Als ich im April diesen Jahres erfuhr, dass AFSKY (dänisch: „Ekel“) – das Ein-Mann-DSBM-Projekt von SOLBRUD-Frontmann Ole Pedersen Luk aus Dänemark – ein neues Album releasen, war mir sofort klar: Das muss ich haben! Und: Das Ding wird richtig gut. Gespannt war ich insbesondere, ob es seinen (einzigen) Vorgänger, die unglaublich starke Scheibe „Sorg“ (dänisch: „Trauer“) noch übertreffen würde. Vorab: Die Antwort lautet „Ja“ und „Nein“. Denn die beiden Alben sind vielleicht doch gar nicht so richtig miteinander vergleichbar.

Liebe auf den ersten Blick

Vorab: Wie habe ich AFSKY entdeckt? Nun, das begann alles, als ich SOLBRUD, die erwähnte „Hauptband“ Ole Luks, im August 2018 gemeinsam mit MULTILATION RITES und ZEIT beim „Paranoya over Dresden“ in der Chemiefabrik Dresden erleben durfte. Als absoluter Liebhaber (melodiös-) schwarzmetallischer Klänge war das für mich ein Pflichttermin, zumal die gute alte „Chemo“ ohnehin immer einen Besuch wert ist. Ich erwartete Gutes und bekam: Großartiges. Wenn mich eine Band live direkt sowas von überrollt und mitschleift, dann muss ich mich hinterher einfach intensiver mit ihnen beschäftigen.

Und siehe da: Über Bandcamp erfuhr ich, dass der unglaublich sympathische Sänger, mit dem man in der familiären Atmosphäre der „Chemo“ ein schönes Schwätzchen halten konnte, noch ein DSBM-Projekt betreibt: AFSKY. Vorerst skeptisch, da selbst mir in diesem Genre so manches Werk doch zu gestört und zu wenig „vorantreibend“ klingt, wurde ich sogleich auch von „Sorg“ so sehr abgeholt, dass ich mir die Band unbedingt live geben musste. Dazu hatte ich beim „Vendetta Fest“ 2019 im „Zukunft am Ostkreuz“ Gelegenheit. Und, was soll ich sagen? Einmal wieder waren die Wucht und Atmosphäre noch atemberaubender als der gute Sound der Band. Warum ich Euch das erzähle? Nun, als absolute Empfehlung sich AFSKY live anzuhören!

Dann war es soweit: Dank der sozialen Medien aka Instagram (@excalikurt, @afskyofficial) und Bandcamp bekam ich schon frühzeitig mit, dass da etwas Großartiges auf dem Weg ist.

Eine Reise durch die dänische Kulturgeschichte

Schon das Coverartwork von „Ofte Jeg drømmer mig død“ gewährt einen ersten Eindruck von der nüchternen, trostlosen und doch brachial verzweifelten Atmosphäre des Albums. Es handelt sich um das Gemälde „Udslidt“ („Abgearbeitet/erschöpft“) von H. A. Brendekilde (1889), das im Kunstmuseum „Brandts“ in Odense, Dänemark, in beeindruckender Größe (207 × 270 cm) ausgestellt ist. Es handelt sich um das bedeutendste Werk des Künstlers. Es zeigt eine Frau aus einfachen, ländlichen Verhältnissen, die auf einem weiten Acker ihren von der harten Arbeit zu Tode erschöpften Mann im Arm hält, während sie aus Verzweiflung mit weit geöffnetem Mund (um Hilfe) schreit.

 

 

 

 

 

 

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Very impressive size! Today I’m invited to Odense art museum Brandt’s, to be a part of the online presentation of the painting ‘Udslidt’ I used for my album artwork. Amazing to see it live for the first time! . Check out the event on Facebook if you like! Starts 2pm danish time. . .. … #brandts #klædefabrikken #afsky #blackmetal #habrendekilde #udslidt

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Jun 3, 2020 um 3:52 PDT

Diese Atmosphäre und die Kritik an den gesellschaftlichen Verhältnissen – der Schere zwischen Arm und Reich – die das Bild thematisiert, finden sich auch in vielen der Texte und Gedichte wieder, die auf „Ofte Jeg drømmer mig død“ („Oft träume ich mich tot“) zu finden sind und die von Ole Luk lediglich mit seiner Musik untermalt wurden. Also: Keine der Lyrics auf „Ofte Jeg drømmer mig død“ sind von Luk, sondern historische Texte teils bekannter Autoren, die im Booklet oft mit abgebildet sind. Es lohnt sich daher, einen genaueren Blick in diese Texte zu werfen. So ist auch der Titel des Albums selbst textlicher Bestandteil des dritten Stücks „Imperia“, das auf dem gleichnamigen Text von Sophus Claussen, einem dänischen Autor der Neoromantik, beruht. Aber fangen wir vorne an, bei „Altid Veltilfreds“ nämlich.

Genügsamkeit finden in der Einfachheit

Das Stück geht auf den gleichnamigen Text eines unbekannten Autors um 1600 zurück und bedeutet übersetzt „Immer zufrieden“. Es startet mit beruhigendem Meeresrauschen, über das sich akustische Gitarrenklänge und eine Nyckelharpa legen. Der Melodieverlauf schwillt in Begleitung von E-Gitarre und Schlagzeug immer weiter an, bis sich das Stück nach fast 3 Minuten und einer kurzen Ruhepause mit einem Schrei vor dem Hörer aufbäumt. Von da an kämpft sich „Altid Veltifreds“ schnell und getrieben seinem Ausklang entgegen.

Man könnte die Stimmung des Stücks als „sentimentales Voranpreschen“, als „schmerzenden Kampf“ beschreiben. Der Text handelt, soweit ich das bei der Übersetzung eines so alten dänischen Textes sagen kann, von Gedanken, die ein bescheidener, zufriedener, einfach lebender, aber nachdenklicher Mensch seinerzeit wohl hat. Von der Vergänglichkeit des Lebens, dem Glück, das man in einfachen Momenten finden kann, der Unbeeinflussbarkeit der Dinge und des scheinbar nutzlosen Strebens nach Dingen, die sobald man sie erreicht hat, schon vergangen sind. Der Protagonist findet viel mehr seine nüchterne Erfüllung in dem, was sich ihm ergibt.

Auszug:

Lieber tot, als Sklave zu sein

Gefolgt wird der Song von „Tyende Sang“ („Lied des Dieners“) nach dem gleichnamigen Text Jeppe Aakjaers aus 1907. Der enthält deutlich mehr Aktionismus, den man auch musikalisch spürt. Die letzten drei Zeilen des Stücks sind separat im Inlay des Albums abgedruckt und bedeuten ins Deutsche übersetzt in etwa:

„Dann pflügen wir fröhlich unser hügeliges Land, nachdem wir unseren eingeschüchterten Stand aus der Macht der jahrelangen Sklaverei befreit haben“

(„Da pløjer vi muntre vort bølgende Land, naar først vi har friet vor kuede Stand fra Tusindaars-Trældommens Nat.“)

Der Text kann also als Hymne des Aufstands und der Revolution der Unterdrückten gegen ihre Peiniger verstanden werden – und genauso hört sich auch der Song an. „Tyende Sang“ knüpft direkt an den Ausklang seines Vorgängers an und bricht dann in gnadenloses Doublebassgewitter aus, überschattet von vorantreibenden, melodiösen Riffs. Melodische Leadgitarren übernehmen das Spiel, durchdrungen von den geschrienen Textpassagen. Über seine ganze Spiellänge wechselt sich der Song dann ab mit ruhigen Abschnitten und brachialen, aber auch intensiv melodiösen Ausbrüchen, bevor er wieder mit Akustikgitarrenspiel und Regenschauern ausklingt und man sich fragt, wovon dieses Stück erzählen will – vom Sieg unter Hinnahme schwerer Verluste oder doch von ernüchternder Niederlage.

„Oft träume ich mich tot“

Und so gelangen wir schließlich zu „Imperia“, dem eingangs erwähnten Stück, aus dem der Albumtitel entliehen wurde:

„Ich bin Imperia, die Königin der Erde. So stark wie die Kälte die im Schoß der Berge schlummert. Dunkel und unveränderlich. Oft träume ich mich tot.“

Und genau so, wie die ersten Zeilen dieses Textes anmuten, klingt auch „Imperia“. Ein unglaublich kraftvoller Song des Albums, der nur in seinen ersten Sekunden schwermütig anklingt, um direkt mit einer erhabenen Eiseskälte über mich hereinzubrechen.

Aber sollte man „Imperia“ wegen seines Bezugs zum Albumtitel als Herzstück des Albums bezeichnen? Meines Erachtens bewegt sich der Song musikalisch absolut ebenbürtig zwischen seinen fünf „Mitstreitern“. Wie auf dem gesamten Album paaren sich auch bei „Imperia“ immer wieder ruhigere, teils akustisch/folkloristisch anmutende Passagen mit gnadenlos sägenden und melancholisch-melodiösen Gitarren, begleitet von Blastbeats und untermalt von Luks Schreien voll markerschütternder Kälte. Tempo- und Melodiewechsel finden nahezu im Minutentakt statt. Das macht dieses Album sehr angenehm zu hören. Es lässt beim Hören stets Verschnaufpausen, treibt mich trotzdem immer wieder mit neuer Energie voran und schreit gefühlt den ganzen Schmerz, der in den Texten verarbeitet wurde, heraus.

Um das eigene Leben kämpfen

Ähnlich wie „Tyende Sang“ mutet auch „Bondeplage“ („Bauernleid“), basierend auf einem Text aus 1600, wie eine Hymne zur Befreiungsschlacht der Unterdrückten an und walzt ebenso majestätisch alles nieder, was sich ihm in den Weg stellt. Eine Fusion aus Doublebass und Gitarren überrollt mich beim Zuhören, reißt mich nieder, bevor sie mich mit sich reißt und anschließend überwältigt zurücklässt. Ganz so wie die donnernden Hufe einer rasenden Horde, die gekommen ist, um ihre Knechtschaft abzuwerfen und dabei alles zu geben – notfalls ihr Leben. Auch hier wird, ähnlich wie bei „Tyende Sang“, das Gemetzel durch eine Erzählstimme unterbrochen, bis der Sturm der Wut, Verzweiflung und Rache erneut hereinbricht und sich zuletzt ein fast schon idyllisch anmutendes, ruhiges Ende anschließt, in das sich der Song verabschiedet.

Frieden finden

Fast schon wie eine Art ernüchterte Einsicht, vielleicht darüber, dass sich die Zustände ja doch nicht nachhaltig zum Besseren wenden, wirkt dagegen der fünfte und damit vorletzte Song des Albums „Stemninger“. Hier wurde ein Gedicht von Hans Christian Andersen verarbeitet, dessen Titel sich mit „Stimmungen“ übersetzen lässt. Der Text spielt mit der Akzeptanz, ja fast schon dem Herbeisehnen des Todes. Romantische Metaphern wie die, dass auf dem eigenen Grab Wildrosen wachsen werden und Kinder dort spielen, wo man begraben ist, zeichnen ein ganz neues Bild. Ein Bild, das auch sagen könnte: „Es ist gut – der Kampf ist gewonnen. Es hat sich gelohnt. Ich habe ihn für euch gekämpft, ihr kommenden Generationen“.

Zugleich klingt „Stemninger“ deutlich tragender und schleppender als seine Vorgänger. Gleichwohl ertönt auch hier irgendwann der martialische Schrei, begleitet von Doublebass und schwereren Melodien. Die sägend-melodiösen Gitarren sind wohl ein musikalischer Ausdruck der Sentimentalität und Ernüchterung, die sich durch das gesamte Album zieht.

Schlussendlich verabschiedet sich das Album von uns mit „Angst“ nach Emil Aarestrup, dessen Titel wohl keiner Übersetzung bedarf. Die in „Stemninger“ begonnene Schwere und Trauer setzt sich fort und findet sich in ebenso bleischwer und bitter anmutenden Melodieverläufen wieder. Auch hier wurde natürlich nicht an üppigen Gitarrenwänden und Doublebass gespart. Die Stimmung ist dennoch deutlich weniger „aufmüpfig“ als noch bei „Tyende Sang“ oder „Bondeplage“. Stattdessen verstärkt sich die romantische Stimmung noch mehr und wirkt wie der Genuss des Momentes im Angesicht der eigenen Vergänglichkeit. Allerdings erscheint diese Einsicht eher tröstend. Es ist, als wollte der Text lehren, den Moment zu „umarmen„, solange das Herz noch „Blut und Wärme“ hat. Mit dieser romantisch-sentimentalen Stimmung und friedlichem Vogelgezwitscher schließt dieses Stück das Album.

Mein Fazit

Nach dieser umfangreichen Reise durch die Hintergründe des Albums können wir getrost festhalten, dass „Ofte Jeg drømmer mig død“ alles andere als ein belangloses Stück Musik ist. Es ist alles andere als Gepolter und Blastbeats. Es hat Herz, und zwar ein sehr altes, das aus den alten dänischen Texten und deren Bedeutung für den Künstler besteht, der sie nach seiner Wahrnehmung musikalisch untermalt hat. Doch auch ohne inhaltliches Auseinanderklamüsern reißt die Scheibe schon beim ersten Hören mit, sodass man sich schnell in dessen vorantreibende, schwere und düstere Kraft hineinfindet.

Von seinem Vorgänger „Sorg“ unterscheidet sich das Album allerdings stellenweise deutlich. „Sorg“ ist depressiver, aber auch schneller und hört sich aufgrund der deutlich bassärmeren Vertonung rauer, kälter, roher, kompromissloser und irgendwie trockener an als sein Nachfolger.  „Ofte Jeg drømmer mig død“ wirkt etwas schleppender und sein Sound hört sich satter und wärmer an. Dementsprechend ist „Sorg“ ein ausgezeichneter und herausragender Vertreter dessen, was klassischen, schnellen DSBM ausmacht. 

Das Album wurde von der dänischen Presse so stark wahrgenommen, dass es gleich in mehreren Artikeln dänischer Zeitungen aufgegriffen wurde und Ole Pedersen Luk vor dem Originalgemälde im Kunstmuseum „Brandts“ in Odense gemeinsam mit einer Cellistin ein Akustikkonzert geben durfte.

 

 

 

 

 

 

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Thanks for watching yesterday! And big thanks to @stniabrstrm for helping out with the cello! Thanks to @kunstmuseum_brandts for having me! #afsky #blackmetal #brandts #klædefabrik

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Jun 4, 2020 um 1:41 PDT

 

 

 

 

 

 

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5/6 in one of the biggest danish newspapers!! . .. … #afsky #blackmetal #politiken

Ein Beitrag geteilt von ᛖᚷᚲᚨᛚᛁᚲᚢᚱᛏ (@excalikurt) am Mai 15, 2020 um 3:01 PDT

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Simon

Der Beitrag AFSKY – DÄNISCHE LYRIK BRACHIAL VERTONT erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

„Vemod“ ist dänisch und heißt so viel wie Wehmut. Dass die Kopenhagener von SOLBRUD eben diesen Titel für ihr drittes Album wählten, überrascht nicht. Das erste Hören bestätigt sofort, dass es noch melancholischer werden sollte, als auf den Vorgängern. Obwohl es sich inhaltlich genau an „Jærtegn“ und „Solbrud“ anschließt, war der Schritt nicht wirklich vorhersehbar. So sind die ausschweifenden Intros noch immer vorhanden, rau wird es nicht mehr ganz so oft. Den Spagat zwischen Vielschichtigkeit und dem emotionalen Ausdruck schafft nicht jeder. Meistern SOLBRUD diesen auf ihrem vor Wehmut triefenden Album? Oder gehen sie dazu über gesichtslose Musik zu machen?

„Det Sydste Lys“ beginnt atmosphärisch: nieselnder Regen und sanfte Gitarren umwerben den Hörer. Der vollständige, erwartete Black-Metal-Sound wird langsam aufgebaut und entfaltet sich erst nach dem ersten Drittel. In dieser Hinsicht hat sich also nicht viel verändert. Das gewisse Etwas für geduldige Menschen hatten die Dänen immer im Gepäck. Was mir jedoch über das gesamte Album hinweg fehlt, ist der Biss in den majestätisch anmutenden Passagen. Ich kann dort nicht genau zuordnen, welche Variationen ich vermisse. So trägt der atmosphärische und melodische Anteil zwar jeden Song. Wirklich hinreißen kann mich jedoch kein Riff, was an den ewigen Blast Beats liegen könnte. Und nein, ich höre sehr wohl oft Black Metal – vor allem langsamen. Natürlich wusste ich, dass mich keine große Abwechslung erwarten wird. Es fehlt mir einfach an Bissigkeit. Die analoge Produktion durch Flemming Rasmussen (METALLICA, MORBID ANGEL, RAINBOW) bügelt diese Schwachstellen etwas aus, verleiht dem Album einen rauen Hauch. Das war auf den Vorgängern nicht zwingend nötig, die Musik strotzte nur so von Ungereimtheiten. Damals wurden mehr Kanten und Elan gezeigt, die es jetzt offensichtlich zu ordnen galt. 

Bei den monumentalen Songs lautete die Devise, nicht einzuschlafen. Wer hier nicht aufpasst wird mit Langeweile bestraft. Also bitte nicht einfach nur nebenbei hören!

Immerhin münden „Det Sydste Lys“ und „Besat Af Mørke“ in epische Finale. Im Gegensatz stehen dazu die weichen, klangarmen Outros von „Menneskeværk“ und „Forfald“. Diese beiden Lieder werden sehr gut eingerahmt, was den Hörfluss erleichtert. So wird zum Beispiel das Tempo dem Ende des Vorgängers angepasst. Außerdem haben es mir die Einstiege von „Besat Af Mørke“ und „Forfald“ besonders angetan. Sie brechen mit der ruhigen Hälfte von SOLBRUD dermaßen, dass ich mir trotz meiner Abgeneigtheit gegenüber einzelnen Riffs mehr davon wünsche. „Forfald“ besticht ebenfalls durch die instrumentalen Passagen. Und ungefähr nach dem zweiten Hören dieses Songs packt es mich dann auch. Es öffnet sich mir eine düstere Welt, die nicht mal eben bei einem Spaziergang abgehandelt werden kann. Die instrumentalen Ausläufer hinken hinterher, was die Textur anbelangt. Was vor drei Jahren noch rau klang, hebt sich jetzt klarer heraus. Wenn der Sänger seine markante Stimme darüber säuseln lässt, zeigt sich endlich: diese Musik hat noch ein Antlitz. Und was für eins!

Die Qualitäten der Lieder lassen sich schnell aufzählen. Sie überzeugen durch den ewig währenden Pessimismus, beängstigende Übergänge und den dunklen Unterton. Es strengt zwar etwas an, den überzogen langen Songs zu lauschen, aber ich werde immer wieder belohnt. Dennoch wird einem die Suche erschwert. Die Feinheiten und Details rücken weit in den Hintergrund. Zudem gehen zu viele dieser Variationen in der monumentalen Länge unter. So hätten mehr Piano-Einlagen wie auf „Forfald“ eingebaut werden können. Auch die gesamte Struktur der Musik öfter über den Haufen zu werfen, würde meine ersten Hörversuche erleichtern. Den sprichwörtlichen Klick hat es bei mir erst gegeben, nachdem ich mich tiefer damit beschäftigt habe. Für reine Gelegenheitshörer ist der erste Probelauf also nicht zu empfehlen. Wen die Materie genug interessiert, haut es dann spätestens bei der quirligen Eröffnung von „Menneskeværk“ um. 

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Der Beitrag Die Leere füllend – SOLBRUD erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Es ist Karfreitag und sobald man die Nachrichten liest, kommt einem immer der gleiche Quark entgegen: Christlicher Ruhetag hier, christlicher Ruhetag da. Vom Tanzverbot merkt man in Berlin nicht ganz so viel, zumal es hier nur bis um 21 Uhr gilt. Außerdem hoffe ich, dass bei der kommenden Veranstaltung eh nicht so viel getanzt wird. Bei solchem Black Metal zu moshen ist eher unüblich. Mit einem säkulären Staat haben solche religionsgerechten Regelungen auch nicht viel zu tun. Entweder man behält den Feiertag zur Entlastung der arbeitenden Bevölkerung bei und scheißt auf die mit ihm einhergehende Regelung oder schafft ihn gänzlich ab. Mit beidem wäre ich durchaus einverstanden, weil mich der eigentliche Anlass des Osterfestes eher kalt lässt. Der einzige wirkliche religiöse Eingriff in das öffentliche Leben ist bei weitem keine christliche Version der Scharia, aber ähnlich unangepast an die moderne Gesellschaft. Ich darf denen gedenken und folgen, die es meiner Ansicht nach verdienen und muss mich nicht irgendeinem religiösen Druck beugen.

Für den Veranstalter eines Black-Metal-Festivals gibt es jedoch keinen Tag, der passender sein könnte. Mit viel Kitsch könnte man sich darauf aufhängen, dass Jesus an diesem Tag gekreuzigt wurde etc. Vendetta Records und die Bands haben jedoch genügend Anstand sich solche Klischees zu verkneifen. Und wie sieht es nun auf dem Gelände aus? Das Tiefgrund in Berlin bietet alle Voraussetzungen für ein Festival dieser Größe: genügend Platz zum Ausruhen, einen kleinen Merchandise-Raum, einen Vorplatz und einen süßen Konzertraum.
Eine familiäre, herzliche und intime Atmosphäre wird auch durch die Nähe zwischen Besuchern und Bands geschaffen. Ich freue mich über das vollkommen vegane Buffet und meine Begrüßung durch den Veranstalter. Für ein Indoor-Festival dieser Größe zum Glück nicht ungewöhnlich. Sobald man sich innerhalb von fünf Minuten alle wichtigen Räumlichkeiten angesehen hat, kennt man sich auch schon aus. Erwartungsvoll schlage ich im Konzertraum mein Lager auf. Meine heutigen Highlights sollen eigentlich HEXER und – auf die ewige Leier eines anderen Festivalbesuchers hin – PARAMNESIA sein. Mal sehen wie mich die restlichen Bands abholen können.

VERHEERER dürfen die Show eröffnen. Die Flensburger machen von Anfang an gut Druck. Mit ihrer inzwischen etwas älteren Debüt-EP im Gepäck, überzeugen sie auf ganzer Linie. Das Gesamtpaket klingt etwas traditioneller als ich es erwartet hatte. Mit kaum Show, keinem unnötigen Gerede vor und nach den Liedern und hasserfüllten Melodien machen sie alles richtig. Genauso hatte ich meine Einführung in die Veranstaltung erwartet. Schade nur, dass die Herren nicht aus ihren Lederjacken herauskommen. Die Platte kann man sich nach so einem Auftritt jedoch durchaus gönnen.

Nach post-rockiger Pausenmusik betreten HEXER die Bühne und machen ihrem Namen alle Ehre. Sie bringen Räucherstäbchen an Bass und Gitarre an. Zusammen mit einer Duftkerze sorgt das für einen angenehmen Geruch. Dadurch erschaffen sie für sich die perfekte Atmosphäre für ihren Blackened Doom Metal. Das von VERHEERER vorgegebene Tempo wird ausgebremst. Langsam und zehrend bohren sich die Riffs in die Gehörgänge der Besucher. Da verwundert es auch nicht, dass für eine kurze Zeit der Bass mit einem Bogen gespielt wird. Gefangen im Schneesturm von HEXERs verheerender, sorry den konnte ich mir nicht verkneifen, Musik, ist es schwer loszulassen und den Raum zu verlassen. Alle starren gebannt auf die Bühne bis der nächste Ausbruch wieder ein freudiges Grinsen in die Gesichter zaubert. Viele Tracks vom neuen Album „Cosmic Doom Rituals“ werden gespielt, was neuen Fans wie mir in die Hände spielt.
Sie treten – entgegen der Stilvorschrift in einigen anderen Clubs – mit voller Bemalung auf. Selbst die Arme hat man sich angemalt, man meint es ernst. Die Dortmunder haben ordentlich doom und Wucht im Gepäck. Diagnose: selbst mal anschauen und genießen.

Lang gezogene, schmerzerfüllte Schreie in mitten des Nebels liefert der erste internationale Gast. SOLBRUD reizen die Nebelmaschine vollends aus. Der Sound und die Atmosphäre stimmen erneut. Damit reihen sie sich sehr gut in den Tag ein. Außerhalb der eher entspannenden Musik fällt mir eine Äußerlichkeit auf, über die ich nicht hinwegkomme. Spielt der Schauspieler Chris Hemsworth („Thor“) bei SOLBRUD Schlagzeug? Vielleicht ist es in der Halle einfach zu dunkel, aber ich könnte schwören, dass er aus einer gewissen Entfernung so aussieht.
Musikalisch holt mich die stark vom Death Metal beeinflusste Shoegaze-Black-Metal-Mischung auch ab. Emotional angehaucht und weniger böse als HEXER betört diese meine Ohren.

Ob PARAMNESIA bei solchen „Vorbands“ mithalten kann? Die Franzosen spielen einen Stil, der an den Nerven zehren soll. Langatmige Passagen, die in gleich lang erscheinenden Abständen durch viel Gekrächze unterbrochen werden. Selten war mir so bewusst, warum es Leute gibt, die diese Richtung als Emo Black Metal bezeichnen. Der Sänger geht in seiner Rolle als gequälte Seele so sehr auf, dass er aus dem halben Spagat auf der Bühne gar nicht mehr herauskommt. So spät am Abend ist eine derartige Kombination nicht wirklich erfrischend und stimmt mich eher auf die kuschelige Heimreise ein. Dennoch beherrschen sie ihr Handwerk sehr gut und reißen mich mehr als nur ein paar Male mit. Emotionales Headbanging ist hier mehr als erwünscht. Ein wichtiger Soundeffekt, den eigentlich alle Bands hier nutzen ist der Hall. Jedes Mikrofon muss sich anhören als würde man direkt in die Alpen hereinbrüllen. Lawinen löst das zwar nicht aus, aber korrigiert Schwächen im Live-Gesang und sorgt für riesige Wände aus Ton. So sehr ich mir auch wünsche, dass mehr Bands ohne ihn auskommen, für viele ist es einfach zum Standard geworden. Umso mehr begeistern dann wohl die Vertreter, die es roh versuchen.

Rohe Töne erwarte ich beim nächsten Auftritt nicht. Viel Aufwand und die bisher längste Umbauzeit benötigen FYRNASK. Sie lassen sich Zeit, damit auch alles schick aussieht. Nach HEXERs ausgiebiger Show, wollen die Bonner von FYRNASK noch einen drauflegen. Jedes Bandmitglied bekommt ein großes Gewand, welches nur beim Sänger das Gesicht nicht so wirklich verdeckt. Der posiert mit einem angeklebten Bart und viel Bemalung im Nebel, der sich um die mitgebrachten Geweihe und Laternen schlängelt. Sie sind auch die einzige Band mit Backdrop an diesem Tag und schrauben dementsprechend die Erwartungen in die Höhe. Für mich persönlich war es nie wichtig, wie eine Band oder die Bühne aussieht – Hauptsache es klingt gut. Leider kann ich mit der Musik nicht viel anfangen. Anscheinend muss einem das Auftreten der Truppe gefallen, um diese zu verstehen. Viel zu folkig und erzwungen monumental für mich. Aber immerhin passt die Musik erneut zum Outfit. Die Stilpunkte müssen sie sich also mit HEXER teilen. Dank der so ausgiebig verlängerten Umbauzeit verpasse ich auch leider das letzte Stück ihres Sets. Dadurch die letzte Bahn Richtung Heimat zu erwischen und um 3:00 Uhr anstatt um 6:00 Uhr zu Hause zu sein, lohnt sich jedenfalls.

Vielen Dank an Void Revelations (www.voidrevelations.com) für die wunderschönen Fotos.

Der Beitrag Das Vendetta Fest und die christliche Scharia (Tag 1, Freitag) erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Als ob ein Line-Up mit ASH BORER und SOLBRUD noch nicht ausreichen würde, hat man sich kurzerhand HEXER geschnappt. Die präsentieren dort ihr neues Album erstmals in voller Länge. Wem die Deutschen in VERHEERER zu schnell und melodisch sind, nickt halt langsam zu FÒRN mit. Eins ist klar, es wurde sich um ein gutes und solides Programm bemüht, bei dem viele im Atmospheric Black Metal- Untergrund bekannte Bands in toller Atmosphäre aufspielen.

Das Silence-Magazin wird natürlich für alle, die es nicht schaffen, vor Ort sein und das Spektakel in schriftlicher Form festhalten. Mein persönliches Highlight dieses Line-Ups sind WOE, die mit ihrem neuen Album „Hope Attrition“ den perfekten Nachfolger für „A Spell For The Death Of Man“ rausgebracht haben. Wer die US-Amerikaner und alle anderen Bands hören möchte, sollte hier den kostenlosen Sampler von Vendetta Records herunterladen. Unschlagbar ist bei diesem Festival vor allem der Preis. Für 36, 00 Euro (zzgl. Versand) lass ich mich jedenfalls gern von diesen elf Bands berieseln! Einziger Nachteil: Übernachtungsmöglichkeiten gibt es in Berlin zwar zur Genüge, aber euer Zelt müsst ihr wahrscheinlich zu Hause lassen.

Tickets zur Veranstaltung bekommt ihr im Shop von Vendetta Records 

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