychedelic-Rocker MY SLEEPING KARMA – definitiv ein Kompliment!

Hier findet ihr übrigens das komplette Album „Out Of This World“ bei YouTube

„KOKW calling, come in. KOKW calling, I’m on international frequency. Come in.“ Diese Worte eröffnen das Stück „Last Man“, das seine Inspiration aus dem Film „The Last Man On Earth“ (1964) zieht. Kraftvolle Prog-Riffs und zurückhaltendes Cello-Spiel ummanteln die eingespielten Zitate aus dem Sci-Fi-Horror-Klassiker. Wenn die Gitarre dabei mit Vollgas nach vorne prescht, fängt sie das Cello immer wieder mit melancholischen Melodien ein. Diese Art der Komposition jagte mir schon beispielsweise bei MAYBESHEWILL regelmäßig wohlige Schauer über den Rücken. Mit „Last Man“ stehen GHOST TOAST dem in nichts nach.

KRIECHT EIN SAXOFON DURCH DEN DSCHUNGEL …

Bei „Ishvara“ tritt das Cello einmal mehr an prominente Stelle. Auch hier trägt orientalisch klingender, klagender Frauengesang zur mystischen Atmosphäre bei. Diesmal gesellt sich jedoch ein männlicher Konterpart hinzu. Als „Ishvara“ bezeichnet man im Hinduismus übrigens den jeweils höchsten persönlichen Gott (danke, Dr. Wiki!). Erneut kommt man assoziativ kaum an MY SLEEPING KARMA vorbei. Während der Song gemächlich, vorbei an lianenverhangenen Tempeln, durch den indischen Dschungel kriecht, schlängelt gegen Ende sogar ein Saxofon aus dem Gebüsch. Sehr eindrucksvoll und klangfarbenfroh!

DAS GROSSE FINALE? NICHT GANZ …

Wer beim Schlussstück „Pawn Of Fate“ mit einem epischen Finale rechnet, dürfte vielleicht zunächst enttäuscht sein. Denn der letzte Song ist mit 3:12 Minuten Spielzeit zugleich der kürzeste des Albums. Macht aber nix. Nach einem letzten musikalischen Höhenflug geleiten GHOST TOAST den Hörer mit ruhigen Klängen zur Erde zurück. Es ist wie das sanfte Erwachen aus einem wunderschönen Traum. Mit dem Unterschied, dass es für „Out Of This World“ einen Replay-Button gibt, den ich nur zu gern betätige.

GHOST TOAST bei Facebook und Bandcamp

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Viele unterschiedliche Genres unter einem Dach zu vereinen, ist ja schon fast ein Muss, um irgendwie bekannt zu werden. Vor allem zwischen Progressive Metal und seinem etwas snobbigeren Bruder Progressive Rock sind die Grenzen oft fließend. Diese mir komischerweise bisher unbekannte Formation aus Brașov im Herzen Rumäniens liefert einen abwechslungsreichen Mix der beiden Stile. Nichtsdestotrotz kommen in diesem auch Anteile von extremeren Gefilden vor. Eigentlich vom eher mäßigen Cover abgeschreckt, hörte ich sehr gern, was mir hier geboten wurde. Wenn ich die Einflüsse dieser Gruppe aufzählen müsste, würde ich mir nur den Mund fusselig reden. So viel sei aber gesagt, bei ihrem Debüt lassen THE THIRTEENTH SUN nichts aus. Dafür hat sicher auch der Produzent Edmond Karban, auch bekannt als Hupogrammos (ex-NEGURĂ BUNGET, DORDEDUH), gesorgt. Neben seiner Funktion hinter dem Mischpult, sang dieser zusätzlich einige Passagen ein.

Kein Wunder, dass sich nicht nur die eine Riff in „Pathways“ verdächtig nach NEGURĂ BUNGET anhört. Für das Mastering war übrigens Martin Zeller verantwortlich, der bereits Erfahrung mit Hupogrammos Wünschen hat. Für das Debüt von dessen Projekt SUNSET IN THE 12TH HOUSE übernahm er ebenfalls den Mix. Den merkwürdigen Zufall, dass zwischen dem Psychedelischen Post Rock-Nebenverdienst von Hupogrammos und THE THIRTEENTH SUN ein Zusammenhang besteht, möchte ich jedoch nicht weiter kommentieren. Denn beim Silence gibt es keine Spekulation über Verschwörungen!

Unschuldig beginnt mit „Universus“ die Reise in ungeahnte Gefilde. Der an GHOST erinnernde, schwebende Clean-Gesang driftet vor sich hin. Dass er das gerade auf ähnlich päpstlichen Instrumenten macht, scheint kein Zufall sein. Weniger poppig und mehr progressiv präsentiert sich die Interpretation der Rumänier jedoch. Sobald der seichte Ausflug vorbei ist, drängen sie den Hörer mit wummernden Gitarren und etwas mehr Brutalität in der Stimme in die Ecke. Schön ist, dass sich solche Elemente oft auf dem gesamten Album finden lassen. Black und Death Metal-Elemente wie in „Universe Is Burning“ und „Planes Of Creation“ machen richtig Bock auf die harte Seite der Jungs. Bei letzterem Song unterstützen sich die beiden Gesangsarten sehr gekonnt. Generell wird zum Glück am Gesang gespart. So dürfen sich die Instrumente in den langen Pausen richtig entfalten.

Nach einem funkigen Intro eruptiert „Fabric Of Time“, entschleunigt sich und entfaltet die gesamte Vielfalt von THE THIRTEENTH SUN. Obwohl es an groovigen Stellen nicht mangelt, fängt die himmlische Atmosphäre mich immer wieder ein. Die dafür verantwortliche Kombination aus Gitarre, Bass und Synthesizer hätte so auch in einem Prog Rock-Album der 70er auftauchen können. Über das gesamte Album hinweg muss ich nur leider feststellen, dass das Schlagzeug nie die Sau rauslassen darf. Es übernimmt die Rolle im Hintergrund gekonnt und spielt halt vor sich hin. Lediglich an dieser Stelle hatte ich mir mehr erwünscht. Glorreiche und ausschweifende Riffs hingegen gibt es zu Genüge. Trotzdem kriege ich bei dem hallenden, in den Hintergrund tretenden Gesang das Bild des Papa Emeritus von GHOST nicht aus dem Kopf.

Diese Ähnlichkeit ist für THE THIRTEENTH SUN Segen und Fluch zugleich. Natürlich haben sie den typischen Prog Rock-Sound mit vielen anderen Elementen ausgeschmückt, aber die kontemporären Bands in der gleichen Sparte bieten halt ähnliche, verdächtig gleich klingende Qualitäten an den seichten Stellen. Wer sich aber neugierig auf ein – für ein Debüt – großartiges Album stürzen möchte, ist hier genau richtig. Außerdem sind die Einflüsse von Hupogrammos deutlich zu hören. Wer nach dem tragischen Tod des NEGURĂ BUNGET-Gründers eine Sehnsucht nach neuen Projekten der Band hat, sollte hier Verbündete im Geiste finden. Denn auch wenn Hupogrammos 2009 ausgestiegen ist; er trägt die musikalischen Einflüsse dieser legendären Band immer noch mit sich. Und ja, es klingt auch oft nach ARCTURUS, worauf ich nicht herumreiten wollte.

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Denn am 7.10. hat der Rockpool e.V., der zumindest in meiner Vergangenheit schon für zahlreiche schöne Konzertabende sorgen konnte, zwei hochkarätige Gäste geladen.

Zum einen spielen die französischen DOT LEGACY. Das Quartett tritt bereits zum dritten Mal in den hallenser Hallen auf und das zu Recht, denn die Jungs wissen definitiv zu überzeugen. Die 2009 gegründete Band spielt eine sehr eigenwillige Mischung aus angeprogtem Post Rock, Stoner und Funkeinflüssen. Auch wenn diese Mixtur verschriftlicht etwas verkopft und krude wirkt, kann ich nur unterstreichen, dass die Franzosen live definitiv zu unterhalten wissen, was sie bei den bereits hier absolvierten Konzerten ohne Zweifel unter Beweis stellen konnten. In diesem Sinne: willkommen zurück, Jungs!

Bei der zweiten Band des Abends handelt es sich um VALLEY OF THE SUN, die ihr Weg aus Cincinatti, Ohio, auch zu uns führt, um die Hörerschaft mit ihrem Desert Rock zu erfreuen. Das Dreiergespann verfügt über unverkennbaren Retrocharme, der merklich zu den Urvätern von KYUSS emporschielt, dabei aber genügend Eigenständigkeit mitbringt um nicht in die Belanglosigkeit abzudriften. Nach dem Abwechslungsreichtum der Franzosen werden VALLEY OF THE SUN somit wieder für etwas mehr Ruhe – oder besser: Geradlinigkeit sorgen.

Die beiden Bands werden an diesem Abend für eine interessante Mischung sorgen, denn sie erscheinen nicht zu gleichförmig und verfügen gleichzeitig immer noch über genügend gemeinsame Nenner, um Fans der einen Band auch die jeweils andere schmackhaft zu machen.

Der Eintrittspreis wird bei 5€ (+freiwillig mehr) liegen, Einlass ist um 20:00 Uhr, Beginn um 21:00 Uhr.

Wir sehen uns am 7.10.!

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