Fast zehn Jahre ist es her, dass WORTH – damals als Quintett und in rein weiblich gelesener Besetzung – in Barcelona gegründet wurden. Vier Jahre später erschien anno 2018 das erste Album „The Essence of Life“. Nach vielen erfolgreichen Konzerten verließen Schlagzeugerin Anna Nadal und Rhythmusgitarristin Marta Monistrol WORTH. Die Position an der zweiten Gitarre wurde nicht neu besetzt, aber am Drumset stieß Stevie Gamester zur Gruppe, die fortan als Quartett spielte. Die weiteren Mitglieder sind Francesca Missori (Bass), Cri Jill (Gesang) und Gloria Falgueras (Gitarre). In dieser Formation begannen WORTH kurz vor Pandemiebeginn, an einem neuen Album zu arbeiten. Im italienischen TitansLab Studio wurde der selbstbetitelte Langspieler, der uns jetzt vorliegt, dann aufgenommen.

Zwischen den Gezeiten

Schon beim ersten Durchhören macht sich Erleichterung breit, denn WORTH machen vieles richtig, was ein Großteil der Melodic Death Metal Bands falsch macht. Die Band aus Katalonien setzt groovige Riffs ein und lässt die melodischen Leads nicht im Zentrum der Klangwelt stehen. Stattdessen schießen die Leads in Form von eiskalten Stakkati über den volltönenden Körper der vierzehn Songs. Nur im Titel „Cravings“ werden viele Stops eingesetzt, die sehr nach Plastik klingen, und „Morning Blaze“ ist so melodisch, dass es fast schon nach Eurodance klingt.

Es sind aber vor allem die Einflüsse von außen, die dem melodischen Death Metal von WORTH so viel Farbe verleihen. In den langsameren Passagen macht sich eine düstere Welle aus Doom Metal bemerkbar, die auch in den schnelleren Parts noch subtil mitschwingt. Zusammen mit den eisigen schwarzmetallenen Höhen mischen sich diese Sounds in den mächtigen Groove ein und lassen „Worth“ triumphierend voranschreiten.

Stürmisch und erfrischend

Wie vierzehn kurze Küstenstürme ziehen die Tracks des Albums durch die Gehörgänge. Manche dieser Stürme sind etwas schwächer, während andere alles wegreißen, was nicht niet- und nagelfest ist. Ein festes Konzept oder übergreifendes Thema ist nicht erkennbar und gerade deshalb ist in dieser windigen Abhandlung der Titel bestens gewählt. „Worth“ ist zwar das zweite Album von WORTH, aber auch das Album, auf dem die Band mehr zu selbst gefunden hat als zuvor. Dementsprechend ist dies eine großartige Selbstpräsentation, auf der WORTH fortan aufbauen können.

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Kürzlich habe ich MUSICFRIDAY #50 die Veröffentlichung von MARAGDAs selbstbetiteltem Debütalbum angekündigt. Nun möchte ich auf Worte noch mehr Worte folgen lassen, indem ich mich dem gesamten Werk widme. Das sieben Lieder starke Album erscheint bei den beiden spanischen Labels Nafra Records und Spinda Records sowie dem peruanischen Label Necio Records, welches zu meinen Lieblingslabels zählt. Zu hören gibt es auf etwa einer halben Stunde Spielzeit die musikalischen Erzeugnisse von Marçal (Bass, Synths, Gesang), Xavi (Schlagzeug, Gesang), und Guillem (Gitarre, Synths, Gesang). Das Trio aus Katalonien hat mit seinem Debüt eine zusammenhängende Reihe von Liedern veröffentlicht, in denen sie eine fantastische Geschichte erzählen.

Nach der Katastrophe

MARAGDA erzählen hier die fiktive Geschichte des Maragda Volkes, das sich nach einem verheerenden Unheil in die Tiefen des Untergrunds zurückgezogen hat. Nach Jahren des Ausharrens sind die Erinnerungen an das Leben auf der Erdoberfläche bereits restlos verblasst. Doch auch der Rückzugsort ist kein Paradies, denn hier herrscht The Core – ein unbarmherziges und unterdrückerisches, totalitäres Regime. Und so geschah es eines Tages, dass sich eine fremde Stimme in den Köpfen der Maragda bemerkbar machte, die zu den Unterdrückten sprach. Einige Rebellen erkannten diesen Ruf und machten sich auf, um die Geheimnisse der Vergangenheit und der Zukunft der Maragda zu erforschen.

Finster und farbenfroh

Das spannende Narrativ wird in einer vielfältigen Mischung aus musikalischen Stilen dargeboten. MARAGDA spielen eine progressive und oft sehr mächtige Spielform des Psychedelic Rock, die sich oft an fuzzgeladenem Garage Rock reibt. Krautrock Passagen sorgen vor allem im Rhythmus für zusätzliche Energie, während die Synthesizer Klangwelten voller Farbenpracht zaubern. Mit ihrem Heavy Psych untermalen MARAGDA die aufregende Stimmung der Geschichte wunderschön, indem sie Neugier, Dunkelheit, Hoffnung und Ungewissheit in Szene setzen. So bleibt es inhaltlich wie auch musikalisch von Anfang bis Ende spannend.

MARAGDA auf Bandcamp

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Heavy Metal steht aktuell wieder hoch im Kurs: In den vergangenen Jahren zogen eine Reihe noch junger Bands in die Schlacht, um den guten alten Sound der 80er-Jahre zu verteidigen und zu neuer Blüte zu führen. SMOULDER, TRAVELER und RIOT CITY oder auch VISIGOTH gelang dies nicht mit Bravour. Auch WAR DOGS wollen es nun wissen und liefern mit „Die By My Sword“ ein Debüt im klassischen „Heavy Metal“-Stil ab, welches nur allzu gern in Richtung der britischen Genreanfänge schielt. Aber wie gut ist es tatsächlich um die spanische Truppe im Vergleich mit der starken, ambitionierten und jungen Konkurrenz bestellt?

Von Schwertern und Schlachten

Dass die Jungs von WAR DOGS ihr Handwerk beherrschen, beweisen sie schon gleich zu Beginn: Bereits der Opener und Titeltrack „Die By My Sword“ weiß vollends zu überzeugen und lässt den klassischen Schwermetaller nach mehr Songs dieser Art gieren, die nicht nur dem Titel nach an das lyrische Pathos von CIRITH UNGOL und SAXON erinnert. An der Klampfenfront sieht es ebenso gut bestellt aus.  Eduardo Antón (Leadgitarre) und Enrique Mas (Rhythmusgitarre) feuern eine Riffsalve nach der anderen aus ihren Waffen. Unterstützung bekommen die beiden von José V. Aldeguer (Schlagzeug), der hinter den Kesseln furiose – und vor allem metalwürdige – Schlagzeuggewitter vom Stapel lässt. Was kann da also noch schiefgehen, um mit „Die By My Sword“ an die herausragenden „Heavy Metal“-Debüts des vergangenen Jahres anzuknüpfen?

Keine Gnade – jedenfalls nicht für WAR DOGS

Antwort: Eine ganze Menge. Gesanglich hisst Alberto Rodriguez (Vocals) zwar nicht unbedingt die weiße Flagge, bereit zum Gefecht wirkt der Sänger aber auch nicht, zumindest auf einem Großteil des Albums. Weiß noch das Eröffnungslied durchaus zu überzeugen, wird merklich schnell deutlich, dass der „WAR DOGS„-Fronter nicht unbedingt über ein Ausnahmeorgan verfügt, was noch verschmerzbar wäre, darüber hinaus aber auch zu äußerst repetitiven Songstrukturen greift. Und zwar nicht in einer sympathischen AC/DC-Monotonie, sondern eher in einer frustrierenden Art, die nicht wenige Zuhörer dazu bewegen könnte, nach den ersten Songs „Die By My Sword“ wieder beiseite zu legen.

Knapp daneben ist auch vorbei

WAR DOGS bekleckern sich mit „Die By My Sword“ keinesfalls mit Ruhm. Viel Repetitives, wenig Abwechslung – keine guten Voraussetzungen also für eine Dauerrotation im heimischen CD-Player. Statt heroischer und mit Lorbeeren auszeichnenswerter Schlachtgesänge, liefern die Spanier ein Album ab, das gerade über genug Klasse verfügt, um noch im Schatten der hochbegabten Newcomer zu stehen. Das Debüt geht zwar nicht vollends in die Hose – dafür hat die Scheibe mit Songs wie „The Shark“, das dem verstorbenen MANILA ROAD-Gitarristen Mark Shelton gewidmet ist, dann doch ein Fünkchen zu viel Qualität zu bieten. „Die By My Sword“ ist aber über weite Strecken ein qualitativer Grabenkampf auf dem Terrain des Heavy Metal. Bleibt nur zu hoffen, dass der Nachfolger musikalisch ausgefeilter sein wird. Das nötige Potential ist jedenfalls vorhanden….

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Meine spanischen Lieblinge TEITANBLOOD haben ihre Drohung wahr gemacht und servieren kurz vor Weihnachten Nachschlag. Das bedeutet: tief wie der Mariannengraben gestimmte Gitarren und eine Stimme aus dem Grab, welche die Reste vom Aschenbecher tief eingeatmet hat. Und schon kann die bestialische Verwüstung starten. Nach den abartig düsteren Alben („Seven Chalices“ und „Death“) veröffentlicht das Duo also eine neue EP. „Accursed Skin“ wurde mit einem neuen und einem älteren Stück (bereits 2012 auf der „Woven Black Arteries“-EP erschienen) ausgestattet. Das Gesamtbild gibt es nur auf Vinyl oder digital, also schlagt lieber schnell zu, wenn ihr ein Stück Schellack ergattern wollt. Geschickterweise gibt das Label erst kurz vor dem Release einer Band eine kurze Info raus, was durchaus seinen eigenen Reiz in der heutigen „Masseninfoschlacht“ hat. Wem TEITANBLOOD bis jetzt nichts sagt, der findet unten ein paar Links.

Stark von den Vorreitern AUTOPSY, DEMIGOD und DEMONCY beeinflusst, beginnt das Album mit verhallten Geräuschen wie Blubbern und Gluckern, als würde etwas Böses aus der Ursuppe erwachen. Das darauffolgende Gitarrenfeedback geht dann in einen tonnenschweren Marsch aus Doublebass und dem verrottenden Organ des Sängers über. Das ist der Untergang, DAS ist Death Metal, wie er sein soll. Hundsgemein und unbarmherzig, nichts mit poppigen Spielereien. Das bedeutet für euch vertonte eitrige Geschwüre, Auswüchse voller Ekel und Abscheu. Bedrohlich tänzelt kurz das Schlagzeug, bis die beiden Musiker in einem straighten Takt Platz nehmen, der trotzdem noch das gewisse Etwas an Elan besitzt.

Gut Ding will Weile haben

Erst nach 5 Minuten heißt es Fahrt aufnehmen. Dafür dann aber richtig. Ich kenne kaum Bands, wo der Blastbeat noch eine gemeine Attacke auf die Trommelfelle darstellt. Solche Momente treten dir richtig schön unangenehm ins Gesicht. Auch die infernalischen mittelschnellen Elemente fließen direkt aus der Hölle und verätzen jedes Hörorgan von Leuten, für die Metal nur eine Teilzeitbeschäftigung darstellt. Weil TEITANBLOOD aber für ihre chaotischen Strukturen bekannt sind, aber nie planlos agieren, folgt nach kurzem Blast ein beschwörerischer Part. Nach dem kurzen Feedback, bricht dann wieder die Härte aus. Blastbeat Nummer 2 bahnt sich seinen Weg und mein Mund formt sich zu einem boshaften Lächeln. Während der finalen Minuten vernimmt man wieder die anfängliche Drone-Collage. Das ungute Gefühl aber bleibt.

Zeit für den „Klassiker“

Mit pochendem Herzen und undefinierbaren Geräuschen steigt „Sanctified Dysecdysis“ in den Blastbeat ein. Aber das geht doch noch schneller, oder? Also packt Drummer J. noch eine Schippe an Brutalität drauf. Im Gegenzug zu „Accoursed Skin“ merkt man hier noch die Unterschiede im Sound. Die Toms sind dumpfer, die Gitarren noch modriger und der Gesang kehliger. Gerade der Moment ab Minute 08:37 hat etwas total Eigenes und Atmosphärisches, sowie der anschließende Mördergroove. Schließlich endet alles in einer destruktiven Wut.

Doch die 4 Jahre, die das Manifest auf dem Buckel hat, merkt man kein bisschen. Stur, humorlos und mit barbarischer Vehemenz zerbröseln TEITANBLOOD nahezu 90% aller heutigen Death Metal-Bands. Ein Alleinstellungsmerkmal für die Spanier hingegen ist der Umgang mit der Lyrik. Alle Songs hängen miteinander zusammen, Zentrum sind die Werke von Umberto Eco (leider dieses Jahr am 19. Februar verstorben). Speziell „Der Name der Rose“ dürfte eine große Faszination ausgeübt haben, hinsichtlich des Antichristen, sprich: sein Kommen und der daraus folgende Sieg.

Links zu TEITANBLOOD

Bandcamp

Metal Archives

Bio [Kopfstand aufm Schreibtisch zum Lesen notwendig]

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Im Jahr 2010 brachte die spanische Band DIABULUS IN MUSICA ihr Debütalbum „Secrets“ auf den Markt, zu diesem Zeitpunkt noch bei Metal Blade Records. Es folgte ein Wechsel zu Napalm Records und ein Veröffentlichungsrhythmus von zwei Jahren: 2012 erschien „The Wanderer“, 2014 „Argia“. Dem Turnus treu bleibend, veröffentlicht die Gruppe dieses Jahr ihr viertes Album: „Dirge For The Archons“.

Persönlich habe ich die Formation bisher nur am Rande wahrgenommen, was auch daran gelegen haben mag, dass ich bisher noch keine Gelegenheit hatte, diese live zu sehen. Und das, obwohl mir einige Bands des Female Fronted Symphonic Metal sehr zusagen, so u.a. XANDRIA und das „alte“ NIGHTWISH mit Tarja Turunen. Grund genug, mich mit der Band einmal näher auseinanderzusetzen und das Album einer Prüfung zu unterziehen.

Kurz und stimmig leitet das einminütige Intro „Battle Of Atlantis“ unter Nutzung kurzer chorischer Parts ein, um dann mit Schwung in den Titel „Earthly Illusions“ zu münden. Die instrumentalen Parts sind schnell und kräftig, während in den Strophen zunächst einen Gang runtergeschaltet wird. Der zwei Mal auftauchende und von einem langen Zwischenspiel unterbrochene Refrain bewegt sich im Midtempo-Bereich, weiß aber durch geschicktes Zusammenspiel von Chor und Leadgesang durch Frontsängerin Zuberoa Aznárez zu überzeugen. Es folgt „Marble Embrace“, das zum ersten Mal Gurka Elsos Grunts ins Spiel bringt. Der Einsatz von hohen sowie hektischen Violinenmelodien und männlichen Hintergrundchören verleiht dem Song einen dramatischen, düsteren Charakter.

„Invisible“ lebt vor allem von getragenen Leadgesängen im Refrain und den stets präsenten weiblichen Chören. Ähnlich präsentiert sich im ersten Teil auch „Crimson Gale“, allerdings härter und mit vermehrtem Einsatz des Leadgesanges in den Strophen. Ergänzt wird der Song im zweiten Teil durch einen erneut kurzen Einsatz von Grunts, um dann mit der letzten Wiederholung des Refrains den Titel abzuschließen.

Etwas grotesker erscheint der Song  „Ring Around Dark Fairies‘ Carousel“, der, unter Einsatz besonders hoher Keyboard-Passagen und an einen Leierkasten erinnernde Melodien, eine sehr sonderbare Stimmung erzeugt. Für das folgende „A Speck In The Universe“ verzichtet man in der ersten Hälfte auf das Schlagzeug und setzt vermehrt auf Keyboarduntermalung sowie mehrstimmige weibliche Gesänge. Zur Mitte des Titels erfolgt ein behutsamer Einsatz von Bass und Schlagzeug. Die Ballade legt durchweg ein langsames Tempo an den Tag, welches den schön anzuhörenden Gesang wunderbar hervorheben kann und den Song zu einem angenehmen Teil des Albums macht.

„Hiding From You“ ist wieder ein wenig kräftiger und setzt deutlich mehr auf instrumentale Begleitung, kehrt allerdings noch nicht zum raueren Klang der ersten Titel zurück. Stattdessen wird auf ein abwechslungsreiches Zusammenspiel zwischen weiblichen Chören, Growling, sowie männlichem und weiblichem Klargesang gesetzt. Letztgenannte Gesangsparts zeichnen den Refrain aus, der durch seine stimmungsvolle Erscheinung punkten kann. „The Voice Of Your Dreams“ traut sich dann endlich mal wieder, im Refrain etwas zügiger zu sein und mit mehr Energie aufzuwarten.

Eigentlich erwarte ich sehnsüchtig einen harten Song, der endlich wieder ein richtig hohes Tempo an den Tag legt. Als mich jedoch sanfter Klang von Flöten betört, vergesse ich dies und genieße das knapp anderthalbminütige Intermezzo namens „The Hawk’s Lament“, welches dazu dient, den ebenfalls sanften Titel „Bane“ einzuleiten. Ohne schwermütige Chöre, dafür mit lockerem Gesang und schon beinahe fröhlicher Atmosphäre erscheint der gesamte Titel sehr viel leichtfüßiger als das restliche Album.

Dagegen grenzt sich „The River Of Loss“ deutlich ab, das bereits zu Beginn mit düsteren Chorgesängen auf Dramatik setzt. Dies zeigt auch das wiedergekehrte Growling als Sinnbild für einen härteren Klang. Der Refrain klingt gewohnt gut, schafft es aber nicht, sich zu einem Highlight zu küren. Beim abschließenden „Zauria“ setzt man noch einmal auf langsames Tempo und atmosphärischen Klang, wobei der Titel insgesamt relativ blass bleibt. Als Ausleitung kann der Titel aber gut herhalten.

Der Beitrag Auf Nightwishs Spuren – Diabulus In Musica erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.