Es gibt Veröffentlichungen, die schon pure Freude auslösen, bevor auch nur ein Ton abgespielt. Die vorliegende Split der amerikanischen Bands SMOKE und DOOMSDAY PROFIT gehört zu dieser Gattung. Der Grund hierfür liegt in der Verpackung des Tonträgers, denn die Split hat nicht eines sondern gleich zwei bildschöne Coverartworks. Dalton Huskin, seines Zeichens auch Gitarrist und Sänger von SMOKE, hat mit zwei Bildern ein wirklich schönes Wende-Cover erzeugt, in dessen schauriger Ästhetik sich die Betrachtenden verlieren können. Doch damit nicht genug, denn auch die Schallplatten mit ihrem blau-pinken Schleier beglücken nicht nur auf dem Plattenteller das Auge.

Heavy Psych aus Lynchburg, Virginia

Auf der A-Seite geben sich SMOKE aus Lynchburg, Virginia die Ehre. Knapp zwanzig Minuten lang versetzen die drei Stücke die Hörenden in einen Zustand der Trance inmitten endzeitlicher Finsternis. Psychedelic Rock der besonders schweren Sorte rauscht von den Appalachen bis zur Ostküste und von dort aus in die unendliche Leere. SMOKE wabern ungebremst zwischen Summer of Love und Ende der Welt hin und zurück, ohne die Orientierung zu verlieren. Dabei lassen sie die Spannung konstant steigen, während sie mit kleinen Schnörkeln für zusätzliche Kurzweil sorgen.

Vor allem mit dem Opener „Appalachian Black Magic“ stellen SMOKE ihre Fähigkeiten und Fertigkeiten unter Beweis. Die neu gemasterte Version des ursprünglich 2023 als Single erschienenen Stückes „Scavenger“ setzt zusammen mit „Hellish Rebuke“ die musikalische gekonnt fort. Auch wenn die beiden Titel nicht ganz an das Potential von „Appalachian Black Magic“ rankommen, fügen sie sich gut in das psychedelisch-eschatologische Gesamtkonstrukt ein.

Acid Sludge aus Durham, North Carolina

Die zweite Seite der LP gehört DOOMSDAY PROFIT, welche knapp 120 Kilometer südlich von der Heimatstadt von SMOKE residieren. Schon ab dem ersten Klang des Openers „No Salvation“ wird offenbar, dass diese Seite der Split als zweites gehört werden sollte. Die Steigerung an Intensität, Schwere, Dunkelheit und Härte, die sich auf der A-Seite manifestiert, wird hier direkt weitergeführt. Hier vermengen sich Klänge aus den tiefen Abgründen der menschlichen Seele mit dem dichtem Sumpf der Südstaaten und mit einer Aussicht, die auf ein finsteres Ende hindeutet. Unbarmherziger Sludge, meditativer Doom Metal und feine Nuancen des Southern Rock verbreiten hier gemeinsames Unheil.

Die B-Seite der Split klingt deutlich nüchterner, und DOOMSDAY PROFIT präsentieren ein in sich stimmiges Narrativ aus Ausweglosigkeit und Finsternis. Giftig und gnadenlos zeigt die Band auf die dunkelsten Abgründe menschlichen Handelns und weist dabei direkt auf das unvermeidbare Ende allen Lebens hin.

Rote Fäden und kleine Mäkel

Die Split von den Bands aus dem Upland South lässt sich schön am Stück durchhören, da beide Bands musikalische rote Fäden gesponnen haben. Sowohl innerhalb der beiden Seiten als auch übergreifend ist das Split-Album rund und spannend gestaltet. Dass die Performance von SMOKE ab etwa der zehnten Minute leicht schwächelt, und der Beitrag von DOOMSDAY PROFIT recht kurz ist, sind dahingehend nur kleine Mäkel eines insgesamt sehr starken Releases.

bandcamp Profil von SMOKE
Homepage von DOOMSDAY PROFIT

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von DOOMSDAY PROFIT zur Verfügung gestellt.

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Kürzlich habe ich MUSICFRIDAY #50 die Veröffentlichung von MARAGDAs selbstbetiteltem Debütalbum angekündigt. Nun möchte ich auf Worte noch mehr Worte folgen lassen, indem ich mich dem gesamten Werk widme. Das sieben Lieder starke Album erscheint bei den beiden spanischen Labels Nafra Records und Spinda Records sowie dem peruanischen Label Necio Records, welches zu meinen Lieblingslabels zählt. Zu hören gibt es auf etwa einer halben Stunde Spielzeit die musikalischen Erzeugnisse von Marçal (Bass, Synths, Gesang), Xavi (Schlagzeug, Gesang), und Guillem (Gitarre, Synths, Gesang). Das Trio aus Katalonien hat mit seinem Debüt eine zusammenhängende Reihe von Liedern veröffentlicht, in denen sie eine fantastische Geschichte erzählen.

Nach der Katastrophe

MARAGDA erzählen hier die fiktive Geschichte des Maragda Volkes, das sich nach einem verheerenden Unheil in die Tiefen des Untergrunds zurückgezogen hat. Nach Jahren des Ausharrens sind die Erinnerungen an das Leben auf der Erdoberfläche bereits restlos verblasst. Doch auch der Rückzugsort ist kein Paradies, denn hier herrscht The Core – ein unbarmherziges und unterdrückerisches, totalitäres Regime. Und so geschah es eines Tages, dass sich eine fremde Stimme in den Köpfen der Maragda bemerkbar machte, die zu den Unterdrückten sprach. Einige Rebellen erkannten diesen Ruf und machten sich auf, um die Geheimnisse der Vergangenheit und der Zukunft der Maragda zu erforschen.

Finster und farbenfroh

Das spannende Narrativ wird in einer vielfältigen Mischung aus musikalischen Stilen dargeboten. MARAGDA spielen eine progressive und oft sehr mächtige Spielform des Psychedelic Rock, die sich oft an fuzzgeladenem Garage Rock reibt. Krautrock Passagen sorgen vor allem im Rhythmus für zusätzliche Energie, während die Synthesizer Klangwelten voller Farbenpracht zaubern. Mit ihrem Heavy Psych untermalen MARAGDA die aufregende Stimmung der Geschichte wunderschön, indem sie Neugier, Dunkelheit, Hoffnung und Ungewissheit in Szene setzen. So bleibt es inhaltlich wie auch musikalisch von Anfang bis Ende spannend.

MARAGDA auf Bandcamp

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Auf ihrem ersten Album bedienten MAYA MOUNTAINS noch reichlich Kifferklischees. Das 2009 erschienene Werk trug den Namen „Hash and Pornography“ und enthielt Titel wie „My TV, My Sofa, My Food“. Danach konzentrierten sich die drei Musiker aus Venedig erstmal wieder auf andere musikalische Projekte. Vor fünf Jahren machten sich Marco Bortoletto, Emanuel Poletto und Alessandro Toffanello wieder gemeinsam an die Arbeit an neuer Musik. Es sollte ein langer Schreibprozess werden, durch den ein in sich stimmiger Output entstehen sollte. Zwischen fantastischen Traumwelten, bretternden Riffs und neu gefundener Stärke wurde letztendlich ein krachend lautes Themenalbum produziert.

Wo bin ich hier aufgewacht?

Das zweite Album von MAYA MOUNTAINS erzählt die Geschichte des Enrique Dominguez, welcher im ersten Track vorgestellt wird. In dieser grenzüberschreitenden Erzählung erwacht Dominguez in einer Wüste, nachdem der Landstreicher einen Zeitsprung erlebt hat. Schnell stellt er fest, dass diese Welt nicht sein Heimatplanet ist. Noch schlimmer ist, dass der Fremde Himmelskörper ihn nicht freudig zu erwarten scheint. Der unfreiwillige Reisende durchlebt heftige Halluzinationen, als er durch eine verlassene Stadt wandert. Dort sieht er, dass er nicht alleine ist. Minotauren und Cerbera tauchen auf und machen sich auf die Jagd auf Dominguez, da sie das Verlangen verspüren, dessen Blut zu trinken. Verängstigt findet sich der verwirrte Passagier auf einem heiligen Turm wieder, wo ihm ein Zauberer begegnet. Mit einer Katzenmaske wiederholt er die heiligen Gesänge des Fremden, bis sich Enrique Dominguez in einen Himmelskörper verwandelt und fortan ewig seine Bahnen zieht.

Trippy, fuzzy, loud

Die Geschichte, die das Album erzählt, könnte sowohl aus luziden Träumen, halluzinogenen Drogenerfahrungen oder echt guten Drehbüchern stammen. Darüberhinaus vertonen MAYA MOUNTAINS diese abgefahrene Geschichte, genau so wie sie sich anhört. Kratziger Stoner und Desert Rock mit maximal überdrehtem Fuzz brennt heiß wie tausend Sonnen, während psychedelische und echolastige Harmonien durch Zeit und Raum schweben. Musikalisch liegt das zweite Album der drei Venezianer grob zwischen BLACK SABBATH, HERMANO, den MELVINS und DAILY THOMPSON. Trippiger Wüstensound mit Hang zum Raketenstart verzahnt sich mit mitreißenden Wachträumen.

Ab Mitte April wird „Era“ als CD, LP und als Download über das Label Go Down Records erhältlich sein. Wer sich gerne in Musik verliert oder sich von psychedelischen Jams treiben lässt, sehr viel Freude mit diesem Album haben. Auch Stoner Rock Fanatiker können Gefallen an „Era“ finden, sofern ihnen die psychedelischen Ausreißer nicht zu viel werden. Als großes Finale haben MAYA MOUNTAINS nämlich zu Ende des letzten Tracks „El Toro“ noch ein ganz besonders abgefahrenes Schmankerl eingebaut.

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Die VILLAGERS OF IOANNINA CITY sind in den ersten zwölf Jahren ihres Schaffens außerhalb ihrer heimischen Region Epirus in Griechenland kaum aufgefallen. Es gab seit Gründung eine Promo CD, ein Album und eine EP. Aber so richtig wollte der progressive Post Rock mit Einschlag griechischer Folklore nicht zünden und so blieben die Musiker vorerst eher unbekannt. Ich selbst habe die älteren Veröffentlichungen auch erst kürzlich das erste Mal angehört und war nur mäßig unterhalten. Letztes Jahr aber erschienen die ersten Teaser für das zweite Album „Age of Aquarius“, das jetzt endlich bei Napalm Records erhältlich ist. Mit ihrem neuen Album ist der Band aus Ioannina eine komplette Neuerfindung gelungen, mit der sie bereit sind, alles abzureißen.

Wie eine psychedelische Rakete

Mit leisen aber großen Schritten bauen die VILLAGERS OF IOANNINA CITY das Thema im Eröffnungstrack „Welcome“ auf. Herzlich Willkommen im Zeitalter des Wassermanns, dessen Beginn 5TH DIMENSION schon vor einem halben Jahrhundert besungen haben. Von hier an startet die Band gnadenlos durch, indem sie ein kunterbuntes Feuerwerk progressiver, melodischer und psychedelischer Rockmusik feuert. Die atemberaubenden Bilder, die auf „Age of Aquarius“ gemalt werden verbinden die harmonischen Klänge von MY SLEEPING KARMA mit der Intensität von ROTOR und dem intelligenten Post Rock von NOORVIK. Wie auf einer Achterbahn, die durch bunte Tunnel fährt nehmen VILLAGERS OF IOANNINA CITY Fahrt auf und produzieren vorzügliche, abwechslungsreiche und intelligente Musik. Als Sahnehäubchen fungieren die folkloristischen Elemente, welche ein wunderschönes Alleinstellungsmerkmal sind.

Beeindruckend und unikat ist auch das Line Up der Band. Neben den üblichen Instrumenten einer Rockband kommen hier auch Klarinette, Sackpfeife und Kaval zum Einsatz. Letzteres ist eine besonderes Flötenform, die man vor allem in Süd- und Osteuropa bis nach Vorderasien findet. Mit dieser Besetzung lässt es das Quintett ordentlich krachen und spannt gewaltige Bögen aus harmonischem, psychedelische und dennoch lauten Sound. So schaffen sie es, dass wirklich jeder einzelne Track Hitpotential hat. Meine persönlichen Favoriten sind „Father Sun“ und „For the Innocent“, aber es gibt wirklich keine Lückenfüller oder Aussetzer.

Progressive Folk Jam

Der Aufbau der einzelnen Songs erinnert an entspannte Jam Sessions, bei denen Takt um Takt die Intensität zunimmt. Oft beginnen die Lieder auf „Age of Aquarius“ in Form von eingängigen Blues- oder Rockmustern, die dann immer weiter modifiziert werden. Aber anstatt die Songs kaputtzujammen wird hier jede noch so einfache Basis innerhalb kurzer Zeit zu einem Kaleidoskop vorzüglicher Musik. Besonders im ruhigen Stück „Millenium Blues“ beweisen die VILLAGERS OF IOANNINA CITY, was man alles aus einer simplen Jam herausholen kann.

Auf Plattformen wie YouTube und Spotify gibt es „Age of Aquarius“ bereits seit einiger Zeit zu hören und seitdem läuft es bei mir auf Hot Rotation. Die VILLAGERS OF IOANNINA CITY haben nicht nur ihre alten Werke gestellt. Das neue Album ist in meiner Einschätzung ganz klar ein Anwärter für das Album des Jahres. Von vorne bis hinten stimmt hier einfach alles und jeder Moment, jeder Ton, jede Harmonie auf diesem Werk sind makellos.

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Mit ihrem vierten Studio-Album machen UNCLE ACID & THE DEADBEATS keine Gefangenen. „Wasteland“ soll nicht nur die konsequente Weiterentwicklung des etablierten „Melodic-Stoner“-Sounds, sondern auch einen Schritt in neue Songwriting-Gefilde darstellen. Das ist insofern nötig, als dass sich beim Sound der Engländer seit der Bandgründung 2009, abgesehen von einigen Änderungen in der Bandaufstellung, nicht herausstechend viel entwickelt hat. 

Mit Konzept und einer Menge Fuzz ins dystopische Wasteland

Im Vordergrund steht dabei im Falle von „Wasteland“ erneut eine Vision von Namensgeber und Bandkopf Kevin „Uncle Acid“ Starrs. In gewohnt hoher Tonlage besingt er durch die Wand an vorgeschalteter Verzerrung den Untergang des freien Willens in einer fiktionalen dystopischen Zukunft. Die Menschen des Wastelands sind alle gleich und haben keine Erinnerungen an das, was einmal war. Einzig im Untergrund scheint sich ein Widerstand aufzubauen.

UNCLE ACID reihen sich mit diesem Release in die Riege ambitionierter Metal-Konzeptalben ein und enttäuschen gerade auf textlicher Ebene kein Stück. Das Gefühl einer kohärenten Science-Fiction Geschichte wird durch die Texte erst erweckt, vom dynamischen und abwechslungsreichen Songwriting vorangetrieben und durch Kevin Starrs authentische Inszenierung abgerundet.

Wer sich im Stoner- und Doom-Metal zuhause fühlt, der weiß: Produktion und Sound sind alles. Und auch hier enttäuscht „Wasteland“ nicht. Wie bereits auf den vorangegangenen Platten setzen die Jungs auf Produktionstechnik der alten Schule. Das gesamte Album wurde „live and straight to tape“ aufgenommen, so Kevin Starrs. Am meisten profitieren davon Atmosphäre und Authentizität. Denn ein dystopisches Science-Fiction Konzeptalbum im Stile einer 70er Psychedelic-Rock-Band mit Metal-Einschub glaubwürdig rüberzubringen, ist nicht die einfachste Aufgabe.

Die acht Songs der Platte lassen sich dabei grob in zwei Kategorien einordnen. Auf der einen Seite stehen energetische, kontinuierlich „rollende“ und allgemein recht zugängliche Stoner-Rock Songs der Marke „I See Through You„, „Stranger Tonight2 und „Shockwave City“. Letzterer weiß mit einigen der spaßigsten Parts des gesamten Albums zu überzeugen. Dadurch hat er sich zu einem meiner Lieblingssongs der Scheibe gemausert. Dieser Track, wie auch der Rest des Albums, vermitteln durch die Kombination aller Produktions- und Songwriting-Elemente ein sehr theatralisches, „filmisches“ Gefühl. Das ruft Gedanken an Filmklassiker wie „Die Körperfresser kommen!“, aber auch „Mad Max“ wach.

Auf der anderen Seite stehen die ruhigeren und langatmigeren Songs wie „No Return“, die vermehrt Doom-Elemente einbinden und deutlich „heavier“ daherkommen. Ein ganzes Album in diesem Stil wäre auf die Dauer sehr eintönig. Aber wie schon erwähnt, sorgt die Kombination all dieser verschiedenen Einflüsse und Stile für die Abwechslung, durch die „Wasteland“ schlussendlich so viel Spaß macht.

Trotz alledem gibt es eine Art Wermutstropfen: „Wasteland“ bedarf bei den meisten Hörern wahrscheinlich zunächst einiger Kompromisse. So ist es nicht nur der gezielt rückständige Sound, sondern auch die generelle „Weirdness“ des Gesangs und die beabsichtigte Wiederholung vieler Parts, die im ersten Moment abschrecken könnten. Gerade bezüglich der Vocals ist das auch gut nachvollziehbar. Schließlich können sie in einzelnen Akzenten doch arg vordergründig und fast aufdringlich wirken. Aber das alles ist Kritik auf einem sehr hohen Niveau.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von Niklas Krohn

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Donnerstag, 12.04.2018

Los geht’s für mich mit einem wahren Heimspiel. INTO THE VOID  aus Bad Frankenhausen eröffnen das diesjährige Stoned auf der Zeltbühne. Ihr doomiger Sludge ist zu Beginn schon ein heftiger Schlag in die Fresse und deswegen bin ich etwas überrumpelt. Das ist mir tatsächlich etwas zu derb, um gemütlich in das Wochenende zu starten. Trotzdem wissen die Jungs auf der Bühne was sie am besten können: nämlich authentisch-brachialen Sound erzeugen.

In ganz anderen Gewässern fischen da schon THE DWARVES. Das Quartett um Nick Oliveri hat sich vor allem einem verschrieben – stumpfem Rock! Wer großen Wert auf viel Gefühl und Melodie in der Musik legt, wird hier vermutlich schreiend die Flucht ergreifen. Die Jungs aus San Francisco hinterlassen aber trotzdem bleibenden Eindruck. Sollte mich in Zukunft jemand fragen, was ich von der Show in Erinnerung behalten habe, so kann es nur eine Antwort geben: „Prollige Ansagen und Rumpelsongs!“ Ich weiß bis jetzt nicht so wirklich, was ich von der Truppe halten soll, denn einerseits gehen ihre Songs schon durch Mark und Bein, aber auf der anderen Seite sind ihre Texte und Ansagen schon ganz schön drüber.

Gesitteter wird es da schon mit WUCAN, obwohl die Dresdner auch ordentlich Feuer im Hintern haben. Auf Platte weiß ich von den Flötenrockern immer nicht so recht, was ich von ihrer Musik halten soll, aber Auftritte von WUCAN sind jedes Mal ein Erlebnis. Sängerin Francis hat (wie immer) eine unglaubliche Ausstrahlung, die die Meute vor der Bühne einfach nur mitreißt. Ob nun „Dopetrotter“ oder „Franis Vikarma“ – hier greift einfach jeder Song in das – in diesem Moment – „krautrockverliebte“ Publikum.

Während ich mir bei einem kühlen Bierchen eine Auszeit von der Sonne nehme und mit Kollegen über Gott und Stadionrock plaudere, erklingen von der Bühne plötzlich stadionrockähnliche Klänge. Geil, THUNDERMOTHER! Schon oft von ihnen gehört, aber nie so wirklich damit beschäftigt. Die 4 Damen aus Stockholm heizen die ohnehin schon heiße Stimmung nochmal um ein ordentliches Stück auf. Als dann auch noch auf der Gitarre getappt wird, ist das Stadionfeeling perfekt. Ihre Hymnen haben definitiv das Potential, große Hallen zu füllen!

Nach den 4 Damen geht es mit 2 Herren aus Hamburg weiter. THE PICTUREBOOKS sehe ich heute zum ersten Mal. Auf Platte ist ihr bluesiger Rock schon eine anständige Nummer, aber live sind ihre Songs nochmal eine ganze Nummer greifbarer. Neben den Songs, die die Stoner allesamt mitreißen, wissen mich vor allem die Ansagen zu überzeugen. Jedes getroffene Wort von Sänger und Gitarrist Fynn Claus Grabke kann ich so unterschreiben und mit einem Kopfnicken quittieren. Er bringt das Feeling des Stoned auf den Punkt: „…endlich mal raus aus der Welt der ganzen Koksnasen und sein, wie man will!“ Amen!

So schnell kann es gehen, da ist der erste Tag schon wieder vorbei. Aber ein ordentlicher Hammer wartet noch. Nur für diesen einen Auftritt sind ORCHID extra aus San Francisco angereist. Wenn die Jungs nicht hart Bock auf diesen Auftritt hätten, müssten sie wahrscheinlich sehr viel Zeit übrig haben. Zum Glück haben sie aber ordentlich Lust auf ihre heutige Messe. Mit sichtlich Spaß rocken sich die „Sabbath-Liebhaber“ durch ihr gut einstündiges Set, ohne auch nur in einer Sekunde einen Energieabfall zu erleiden. Sänger Theo Mindell freut sich sichtbar seines Lebens und hier auf der Bühne zu stehen und hat sich auf jeden Fall den Titel „Fettestes Grinsen des Wochenendes“ verdient.

Auch wenn mir noch ein paar meiner Lieblingssongs gefehlt haben, war das auf jeden Fall ein würdiger Abschluss des ersten Tages. Moment, im Partyzelt geht’s ja noch weiter, denn Veranstalter Fred legt die fettesten Beats der letzten 5 Jahrzehnte auf!

Freitag, 13.04.2018

Was ist das schlimmste nach durchfeierter Nacht auf einem Festival? Richtig, früh morgens im Zelt von 10.000 °C geweckt zu werden. Zum Glück geht es mir nicht mehr so, denn ich habe mir so ein herrliches „Schwarz-Weiß-Zelt“ gegönnt (Grüße gehen raus an Decathlon!). Nachdem ich dann doch gegen Mittag erwacht bin, geht es erstmal Richtung See, die Sünden der letzten Nacht abwaschen. Darunter leiden müssen RED STONE CHAPEL, die ich leider nicht mit meiner Anwesenheit beglücken kann. 

Für mich startet der Freitag mit HAVE BLUE auf der Zeltbühne. Und was für ein Start das ist! Ihr psychedelischer Garage Rock bringt mich sofort wieder auf Betriebstemperatur. Selten habe ich in den Jahren, seitdem ich das Stoned besuche, so einen grandiosen Sound auf der kleinen Bühne vernommen. Gut, einen Großteil dazu trägt auch die Band bei, aber hier haben wirklich alle fantastische Arbeit geleistet. Ich prophezeie jetzt einfach mal, dass diese Kapelle noch eine große Zukunft vor sich hat, denn sie ist rundum authentisch und in Sachen Songwriting können sich einige was abgucken.

Raus aus dem Zelt, rein in die pralle Sonne zu ELEPHANT TREE. Von den Briten habe ich schon oft gehört, aber ihre Alben nie bewusst gehört, was ich jetzt schnellstens ändern werde. Ihr knarziger Psych Stoner Doom erinnert schon stark an MARS RED SKY und bekommt durch den Gesang eine ganz eigene Note. Die Stimmen von Gitarrist Jack Townley und Bassist Peter Holland ergänzen sich so perfekt, dass Melodien, die nicht mal so innovativ sind, zu einem starken Gesamtkunstwerk werden. Gegen Ende des Auftritts muss ich mir aber ein schattiges Plätzchen suchen, denn der Planet ballert unaufhörlich.

Kühler sollte es eigentlich mit DOWNFALL OF GAIA werden. Pustekuchen, auch ihr Sludge-Crust-Post-Metal kühlt, außer das ohnehin schon kalte Bier, rein gar nichts ab. Die internationale Combo ist für mich eine Band, bei denen einfach der komplette Auftritt auf mich wirken muss und ich voll und ganz in der Musik vertieft sein muss. Leider wird das durch einen Stromausfall kaputt gemacht. Ok, da kann die Band nichts dafür, aber trotzdem ist meine Stimmung danach im Eimer und ich nutze die Zeit, um mir was zwischen die Backen zu klemmen und kurz am Zelt nach dem Rechten zu schauen.

Dieser Kontrollgang gestaltet sich allerdings etwas länger, weshalb ich THE DEVIL AND THE ALMIGHTY BLUES sausen lasse. Gesprächsthema Nummer 1 am Camp: Wie kann ich auf einem Festival unerkannt unterwegs sein? Korrekt, mit einer Vokuhila-Perücke und einem Decknamen! Bester Deckname: Ingo Knito! So wirst du sicherlich von niemandem erkannt.

Es reicht jetzt aber auch wieder mit Dummquatscherei und deswegen tragen mich meine Tentakel zu UFOMAMMUT. Die italienische Doom-Walze gibt vor allem Songs vom im letzten Jahr erschienenen Album „8“ zum besten, welche hier auf der Bühne genauso drücken wie auf dem heimischen Plattenteller. Ich fühle mich derart in den Boden gestampft, dass ich den Typen, der meint, auf die Bühne springen zu müssen und die Band zu lobpreisen, nicht so recht verstehen kann. Die Musiker ziehen ihr Ding trotzdem ganz unaufgeregt durch und prügeln eine dröhnende Wand nach der anderen auf die Hörerschaft. Was hier soundtechnisch fabriziert wird, ist schon allerhöchste Dronekunst und sorgt für leichte Stresssymptome bei den Boxen.

Da hat es die Anlage bei LONG DISTANCE CALLING schon einfacher, denn zumindest muss sie hier keinen Gesang einarbeiten, den gibt es nämlich nicht. Ähnlich wie bei DOWNFALL OF GAIA muss mich bei LONG DISTANCE CALLING einfach der ganze Auftritt verzaubern. Und wie er das macht! Sowohl Sound als auch Stimmung vor, auf und neben der Bühne befördern mich in dieser einen Stunde ganz weit weg. Das macht definitiv Lust auf mehr und deswegen beschließe ich, während die Jungs noch spielen, ihre Tour Ende November zu besuchen.

Dass EYEHATEGOD nicht viel von Verzauberung halten, sollte kein großes Geheimnis sein. Viel mehr geht es hier um Zerstörung, den berühmten Schlag in die Fresse und andere Perversitäten. Kurz bevor die amerikanische Sludge-Legende die Reise über den großen Teich antrat, wurde bekanntgegeben, dass sie nur noch als Quartett auftreten, da Gitarrist Brian Patton die Band nach 25 Jahren verlassen hat. Dem Sound auf dem Stoned tut das keinen Abbruch, denn mit nur einer Gitarre klingt alles nochmal eine gute Portion stumpfer. Viel überraschender ist aber für mich, was für einen fitten Eindruck Sänger Mike Williams auf der Bühne macht. Ich glaube, nicht viele Leute würden heute so aktiv auf der Bühne stehen, wenn sie vor nicht einmal zwei Jahren eine neue Leber eingepflanzt bekommen hätten. Das stimmt mich trotz der brutalen Musik und Texte glücklich, dass dieses Stück menschliche Musikgeschichte noch unter uns weilt. Mit „Peace Thru War“ wird das Kapitel „Freitag der 13.“ auf dem Stoned geschlossen und der Auftritt von EYEHATEGOD ist vor allem eins: ein erhobener Mittelfinger gegen alles und jeden!

Feierabend? Niemals… Aufgrund von Planungsproblemen bei der Tour, beehren uns die New Yorker Garage Punks DIRTY FENCES nun noch im Partyzelt. Wahrscheinlich hätte es keine andere Band im diesjährigen Line Up gegeben, die es um diese späte Uhrzeit geschafft hätte, der wilden Partymeute besser einzuheizen als die 4 Jungs aus Big Apple. Auch wenn sich ihre Songs schon sehr stark ähneln, gibt es wahrscheinlich keine besseren „Partykickstarter“ als „Goodbye Love“ oder „Teen Angel“. Das Fundament für eine weitere wilde Feiernacht ist also geebnet!

Samstag, 14.07.2018

Alle ersticken im Zelt – ich nicht! Herrlich, diese neuen Teile. Ich kann es nicht oft genug sagen. Nach dem morgendlichen Badegang im Alperstedter See, beginnt der Tag musikalisch mit TSCHAIKA 21/16. Was ist das für eine verrückte Combo? Irgendwie passt hier nichts zusammen und doch machen die Berliner um ROTOR-Gitarrist Tim und OHRBOOTEN-Drummer Onkel alles richtig. Ihr großes Chaos verwandelt die Zeltbühne im Handumdrehen in ein Tropenhaus. Völlig unberechenbar zocken sie die Songs ihres Debüts „Tante Chrystal Uff Crack Am Reck“ runter und als Sören mit der Trompete die Bühne betritt, ist die Unordnung perfekt.

Draußen an der frischen Luft geht es mit den Kanadiern DOPETHRONE weiter. Irgendwie komme ich mit ihren neuen Songs vom kürzlich erschienenen Album „Transcanadian Anger“ noch nicht so richtig klar, aber altbekannte Songs wie „Dark Foil“ oder „Scum Fuck Blues“ schlagen wie eine Bombe ein. Als bei Letzterem auch noch BONGZILLA-Fronter Muleboy die Bühne betritt, ist die ganze Show perfekt. Wahrscheinlich verkörpert niemand den Liedtitel besser als DOPETHRONE-Sänger Vincent und Muleboy. Zwei richtige Outlaws eben.

Auf THE MACHINE hab ich mich mit Abstand am meisten auf dem diesjährigen Stoned gefreut. Besonders gespannt war ich auf ihren neuen Bassisten Sander Haagmans, vielen von SUNGRAZER bekannt. Nachdem gestern ihr neues Album „Faceshift“ veröffentlicht wurde, werden mit dem Titelsong und „Crack You“ auch gleich zwei neue Songs zum Besten gegeben. Als dann noch SUNGRAZERs „Common Believer“ angestimmt wird, ist die Party perfekt und die Bierfontänen im Publikum nehmen kein Ende. Bei diesen Temperaturen ist das nicht mal eklig, sondern eine willkommene Erfrischung.

Während SONS OF OTIS spielen, muss ich mir erstmal eine kleine Auszeit gönnen und bei einer kühlen Blondine akklimatisieren.
HOT LUNCH kannte ich bisher nur vom Namen. Ihre Musik ist das komplette Gegenteil vom Wetter. Während ich langsam keine Lust mehr auf den Planeten habe, machen die Jungs aus San Francisco richtig Spaß und sind eine musikalische Erfrischung. Ihr Garage-Surf-Acid-Punk-Mix geht sofort ins Ohr und benötigt nahezu keine Anlaufzeit. Leichte Kost in harten Situationen – so muss das sein!

Ich will nicht sagen, dass es jetzt noch anspruchsloser wird, aber ein bisschen etwas von wildgewordenen Neandertalern haben BONGZILLA schon. Sänger und Gitarrist Muleboy ist die gesteinigte Verrücktheit in Person. Wie immer werden größtenteils Songs vom 2002er-Album „Gateway“ gespielt. Als dann aber, während ich gerade auf dem Weg Richtung Dixi bin, „Weedy Woman“ von „Amerijuanican“ erklingt, sagt mir meine Blase sofort: „Promillo, hiergeblieben!“ Ich glaube, das war das erste Mal, dass ich was von diesem Album live höre und deswegen wird mir dieser Auftritt noch länger in Erinnerung bleiben.

Eine wahre Stoner Rock-Legende beschließt nun auch schon das diesjährige Stoned. Mit NEBULA konnten Fred & Co. KG keinen besseren Abschluss organisieren. Ich begutachte den Auftritt von der Bühne und bin ziemlich überrascht, wie jung und frisch die Musiker von hinten aussehen. Seit über 20 Jahren sind die Jungs aus Los Angeles nun schon unterwegs, scheinbar ohne Schaden genommen zu haben. Als ich ihre Gesichter dann jedoch erblicke, sieht man ihnen ihr Alter aber schon an. Also denkt daran, wenn ihr von vorn nicht mehr so frisch wirkt, achtet darauf, dass ihr wenigstens von hinten noch geil ausseht! Neben „To The Center“, „All The Way“ und „Long Day“ werden sämtliche anderen Stoner-Hymnen zum Besten gegeben, die diese Szene maßgeblich mit beeinflusst haben. In meinen Augen war das der beste Stoned-Abschluss, den ich bisher auf diesem Festival erleben durfte. Frisch, bekannt und mit einem Sound ausgestattet, der einen einfach nur träumen lässt.

Fazit

Tja, was bleibt über das Stoned zu sagen. Für mich bleibt es einfach das Festival Nummer 1, wenn es um Gemütlichkeitsrock geht, auch wenn es mit dem Freak Valley harte Konkurrenz hat. Wobei, von Konkurrenz kann man hier gar nicht sprechen, eher Bereicherung. Denn einen wirklichen Konkurrenzkampf gibt es in dieser Szene wohl kaum, da sie eine riesige Familie ist!
Einen klitzekleinen Kritikpunkt gibt es trotzdem. Von mir aus könnte die Aftershowparty ruhig etwas länger gehen. Oder ihr könnt die Musik auch ab 3.30 Uhr leiser machen, aber bitte lasst sie nicht komplett verstummen!

Bis nächstes Jahr, STONER!

Wer Interesse daran hat, verschiedene Undercover-Festivalgäste (inklusive mir!) zu sehen, sollte sich die Slideshow nicht entgehen lassen!

Der Beitrag Stoned From The Underground 2018 – Familientreffen auf dem Erfurter Glutacker erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Früher wollte ich meinen Eltern nie glauben, als sie mir sagten, dass die Zeit nur so verfliegt. Mittlerweile merke ich es selbst. Ein Jahr fühlt sich maximal wie 4 Monate an, wenn überhaupt. Irgendwie rauscht alles nur so an einem vorbei und doch hat es etwas positives: Endlich steht das Stoned From The Underground wieder vor der Tür. Vom 12.-14. Juli findet das diesjährige Stoned wieder am Alperstedter See in Erfurt-Stotternheim statt.

Musikalisch geht es im Stonermekka dieses Jahr ganz schön in die Breite! Von Sludge (EYEHATEGOD, DOPETHRONE) über klassischen Doom (ORCHID) bis hin zum klassischem Stoner (NEBULA) ist wieder alles dabei. Wer es eher krautig mag, kommt bereits am Donnerstag bei WUCAN voll auf seine Kosten. Mit LONG DISTANCE CALLING bereichert eine Postrock-Kapelle das Line Up, während bei DOWNFALL OF GAIA eher die härtere Fraktion vor die Bühne gelockt wird.
Wie jedes Jahr wird jeder Tag wieder von 2 Bands auf der kleineren Zeltbühne eröffnet, wobei ich mich in diesem Jahr besonders auf TSCHAIKA 21/16 freue. Ich kann es nicht in Worte fassen, was diese verrückten Berliner auf der Bühne treiben. Schaut euch dieses Noiserock-Chaos einfach an, um euch selbst ein Bild zu machen.

Doch nicht nur die Bands laden dazu ein, dem beschaulichen Vorort der thüringer Landeshauptstadt einen Besuch abzustatten. Nahezu alle Wetter-Websites sind sich einig, dass wir das diesjährige Stoned bei herrlichem Sonnenschein genießen können. Wem es zu heiß wird, der kühlt sich nicht nur mit Bier ab, sondern stürzt sich in die Fluten des direkt angrenzenden Sees!

Das reicht dir immer noch nicht als Grund, hinzufahren? Dann lies dir HIER einfach meine Lobeshymnen aus dem Vorjahr durch!

Und damit niemand eine Band verpasst, gibt es hier noch die Running Order:

STONED FROM THE UNDERGROUND WEBSITE
STONED FROM THE UNDERGROUND FACEBOOK

Der Beitrag Es geht in die heiße Phase! – Vorbericht Stoned From The Underground 2018 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Wer bereits von dieser Kombo gehört hat, weiß: Die Jungs sind beileibe kein unbeschriebenes Blatt. Man könnte diese Band „Supergroup“ schimpfen, wenn man denn wollte. Ich präferiere eher „Nebenprojekt“. Wer von ihnen noch nichts gehört hat, dem stille ich mit ein bisschen Namedropping die Neugier: Danny Carey (TOOL) an den Drums, Brent Hinds (MASTODON) an der Gitarre und Tausendsassa Pete Griffin (mir dank DETHKLOK ein Begriff) sind der musikalische Kern der Kombo. Dazu gesellen sich dann auch noch drei, vor allem aus der Filmszene bekannte, Namen. Sechs Bandmitglieder also – plus weitere Gäste… Das kann ja was werden!

Versprochen haben sie uns von vornherein ein Feuerwerk des psychedelischen Rock, gebündelt in einem „nautical spaghetti western„. Ein spannendes Unterfangen, da doch die Musiker dem eher metallischen Milieu entspringen und entgegen dem Spaghetti-Western sicher kein kleines Budget für ihre Produktion hatten. Wie kriegen sie da nun die Kurve zum Psych-Rock und das dann auch noch mit cineastischer Hintergrundgeschichte?!

„We are the Seagullmen!“

Die Platte startet selbstbewusst und lautstark und verkündet sofort und ohne Umschweife, mit wem ich es hier zu tun habe. Nämlich mit den SEAGULLMEN. Treibend, geradeaus und in feinster Rock-Manier. Was es genau mit dem Namen auf sich hat, erschließt sich mir noch nicht sofort. Was zunächst auffällt: Der kraftvolle Rock’n’Roll zieht sich konsequent durch die Platte. Die Lyrics hören sich an wie Parodien auf alle je erzählten Meeresgeschichten, also feinstes Seemannsgarn! Fantasie haben sie. Besingen eine Gottesfigur in Gestalt einer Möwe und deren uralte Kräfte, einen Orca und andere Meereswesen.

Auf der Basis des Rock toben sich LEGEND OF THE SEAGULLMEN aus, erbringen dabei einen recht unvorhersehbaren Mix verschiedener Stilistiken. Ich sage mal: gelungen, aber äußerst seltsam. Diese Musik hat eine – bei einem Menschen würde man sagen – starke Persönlichkeit. Wie fasse ich den Spaß am besten zusammen? Treibender Rock mit einer Prise Prog an ausladenden Psych- und Heavy-artigen Gitarrenkniedel-Soli auf episch-ozeanischer Thematik. Irgendwie so.

Sci-Fi klingt dank Synths bei „Shipswreck“ an und dieser ist auch von allen Songs und vom Grundsound her am nähesten an MASTODON dran. Titeltrack „Legend Of The Seagullmen“ ist dagegen straightester und prototypischster Südstaaten-Rock – in modern. Als hätte ZZ TOP mal kurz die FOO FIGHTERS zum Kaffee besucht. Statt mit dem Mustang durch die Prärie, wird hier allerdings mit dem Windjammer durch den Ozean gepflügt. „Curse of the Red Tide“ besticht mit ein paar proggy Einlagen. Und mit einer rockigen Bilderbuch-Ballade vom Tiefseetaucher im Western-Soundtrack-Gewand mit feinstem Surf-Gitarrensound, welche sich zum orchestralen Finale à la Fluch der Karibik aufbaut, schließt das Album…

Mächtig gewaltig!

Und mächtig abwechslungsreich. Diese Beschreibungen sollen nur einen Ausschnitt dieses mannigfaltigen Albums umreißen. Die anderen Songs der Platte sind ebenso stark in ihrem Riffing und Aufbau, haben ihre eigene Charakteristik und schieben gut weg. Allerdings überzeugen sie mich nicht so richtig. Nur „Ballad of the Deep Sea Diver“ kann mich komplett mitreißen.

So klar auch die thematische Linie dieser Veröffentlichung ist, so wahllos erscheint zunächst die Palette der musikalischen Mittel. Alle passen für sich hervorragend zur Grundthematik und der Adaption auf die Western-Stilistik, einzeln betrachtet würde ich mich aber fragen, wie zur Hölle sie auf gerade diese Zusammenstellung gekommen sein mögen. Ich finde toll, dass sie erfolgreich die Grenzen des Erwarteten sprengen konnten und daran und ganz offenbar auch Spaß hatten. Die Platte ist an Cheesy-ness kaum zu überbieten, die Jungs wissen, was sie tun. Und all dies macht das Album zu etwas Besonderem.

Aber: es wuppt mich in Gänze einfach nicht final. 

Hör dich hier ein oder mehrere Male durch das Album. Was denkst du?

Der Beitrag LEGEND OF THE SEAGULLMEN – Seemannsgarn im Western-Gewand erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Das Interview

S: Hey Parks, schön euch wieder in Deutschland zu haben. Ich hoffe, ihr hattet einen angenehmen Flug?!

Parks: Wir freuen uns auch echt wieder hier sein zu dürfen. Tatsächlich war unser Flug der schlimmste, den wir je hatten. Zuerst flogen wir von unserer Heimat Nashville nach Toronto, um dann dort am Flughafen 11 Stunden festzusitzen. Unser Anschlussflug nach Deutschland wurde dann für mich auch nicht viel komfortabler. Ich saß in der allerletzten Reihe neben einem besoffenen Deutschen, der die ganze Zeit geschnarcht hat. Vor einer langen Tour ist das ein absoluter Stimmungskiller, aber ich habe zum Glück noch eine Mütze Schlaf bekommen und bin jetzt ausgeruht.

S: „Sleeping Through The War“ ist jetzt seit 7 Monaten auf dem Markt. Für mich ist es bisher das absolute „Album des Jahres“. Gab es auch negative Rezensionen?

Parks: Ich habe 1 oder 2 Reviews gelesen, in denen wir Kritik einstecken mussten. Trotzdem beeinflusst negative Kritik unsere Musik gar nicht. Normalerweise versuche ich Reviews auszublenden, doch irgendwann ist der innere Schweinehund größer, denn du willst ja auch erfahren, ob den Leuten deine Musik gefällt.
An eine Rezension erinnere ich mich noch ganz besonders. Der Typ meinte, dass er mit dem Artwork von „Sleeping Through The War“ nicht klarkommen würde, da es ihm zu auffällig sei und es ihn beim Hören der Songs zu sehr ablenken würde.

S: Euer aktuelles Album habt ihr in 4 Tagen geschrieben und in 6 Tagen aufgenommen. Wie würde es klingen, wenn ihr heute mit den Aufnahmen beginnen würdet?

Parks: Nein, eigentlich hatten wir im Studio nur nicht viel mehr Zeit. Wir waren gerade im Stress zwischen 2 Touren, deswegen musste es ziemlich schnell gehen. Wenn wir heute mit den Aufnahmen beginnen würden, würde es ziemlich „interessant“ klingen. Wahrscheinlich komplett anders, als es tatsächlich klingt. Wir haben heute zum Soundcheck das erste Mal seit über einem Monat wieder zusammen Musik gemacht. Es würde sich also wahrscheinlich ziemlich lotterig anhören.

„Rock, und alles drumherum, langweilt mich nur noch.“

S: Eure Songs sind sehr vielschichtig. Gibt es eine Band, von der du sagen würdest, dass sie euch maßgeblich beeinflusst?

Parks: Nein, ich würde nicht sagen, dass wir von einer Band besonders beeinflusst werden. Natürlich gibt es Musikgruppen, bei denen wir uns alle einig sind, dass wir sie richtig gut finden. Ich habe das Problem, dass ich öfters über Monate hinweg eine Band höre und die anderen Jungs versuche von der Musik zu überzeugen. Wenn ich sie irgendwann mal an dem Punkt habe, dass sie sagen: „Jo, coole Truppe“, kann ich sie mir meistens schon nicht mehr anhören, weil mich deren Musik nervt. Im Moment ist es so, dass Rap mein größter persönlicher Einfluss ist. Rock, und alles drumherum, langweilt mich nur noch. Aufgewachsen bin ich mit dem Blues. Nicht der „elektrische“, sondern eher mit Künstlern wie Leadbelly und Skip James.

S: Wie würdet ihr euren Musikstil nennen?

Parks: Ganz einfach Rock! Oder warte… Am ehesten vielleicht Psychedelic Blues Rock.

S: Habt ihr vor der Show feste Rituale um euch in Stimmung zu bringen?

Parks: Ich spiele vor den Shows meistens noch etwas Bass oder versuche meine Gitarrenskills etwas aufzubessern. Heute gibt es mal Tee aus der Heimat. Wenn du fast das ganze Jahr weit von deiner Heimat entfernt bist, tut es mal gut, wenigstens etwas heimatliches zu schmecken. Irgendwann kommt auf der Tour immer der Moment, in dem du einfach keine Lust mehr hast und nur noch nach Hause möchtest. Um dieses Gefühl wenigstens etwas zu unterdrücken, ist der Tee eine gute Lösung.

S: Keine Drogen oder Alkohol?

Parks: Mal mehr, mal weniger. Heute ist unser Tourauftakt und da wäre es blöd, sich gleich komplett ins Delirium zu schießen. Den Kater schleppst du dann noch die ganze Woche mit dir herum.

S: Ich habe mal gelesen, dass ihr mittlerweile überhaupt nicht mehr probt. Bekommen dadurch die Fans zu Beginn einer Tour schlechtere Konzerte zu sehen?

Parks: Auf keinen Fall. Jede Show ist eine neue Herausforderung und wir versuchen immer an unsere Grenzen zu gehen. Da wir ca. 200 Konzerte im Jahr geben, sind Proben ziemlich überflüssig. Wir spielen schon seit Jahren in dieser Besetzung zusammen und jeder weiß, was der andere auf der Bühne im nächsten Moment tun wird. Die Fans sollten heute Abend auch nicht enttäuscht werden, auch wenn wir jetzt zum ersten Mal seit 6 Wochen wieder zusammen auftreten. Jeder unserer Auftritte ist halt einzigartig.

S: In einem Interview, welches ihr vor einem Jahr gegeben habt, meintet ihr, dass ihr gern mit QUEENS OF THE STONE AGE touren würdet. Die sind jetzt im November hier in Berlin zu Gast. Irgendwie vermisse ich euch auf den Tourplakaten.

Parks: Ich glaube einfach, dass wir für die zu uncool sind. Nein, mal im Ernst. Ich glaube, keiner von uns würde Josh Homme länger als eine Woche ertragen. Außerdem sind wir nicht so die „Vorband-Typen“. Als Vorband bist du nur im Stress und alle treten dir in den Arsch. Das macht auf Dauer keinen Spaß. Einer Headliner-Tour mit QUEENS OF THE STONE AGE im Vorprogramm wären wir aber trotzdem nicht abgeneigt. Wären wir die Vorband, würde ich trotzdem alles geben. Ich vertrage eine Menge Stress.

„Jeder soll so leben, wie er sich am wohlsten fühlt!“

S: Wer ist eigentlich dieser „Charles William“?

Parks: Das war mein Großvater. Tatsächlich heißt jeder männliche Part meiner Familie Charles. In dem Song geht es darum, wie ich die Beziehung von meinem Großvater zu meinem Vater sehe. Ich hatte mal einen Traum, in dem ich im Körper meines Vaters zusammen mit meinem Großvater unter dem Sternenhimmel spazieren ging. Allerdings existierte mein Großvater gar nicht. Er erschien in etwa als sprechender Grabstein und erzählte mir Geschichten von früher. Halt so Sachen, die du von deinem Vater erzählt bekommst. Ich träume echt ziemlich viel Scheiße, aber an diesen Traum werde ich mich noch ewig erinnern. Deswegen schrieb ich einen Song darüber.

S: Ich schätze, dass etwa 90 % unserer Leser eingefleischte Metalfans sind. Also eigentlich nicht eure Zielgruppe. Wie würdest du sie dennoch überzeugen wollen, sich mit eurer Musik zu beschäftigen?

Parks: Ich hab schon viele Metalheads gesehen, die von Freunden überzeugt wurden zu unserer Show zu kommen und im Nachhinein total begeistert waren. Vorher haben sie um psychedelischen Blues Rock einen riesengroßen Bogen gemacht und jetzt sind sie Fans von uns. Wenn ihr aber zu engstirnig seid, um euren Horizont ein bisschen zu erweitern, dann ist das so. Juckt mich auch nicht. Wenn ihr auf eine Show von uns kommt, könnt ihr ja auch gern wieder gehen, wenn es euch nicht gefällt oder halt wiederkommen, wenn es euch zusagt. Du kannst es niemals allen recht machen. Ich will den Leuten auch echt nichts aufzwingen. Jeder soll so leben, wie er sich am wohlsten fühlt!

S: Parks, ich danke dir vielmals, dass du dir für meine Fragen Zeit genommen hast und hoffe, dass wir uns bald mal wieder über den Weg laufen!

Parks: Ich habe dir zu danken! Viel Spaß auf unseren Shows!

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Jaja, der gute alte Stoner Rock. Von vielen als Kiffermucke verschrien. Der andere meint, dass es ihm einfach zu langweilig ist und er an diesen Sound einfach nicht ran kommt. Für letzteren Kandidaten hab ich da eine ganz einfache Lösung parat. Hör doch einfach mal in die neue Scheibe von YOUNGBLOOD SUPERCULT rein. Wenn dir dieser 0815-KYUSS-Sound tierisch auf die Eier geht, bieten dir die Damen und Herren aus Kansas eine satte Portion Abwechslung.

70s Rock trifft Psychedelic Rock

Leider muss ich zugeben, dass mich der Opener selbst, der dem Album den Titel gibt, zu Beginn gar nicht vom Hocker haut. Erst mit zunehmender Dauer gewinnt „The Great American Death Rattle“ an Fahrt, um in der Mitte des Albums seinen Zenit zu erreichen und dann auf konstant hohem Niveau auszuklingen.
„Burning Messiah“ lässt zum ersten Mal meine Alarmglocken läuten. YOUNGBLOOD SUPERCULT bezeichnen ihre Musik selbst als „Stoner/Blues/Progressive/Retro/Heavy“. Und damit treffen sie es so ziemlich auf den Punkt. Auch wenn die Musik beim ersten Durchlauf ziemlich simpel wirkt, ist es das perfekte Zusammenspiel dieser Einflussfaktoren, die das neue Album zu einem wahren Ohrenschmaus machen. Trotzdem benötigte auch ich erstmal eine gewisse Zeit, ehe ich mich an den Sound gewöhnt habe. Es wirkt alles sehr Dumpf, vor allem der Drum-Sound, doch das ist durchaus gewollt, denn es ist keine billige Proberaum-Demo-Aufnahme.
Nach der kurzen Eingewöhnungsphase geht es mit „Draugr“ weiter. Was soll ich zu diesem Song sagen? Er bietet einfach den perfekten Mix aus groovig, verträumten Stellen und klassisch anmutendem Hard Rock der Marken UFO und BLUE ÖYSTER CULT.

Wenn wir jetzt das „groovig Verträumte“ mal weglassen, haben wir mit „Wormwood“ das Ergebnis. Der mit Abstand rockigste und eingängigste Song des neuen Albums. Prägt euch den Refrain schon mal gut ein, falls es die Truppe mal auf den europäischen Kontinent schaffen sollte:

Do You Think I´m Evil?
I Can Show You What It´s Like
Do You Think I´m Evil?

Nachdem mit „Wormwood“ ein Song zum Ausrasten gezündet wurde, wird das Tempo in „The Hot Breath Of God“ wieder massiv gedrosselt. David Merrill, seines Zeichens Sänger der Band, zeigt in diesem Song sein komplettes Können. Von zartem, fast schon hypnotisierend wirkendem, bis hin zum „rockröhrendem“ Gesang legt er sein komplettes Waffenarsenal offen.
„Master Of None“ bietet den perfekten Übergang zum Schlussdrittel des Albums. In „Mr. Gallows“ kommt zum ersten Mal so richtiges Stoner-Rock-Feeling auf. Die sich wiederholenden Riffs prägen sich schon beim ersten Hörgang ein und bringen mich nahezu in Trance. Doch viel Zeit habe ich nicht in dieser Welt von sich drehenden Spiralen und tanzenden jungen Damen, denn mit „Liberty Or Death“ wird die nächste Hard-Rock-Walze abgeladen. YOUNGBLOOD SUPERCULTs Konzept ist echt so einfach, wie erfolgreich. Ein solide rockendes Riff, gepaart mit nem einfachen, aber trotzdem geilen Solo, gekrönt mit einem Refrain, der beim ersten Hören hängen bleibt. Klingt sehr einfach, doch das ist das Grundgerüst, auf dem jeder gute Song aufgebaut werden sollte.
Irgendwie sind die 40 Minuten nun auch schon fast wieder um. „Sticky Fingers“ beginnt ruhig und sinnlich, ehe wieder der bandtypische Refrain einsetzt, bei dem ich am liebsten sofort mitsingen möchte und meine „klebrigen Finger“ huldigen möchte. Obwohl die Grundstimmung des Albums eher positiv ist, macht „Sticky Fingers“ einen leicht verzweifelten Eindruck. Auch meine Stimmung ist eher gedrückt, denn ich habe lange Zeit kein Album mehr mit so einem „alten“ Sound gehört. Da können sich sämtliche Retro-Rock-Kapellen eine richtig dicke Scheibe von abschneiden!

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