Bei sieben kleinen und unabhängigen Labels von drei Kontinenten auf der Nordhalbkugel erscheint dieses zwanzigminütige Album. Es ist das Erstlingswerk der Band BASQUE aus Kitchener in Ontario, und es kann auf Schallplatte, Kassette, CD, und natürlich als digitale Version angehört haben. In sieben kurzen Stücken setzt sich das kanadische Quartett mit dem Leben im Zeitalter des späten Kapitalismus auseinander. Dabei geht es um Konsum und Sucht, um falsche Entscheidungen, Ausübung von Macht, Unterdrückung, und die schiere Endlosigkeit aus weißen Rauschen und Melancholie, auf die wir zusteuern. Der Albumtitel ist schon mal gut gewählt, denn hier geht es um den allgegenwärtigen Schmerz.

Lärmen gegen die Entbehrungen

Die Thematik des Albums ist in der gegenwärtigen Kunst keine Seltenheit. Möglicherweise sollte uns das zum Nachdenken anregen. Nichtsdestotrotz ist ja das Schöne an der Kunst, dass sie so viele Facetten anbietet, Missstände anzuprangern. In Fall von BASQUE und ihrem Debutalbum „Pain Without Hope Of Healing“ haben wir es also mit einer zwanzig Minuten lang dauernden musikalischen Dekonstruktion zu tun. BASQUE schütteln alles durch, was ihnen in den Weg kommt, und wechseln mit der Energie von überschäumenden Emotionen Tempo, Takt und Stimmung. Gelegentliche Ausflüge in ruhige, melancholische Passagen wie im Lied „Funeral For A Mouse“ drücken neben all der musikalischen Gewalt noch zusätzlich auf die Tränendrüse.

Verzweifelte Schläge

Was hier vertont wurde, sind Befreiungsschläge und verzweifelte Versuche, sich aus der unheilvollen Melancholie des Seins im Spätkapitalismus zu befreien. BASQUE präsentieren die Klangwelt des Versuchs, ein richtiges Leben im Falschen zu führen, und des damit verbundenen Scheiterns. Zwischen den Welten von Powerviolence und Screamo vermitteln sie in emotionaler und zerstörerischer Weise, dass es so, wie es ist, nicht weitergehen kann.

bandcamp Profil von BASQUE

Das Promo Material wurde uns mit freundlicher Unterstützung von No Funeral Records zur Verfügung gestellt.

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Das Gedicht „Einde“ (niederländisch: „Ende“) des Schriftsteller Hendrik Marsman beginnt mit der Zeile „Terzij de Horde“ („Neben der Horde“). Der Künstler ist neben anderen Schriftsteller*innen und Philosoph*innen eine der wichtigsten Quellen, aus der TERZIJ DE HORDE aus Utrecht ihre Inspiration beziehen. Gedanken und Texte über das Leben und Fragen nach dessen Sinnhaftigkeit treiben das niederländische Quintett um. Aus diesen theoretischen Beschäftigungen mit dem Sein entstehen Klänge, Stücke, und letztendlich auch Alben. Im Jahr 2015 befassten sich TERZIJ DE HORDE mit der komplizierten Frage nach dem Selbst; in diesem Jahr reflektiert die Vitalistic Black Metal Band über den Begriff der Wahrheit.

Der Kampf der Realitäten

Voneinander abweichende Perzeptionen des gleichen Sachverhaltes sind seit je her ein beliebtes Thema in den Künsten. Eines der bekanntesten Bilder der jüngeren Popkultur ist wohl das von zwei Personen, die an den jeweiligen Enden einer Zahl stehen, welche einmal als Sechs und einmal als Neun wahrgenommen wird. Neben solchen netten Darstellungen, die uns zum Schmunzeln bringen, kann die Frage nach der Wahrheit auch ganz andere Züge annehmen. Nicht ohne Grund wurde der Begriff Fake News in den USA im Jahr 2017 zum „Word of the Year“ gekürt. Es ist ebendieser Kampf um die Wahrheit, mit dem sich TERZIJ DE HORDE auf ihrem neuen Album „In one of these, I am your Enemy“ befassen. Es geht um konkurrierende Weltbilder und um Dogmatik. Ein konkretes Beispiel ist der sogenannte Heatbeat Act, der im Jahr 2021 im Bundestaat Texas eingeführt wurde und bestimmt hat, ab wann ein Fötus als Mensch wahrgenommen werden soll.

Wut und Schmerz

Betrachtet man das Geschehen auf der Erde, wo das Aufeinanderprallen unterschiedlicher Wahrheiten täglich für Leid und Schmerz sorgt, so mag man manchmal verzweifeln. TERZIJ DE HORDE haben ihre Gefühle und ihre Gedanken vertont. Es mag nicht verwunderlich sein, dass Wut ein zentrales Element des dabei entstandenen Albums ist. Starre und bitterkalte melancholische Post Black Metal Themen reiben sich an zutiefst emotionalen und befreienden Screamo Gesangspassagen. Verzweiflung und Unglauben über das, was den  Umgang unserer Spezies miteinander ausmacht werden zu schrillen Wutschreien und rasenden Blast Beats.

Schritt für Schritt dem Abgrund entgegen

Gerade einmal drei Stücke sind auf „In one of these, I am your Enemy“ zu hören. Deren erstes und kürzestes Lied ist das vierminütige „Cherion“, das nach Zeus‚ Halbbruder, dem Lehrer aus der griechischen Mythologie benannt ist. Mit der Frage nach der Lehre und der Vermittlung des Zugangs zur Wahrheit wird der Gedankengang von TERZIJ DE HORDE eingeleitet. Dieser erreicht seine nächste Stufe im fast zwölfminütigen Titeltrack. Hier wird der Kampf zur Wahrheit intensiviert und an den Rande des Eskalation gebracht. Das finstere Ende wird im vierzehn Minuten dauernden „Precipice“ erreicht, in welchem die Konflikte über die Wahrnehmung buchstäblich am Schlund der Hölle enden.

TERZIJ DE HORDE versorgen uns mit hartem Tobak – sowohl musikalisch als auch inhaltlich. Das Album „In one of these, I am your Enemy“ ist wahrhaftig anspruchsvoll, gedankenanregend, und in seiner musikalischen Umsetzung von befreiender Natur. Der Langspieler mag nicht zu jeder Situation passen, ist an sich aber großartig.

BANDCAMP PROFIL VON TERZIJ DE HORDE

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THROWING BRICKS sind ein Quintett aus der niederländischen Stadt Utrecht. Nachdem die Band sich ursprünglich dem Hardcore verschrieben hatte, wuchsen nach und nach weitere Einflüsse in ihr musikalisches Wirken. Sludge und Black Metal machten sich mit der Zeit im Soundbild breit, wobei THROWING BRICKS sich von ihren Wurzeln in Punk Rock und Hardcore nicht abwandten. Nachdem die ersten Veröffentlichungen im Internet durchgehend positiv rezipiert wurden, war es dann letztes Jahr an der Zeit für das erste richtige Album. Mit „What will be lost“ präsentieren die fünf Niederländer ihr erstes physisches Release, das als Kassette über Tartarus Records erhältlich ist oder natürlich auch gestreamet werden kann.

Ein Fest für Schlechtgelaunte

THROWING BRICKS vereinen auf ihrem Debut „What will be lost“ die Quintessenzen verschiedener Genres. Die gewaltige Energie von Hardcore Punk und Crust paart sich mit einer miesepetrigen Black Metal Atmosphäre. Für zusätzliches Gewaltpotential sorgt der schwere Sludge, der viele der Passagen bestimmt. Außerdem deuten die Breaks sowie die Gesangseinlagen sehr auf Screamo hin. Auch wenn das beim Lesen vielleicht nicht direkt danach klingt, passt diese Kombination äußerst gut. Ich werde ein wenig an MARTYRDÖD, RUINS oder KYREST erinnert, wenn ich „What will be lost“ höre. THROWING BRICKS überzeugen sowohl in schleppenden als auch in rasend schnellen Passagen. Egal ob sie musikalisch gerade alles niedermähen, mit behäbigen Schlägen die Erde zum Wackeln bringen oder mit geschickten Breaks die Erwartungshaltung austricksen, THROWING BRICKS bleiben immer souverän. Dabei geben sie jedem Moment auf „What will be lost“ einen eindrucksvollen Anstrich in tiefstem schwarz.

Zwischen Steinen, Nadeln und Eiszapfen

Es gibt nur zwei Dinge, die ich beim Hören von „What will be lost“ nicht entdecken kann: Fröhlichkeit und Kritikpunkte. Dieses Album ist definitiv nicht für jede Stimmungslage gedacht. In jedem Moment, in dem brachiale Melancholie und disharmonisch-dystopische Klänge keine Gefahr für die psychische Gesundheit darstellen, ist das Debut von THROWING BRICKS der absolute Wahnsinn. Wer auch bei AMENRA, TESA oder DISAVOW Glückshormone freisetzt sollte sich dieses Album nicht entgehen lassen.

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Das ging schnell. Nach „Kontakt“ von 2016 folgt Schlag auf Schlag das neue FJØRT-Album „Couleur“. Interessanterweise wurde ich mit ebenjenem Vorgängeralbum erst vor Kurzem richtig warm. Doch schon stehen die drei Aachener mit einer neuen Langrille vor der Tür.

„Rückwärts war nie vorgesehen!“

Auf dem neuen Album geht es in bewährter Weise weiter. Irgendwo zwischen (Post) Hardcore, Post Rock, Sludge und Screamo haben sich Drummer Frank, Basser David und Saitenhexer Chris (beide ebenfalls am Gesang) auf den letzten Alben in mein Herz gespielt. So war von Anfang an klar zu erkennen, dass Genregrenzen nur lose bestanden und neben ordentlicher Härte und nachdenklichem Text auch viel Eingängigkeit und sogar ein gewisser Hang zum Poppigen zu erkennen war. Kann „Couleur“ neben dem bewährten Soundbild neue Farbtupfer in das Gesamtbild einfügen?

Laut und Leise

Der Opener „Südwärts“ startet mit grollendem Bass, schiefen Tönen und marschierenden Drums, bevor der Song richtig durchstartet, ordentlich losgroovt und unweigerlich zum Haareschütteln animiert. Ab- und Mitgehmomente wechseln sich mit immer wiederkehrenden ruhigeren Parts ab, welche häufig instrumental reduziert sind und einen klaren Fokus auf die Texte, beziehungsweise den Gesang legen. Und hier trumpfen FJØRT ordentlich auf. Selbstreflexion, zwischenmenschliche Erfahrungen und gesellschaftsblickende Gedanken vereinen sich und schaffen dadurch in fast jedem Song verschiedene Interpretationsebenen.

Die erste Singleauskopplung „Couleur“ etwa bespricht auf dramatische Weise Unterdrückung und Meinungsfreiheit. Dabei gelingt es der Band meist Worte zu wählen, die nicht zu plump Parolen bedienen und diese großen Themen auf Einzelschicksale anzuwenden, was dem Ganzen einen ordentlichen Touch Emotionalität und Authenzität verschafft. Und wo wir beim Thema Emotionen sind – diese werden durch die Instrumentalarbeit ordentlich intensiviert. Der Bass pumpt, die Gitarrenparts wechseln zwischen nachdenklich, verzweifelnd, träumerisch und ordentlich hart und prügelnd. Dieses Spiel wird meist sehr klar durch einen klassischen Liedaufbau im Schema Strophe, Refrain, Bridge exerziert. Hinzukommt Franks energetisches Schlagzeugspiel, welches in seiner simplen Weise jederzeit für ordentlich Drive sorgt.

Schafft es etwa der bereits erwähnte Song „Couleur“ gerade gegen Ende hin mit seinem großen Finale zu überzeugen, so lässt „Eden“ durch seine simplen Synthies aufhorchen, bevor es mit „Raison“ wieder sehr politisch wird. Das Quasinachfolgerlied zu „Paroli“ vom Album „Kontakt“ thematisiert abermals den sogenannten Rechtsruck in der Gesellschaft mit so zweifelhaften Auswüchsen wie im prominentesten Beispiel etwa: PEGIDA. Ich persönlich tue mich mit solchen Songtexten schnell schwer, da es selten gelingt, komplexe gesellschaftliche Prozesse auf ein paar Liedzeilen herunterzukürzen. Bei „Raison“ gelingt dies meiner Meinung nach zumindest einigermaßen, denn war „Paroli“ auf dem Vorgängeralbum noch sehr direkt und plakativ, konzentriert sich „Raison“ mehr auf das Hintergründige und manifestiert dies in Zeilen wie:

„Ich bin so müde vom Zählen,
ich habe 1933 Gründe schwarz zu sehen.
Doch egal wieviel da kommt, ich hab‘ alles was ich brauch‘,
denn die 1933 Gründe, ihr habt sie auch.“

Licht und Schatten

Die folgenden Stücke „Windschief“, „Fingerbreit“ und „Magnifique“ stellen gewissermaßen eine komplette Werkschau der drei Aachener dar. Mal geht es ordentlich flott zur Sache, mal in melancholische, fast depressive Stimmungswelten und mal in eher hellere, leichtere Klangfärbungen. Speziell „Magnifique“ mit seinem dramatischen und gleichzeitig poppigen Refrain verbindet dabei auf überzeugende Art und Weise diese unterschiedlichen Aspekte.

Jedoch gibt es neben den vielen guten Ideen auch einiges, was mir an „Couleur“ nicht so gut gefällt. Der Gesang von Chris ist des Öfteren zu sehr gepresst, wie etwa bei „Fingerbreit“ oder auch „Zutage“. Vieles spielt sich im Midtempo ab und es fehlt trotz interessanter Ideen, wie etwa dem schon fast rap-artigen Beginn in „Bastion“, an Abwechslung. Neben der Laut-Leise-Dynamik findet da leider zu wenig statt. Und dies konnten FJØRT definitv auch schon auf den älteren Alben besser. Diese Kratzer im Lack führen leider zudem des Öfteren dazu, das die Emotionalität in den Kompositionen und Texten nicht hundertprozentig bei mir ankommt. Schade!

„Südwärts! Südwärts! Es geht immer südwärts, südwärts!“

Das bereits erwähnte Stück  „Bastion“ oder auch der Rausschmeißer „Karat“ sind hingegen noch einmal richtig stark. Hier verschmilzt Zerbrechlichkeit mit Aggression, peitscht die Musik voran und lässt die Texte in jedem Wort wirken. Dabei stellt „Karat“ schon fast einen Abgesang dar, handelt er lose vom Gedanken was wäre, wenn die Band in diesem Moment in einem Flugzeugunglück ums Leben kommen würde. „Wir würden mit uns im Reinen gehen können, wenn es das jetzt gewesen wäre“, meint die Band im Promoschreiben bezogen auf ihr künstlerisches Schaffen.

Resümee

Ich als Konsument des Albums bin jedoch ein wenig zwiegespalten vom Gesamtwerk, auch nach vielen Hördurchgängen. Klar ist, FJØRT wissen was sie tun und sie haben ihre Stärken beibehalten und die musikalischen Fühler ein wenig mehr ausgestreckt. Dennoch kann „Couleur“ die maximale Qualität streckenweise nicht abrufen. Das Harte in der Musik ist nicht mehr ganz so hart, das Gefühlvolle nicht mehr ganz so gefühlvoll. Ihr versteht mein Dilemma. Zudem fehlt es dem Album auch an den ganz großen Hits. Waren Songs wie „D´accord“, „Kleinaufklein“, „Lichterloh“ oder „Anthrazit“ bandinterne Klassiker, so fällt mir die Identifikation neuer Songs dieser Kategorie schwer. Im Endeffekt kann es auf die beiden Singleauskopplungen „Couleur“ und „Magnifique“ zutreffen, für mich jedoch nur bedingt. Die ganz große Klasse wird nicht erreicht.

Das alles klingt jedoch schlimmer, als es ist. „Couleur“ ist ein gutes Album, bietet tolle Songs, ergreifende Textpassagen und nach wie vor genug Power. Ich bin aber gespannt wie es weiter geht mit dem produktiven Trio. Anfang 2018 geht es erstmal auf Release-Tour und dann wird sich zeigen, was noch kommt. Denn zum Glück ist das Schicksal momentan besser um FJØRT bestellt als im Song „Karat“ beschrieben und mit ein wenig neuem Schwung und dem Mut zu neuen Ideen kann uns die Band noch lange mit guter, emotionaler Musik versorgen. So wird das Grau doch gleich viel bunter.

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YURODIVY mögen es feucht. Dabei liegt die Bandheimat Straßburg so weit weg vom Meer wie in Frankreich nur irgend möglich. Ihre erste EP „The Valley Of Elah“ zierte bereits ein Walross. Auf dem Cover des Debütalbums „Aphos“ ist nun ein Fisch zu sehen (welcher genau, überlasse ich den Ichthyologen im Raum). Zieht also den Taucheranzug über und wagt euch hinab in die undurchschaubaren Tiefen des Post-Hardcore!

STOP AND GO

„Six Feet Under Water“ beginnt dröhnend, quietschend, keifend – und explodiert plötzlich mitten in mein Gesicht hinein! Und schon startet der erste Pit, der jedoch schnell in eine niederschmetternde Schrei- und Dröhn-Orgie umschlägt. Wuchtige, düstere Gitarrenakkordfolgen prasseln hernieder. Die Boxen vibrieren. Immer wieder halten YURODIVY inne, um dann wieder drauf los zu holzen. Dieser Kontrast von Stille und Lautstärke, Ruhe und Bewegung, zieht sich durch den Song und auch das ganze Album.

Der Sound ist rau und stark verzerrt. Mit einer Art inneren Getriebenheit hetzen die Instrumente wild umher. Am Ende des ersten Songs fängt die Band dann ihre herumschwirrenden Klanggeschwader wieder ein und kommt zu einem melancholisch-melodischen Finale. Nach der vorangegangenen Hektik beruhigen wir uns nun alle erst mal wieder! Die getragene Stimmung fließt direkt über in den Song „The Way Of The Light“, der wiederum druckvoll beginnt. Die Screams bei YURODIVY stechen dabei ähnlich stark heraus wie beispielsweise bei RAISED FIST. Und auch hier darf wieder gepogt werden!

GEORDNETES CHAOS

In den atmosphärischeren Momenten klingt auf „Aphos“ fast schon etwas moderner Black Metal durch. Bis die Gitarristen die Handaxt auspacken und den Song gnadenlos in kleine Stückchen zerhacken. „Ascension“ hingegen beginnt mit Dissonanzen, progressivem Taktmuster und viel Groove. Nach rund einer Minute drücken YURODIVY das Gaspedal bis zum Boden durch und brettern volles Mett drauf los. Auch der Mittelteil bringt ordentlich Schwung mit, baut sich jedoch zunehmend bedrohlich vor dem Hörer auf. Noch kurz das Anfangsriff aufgreifen – fertig! So „aufgeräumt“ präsentieren sich die Songs auf dem Album selten.

Das überlange „40 Days“ beginnt ganz ruhig: sanfter Beat, Gitarrengeklimper, gehauchter Klargesang. Nach gut zwei Minuten brechen dissonante Akkorde und wuchtige Drums aus dem Song hervor, zerbrechen ihn jedoch nicht – die Anfangsruhe kehrt zurück. Dieses Wechselspiel von kontrollierter Eruption und Einkehr erstreckt sich über mehr als fünf Minuten, bis das Stück unter Quietschen und Dröhnen fast vollständig zum Stillstand kommt. Wieder scheint etwas Bedrohliches in der Tiefe zu lauern. Bei den düsteren Synthie-Sounds stellen sich mir sämtliche Nackenhaare auf. Piano-Akkorde und leidenschaftliche Screams läuten den finalen Ausbruch der Dissonanz ein – und plötzlich sind wir beim Zweiteiler „Now You Can Feed The Monster“.

Part 1 ist ein kurzes, klanglich ansprechendes Stück, das erst zum Schluss mit Geschrei aufgepeppt wird. Part 2 schließt nahtlos an den ersten Teil an, bricht jedoch schnell wuchtig nach vorne aus. Auch hier halten YURODIVY einige überraschende klangliche Wendungen bereit. Der Song strotzt nur so vor Energie und verkörpert durch seine Platzierung in der Mitte der Scheibe deren rasend pochendes Herz. Apropos rasen: „Children Of The Sun“ dauert nur 1:30 Minuten, also zack zack! Akkorde einhämmern, wild schreien, Moshpit abfackeln, fertig! Verfahre ebenso mit „In The Violence Of The Ashes“! Fiese Dissonanzen, prügelnde Drums, heftiges Geschrei, und dann – aus dem Nichts ein Groove-Teil à la IWRESTLEDABEARONCE. Wow!

VOM MOSHPIT ÜBER BLACK SABBATH AUF DEN MEERESGRUND

„War Drums“ beginnt stilecht mit einer aggressiven Ansprache, die man meist zu hören bekommt, wenn der angepisste Sänger einer Core-Band die Masse auffordert, jetzt doch bitte den größten und brutalsten Pit des Festivals abzubrennen. Die Musik eignet sich dafür definitiv, auch wenn die letzten 30 Sekunden des zweiminütigen Stücks seltsam leer bleiben. Und plötzlich steht eine andere Band auf der Bühne! Denn der Beginn vom folgenden „Necessary“ könnte so auch astrein von BLACK SABBATH stammen. Nur eben mit weiblichem Gastgesang. Der Song baut sich hypnotisch-repetitiv auf, bis – ja, leider nur noch Gequietsche zu hören ist. Hier haben YURODIVY in meinen Augen die Gelegenheit verschenkt, den schmackhaften Kuchen mit Zuckerguss zu veredeln. Schade!

Mit „Genesis 1.6“ beschließt die Band das Album. Für die weniger Bibelfesten (inklusive mir): „Dann sprach Gott: Ein Gewölbe entstehe mitten im Wasser und scheide Wasser von Wasser.“ Damit schlagen die Franzosen über die aufgewühlte See eine Brücke zum Opener „Six Feet Under Water“. Aus der tosenden Brandung taucht nach zwei Minuten das Gewölbe in Form eines wuchtigen Bass-Wals auf. Sein Gesang, verkörpert von den sirenenhaften Gitarren, hallt durch die kalte Tiefe. Die See brandet mit ungezügelten Screams, Schlagzeug-Donnern und Dissonanzen noch ein letztes Mal auf – und begräbt mich schließlich auf dem Grunde.

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LIEBES TAGEBUCH,

GESTERN BIN ICH AN EINEM SCHÖNEN HERBSTMORGEN MIT MEINER FREUNDIN AN DEN SEE SPAZIERT. DABEI HABEN WIR NUR PIANOS BECOME THE TEETH, LA DISPUTE, GLASS JAW UND HOT WATER MUSIC GEHÖRT. DANN HAT SIE MIT MIR SCHLUSS GEMACHT.

So ungefähr fühlt es sich jedenfalls an, wenn man das Debüt-Album der Screamo-Truppe „anorak.“ – ja, kleingeschrieben und mit Punkt – aus ganz Deutschland anhört. Betroffen vom Leid der besungenen Menschen, malt man sich da schon das ein oder andere persönliche Elend aus. Der Name soll übrigens Kunst sein und war das Resultat einer freiwilligen Trennung vom Namen „anchor of a pariah“. Ob die Band dabei ihre Liebe für Jacken im Hinterkopf hatte, bleibt wohl für immer ein Geheimnis.

In „Enthusiasts And Collectors“ treffen Einflüsse aus allen Richtungen aufeinander: Eine wahre Genreorgie, bei der am Ende keiner mehr genau weiß, wer mit wem, wo und warum. Und das ist auch gut so, denn um Genrefindung sollte es bei keinem Album gehen, denn was zählt, ist das hierbei sehr gut gelungene Gesamtwerk. Hier tummelt sich alles von Indie über Melodic Hardcore bis zu Post-Hardcore und Post-Rock. So treffen direkt im ersten Song La Dispute-ähnliche Passagen auf eine äußerst gewöhnungsbedürftige, aber wiedererkennbare Scream-Technik.

Dadurch wird der Hörer sofort darauf eingestimmt was gleich kommt: Melancholie pur.

Die vereinzelten Gang-Shouts lassen exzellente Live-Erlebnisse vermuten und die Texte sind zum Mitfühlen und Nachweinen geschrieben. Wer von langsamer, emotionaler Musik also nichts hält, sollte die Finger vom Album lassen.

Aber auch schnellere Abschnitte werden häufig auch mit dynamischen Vocals gut ausgefüllt und können überzeugen, wobei jedoch die langsamen und atmosphärischen Stellen das Album definieren. Hier dürfen die Gitarren atmen und das in den Mix gut eingearbeitete Schlagzeug gibt nur das Nötigste an Unterstützung. Die Instrumentation kann auch so einiges mehr als nur schnell und laut, beziehungsweise langsam und einfach, so sind die Riffs auf den meisten Songs zwar ähnlich, aber dennoch keineswegs recycelt oder geklaut.

Und bevor mir vorgeworfen wird, dass der Titel zu genrefeindlich und unbegründet ist: Auch Parts wie man sie vielleicht eher von Steven Wilson und Konsorten erwarten würde, kann man bei genauerem Zuhören entdecken. Das liegt vor allem daran, dass trotz der emotional bewegten Natur von Stimme und Text, die Riffs durchaus fröhlich klingen und auch den „Catchyness“-Faktor mitbringen, sei es nun mit oder ohne Sänger im Vordergrund.

KANN SCREAMO PROGRESSIV SEIN?

Langeweile kommt daher keinesfalls auf, wenn man die äußerst interessant strukturierten Songs hört. Und das trotz der ziemlich einseitig traurigen lyrischen Betrachtungen. Jedoch sind diese Texte nicht zu vernachlässigen, da sie sich mit Krankheiten zweierlei Art beschäftigen: gesellschaftliche und persönliche. Hier wird über die Bewältigung des Alltags – trotz Zwangsneurosen – geschrien und noch viel mehr, aber das möchte ich hier nicht alles verraten.

Wo die Vocals die Struktur vermissen lassen und zum Teil für den Hörer nicht erklärbare und zufällig wirkende Umbrüche aufweisen, weisen die Gitarren den Weg und leiten durch jeden Song. Den einzigen großen Abzug gibt es dennoch beim sehr spärlich gesäten Gesang, welcher in der ersten Hälfte des Albums definitiv noch viel Arbeit braucht, bis er auf eine Platte sollte. Da glaubt man kaum, dass an dieser hier schon 3 Jahre gearbeitet wurde. Trotzdem waren es diese – für die Musiker wahrscheinlich sehr langen – Jahre definitiv wert und man darf ein äußerst interessantes Debüt-Album an die Ohren lassen.
Für jeden sollte was dabei sein, sei es für den Hardcore-Teenie, Rock-Papa oder Prog-Opa, denn jeder Song weist mindestens ein oder zwei Stellen auf, die ihn von den anderen abgrenzen sollte. Der einzige Streitpunkt der Generationen, nach dieser äußerst positiven Review, sollten eher die weinerischen Screams sein.
Diese werden von mir aufgrund persönlichen Geschmacks für sehr gut empfunden.

Den Indie und DIY-Ethos scheint die Band auch trotz Plattenvertrag durchdrungen zu haben: Sie veröffentlichten das Album-Cover in sage und schreibe 500 unterschiedlichen Ausführungen. Diese unterscheiden sich alle durch das Polaroid-Foto auf dem Cover. Alle fotografischen Ergüsse stammen aus dem Foto-Projekt „humans and landcapes“ des Gitarristen, welches die Betrachtung von Natur aus urbaner Perspektive zeigen soll.

Glücklicherweise darf ich noch anmerken, dass nicht, wie von vielen anderen Post-Hardcore- und Emo-Bands gewohnt, ab der Hälfte des Long-Players der Druck fehlt. Ganz im Gegenteil ist man die gesamte Zeit gespannt und wartet darauf, was die Musik als nächstes mit einem macht. Mit diesem Album werden „anorak.“ hoffentlich auch die Anerkennung in der Szene finden, die sie verdienen. Und das auch, obwohl – oder gerade weil – sie sich musikalisch stark von den bekannten Szene-Kollegen wie KMPFSPRT, HEISSKALT und MARATHONMANN abzugrenzen wissen. (Das liegt daran, dass keiner der in dieser Rezension gezogenen Vergleiche mehrfachem Hören standhält.)

Beenden wir nun die ganze Euphorie hier mit meinem Tagebuch:

ABER ES WAR MIR EGAL, DASS ES AUS WAR!

DENN ICH HAB EINE GRUPPE GEFUNDEN DIE MIR HOFFNUNG SCHENKT, HOFFNUNG IN DIE SPRENGUNG VON GENRE-GRENZEN UND DAS VON EINER NOCH SO JUNGEN BAND. ABER AUCH EIN MULMIGES GEFÜHL. DENN ICH HABE NICHT DIE IM TEXT BESCHRIENEN KRANKHEITEN UND HABE NUR TRIVIALE PROBLEME. AB JETZT MUSS ICH NICHT MEHR DIE OBEN GELISTETEN BANDS HÖREN UND KANN ALL DAS, WAS SIE UND MEINE FREUNDIN MIR GABEN, VON NUR EINER QUELLE BEZIEHEN: ANORAK.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Jonas

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