Zu ihrem vierzigjährigen Bandjubiläum veranstaltete die Sindelfinger Band ihre „WIZO BRINGT DAS LICHT“-Tour; die größte und längste Tournee in der bisherigen Bandgeschichte. Streng genommen gibt es im vierzigjährigen Bestehen eine kleine Lücke zwischen 2005 und 2009, aber das sollte nicht die Feierstimmung vermiesen. Ganz im Gegenteil: die Würzburger Posthalle war rappelvoll mit Fans aus allen Altersklassen. Im Schnitt habe ich mich mit Ende 30 eher zur jüngeren Kategorie gewähnt. Es waren aber auch Besucherinnen zugegen, die bestimmt schon die 70 überschritten haben, und die jüngsten Fans waren im Grundschulalter.

Fröhliche Stimmung und gute Laune waren allgegenwärtig, als die Lichter und die Musik ausgingen. Zur allgemeinen Überraschung traten aber nicht NORMAHL auf die Bühne, sondern WIZO. Das Trio begrüßte das Publikum, bedankte sich bei allen Anwesenden und kam mit der ersten Ankündigung. Es hab nämlich gleich noch einen weiteren Anlass zum Feiern: es war der 66. Geburtstag von NORMAHL Gitarrist Mick Scheuerle. Das Publikum sang das verdiente Ständchen, während die Winnender Deutschpunk-Urgesteine auf die Bühne kamen und mit ihrer Show begannen.

NORMAHL

Mit dem Lied „Am Tage X“ starteten NORMAHL in ihr Set und widmeten somit direkt den ersten Teil des Konzerts der gegenwärtigen weltpolitischen Lage. In den Ansagen von Lars Besa ging es um das globale Erstarken der neuen Rechten, die Wiederaufnahme der Wehrpflicht, oder auch um die Rolle der BRD als Rüstungsexporteurin. Die passenden Lieder dazu waren „Deutsche Waffen“, „Keine Überdosis Deutschland“, und „Fahneneid“. Doch natürlich durften auch feier- und trinklustige Klassiker wie „Fraggles“ nicht fehlen, und zum Abschluss der etwa 45-minütigen Darbietung grölte das Publikum zusammen mit der Band den Refrain des Songs „Punk Ist Keine Religion“. NORMAHL haben solide, unterhaltsam, und gekonnt genau das abgeliefert, was das Publikum erwartet und gewollt hat. Eine Dreiviertelstunde lang wurde hier mit Deutschpunk Klassikern bestes Entertainment geboten. Der einzig bittere Nachgeschmack ist hier, wie sehr die Aktualität einiger der alten Stücke wieder an Gewicht gewonnen hat.

WIZO

Und dann brachten WIZO das Licht; sprichwörtlich. Alle drei Bandmitglieder trugen während der ersten Lieder gigantische Lampen als Rucksäcke mit sich. Auch musikalisch ging es direkt stark los: als Opener brachte der Song „Raum Der Zeit“ die Halle zum Toben. Auch beim Dreiergespann aus Sindelfingen ging es klar politisch zur Sache: der Titel „Scheiß AfD“ sorgte im Publikum für Bewegung und Einigkeit. Mein persönlicher musikalischer Höhepunkt der Show war das Lied „Kein Gerede“, welches einmal in altbekannter und flotter Manier, danach aber auch nochmal in einer alternativen Version zum Besten gegeben wurde. Souverän und selbstbewusst brachten WIZO die gute Laune in der Posthalle immer wieder zum Überkochen. Zwischen den Liedern war die Band auf der Bühne redselig, sorgte mit ihren Ansagen für Unterhaltung, und wirkte dabei vor allem bodenständig. Alles wirkte sehr spontan, kein bisschen abgehoben und einfach sympathisch. Die ursprünglich (scherzhaft) angekündigten vier Stunden brachten WIZO nicht ganz auf die Bühne, aber für fast die Hälfte dieser Zeit sorgten sie für eine gewaltige Punk Rock Party in der Posthalle. Als Abschiedssong spielten sie noch ihre Ballade „Die Letzte Sau“, und ich habe noch den kompletten Weg von der Garderobe bis zum Ausgang Leute gehört, die den Refrain immer wieder wiederholt haben.

Es war ein nostalgischer Abend für mich, und hoffentlich ein wunderschöner Abend für alle Anwesenden. Auch wenn ich persönlich beide Bands etwas aus den Augen verloren habe, war es doch eine wirklich schöne Darbietung. Gerade in Zeiten der Unsicherheit, der politischen Kälte und der drohenden Dunkelheit war es sehr willkommen, dass NORMAHL und WIZO das Licht gebracht haben. In diesem Sinne noch einmal vielen Dank an alle Beteiligten, die für den Erfolg dieser Show gesorgt haben.

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Darren Smallman ist in Geelong, im Südosten Australiens aufgewachsen. Dort engagierte sich Smallman seit 1990 in der lokalen Punkszene, spielte in Bands wie THEE VINYL CREATURES oder WARPED. Auch abseits der Bühne war er fest im Indie Business verankert und war unter anderem Mitbegründer des Labels Low Transit Industries. Im Jahr 2010 siedelte Darren Smallman nach England über und suchte sich seine neue Heimat am Ärmelkanal in Brighton. Der Wechsel der Erdhalbkugel ließ Smallman keineswegs kürzer treten, und so gründete er in Brighton das Label Battle Worldwide und ist auch hier selbst musikalisch aktiv. Als Solokünstler ist er unter dem Pseudonym DEZ DARE unterwegs und hat nun mit „Perseus War“ sein drittes Album veröffentlicht. Die vorigen Releases waren „Hairline Ego Trip“ im Mai 2021 und „Ulysses Trash“ im August 2022.

Aus Lethargie gebar Kreativität

Sein zweites Album „Ulysses Trash“ widmete DEZ DARE der Tatenlosigkeit. Der musikalische Aufruf zum Nichtstun wurde in der Musikpresse hoch gelobt und DEZ DARE wollte eine Begleit-EP produzieren, die das Narrativ des Langspielers weiterdenkt. Doch statt einer Fortführung des prokrastinatorischen Gedankens sprudelte der Wahl-Engländer plötzlich vor Ideen. So entstand Riff um Riff, Text um Text, und innerhalb von vier Wochen waren zehn Songs für ein neues Album bereit.

Nachdem „Ulysses Trash“ also eine Odensammlung an die Untätigkeit war, widmet sich „Perseus War“ deutlich größeren Gedankenspielen. Hier wird folglich über die Zufriedenheit des vorigen Albums hinausgedacht. Dementsprechend beleuchtet DEZ DARE nun ein größeres Bild. Dabei geht es um das Universum als Ganzes, aber auch um alles, was sich darin abspielt, und um den ewig andauernden Kampf um’s Überleben, der in jedem Moment neu ausgetragen wird. Schönheit und Zerstörung stehen sich gegenüber und finden sich in jeder Aktion wieder, die in dieser dystopischen Realität stattfindet.

Clowns, Retter*innen und Kriegstreiber*innen

„Perseus War“ beginnt mit dem geradeaus schießenden Song „Bozo“, der vom Schicksal des Clowns berichtet, bevor in „Perseus #1985“ das Tempo etwas rausgenommen wird. Dem zweiten Titel fehlt es aber keineswegs an Kraft. Die intertextuelle Referenz bezieht sich auf das Lied „1.9.8.5“ vom vorigen Album „Ulysses Trash“, allerdings ist der neue Song deutlich düsterer – sowohl musikalisch, als auch inhaltlich. „Perseus #1985“ handelt von den selbsternannten Retter*innen der Menschheit, die auch immer gleichzeitig Kriegstreiber*innen oder Despot*innen sind. So war es, so ist es, und so scheint es zu bleiben.

Inhaltlich geht es auf ähnlichen Pfaden weiter, wenn DEZ DARE im melodischen Punk Rock Song „Myopic Tropic“ mit den Machenschaften der Politik abrechnet und im Fuzz-Gewitter „Bloodbath-On-HI“ über die menschlische Eigenschaft der gegenseitigen Zerstörung sinniert. Verzweifelnd kreidet DEZ DARE an, dass auch nach etlichen untergegangenen Zivilisationen nur ein minimaler Lerneffekt seitens der Menschheit zu erkennen ist. Das gilt auch für Wandel in jeglicher Hinsicht, wie im mächtig nach vorne rollenden „A Chimp, A Tricycle, New World Order“ gezeigt wird. Zwischen mächtigem Noise Rock und einem Monster von Riff äußert DEZ DARE sein Unverständnis über die Angst vor Veränderung in vielen Bereichen unseres Lebens. Dabei richtet sich der Künstler vor allem an Leute, die hinter jeder progressiven Idee, oder jeder Selbstverwirklichung den Untergang der Welt sehen.

Wir sind Sklaven unserer Entscheidungen

Hinter dem schönen Titel „I know why you cry at Adam Sandler Films“ steckt ein mächtiger Synthwave Song mit Mitsingrefrain und einer tiefen Würdigung der Nonkonformität. Direkt danach eröffnet sich ein tiefes Loch aus Fuzz und Noise aus dessen Tiefen DEZ DARE einen Zusammenbruch aus Sicht einer Person mit Autismus beschreibt. „OUCH!“ wechselt dahingehend wellenförmig zwischen Fokus und Kollaps, bevor der dumpfe Klang in das stampfende „My Heels + My Toes, My Lies + My Nose“ übergeht. Wie in Trance bewegt sich der finstere Klang durch die von Äußerlichkeiten gesteuerte Relität der Möchtegernpromis.

Deutlich losgelöster ist die Klangwelt demgegenüber im vorletzten Lied „BEACH!“, welches DEZ DARE dem Strand seiner Wahlheimat Brighton gewidmet hat. Nachdem die letzten sonnigen Klänge verhallt sind, gibt es zum Ende nochmal ein philosophisches Fazit zu den Gedanken über Leben, Universum und den ganzen Rest. Synthwave, Noise und energetischer Garage Rock treffen im längsten Stück des Albums aufeinander, wenn DEZ DARE konstatiert, dass wir nicht frei sind – nie. Ein Refrain, der etwas an ART BRUT erinnert setzt sich von den KRAFTWERK-Vibes der Strophe ab, und so findet dieses wirklich großartige Album sein würdiges Finale mit „STOP. STOP. STOP. TALKING.“.

Der Kampf geht weiter

Im Vergleich zu den beiden bisherigen Alben ist „Perseus War“ deutlich düsterer geworden, ist aber gleichermaßen stärker und mitreißender ausgefallen. Die Vielfältigkeit dieses Albums offenbart sich in sämtlichen Dimensionen. Vom finsteren Humor, mit dem DEZ DARE Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft menschlicher Dummheit betrachtet, zur dennoch hoffnungsvollen Agitation in Richtung Verbesserung ist alles dabei. Auch musikalisch gibt es natürlich vordergründig die breitschultrige Präsentation aus Fuzz, Punk, Garage Rock und Noise. Zwischen den Tönen und vor allem im Hintergrund aber spielt sich eine bunte Vielfalt aus klassischen, cinematischen und jazzigen Klängen ab, die das gesamte Klangbild komplettieren. Und somit entsteht eine 36-minütige Darbietung guter Unterhaltung und tiefgründiger Überlegungen.

bandcamp Profil von DEZ DARE

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Creative Eclipse PR zur Verfügung gestellt. „Perseus War“ wurde von Darren Smallman geschrieben, produziert und aufgenommen. Das Mastering wurde von Greg Obis beim Chicago Mastering Service durchgeführt. Das Cover Artwork stammt von MalMall.

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Wer? Wie? Was?

UNIVERSUM25. Was ist das für ein Name? Und wieso ausgerechnet diese Zahl? Was wie der Name für einen SciFi Blockbuster klingt, hat einen recht üblen Hintergrund. Der Name geht auf ein Experiment des Wissenschaftlers John B. Calhoun zurück, der anhand von Mäusen 25 mal testete, wie sich ungebremste Populationen in einem begrenzten Lebensraum unter Idealbedingungen verhalten. Und 25 mal endete das Experiment mit dem selben Ergebnis: Der Ausrottung der gesamten Population!

Düster sagt ihr? Auf jeden Fall. Was hat das mit Musik zu tun? Fünf Musiker aus verwandten, aber dennoch unterschiedlichen Musikrichtungen haben sich zu einer Band zusammengefunden und den Namen UNIVERSUM25 gewählt. Und der ist, angesichts seiner Bedeutung, Programm! Denn mit ihren Texten legt diese Band den Finger dahin, wo es weh tut.

Wer sind besagte Musiker? Das sind Micha Rhein (IN EXTREMO), Rupert Keplinger (EISBRECHER, ANTITYPE), Pat Prziwara (FIDDLERS GREEN), Gunnar Schroeder (DRITTE WAHL) und Alex Schwers (SLIME). Ein bunt gemischter Haufen mit einer gemeinsamen Weltanschauung.

Während Micha bei IN EXTREMO noch auf dem WALHALLA Festival in Neumünster betonte, dass man als Band (bis auf zwei Ausnahmen) nicht politisch sei, ist das diesmal komplett anders. Also alle, die keinen Bock auf Politik in Musik haben, können aufhören hier zu lesen.

Wie ein Katastrophenfilm

Mit dem Opener „Der Morgen danach“ werden wir direkt in die kalte Apokalypse geschmissen. Tag 1 in einer neuen Welt. Danach fühlt es sich so an, als würden die Songs den desaströsen Zustand vor dem ominösen apokalyptischen Ereignis beleuchten. Wie eine Rückblende in einem Film. Um dann am Ende mit „Horizont in Flammen“ wieder einen „positiven“ Einschlag zu bekommen. Dazwischen bekommen wir Hass, Tod und Zerstörung! Oder auch „die Abgründe der Menschheit“ genannt.

Während der Album Opener und dessen Folgesong „Wir warten“ noch dem Punk Rock zuzuschreiben sind, servieren uns UNIVERSUM25 mit „Harte Kost“ eine eiskalte Abrechnung mit Rechten und Verschwörungsideologen in Form eines NDH Songs. Genauso „Nur wegen dir“, der von schnellen, druckvollen Schlagzeugrythmen getrieben wird, und ein Stück weit an INEXs „Quit pro quo“ erinnert. Mit „Genug“ macht man sich dann textlich und melodisch Luft und schreit seinen Ärger heraus. So zeitgenössisch der Text von „Die neue Zeit“ auch ist, ist die Melodie hier die Poppigste. Aber keine Sorge, noch immer mit genug Härte. „Vor deiner Tür“ präsentiert dann wieder eine weitere Seite der Band: Rockballaden.

UNIVERSUM25 lassen uns einmal Durchschnaufen

„Lichtgeschwindigkeit“ gibt uns dann eine Verschnaufpause von den Abgründen der Menschheit und bringt erste positive Vibes. Mit „Die Leichen der Zeit“ bringt UNIVERSUM25 einen richtigen Moshpit Kracher mit. Doch textlich ist das ein Schlag in die Magengrube. Besingt man hier schließlich die toten Flüchtlinge, die ihre Überfahrt nicht überleben und deren Leichen an unseren Stränden landen. Zum nächsten Track sei gesagt, dass ich bei verschiedenen Gelegenheiten mit Rupert und Pat gesprochen habe. Gerade weil ich es interessant fand, dass man als Band mit einem Cover Song auf sich aufmerksam macht. Für kleine, neue Bands mag das normal sein, um von sich Reden zu machen. Aber einer Superband aus deutschen Künstlern dieses Formats? Dennoch dachte man sich, dass es eine gute Möglichkeit sei. Und sie hatten Recht. Die Rede ist vom TON STEINE SCHERBEN Klassiker „Der Traum ist aus“. Die Idee zu dem Cover stammte von Micha Rhein, weil er es schon länger machen wollte und was sich zum 50. Geburtstag des Songs anbot.

Zum Abschluss gibt es den zuvor erwähnten „Horizont in Flammen“, der uns im Rahmen dieses Albums positiv entlässt. Den Song kann ich mir auch gut zum Abschluss eines Konzertes vorstellen, wenn das Publikum Schulter an Schulter hin und her schunkelt und mit den Armen winkt.

Im Herbst geht es für UNIVERSUM25 dann auf Deutschland Tour. Tickets findet ihr hier.

Die Shopseite der Band gibt es dann hier.

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Der knapp eineinhalb Stunden dauernde Film wird durch ein Gespräch zwischen MOBY und einer Hündin eingeführt, die gerade dabei sind, Schach zu spielen. Die Hündin bittet MOBY von der Geschichte des Punk Rock zu erzählen, und somit beginnt die musikalische Zeitreise. Schnell wird von den Wurzeln im Rock’n’Roll und der Musik der 1950er der Bogen über die Jahrzehnte geschlagen, in denen es um Aufbegehren, Rebellion und Lärm ging. Und so landet die Erzählung auch beim Thema Tierrechte und deren Verankerung in der Punk- und Hardcore Szene der 1980er Jahre. Mit den Worten „Good boy, MOBY“ beendet die Hündin die humoristische Einleitung in Punk Rock Vegan Movie.

Im weiteren Verlauf wird die Geschichte des Punk Rock anhand von Interviews erläutert. Die Interviewpartner*innen erzählen von ihren ersten Berührpunkten mit der Musik, mit der Subkultur, mit den politischen Inhalten. Was immer auch dazu gehört, ist der persönliche Bezug der Personen zum Thema Tierrecht und Veganismus. Auch die Straight Edge Bewegung und ihr sehr enger Zusammenhang mit Vegetarismus und Veganismus werden im Vorbeigehen kurz vorgestellt.

Die Aufmachung des Films

Punk Rock Vegan Movie ist humorvoll gestaltet. Die kleinen Einspieler sorgen für nette Abwechslung zwischen ernsten Themen wie den Zuständen in Schlachthäusern oder dem Kampf gegen Sexismus, Rassismus, Homophobie etc. Dazu gehört etwa das akademische Seminar zur Dialektik von Punk und Veganismus, welches ausschließlich vor Vorschulkindern wird. Auch die Einleitungen in neue Interviewreihen beziehungsweise einen neuen Zeitabschnitt in der Punkgeschichte sind nett gemacht. Hier erinnert der Schnitt ein wenig an Produktion aus dem Hause Monty Python. Insgesamt geht es manchmal sehr schnell und man wünscht sich, ein Song oder ein Einspieler hätte mehr Zeit bekommen. Hätte man hier statt der Spielfilmlänge von 90 Minuten etwas mehr Zeit gelassen, hätte die gefühlte Hektik vermieden werden können.

Die Inhalte

Der Film verknüpft die Geschichte des Punks als musikalisches wie kulturelles Phänomen mit dem Aufstreben der Tierrechtsbewegung. Es geht allerdings um mehr als nur das. Punk Rock Vegan Movie beschreibt, wie die Subkultur Missstände anspricht und sich dagegen auflehnt. Punk Rock und politischer Aktivismus sind keine Synonyme, aber hier geht es darum, die Schnittmenge zu beleuchten. Und so geht es um Beweggründe zur tierproduktfreien Lebensweise, um die Community, oder auch um einen daraus entstehenden Lifestyle. Im letzten Drittel gibt es dann kaum noch Punk Rock und dafür mehr Inhalte aus der Tierrechtsbewegung. Besonders die finale Ansprache von MOBY geht ans Herz.

Das Personal

Die Interviewpartner*innen sind zum großen Teil Musiker*innen, die im weitesten Sinne mit Punk und Hardcore assoziiert werden können. Viele bekannte Gesichter und Namen sind vertreten und alle berichten von ihrem Bezug zu Punk und tierfreier Ernährung. Da X-RAY SPEX Sängerin Poy Styrene leider bereits 2011 verstorben ist, berichtet ihre Tochter Celeste Bell über die Rolle der englischen Musikerin. Insgesamt betrachtet fallen aber drei Einschränkungen auf, wenn man das Personal beleuchtet: zunächst liegt der Fokus fast ausschließlich auf die USA und das Vereinigte Königreich. Außerdem gilt hier: pretty white, pretty male. Obwohl die Szene schon in frühen Jahren von großer Diversität in Sachen Ethnien und Geschlechter prägt war, kommen hier größtenteils weiße Männer zu Wort.

Der Soundtrack

Vor allem in den Einspielern gibt es viele Schnipsel aus großartigen Punk- und Hardcoresongs zu hören. Die Musiker*innen, die hier zu Wort kommen, werden oft auch mittels ihrer Kunst präsentiert, was den Film auch aus musikalischer Perspektive sehr schön macht. Wie schon weiter oben erwähnt, wäre es jedoch noch schöner gewesen, wenn diese Einspieler länger wären. Während der Interviews oder zur Untermalung der Übergänge gibt es sanfte Elektronik aus dem Hause MOBY – nichts Besonderes, aber auch keine schlechte Umsetzung. Informationen, ob es einen Soundtrack in Form eines Samplers mit ganzen Songs gibt, liegen mir leider nicht vor. Ich würde es aber sehr begrüßen, wenn es so wäre.

Fazit

Punk Rock Vegan Movie ist informativ, nett gemacht, ein bisschen witzig, manchmal albern, und meistens schön. MOBY präsentiert einen wichtigen Aspekt von politischem Aktivismus. Mittels vieler Interviews und einem vielstimmigen Kanon wird die Bedeutung von Tierrechtsaktivismus beleuchtet. Vor allem wird dabei auch auf die Intersektionalität hingewiesen, die Veganismus oder Vegetarismus im Verbund mit anti-oppressiven oder antikapitalistischen Haltungen innehaben kann. Es ist ein interessanter Film mit gewissen Schwächen, aber definitiv ein nettes Stück subkultureller Geschichtsschreibung.

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Snow White PR zur Verfügung gestellt.

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Seit 2011 steht der Name PING PONG PUNK für pogo- und partytauglichen Deutschpunk mit stabil antifaschistischer Haltung. Die Band aus dem sonnigen Schmalkalden hat anno 2015 ihr erstes Album „Klobürstenrevolution“ veröffentlicht und zwei Jahre später die EP „Die Fassade bröckelt“ hinterhergeschossen. Beide bisherigen Releases erschienen in Eigenregie; bei der EP begannen PING PONG PUNK allerdings schon mit Phillipp Schwabe von Magnolia Sounds zusammenzuarbeiten. Dahingehend ist es keine allzu große Überraschung, dass das neue Album bei dessen Label Ponyphone Records erscheint. Somit schafft das Musiker nach zwei CDs im Jewel Case den Sprung zur 12“ Schallplatte.

Mit großen Schritten voran

Ein kurzer Blick in die Vergangenheit offenbart, dass PING PONG PUNK seit Anbeginn ihrer Bandhistorie für einen offenen Umgang miteinander, für Party und Spaß, und für eine Gesellschaft ohne Ausgrenzung stehen. Auf dem Debutalbum hat es teilweise noch etwas an der sprachlichen Inszenierung dieser Einstellung gehapert, die EP von 2017 war dann nur noch auf akustischer Ebene etwas holprig. Legt man zum direkten Kontrast das neue Album „Dunst im Nebel“ auf, werden binnen Sekunden gewaltige Entwicklungsschritte offensichtlich. Vom Sound zu den Texten sind PING PONG PUNK wahnsinnig souverän geworden.

Kein Dorf den Faschisten

Als Menschen, die sich im ländlichen Raum Thüringens offen und aktiv antifaschistisch engagieren, kennen die Mitglieder von PING PONG PUNK den Gegenwind, der hier oft stärker weht als in der Stadt. Deshalb bekennt sich die Band auch solidarisch mit allen, die sich gegen sogenannte National Befreite Zonen und deren Unterstützer*innen stellen. Wie ernst die Lage ist, erkennt man daran, dass fast alle der 16 Titel auf „Dunst im Nebel“ dem Widerstand gegen Neonazis gewidmet sind. Dazu gehört auch eine würdigende Erinnerung an die Geschwister Scholl sowie mehrere harte Seitenhiebe gegen die schweigende Mitte, etwas Kapitalismuskritik und der Aufruf zur Gestaltung sicherer Fluchtwege.

Zwischen Wut, Angst und Solidarität

PING PONG PUNK entgegnen entschieden der Dunkelheit und reichen all denen die Hand, die sich für Erleuchtung einsetzen. Neben der stabilen Haltung glänzt die Band mit eingängigem und dynamischem Deutschpunk à la VAMOS BLATELLA oder ALARMSIGNAL. Die Lieder laden zum Bewegen und Mitsingen ein, und geben trotz der ernsten Themen Hoffnung und Kraft.

Homepage von PING PONG PUNK
Facebook Profil von PING PONG PUNK
Instagram Profil von PING PONG PUNK
bandcamp Profil von PING PONG PUNK
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Urheberrecht: Die Bilder stammen von PING PONG PUNK; nur das Foto mit den CDs wurde in Raphaels Wohnung aufgenommen.

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Beim Bandnamen NECKARIONS muss man nicht lange raten, im Gebiet welches Flusses das Quartett herkommt. Nach der im Jahr 2019 in Eigenregie vertriebenen Demo „Kalle“ veröffentlichten die NECKARIONS aus Stuttgart im Jahr 2021 ihre erste CD „The Rise of…“ beim sympathischen Label 30 Kilo Fieber Records. Keine eineinhalb Jahre später erscheint ebenda die selbstbetitelte 7“ Platte, auf der die vier Musiker ordentlich um sich schlagen, während sie simultan zum ausschweifenden Tanz einladen.

So vertraut und doch so frisch

Die NECKARIONS sind Schlagzeuger Helge, Bassist Basti, Gitarrist Maddi, und Sänger Ivan. Der Sound, den die Instrumentalgruppe zusammenschustert, ist ein Rezept für instante Klassiker: Hardcore Punk für den Skatepark mit melodischen Anleihen und flotten Rock’n’Roll- bzw. Surf Rock-Rhythmen zum Mitklatschen und Eskalieren. So weit, so gewöhnlich, und so partytauglich. Das Sahnehäubchen auf diesem Hardcore Surfpunk Kuchenstückchen wird aber vom texanischen Vokalisten Ivan gesetzt. Kraftvoll, melodisch, und frei durch Melodien fliegend erinnert Ivan‘s Stimme nämlich an niemand geringeres als die kalifornische Hardcore Punk Legende Jello Biafra.

Fresh Fruit for Rotting Neckarions?

Wurde eine solche Ähnlichkeit einmal erkannt, ist es nahezu unmöglich wieder daran vorbei zu hören, denn „What has been heard, can not be unheard“. Da bleibt bei den Zuhörer*innen natürlich die Frage, wieviel NECKARIONS aus der DEAD KENNEDYS-Parallele herausgehört werden können, denn es ist ja nicht nur die Stimme, die ähnlich klingt. Hier kann man sich nun im hermeneutischen Zirkel verlieren, bis man sich selbst auf die Schuhbänder tritt, den NECKARIONS Song „Dead Fish“ mit „Holiday in Cambodia“ vergleicht oder „Winnebago Warrior“ in „A Secret Kept“ wiedererkennt.

Karten auf den Tisch

Hat man sich einmal erfolgreich um die eigene Achse gedreht, bleiben inmitten des Drehwurms aber die wirklich wichtigen Erkenntnisse klar: Nazis Punks mögen wir immer noch nicht, und wenn NECKARIONS zur Spritztour durch „Sin City“ einladen, sagen wir dankend zu. Eines steht nämlich fest: die selbstbetitelte EP der NECKARIONS ist ein zehnminütiger Partyknaller ohne einen einzigen Aussetzer.

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Das Cover Artwork wurde uns freundlicherweise von 30 Kilo Fieber Records zur Verfügung gestellt

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In weniger als einem halben Jahrzehnt hat sich die Grazer Band ANNA ABSOLUT erfolgreich ihren Legendenstatus erarbeitet. Der Song „Kreuzberg“ ist zur inoffiziellen Hymne der Heimatstadt des Quartetts geworden, und die beiden ersten Alben „Zebra“ und „2×3“ erweckten auf allen Seiten der Alpen positive Rückmeldungen. Zum Erfolgsrezept von ANNA ABSOLUT gehören neben der stabil antifaschistischen Haltung der Sinn für Humor und pure Lebensfreude. Nun haben die vier Steirer mit „Ultramarin“ schon ihren dritten Langspieler herausgebracht, auf dem sie ihre Linie treu verfolgen.

Überrasch ungen und Erwartetes

Direkt zum Auftakt warten ANNA ABSOLUT mit der ersten Überraschung des Albums auf. Wenngleich auf den vorigen Veröffentlichungen immer wieder eine Spur Indie Rock beigemischt wurde, ist der volltönende Gitarrensound in „Wieder wider“ doch neu für die Band. Der atmosphärische Klang hat gewisse Anleihen von skandinavischem Indie Rock à la I WALK THE LINE oder frühen MANDO DIAO, was eine erfrischende Abwechslung in den Punk Rock Sound wirft. Weiter geht es allerdings mit der aktivierenden Kaputtmach-Hymne „Alte Bank“. Bei dem Song handelt es sich keineswegs um eine Fortsetzung des Workout Songs „Hantelpunk“ vom zweiten Album. Stattdessen geht es in diesem Punk Rock Kracher um eine Bank und einen Zaun, die an eine vergangene Liebe erinnern, weshalb ebenjene Objekte im Sinne der Vergangenheitsbewältigung Bekanntschaft mit der Axt machen.

Schema Ultramarin

Die Mitsingballade „Schwestern im Geiste“ führt dann wieder stärker zurück in Richtung Indie, indem sie als Ode an Liebe und Freundschaft zum Mitschunkeln einlädt. Direkt danach wird wieder Tempo aufgenommen, wenn ANNA ABSOLUT mit „Kanonen & Violinen“ den wohl stärksten Punk Rock Track auf „Ultramarin“ spielen – melodisch und doch rasant pflügt sich der Song nach vorne, um danach Platz für die Ballade „Karl Drews“ zu lassen. Dieses sehr berührende Lied ist dem Widerstandskämpfer Karl Drews gewidmet, der 1941 inhaftiert und 1942 gewidmet wurde.

Von Lust und Unsterblichkeit

In der zweiten Hälfte der Platte durchbrechen ANNA ABSOLUT das bisherige Schema aus abwechselnd ruhigen und flotten Songs. Zuerst geht es in „Mythos Scholmer“ voller Wollust zur Sache, bevor in „Adenochrom“ die wirren Verschwörungstheorien über eine Neue Weltordnung aufs Korn genommen werden. Klanglich wird es sonorer, wenn ANNA ABSOLUT singen „Liebe kann man so nicht schreiben“. Dieser sehr eigene Breakup-Song geht sehr leicht ins Ohr und erinnert bis auf die Offbeat-Coda am ehesten an den Klang der Alben vor „Ultramarin“.

Im vorletzten Stück „Tanzen geh’n“ erinnert der textliche Aufbau ganz kurz an „Do you wanna?“ von THE STRANGLERS, bevor daraus eine die Freiheit umarmende Hymne wird. Zum Abschluss wird noch einmal mit leichtem Augenzwinkern die Prokrastination besungen. Mit dem Kehrreim „Denk nicht mehr daran“ zählen ANNA ABSOLUT in der ersten Strophe Ängste der Rechten und Konservativen auf. In der zweiten Strophe werden dann wirkliche Probleme wie Gewalt, Sexismus, Rassismus oder Islamismus genannt. Im Sinne der Prokrastination und der eigenen psychischen Gesundheit empfiehlt die Band, auch mal einen Tag blau zu machen. Zwischendurch muss man mal nicht darüber nachdenken.

Keine Party mit Nazis

ANNA ABSOLUT stellen mit ihrem bisher besten Album unter Beweis, dass sie für eine neue Art im deutschsprachigen Punk Rock stehen. Man mag hier und da Parallelen zu Bands wie PASCOW, WIZO, NORMAHL oder NI JU SAN erkennen. Gleichzeitig greift keiner dieser Vergleiche richtig, denn ANNA ABSOLUT klingen auf „Ultramarin“ mehr nach ANNA ABSOLUT denn je zuvor. Hinter der bewegten Musik versteckt sich ein sympathisches Quartett, das für Spaß und gegen Diskriminierung steht. Auch mit Sexismus innerhalb wie außerhalb ihres Umfelds können Georg, Joschi, Felix und Moritz überhaupt nichts anfangen. Wer glaubte, eine gender-gerechte Sprache in Punk Rock Texten könne nicht umgesetzt werden, wird hier erfolgreich eines Besseren belehrt.

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Die Bilder von Harald Leitner wurden uns freundlicherweise von 30 Kilo Fieber Records zur Verfügung gestellt.

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Sie bestehen seit 1997 und gehören für mich definitiv zu den bekannten und relevanten Namen im Genre des Celtic- beziehungsweise Irish Rock: FLOGGING MOLLY. Und nach fünf Jahren war es mal wieder höchste Zeit für ein neues Album! „Anthem“, so sein Name. Was es wohl für uns in sich birgt?

So dance, dance

Auf jeden Fall – wie könnte es auch anders sein – jede Menge Melodien zum Tanzen und Schunkeln. Unter den insgesamt elf Songs finden sich sowohl ruhige, nachdenkliche, ja fast schwermütige Exemplare, aber ebenso fröhlich-beschwingte Werke. Eintönig wird es also ganz und gar nicht. Übrigens kommen FLOGGING MOLLY nicht aus Irland, sondern aus dem fernen Los Angeles. Wobei Dave King, Sänger und Kopf der Band, durchaus irische Wurzeln hat und selbst in Dublin aufgewachsen ist. Wusstet ihr übrigens, dass er in den 80er Jahren gemeinsam mit Fast Eddie in der Band FASTWAY aktiv war?

Aber zurück zu „Anthem“. Das Album beginnt mit dem hitverdächtigen Track „These Time Have Got Me Drinking/ Tripping Up The Stairs“. Ein schwungvolles Stück mit Fiddle und Akkordeon, ein Lied für die Pubs. Für meine Ohren ein sehr angenehmer Start. Der zweite Track „A Song Of Liberty“ taugt mir hingegen weniger. Mit den Strophen komme ich noch wunderbar zurecht, vor allem, was die instrumentelle Gestaltung betrifft. Aber der Refrain klingt für mich sehr generisch und die Gesangsmelodie ziemlich eintönig. Es geht zwar schnell in’s Ohr, aber gerade deshalb, weil es so simpel ist. Nur bedeutet simpel für mich in diesem Fall leider auch reizlos. Besser gefällt mir da schon der vierte Track „No Last Goodbyes“, ein eher ruhiges Lied zum Schunkeln und gemeinschaftlichem Hin- und Herwippen – ein Lied für den späten Kneipenabend.

FLOGGING MOLLY spielen aber ja nicht einfach Folk, sondern lassen deutliche Punk-Rock-Einflüsse in ihrem Schaffen erkennen. So auch im sechsten Track „This Road Of Mine“. Dieser Song ist spiegelt für mich den Albumtitel „Anthem“ mit am Besten wieder. Eine punkig-rotzige Note, vor allem auch im Gesang, Dave Kings kratzige Stimme kombiniert mit schwungvollen Banjo- und Geigentönen sowie treibenden Drums: „This Road Of Mine“ ist meine persönliche Hymne. Und auch der nächste Track „(Try) Keep The Man Down“ will erwähnt sein! Ein fideles Stück zum Tanzen und Spaß haben, mit einer fröhlichen Tin-Whistle-Melodie. In diese Kerbe schlägt dann auch der neunte Track „Lead The Way“. Unbekümmerte Lieder, die einfach Freude bereiten.

Last but not least

Wer es ruhiger mag, für den sind die abschließenden Songs „These Are The Days“ und „The Parting Wave“ bestimmt etwas. Letzterer sorgt mit Gitarre und Flöte für einen sanften Ausklang des Albums, auch der Gesang ist hier wieder schön rau. Zusammenfassend muss ich sagen, dass FLOGGING MOLLY die Mischung aus Folk- und Rockinstrumenten quasi perfektioniert haben. Das klingt einfach wunderbar harmonisch. Und auch, wenn mich nicht jeder Song begeistern konnte (was bei elf Tracks auch sehr ambitioniert wäre), ist „Anthem“ für meinen Geschmack ein durchaus überzeugendes Album, welches sich der geneigte (Irish-)Folk-Hörer auf jeden Fall zu Gemüte führen sollte!

FLOGGING MOLLY

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Bandname und Albumtitel genügen schon, um die ersten beiden Schmunzler zu wecken. der Bezug auf den legendären Italowestern und die militärische Taktik (besser bekannt als Songtitel der STOOGES) sorgen für die erste Motivation, diese Schallplatte aufzulegen. Ebenjene wird beim norwegischen Qualitätslabel Fysisk Format in grün, lila, oder als recyclete Platte vertrieben. Darauf enthalten sind zehn Stücke, deren Titel ebenfalls mit pop- oder subkulturellen Querverweisen gespickt sind. Songtitel wie „What’s my Rage again?„ oder „The PKA took my Money away“ beweisen den Sinn für Humor der fünfköpfigen Band.

Mit Herz und Verstand – wütend und humorvoll

Knapp über eine halbe Stunde wüten THE GOOD THE BAND AND THE ZUGLY auf ihrem sechsten Langspieler „Research and Destroy“. Dabei erinnern sie klanglich gelegentlich an COMEBACK KID, BOYSETSFIRE oder (frühe) PALM READER. Den Einstieg macht der Hochgeschwindigkeits-Moshpit-Zerstörer „What’s my Rage again?“, dessen hymnische Chorus zwischen heiseren Shouts und melodischen Gangvocals wechselt. Schon hier weist der Arschtrittsound von THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY die kalte nordische Spielweise des Hardcore Punk auf, die hin und wieder in Richtung Crust Punk ausschweift. Der zweite Titel „Song for a Prepper“ zeigt dann zwischen ruhigen, melodischen Einspielern und aggressiven Hardcoreattacken das volle Spektrum des Sounds von „Research and Destroy“.

Mit Vollgas gegen die Negativität unserer Zeit

Im Laufe der weiteren Titel zeigen THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY klare Kante gegen Sexismus, Verbreiter*innen von Verschwörungsmythen, oder soziale Ungerechtigkeit. Weitere Höhepunkte des Album sind definitiv die Songs „The PKA took my Money away“, „One-Dimensional Man“, und „The Original Incel“. Dabei bedient sich die Band aus Oslo dem eingängigen aber packenden Rezept aus melodischem Punk und rasendem Hardcore.

Soundtrack für Skatepark und Abrissbirne

Mit ihrer vielseitigen Mischung aus verschiedenen Punk und Hardcore-Stilen machen THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY „Research and Destroy“ zu einem farbenfrohen und zerstörerisch starken Album. Von hymnischen Chören zum Mitsingen bis zum Wirbelwind-Moshpit passt hier alles zusammen. Da fällt es auch nur wenig ins Gewicht, dass das Album zur Mitte hin kurz schwächelt. Hier dürfen sich Fans von amerikanischen Skate Punk gemeinsam mit Anhänger*innen nordeuropäischen Hardcores freuen.

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Zwei Demos sowie die EP „Electric Drone Wasp“ haben TWIN VOID aus Spokane, Washington bisher veröffentlicht. Damit hat sich das Trio aus dem pazifischen Nordwesten vor allem in der heimischen Umgebung einen Namen gemacht, wo TWIN VOID als gefeierte Live Band bekannt sind. Das sardinische Label Electric Valley Records vertreibt nun in vier verschiedenen Vinylfarben den ersten Langspieler der amerikanischen Band. Ganze neun Tracks haben TWIN VOID in eine halbe Stunde gepackt, wobei sie ordentlich um sich schlagen und Wut abschütteln. Hier bastelt sich die Band einen kurzweiligen Cocktail aus Stoner Metal, Punk Rock, Sludge und Rock’n’Roll zusammen.

Moshen gegen COVID

Das Intro „Hardtimes“ erinnert uns mittels eingespielten Nachrichtensamples, dass wir noch immer mitten in der Pandemie stecken. Die Schnipsel aus Funk und Fernsehen werden von einem  nachträglich einsetzenden, kratzigen Gitarrenriff untermalt – ein Motiv das schon beim legendären AUS-ROTTEN Album „The System works… for them“ großartig gewirkt hat. Ein Pistolenschuss markiert den Übergang und TWIN VOID landen direkt im krachig nach vorne treibenden Song „HELLCAT“. Das mächtig schwere Stoner Riff schießt über den rollenden Punk Rhythmus, während der kräftige Chorus direkt den ersten Höhepunkt der Platte definiert.

Antiklimax

Auch der darauffolgende Titel „Bird Days“ fängt ähnlich vielversprechend an. Das Eröffnungsriff klingt nach einer kräftigen Sludge Abrissbirne, und obwohl es im Verlauf des Liedes mehrfach in abgeänderter Form wieder auftaucht, kann es nur wenig retten. TWIN VOID rutschen hier in eine Art Southern Metal ab, die noch davon verstärkt wird, dass Sänger Nathan Bidwell hier sehr nach Axl Rose klingt. Nach „Bird Days“ folgt mit „Poor Ol‘ Me“ eine massive Rock’n’Roll Nummer, mit der sich TWIN VOID noch weiter vom eingänglichen Sludge und Stoner Punk Thema entfernen. Was teilweise an die Death Metal Band MACABRE erinnert, taugt als Partysong sicherlich gut, überzeugt darüberhinaus aber keineswegs.

Zurück zu den Stärken

Seinen absoluten Tiefpunkt erlebt das Album mit der Ballade „Set Me On Fire“. Glücklicherweise ist der furchtbar langsame Track nur eineinhalb Minuten lang, bevor er in den etwas stärkeren und flotteren Titel „Sharper then a Switchblade“ überleitet. Zum Ende hin steigern sich TWIN VOID langsam wieder und so stellt die schwergewichtige Sludgehymne „Sky Burial“ den zweiten Wendepunkt dar. Es folgt der Gastauftritt von Liam Joseph Cormier (CANCER BATS), der sich zum Auftakt von „California Death-Rattle“ zu Wort meldet. Die Todesrassel sowie auch der finale Titel „You can hear the Devil walkin'“ präsentieren wieder das, was TWIN VOID besonders gut können: schwere Riffs auf dynamisch rollende Rhythmen packen und dabei einen kräftigen Wirbelwind erzeugen. An die Energie des Titels „HELLCAT“ kommt das letzte Aufbäumen nicht heran; dennoch fängt die Platte mit ihren letzten zwei Titeln wieder an, Spaß zu machen.

Invertierte Spannungskurve?

Abschließend kann man nun überlegen, ob diese umgekehrte Spannungskurve vielleicht ein Stilmittel ist – und das würde definitiv Sinn ergeben. So erlaubt es die Struktur des Albums, dass sich die Hörenden zum Einstieg ordentlich auspowern. Danach lässt die Band eine lange Verschnaufpause bis zu den letzten zwei Liedern. Sicher, ist Geschmack bekanntermaßen Geschmackssache, und besonders Fans von GUNS’N ROSES oder THE ALLMAN BROTHERS werden bestimmt mit dem Mittelteil viel Freude haben. Für mich wiederum sind dadurch zwei Drittel des Album reine Skip-Tracks.

TWIN VOID auf Bandcamp

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