Im Sommer letzten Jahres hat die japanische Trancecore-Band CROSSFAITH ihr nunmehr fünftes Studioalbum „EX_MACHINA“ veröffentlicht und ist damit auch schon gut rum gekommen – nach einer EU und UK Tour folgte eine Tour durch Japan im letzten Jahr. Erst vor kurzem spielte die Band einige Shows in Korea, China und Taiwan. Mit der „EX_MACHINA CLIMAX“ One Man Tour stehen jetzt direkt nochmal fünf Dates in Japan an. Auf Grund der Nachfrage und Popularität von CROSSFAITH in Deutschland habe ich mir kurz nach der Ankündigung vorgenommen, eines der Konzerte für SILENCE zu reviewen. Und siehe da: es hat geklappt! 

Bevor ich mehr verrate, habe ich eine schockierende Wahrheit für euch: Ich habe CROSSFAITH vorher noch nie live gesehen. Und um ganz ehrlich zu sein, ich kenne gerade mal drei oder vier Songs der Band. Schockierend ist das, weil ich hier in Japan üblicherweise die Ausländerin bin, die zu außerhalb Japans unbekannten Bands wie ELLEGARDEN mitgröhlt und Wort für Wort die Opening Songs von 90er Jahre Gundam Anime mitsingen kann. Allerdings ist das eine andere Geschichte und meinen Gesang möchte wahrlich niemand freiwillig hören, im Gegensatz zu CROSSFAITH. Daher habe ich keine Kosten und Mühen gescheut und mich auf den Weg nach Osaka gemacht, um den „EX_MACHINA CLIMAX“ Tourauftakt in der Heimatstadt der Band zu erleben. 

Lost in Osaka

Mein katastrophaler Orientierungssinn ist mittlerweile kein Geheimnis mehr. Obwohl ich dem ZEPP Osaka Bayside im vergangenen Dezember schon mal einen Besuch abgestattet habe (ihr dürft jetzt alle raten, welche Band ich gesehen habe), gleicht meine Anreise zur Venue einer Odyssee. Kurz vor der Angst komme ich völlig abgehetzt an, hole meinen Pass ab und suche meinen Platz auf der zweiten Etage der Halle.

Mittlerweile sind es nur noch wenige Minuten bis zum Konzertbeginn. Noch ist die Bühne ist hinter einem Vorhang verborgen – die Spannung steigt! Die Aussicht von hier oben ist eindrucksvoll, die untere Etage ist prall gefüllt und wartet ungeduldig. Endlich gehen die Lichter aus und der Vorhang fällt – buchstäblich. Zum Vorschein kommt eine beeindruckende Bühnenkonstruktion mit riesiger Leinwand im Hintergrund.

Auf eben dieser wird eine kurze, animierte Introsequenz abgespielt und eine mechanisch klingende Frauenstimme leitet das Konzert ein.

Einen Moment später stürmen CROSSFAITH zu harten Technobeats die Bühne. Frontman Kenta Koie schwingt dazu charakteristisch eine vom Bandlogo gezierte Flagge. Während ich mich frage, ob so ein sehr imposanter Rave aussieht, rastet das Erdgeschoss schon beim Intro aus. Als CROSSFAITH dann selbst die Instrumente in die Hand nehmen, um der Mischung härtere Klänge hinzuzufügen, fängt nicht nur das Publikum unter mir an zu springen.

Auch hier oben hält es die Wenigsten auf ihren Sitzen. Zu den Songs des neuen Albums „Ex_Machina“ wird selbstverständlich auch ordentlich geheadbangt. Der Herr hinter mir demonstriert das mit seiner langen Metal-Mähne in Perfektion … leider klatschen seine ausgesprochen langen Haare dabei regelmäßig an meine Stirn. Aua. 

Während dieser Performance wurden keine Mikrofonständer verletzt

Auch auf der Bühne geht es etwas gröber zu und Mikrofonständer werden umgetreten oder fliegen. Die Bühnenpräsenz der Band ist vom ersten Song markant und sehr energetisch. Bassist Hiro trägt seinen Bass teils locker über die Schulter und fegt kurz darauf wieder über die Bühne. Oder man richtet seinen Blick auf Teru, der öfter mal hinter seinem Pult aus Keyboards und Synthesizern hervorkommt, um dem Publikum ganz nahe zu kommen. Zwischendurch stürmt er sogar mit einer Keytar auf die Bühne. 

Am anderen Ende der Bühne wirbelt Gitarrist Kazuki herum und animiert das Publikum. Definitiv eine imposante Show. Stichwort imposant: Zwischenzeitlich verlassen Teile der Band die Bühne und nur Drummer Tatsu verbleibt. Was eingefleischte Fans wissen, ist für mich eine Überraschung: das Drumsolo. In meinen Augen ziemlich beeindruckend, was er da abliefert – eine Reihe an Tricks mit den Drumsticks, zwischendurch mal einen Schluck Bier genommen und das ganze mit einem äußerst breiten Grinsen. Die Fans feiern ihn dafür gebührend. Nach diesem unterhaltsamen Interlude stehen CROSSFAITH wieder vollzählig auf der Bühne. 

Auf die einleitenden Songs von „Ex_Machina“ folgen jetzt einige Klassiker der Band, stets untermalt von

stimmigen Animationen. Manchmal weiß ich nicht, worauf ich achten soll, weil so viel gleichzeitig passiert. Natürlich haben CROSSFAITH sich noch mehr einfallen lassen und liefern zu einigen Songs noch einen Remix ab. So verwandelt sich ein Metal-Konzert temporär wieder in einen Rave, definitiv abwechslungsreich! Um die Party weiter anzuheizen, wird auf der Bühne sogar angestoßen. Dazu sage ich nur: „Kanpai!“

Unter mir und um mich herum springt und headbangt das Publikum reichlich, bis der Ton des Konzerts für zwei Songs, nämlich „Milestone“ und „Lost In You“, dann verhältnismäßig ruhig wird. Erneut untermalt von stimmigen Montagen, die jetzt einen Blick auf die Tourerinnerungen der Band gewähren. Der junge Mann rechts neben mir, der bis eben noch wild gesprungen ist, blickt jetzt wie gebannt auf die Leinwand. Das Mädchen links von mir steht plötzlich auf und vergräbt ihr Gesicht in den Händen. Zum Ende des Songs höre ich ein Schluchzen und merke, dass die Performance sie zu Tränen gerührt hat. 

Barrikaden? Pff, welche Barrikaden?

Einen so intensiven Moment hätte ich nicht erwartet. Obwohl ich weder Song noch die Band besonders gut kenne, bin auch ich sehr gerührt von dieser Kombination aus Musik und Videomaterial. Nach diesem emotionalen Intermezzo wechseln sowohl CROSSFAITH und die Crowd zurück in den Party-Modus. Und meine Sitznachbarn hüpfen jetzt gemeinsam. Das Finale gestaltet sich als bunter Mix aus alten und neuen Songs, bei denen selbstverständlich die Interaktion mit dem Publikum nicht zu kurz kommt.

Teru heizt dem Publikum hinter und vor seinem mit Technik belandenen Pult ordentlich ein, wodurch vor allem auf der unteren Ebene die Stimmung kocht. Wenn ich mich recht erinnere, sind im ZEPP Osaka Bayside einige Barrikaden verteilt, die moshen und crowdsurfen deutlich erschweren. Kein Hindernis für eine CROSSFAITH-Crowd! Es wird trotzdem das Beste aus der Situation gemacht und nicht wenige crowdsurfen trotz der erschwerten Umstände – schließlich wartet ein Fist Bump mit Frontman Kenta am Ende des, ähm, „Weges“. 

Sagte ich eben Finale? Fast! Nach knapp 80 Minuten verlässt die Band die Bühne. Nach einem Abspann der die Namen aller Beteiligten an dieser wirklich imposanten Produktion zeigt, folgt

eine erneute Animation, die der am Anfang ähnelt. Selbstverständlich gibt es mit „Countdown To Hell“ und „Monolith“ noch eine Zugabe! Ein letztes Mal bebt die Venue dank der ausrastenden Meute, welche CROSSFAITH gebührend feiert.

Auf der Bühne herrscht pure Reizüberflutung, sodass es schwierig ist, das Geschehene entsprechend zu rekonstruieren. Entsprechend schnell vergeht die Zugabe und 90 Minuten Konzert sind vorbei. Wow, das war ein wilder Ritt. Ein letztes Mal ertönt der Bandname in Chor-ähnlichen Rufen aus dem sichtlich erschöpften Publikum, bevor die Halle sich langsam zu leeren beginnt. 

Fazit

„Wilder Ritt“ ist wohl die Beschreibung, die am Besten zu einem CROSSFAITH-Konzert passt. Ich muss zugeben, dass ich mich häufig dabei ertappe, wie schnell mir auf Konzerten langweilig wird, wenn ich nicht fotografiere. Aber heute war das definitiv nicht der Fall. Im Gegenteil, 90 Minuten sind vermutlich noch nie so schnell an mir vorbeigeflogen. Hier hat wirklich alles gestimmt: Der imposante Bühnenaufbau, der Sound, die atmosphärischen Animationen, die dem Konzert eine ganz besondere Atmosphäre verliehen haben und selbstverständlich die Band.

Auch die Setlist war mit einem Mix aus alten und neuen Songs perfekt abgestimmt. Mich haben CROSSFAITH auf ganzer Linie überzeugt und sollte ich die Chance haben, würde ich definitiv wieder auf eine Show der Band gehen. Wer bisher noch skeptisch war, dem empfehle ich dringend einfach Nägel mit Köpfen zu machen und sich die Band einmal anzuschauen, es lohnt sich. Egal, ob eine kleine oder große Bühne, CROSSFAITH können überall abreißen. 

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Photo Credit: Cazrow Aoki
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CROSSFAITH live in Osaka – Welcome to the “Metal-Rave”

In summer 2018 the Japanese Trancecore band CROSSFAITH released their 5^th record “EX_MACHINE” and went on an extensive tour across Europe and the UK, followed by a Japan Tour. Just recently the band played a bunch of shows in Korea, China and Taiwan. With the “EX_MACHINA CLIMAX” One Man Tour CROSSFAITH are going back on tour again for five more dates across Japan! Due to the high demand and the popularity that CROSSFAITH have gained in Germany over the years, I really wanted to review one of their shows for SILENCE. Therefore, I’m taking you on a little trip this time.

Before I’m going to tell you more, I have to reveal a shocking truth: I’ve never seen CROSSFAITH live. And to be really honest, I maybe know three or four songs of them. This is shocking since I’m usually the one foreigner that’s shouting along to ELLEGARDEN and can sing every single word of every 90’s Gundam anime. But that’s a different story and no one ever wants to hear me sing, in marked contrast to CROSSFAITH. So I spared neither trouble nor expense to get all the way to their hometown Osaka, to experience the 1^st show of the tour.

Lost in Osaka

My terrible sense of direction is no secret anymore. Even though I’ve been to ZEPP Osaka Bayside in last December (now it’s your part to

guess which band I saw back then), it’s quite and odyssey to get to the venue today. I arrive only a few minutes before the show starts, get my pass and find my seat on the 2^nd floor. The view from here is impressive as I have a look around the crowded venue and all the waiting people. The stage is hidden behind a curtain and it’s only a few moments before the show starts. Suddenly the lights turn black and the curtain falls to reveal an imposing décor, including a huge screen.

An animated intro sequence starts playing and a mechanic, female voice starts to speak in Japanese. A few seconds later CROSSFAITH hit the stage, accompanied by some intense techno sound. Frontman Kenta Koie is characteristically waving a red flag crested with the logo of CROSSFAITH. While I ask myself if this is what a very impressive rave looks like, the main floor is already going crazy.

As soon as CROSSFAITH start playing and add some heavier tunes to their unique musical mixture, the crowd beneath me starts to jump. It’s also difficult for the people around me to remain on their seats, so they start dancing and headbanging to the songs of “EX_MACHINA”. Especially the guy behind me knows how to headband in perfection, and he has the perfect hair for it – mainly because it keeps slapping again my forehead. Ouch.

No mic stands were harmed during this performance

There’s a lot of on-stage action going on as well: Some mic stands get kicked over or fly around, for example. From the first song on, the stage presence of the band is striking and very energetic. Bassist Hiro, who’s carrying around his bass effortlessly on his shoulder, sweeps across the stage only seconds later. Or Teru, who often climbs over his console full of keyboards and synthesizers to get close to the crowd. At one point he even gets out the Keytar.

At the other end of the stage there’s guitarist Kazuki jumping around and firing up the crowd. Definitely an imposing show. Speaking of imposing: For a moment everybody leaves the stage, besides drummer Tatsu. Fans may already know what’s coming now, for me it’s a pleasant surprise: The drum solo! To spice his solo up, Tatsu adds a bunch of tricks with his drumsticks, takes a sip of beer and does all this with the brightest smile possible. The audience is cheering! After this very entertaining interlude the rest of the band enters the stage again.

After some songs from “EX_MACHINA” it’s time for some CROSSFAITH classics. Throughout the concert every song is accentuated with fitting and atmospheric animations. Sometimes I really don’t know where I should look at because so much is happening. That’s not it, for some songs they even play remixes and temporarily turn the show into a rave again! This evening is indeed rich in variety. To emphasize the party-like atmosphere the band chinks some glasses on stage – I say “Kanpai”!

The crowd beneath and around me continues headbanging and jumping around, until the tone of the concert shifts for two songs, „Milestone“ and „Lost In You“. For a moment it’s getting relatively quiet. The animations shift to a collection of tour memories and serve as a little throwback to the history of the band. Also, the guy next who was jumping wildly a few minutes ago is now starring at the screen in fascination. The girl on the left side suddenly stood up. Now she’s hiding her face behind her hands. As soon as the song finishes, I can hear her sobbing, obviously touched by the performance.

Barricades? Pfft, which barricades?

I didn’t expect such an intense moment. Although I barely know the band and their music, I must admit that they also touched me with this special combination of music and video. After this emotional intermezzo CROSSFAITH as well as the crowd change back into party mode. And my seatmates are jumping together now. The final is a mixture of old and new songs and a lot of crowd interaction. Teru is firing up the crowd again and is always up for a little bit of stage diving.

The atmosphere is intense, especially on the main floor. If I remember correctly, there must be a bunch of barricades on the main floor of ZEPP Osaka Bayside, which make crowd surfing and moshing quite difficult. But this shall be no problem for a CROSSFAITH crowd!  Plenty of people are moshing anyway and a few even try to crowdsurf to earn a fist bump of frontman Kenta at the end of the, erm, “road”.

Did I just say final? Well, nearly! After about 80 Minutes the band leaves the stage. The screen shows credits with the names of all the people who made this impressive production possible. Followed by another animation that is similar to the one from the beginning. Of course, CROSSFAITH won’t leave without an encore: „Countdown to Hell“ and „Monolith“. One last time the venue is shaking, thanks to the insane crowd partying to the music they love. The performance of CROSSFAITH is a total sensory overload and I still don’t know the words to recreate what’s happening on stage. These last minutes are just passing by and the band is saying the last good bye for tonight. Wow, that was a wild ride. The audience is chanting “CROSSFAITH!” a last time before everybody slowly begins to leave.

Upshot

„Wild ride“ is probably the most adequate description I can give for a CROSSFAITH concert. I have to admit that I often get easily bored at concerts when I’m not taking photos. But as you already can tell, today that was definitely not the case. If anything, 90 minutes never flew by so fast. Tonight, everything was absolutely coherent: The imposing décor, the sound, the atmospheric cinematics and of course, the band.

Not to forget about the energetic and intense atmosphere and crowd, as well as the perfect setlist which was a mixture of old and new songs. I wasn’t sure what to expect from tonight and everything was just a big surprise. My personal upshot on this evening: CROSSFAITH absolutely killed it. If I should get the chance, I’d go to see another show. I’m sure there are a ton of other people who haven’t seen them live yet. But let me tell you one thing: If you get a chance, get a ticket and go – it’s absolutely worth it. It doesn’t matter if it’s a big or a small stage, CROSSFAITH would kill it anywhere.

Der Beitrag CROSSFAITH Live in Osaka – Willkommen zum „Metal-Rave“ erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Daniel:

Ich als Kind der 80er und 90er (das ging irgendwie fließend über) habe ich aus beiden Jahrzehnten eigentlich schon genug Futter, um hier Seiten zu füllen. Deshalb fiel es mir sogar ein wenig schwer, etwas passendes zu finden. Mit der Musik der 80er kann ja doch irgendwie meist jeder etwas anfangen, da muss man sich nicht für schämen. In den 90ern gibt’s dafür fast schon zuviel, was lieber unerwähnt bleibt. Außerdem „stamme“ ich ja aus einem anderen Genre, was für viele Metalheads sicher auch schon reichlich Stoff liefern könnte.

Ich schäme mich übrigens null für meinen wirren Geschmack und mein Umfeld ist damit auch bestens vertraut, wenn auch des Öfteren skeptisch blickend. Entschieden habe ich mich aber für einen Song bzw. Künstler, bei dem ich vermute, dass Menschen mit reinem Gitarrenbezug eher weghören würden. In meiner Jugend sehr gern in Walk- und Discman gehabt, ist besonders folgende Nummer noch immer in meiner gemischten Playlist.

Moni:

Die WISE GUYS mit Songs wie „Mittsommernacht bei Ikea“, „Jetzt ist Sommer“, „Schiller“ und eigentlich mit allen ihren Songs! Die A-Capella-Truppe höre ich zugegebenermaßen schon seit ich denken kann. Meine Cousine hat sie damals angeschleppt und sofort meine Geschwister und mich infiziert. Wir konnten alle Lieder rauf und runter singen, auswendig, von den ersten Songs bis zum letzten Album. Ich war auf mehreren Konzerten und hab sogar noch ein Bandshirt, auf dem alle 5 Mitglieder der Band unterschrieben haben. Mittlerweile haben sich die WISE GUYS aufgelöst. Meiner Meinung nach die richtige Entscheidung, sie hatten sich sehr verändert. Aber ich konnte sie noch auf ihrer Abschiedstour für mein Uniradio interviewen. Und das war richtig cool, die Helden meiner Kindheit wiederzutreffen. Wenn ich einen Song empfehlen müsste, wäre es der hier, denke ich! Wenn der läuft, hab ich immer gute Laune.

Sebastian:

Wenn mich auf einem Festival jemand fragt, was für ein Instrument ich spiele, sage ich normalerweise wahrheitsgemäß Saxophon. Die Erkenntnis, dass man es damit in der Regel nicht in eine Metalband schafft, kommt da schnell. Tu ich auch nicht. Wir spielen Ska.

Erstaunlicherweise höre ich dementsprechend – natürlich – auch nicht nur Metal. Spätestens mit Abschluss des Studiums der Musikwissenschaft entschuldige ich mich dafür aber auch nicht. Tatsächlich gehört bei mir auch Klassik, World Music und Jazz dazu, gerne auch experimentell. Eine Lieblings-CD von mir dabei ist „Electric Poetry & Lo-Fi Cookies“ von jbbg, der JAZZ BIG BAND GRAZ. Einige der Mitglieder kenne ich persönlich und habe das Programm dieser CD auch schon zweimal live erlebt. Daher, was soll der Geiz. Solange man mit der Musik was anfangen kann und sie einem gefällt, wieso sich ihr verschließen.

Steffi:

Hach ja… Die Liste nicht-metalliger Songs ist bei mir wirklich lang. Das ist zwar nicht besonders trve, aber Musik braucht in meinen Augen kein Metal zu sein, um gut zu sein. Viele Interpreten greifen bestimmte Gefühle besser auf als manche Metalbands. Dazu zähle ich beispielsweise STEVEN WILSON, ANATHEMA, NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS, CIGARETTES AFTER SEX, SEETHER und viele mehr. Zum Arbeiten höre ich dann verdammt gerne mal Techno oder Gedöns aus der Retrowave-Schiene wie DANCE WITH THE DEAD, THE MIDNIGHT, CARPENTER BRUT oder wenn’s auch mal ein bisschen den Ohrenschmalz rausschütteln darf, M.O.O.N., weil das ungefiltert ins Hirn geht. Komplexere Musik lenkt mich da eher ab.

Und auch Hip Hop kann seine guten Seiten haben, obwohl ich die eher vereinzelt vorfinde. EMINEM hat mich jedenfalls von Jugendtagen an stark geprägt und auch Projekte wie KIZ und LEMUR haben ihren Reiz. Hauptsache, es vermittelt mir eine Emotion. Und damit meine ich nicht den Hass, den die heutige Popmusik in mir sät. 

Außerdem bin ich auch ganz stark in den 70ern, 80ern und 90ern verankert. Da geben sich nicht selten die Klassiker von BON JOVI, PINK FLOYD, AEROSMITH, ALICE COOPER, STING, THE POLICE, DAVID BOWIE und Kollegen die Klinke in die Hand. Nicht zu vergessen: PHIL COLLINS, eine musikalische Familientradition. 80% der Songs kann ich mitsingen. Und ich bin stolz darauf!

Was also soll ich als Laster-Lied auswählen? Ich denke, um des Kontrastes zu den anderen Beiträgen willen gibt’s hier mal einen meiner Lieblingssongs von EMINEM. Ergreifend, tiefgründig und musikalisch hochwertig. Das ist gute Musik – ob als Metalhead oder nicht.

Nina:

Wenn es dich in deiner musikalischen Entwicklung irgendwann in die Prog Metal-Ecke verschlägt, ist der Weg zum ‚modernen‘ Prog Rock und seinen Vorgängern der 60er und 70er-Ära mit trippy Auswüchsen nicht weit. Die Kreativität scheint in dieser Zeit vor allem aus tonnenweise Drogenkonsum und dessen Nachwirkungen entstanden zu sein. Ich zeige hier nur mal beispielhaft auf APHRODITE‘S CHILD, die mit ihrem „666“-Album sämtliche Drogenszenarien (zumindest, wie ich sie mir vorstelle) auch ohne Selbstmedikation erlebbar machen. Dass ich also an denen einen Narren gefressen habe, ist weniger überraschend – wo doch die Anfänge vieler von mir bevorzugten, aktuellen Musik-Spielarten in genau diese Ära fallen.

Woher ich allerdings meine Neigung für Disco und E-Funk habe – Musik, die schrill, bunt und äußerst tanzbar sowie sexy ist (also unübersehbare Gegensätze zum Metal aufweist) ist mir absolut schleierhaft. Konkret sind es CHROMEO, die nicht nur meiner Umgebung, sondern auch mir dieses Rätsel aufgeben. Ja, Funk ist eben sehr geil (da spricht die Bassistin aus mir – gönn dir mal VULFPECK). Und auch Hip Hop hat seine Reize (als Kind der 90er habe ich da nativ einiges an gutem deutschsprachigen Material mitbekommen – die Liste würde zu lang werden). Neben den Einflüssen u.a. dieser Stile haben die Jungs aber auch noch fantastische Videos am Start. Diese und ihre Texte sind immer mit einem Augenzwinkern zu verstehen. Aber seht und hört selbst:

Ich könnte wohl noch Einiges an sehr unmetallischen Vorlieben herauskramen. Klassik, Soul oder Jazz (ESPERANZA SPALDINGs „D+Evolution“ mal gehört? Do it!). Nur eines möchte ich noch erwähnen, aus einer ganz anderen Ecke, aber weniger gegensätzlich zum Metal, weil laut, hart und schnell: Psytrance/Goa. Dreckig, psychedelisch, düster. Und nein, ich nehme keine Drogen. Ich konsumiere das Zeug clean. Hart, oder?

Oimel:

Tja, dass mein Musikgeschmack sehr vielfältig ist, habe ich ja schon ein paar mal durchblicken lassen. Eigentlich finde ich in allem, was im entferntesten mit Rock oder subkultureller Musik zu tun hat, etwas was mir gefällt. Egal ob das Punk, Mittelalter, Oi, „Gothic-Musik„oder eben alle möglichen Spielarten des Metals sind – von Hair Metal bis Death Metal hab ich überall was was mir gefällt.

Was allerdings weit ab von dieser ganzen Sache ist und immer wieder für schockiertes Kopfschütteln sorgt, ist, dass ich schon seit Kindheitstagen tatsächlich und ernsthaft auf SCOOTER stehe. Und ja, ich hab mir den Hans-Peter auch schon live angesehen und fand es geil!! Es gibt einfach niemanden sonst, der so völlig schmerzfrei fremde Melodien von der schottischen Nationalhymne bis hin zum Schunkel-Oldie nimmt und verwurstet. Aber die Jungs machen das halt einfach enorm partytauglich. Und wenn man über die schwachsinnigen Texte hinwegsehen kann, macht das schon echt Spaß!

Ich würde also zum Abschied mal „Hyper Hyper“ sagen, während ihr euch fragt „How much the is the fish?“ Also dann „Fire“ aus allen Rohren, denn „Maria“ liked it loud. Und wenn ihr an der Ampel im Stau seht, wird euch das knattrige Zweirad überholen, denn: „Faster, Harder – SCOOTER!“

Saskia:

Dass ich vor allem Trancecore mag, ist inzwischen ja kein Geheimnis mehr. Und für sehr viele dürfte das vermutlich schon Laster genug sein. Aber es geht noch schlimmer! Wobei, das ist wohl Ansichtssache… Ich bin kein großer Anhänger moderner Popmusik, dennoch gibt es einige wenige Künstler, die ich für mich entdeckt habe. Zum einen wären da die Sängerinnen HALSEY und BILLIE EILISH. Vermutich passe ich da nicht mehr ganz in die Zielgruppe, aber die Musik hat’s mir irgendwie angetan. HALSEY war auch meine Einstiegsdroge zu meinem wohl größten Laster: THE CHAINSMOKERS. Von ihren Popsongs gefällt mir bei weitem nicht alles, allerdings höre ich hin und wieder gerne die DJ-Sets der Herren Kettenraucher. 

DJ-Sets ist ein gutes Stichwort. Als ich mich mal wieder stundenlang von meinem Tätowierer mit der Nadel quälen ließ, lief im Hintergrund ein Set der Australierin ALISON WONDERLAND. Da wurde das Stechen meines Wadentattoos gleich viel erträglicher.  Und bei meiner Vorliebe für Trancecore ist dieses Laster vielleicht sogar nachvollziehbar. Mein letztes Guilty Pleasure habe ich auch meinem Tätowierer zu verdanken: DIE ANTWOORD. Das ist vermutlich eine Band aus der Kategorie „Man liebt sie oder man hasst sie“. Es hat ein paar Anläufe gebraucht, aber mittlerweile ist DIE ANTWOORD aus meiner Playlist nicht mehr wegzudenken. 

Yeti:

Wie einige wissen, habe ich meine Wurzeln in der „Grufti„-Ecke, aber bin auch mal auf einem Konzert zu finden, wo Baggys getragen werden (wenn auch nicht von mir).
Somit fand man mich auch mal unter „Schwarzvolk“ Festivalfotograf, wo auch immer noch einige Klassiker meiner Musiksammlung herstammen. Calva y Nada, Schock Therapy, Die Krupps?! Project Pitchfork, And One?! Her damit!  Die Amis hatten damals schon Nine Inch Nails und wir… naja… was ähnliches… grob… fast…

Aber auch HipHop/Rap tut mal gut im Gehörgang, um einige selten verwendete Nervenenden zu triggern! Somit gehört stets eine gute Portion Romano im Monat aufs Ohr, oder gern auch mal Dendemann, oder die Klassiker von Eins Zwo oder Eminem …  Da wird die Jugend wiederbelebt und der Soundtrack dazu lässt das Herz im Takt schlagen und den Kopf wippen. Da fällt mir noch was richtig Altes zum Schluss ein: Genesis, AHA und David Bowie – auch gern mal wieder im Kopf und Fuß.
Schämen dafür?! Neeeeee… Aber es wird auch nicht gleich als erstes genannt, wenn man mich nach Musik fragt.

Und ihr?

Wie sieht es bei euch aus? Was sind eure Laster-Lieder und Guilty Pleasures? Teilt es mit uns auf Facebook oder hier unter dem Artikel. Schließlich wollen wir nicht die Einzigen sein, die ihre musikalischen Geheimnisse offen legen. 

Der Beitrag Die Laster-Lieder der Redaktion erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

ENTER SHIKARI – Take To The Skies
Veröffentlichungsdatum: 19.03.2007
Länge: 52:43 Min.
Label: Ambush Reality

Da ich euch ja bereits zwei Übeltäter der Sparte „Elektro-Pop und EDM meets Metalcore“ gezeigt habe, kommen wir nun zum mir sympathischsten Genre-Mix der vergangenen 10 Jahre. Natürlich rede ich von den Briten ENTER SHIKARI, die sich immer wieder einen Namen machen konnten. Sei es durch die Vermischung von Rap, Alternative Metal und Dubstep oder der Grundstruktur aus Post Hardcore und Trancecore. Das ständige Neuerfinden und das langjährige Bestehen der Band zeigen, dass elektronische Rockmusik für diese Truppe nicht nur ein „Cashgrab“ ist. Durch eben diese Attribute sind sie bodenständiger als jede andere Band aus der Trancecore-Szene. Auch der unglaublich verführerische, britische Akzent von Sänger Rou Reynolds verhilft den Jungs aus St. Albans zum Erfolg. Wie er systemkritische Texte von Album zu Album präsentiert, sollte andere, engstirnig denkende, Sänger zum Nachdenken anregen. Egal ob er rappt, screamt oder singt, Rou läuft in allen Disziplinen zur Höchstform auf.

Das Album um das es mir heute geht, feiert in gerade mal 16 Tagen seinen zehnten Geburtstag. „Take To The Skies“ ist das Debüt der Keyboard-verrückten Engländer und war direkt nach Release ein Meilenstein in der Innovationsgeschichte der Core-Szene. Das die Jungs es ernst meinen, fällt sofort beim Titel des ersten Songs auf.

Wer das erste Lied auf der ersten Langspielplatte seiner Band nach der Band selbst benennt und:

„And still we will be here standing like statues“

proklamiert, der versteht keinen Spaß. Ikonische Keyboard-Gitarren-Kombinationen auf „Mothership“ und „Anything Can Happen Within The Next Half An Hour“ geben dann den Ton für das restliche Album an. Denn egal wie verspielt einige Synthesizer auf „Jonny Sniper“ klingen, der Hauptteil bleibt rasant. Der bekannteste und verdient beste Track „Sorry You’re Not A Winner“ bringt all das mit, was Innovation ausmacht: Die rastlosen Screams und die kurzen Pig Squeals stehen im Kontrast zum klaren Gesang, der vielleicht etwas gewöhnungsbedürftig klingt, und den Gangvocals. Das Melodic-Metalcore-Riffing verträgt sich perfekt mit den Synth-Lines. Die Breakdowns nutzen perfekte Growls und das Keyboard. Der doppelte Klatscher wird zum ikonischen Markenzeichen, für das fast jeder sie heute noch kennt. Alles ist perfekt aufeinander abgestimmt und kreativ. Schon allein für dieses Lied hat dieses Album den Legenden-Status verdient. Und das Video hab ich mir bestimmt schon 20.000 Mal angeschaut. Danke dafür!

Jeder einzelne Song hat ein ähnliches Hitpotenzial wie die gerade eben erwähnte Klatsch-Party. Ausgefallene und tanzbare Synths bilden die Grundlage für fast jedes Lied und sorgen für einen großen Wiedererkennungswert. Der Gesang, der die langsamen, balladenartigen Teile versüßt, klingt jedoch nicht immer astrein. Trotzdem wurde hörbar lang genug an der Scheibe gearbeitet. Schließlich waren in den bis dahin vergangenen sieben Jahren Bandgeschichte erst zwei EPs/Demos veröffentlicht worden. Für einwandfreien Gesang ohne merkliche Auslöser für Augenbrauenhochzieher hat es erst 2012 gereicht. Nichtsdestotrotz fuhren sie schon immer ihre eigene Schiene und blieben genauso unbelehrbar wie kreativ.

Fazit:

Der Durchbruch dieses 18 Jahre alten Urgesteins in der britischen Post Hardcore- und EDM-Szene gelang für Außenstehende über Nacht. Die vielen, vorher ausgearbeiteten technischen Finessen fallen erst auf, wenn man etwas tiefer blickt. So kursierte eine erste Aufnahme des Fanfavoriten „Sorry You’re Not A Winner“ bereits seit 2003 auf einer gleichnamigen EP. „Anything Can Happen In The Next Half An Hour“ war ebenfalls eine EP, die auch „Johnny Sniper“ enthielt. Aufgenommen wurde das gesamte Album übrigens seit der Umbenennung der Band in ENTER SHIKARI. Fun Fact am Rande: die „Shikari“ war lediglich das Boot des Onkels von Sänger und Keyboarder Rou.
Trotz der offensichtlichen Überlegenheit der bereits veröffentlichten Lieder funktioniert das Album als Gesamtpaket außerordentlich gut. Was bei vielen Künstlern vielleicht zusammengewürfelt klingen würde, ist hier wie aus einem Guss. Aber so viel will ich dir auch nicht aufdringen, entscheide selbst, ob es dich so umhaut wie mich.
Der beste ENTER SHIKARI-Witz geht angeblich so: Deine Mutter klatscht vier Mal bei „Sorry You’re Not A Winner“.

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ATTACK ATTACK! – Someday Came Suddenly
Veröffentlichungsdatum: 11.09.2008
Länge: 30:24 Min.
Label: Rise Records

Wenn es ein Genre gibt, das vom Durschnitts-Metaller mehr gehasst wird als Pop, dann ist das wohl EDM und viele andere Unterformen von elektronischer Musik. Zum Teil zu Recht wird den Fans attestiert, nur für Party, Drogen und Sex in die Clubs zu gehen und diese Musik zu genießen. Jedes Konzert läuft in der Vorstellung eines Metal-Fans gleich ab: Eine wabernde Masse bewegt sich voll von Lust und Ecstasy-Tabletten zu herzlosen Beats, die die auf Höhepunkte geiernden Halbstarken in Trance versetzen. Verglichen mit den gegen Metalcore auftretenden Vorurteilen lassen sich einige Parallelen ziehen.

Die Highlights, auf die die Generation Smartphone hier wartet, sind die Breakdowns und die lyrischen Stilmittel, welche allerdings so ausgelutscht sind, dass sie bei vielen Bands austauschbarer nicht sein könnten. Es geht den Sängern so oft um Liebe, Enttäuschung, Selbstzweifel, Kapitalismuskritik und übertriebenem Atheismus, beziehungsweise dem genauen Gegenteil davon, dass der Vorwurf im Raum steht, flache und vereinheitlichte Musik zu machen. Die Sättigungserscheinungen von Metalcore und elektronischer Musik zu vereinen, dürfte folglich einen der größten Shitstorms der modernen Metal-Szene auslösen. Und genau diese Kontroverse nutzten Electronicore-Bands aus, wobei es heute um die Speerspitze dieser Bewegung geht. Die Kombination aus Keyboard-Solos, Breakdowns und simplen Synthesizern war ihnen jedoch nicht genug. ATTACK ATTACK! sind neben ihrer Musik auch für Drama bekannt.

So schied das Gründungsmitglied Austin Carlile bereits 2008 aus der Band aus und stellte sich mit OF MICE AND MEN eine weitere erfolgreiche Metalcore-Truppe zusammen. Als diese jedoch seinen 180-Grad-Wechsel zu religiösen Texten und noch weicherer Musik nicht mitmachen wollten, wurde die nach einem Buch benannte Gruppe die nächste, die Austin verlassen musste. Bei der Band, um die es heute geht, füllte dann Gabe Barham die Lücke, die Austin hinterließ. Dieser hielt kaum ein Jahr durch, ehe er sich freiwillig von der Band trennte. Sein Ersatz bei ATTACK ATTACK! war niemand anderes als die heutige Besetzung der Einmannshow BEARTOOTH. Der 2008 dazugestoßene Keyboarder Caleb Shomo übernahm die Pflichten des Sängers jedoch auch nur bis 2012 und das läutete den endgültigen Abschied ein. Trotz einem weiteren neuen Gesangstalent namens Phil Druyor (I AM ABOMINATION), einer Single und etlichen Studio-Updates blieb Album Nummer vier nur ein Traum. 2013 gingen die Lichter endgültig aus und wer weiß schon, wie viele Scenesterherzen dadurch gebrochen wurden.

Mal ganz davon abgesehen, dass in der Besetzung der Band eindeutig der Wurm drin war – schließlich verließ auch der Gitarrist Johnny Franck die Band 2010 – dürfte die Musik kaum noch unorigineller sein. Auf der Erfolgswelle von CONFIDE, ASKING ALEXANDRIA und Co. ritten auch diese US-Amerikaner mit. Sie verschärften ihren Drang zum Auffallen auch noch durch die Wortschöpfung „Crabcore“. Damit wurden die krabbenartigen Bewegungen zum Rhythmus der Breakdowns in ihren Videos beschrieben. ATTACK ATTACK! verwandelte diesen Scherz in ein beliebtes Meme, aus dem sie Profit schlugen. Merchandise mit dem Aufdruck wurde zu Genüge verkauft, weil kaum ein Fan Witze, bei denen die Bands mitspielen, nicht gut findet. Zahlreiche Nacheiferer folgten, aber kaum einer konnte die wahren Könige der Bewegung an Fremdscham überbieten.

Schon allein das an Crunk erinnernde Intro des Albums „Hot Grills, and High Tops“ ist nicht einzuholen. Immerhin könnte kein anderes Lied der Welt so gut wie auf das folgende Autotune-Fest „Stick Stickly“ – einen der ikonischsten Songs der Bandgeschichte – vorbereiten. Wer sich von euch bei diesem grässlich übertriebenen Chorus die Ohren zuhält, den kann ich sehr gut verstehen. Jeder der erzählt, dass Mathcore Kopfschmerzen verursacht, hat noch nicht mit den Meisterwerken aus der Trancecore-Szene zu tun gehabt. Mitsingen und betrunken zur Musik schwingen geht trotzdem noch – keine Angst. Wenn man sich nicht zu Ernst nimmt, kann man dieser Band also doch etwas abgewinnen. Welcher Alkoholpegel allerdings nötig ist, sollte ein Geheimnis bleiben. Produziert wurde diese Gräueltat nebenbei bemerkt von Joey Sturgis, dem Schöpfer aller Einheitsbrei-Metalcore-Bands. Das letzte fehlende Qualitätssiegel ist dann der Name des Labels Rise Records, welches ziemlich doll nach Hot Topic riecht und zusammen mit Sturgis gerne mal geldgierige Manifestationen der Übersättigung von Metalcore auf den Markt bringt.

I always thought that you would be the one
But, baby, just give me a chance – „The People’s Elbow“

Ich würde euch sogar raten in die gesamte Platte nicht reinzuhören. Dadurch würden euch so grässliche Titel wie „Catfish Soup“ und „What Happens If I Can’t Check My MySpace When We Get There“ erspart bleiben. Wenn ihr auf Masochismus steht und euch trotz meiner nett gemeinten Empfehlung, dieses Album zu überspringen, an die Scheibe wagt, hoffe ich keine Klagen an den Hals zu kriegen. Anstiftung zum Selbstmord dürfte ein ziemlich schwerwiegender Tatbestand sein, also lasst mich und euch nicht hängen.

Fazit:

Trotz der zahlreichen Gruppen, die von ehemaligen Mitgliedern dieser Band gegründet wurden, bleibt das Erbe von ATTACK ATTACK! ein sehr unschönes. Stellt euch einfach vor, ihr würdet von eurer Tante kein Geld, sondern nur Schulden erben. So ungefähr dürfte sich jeder Musiker fühlen, der in dieses Projekt involviert war und es nicht als einen Fehler seiner Jugend abtun möchte. Es wird im Text so dick aufgetragen, dass die Instrumente eigentlich gar nicht hinterherkommen können. Aber die auserkorenen PITBULLs des Metals sorgen für schwer greifbare und künstlerisch unvertretbare Musik, deren emotionale Qualität der eines Dixi-Klos entspricht. Und auch ich habe nun erfolgreich meinen Scheißhaufen auf eine der vielen Todsünden im Metalcore gesetzt. Vertretet ihr die gleiche Meinung und platziert euer Stoffwechselendprodukt ebenfalls auf ATTACK ATTACK!? Lasst es mich wissen.

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CONFIDE – Shout The Truth
Veröffentlichungsdatum: 08.09.2009
Länge: 45:45 Min.
Label: Tragic Hero Records

Heute tauchen wir wieder in die Abgründe einer ganz besonders geliebten Szene, welche (natürlich) in den USA ihren Ursprung hat. Tausende Gummi-Armbänder und Emo-Frisen zeugen von dem Erfolg einer Welle, ausgelöst von Glätteisen-Fachverkäufern. So ähnlich sehen auch die süßen Schreihälse von CONFIDE aus und alle echten Metal-Fans müssen ganz stark bleiben, wenn sie dieses Album an ihre Ohren lassen. Der feuchte Teenie-Traum besteht nämlich aus einer großen Portion Synths, Autotune und poppigem Gesang. Jeder, der in den vergangenen Jahren auf Festivals nicht geschlafen hat, weiß, dass auch heute noch Bands den Party-Metalcore leben und erfolgreich damit sind. ESKIMO CALLBOY, TO THE RATS AND WOLVES, WE BUTTER THE BREAD WITH BUTTER und GROOVENOM sind gerade mal die bekanntesten der deutschen Szenevertreter, die beweisen, dass sich Pop, Synth-Mucke und Metal mischen lassen. Meinen persönlichen Geschmack mal ganz ausgenommen – ich könnte mir das auch nicht außerhalb von Festivals geben – lieben viele junge Menschen deren Sound und rutschen dadurch vielleicht auch in die Metal-Szene hinein. Schade ist nur, dass sie dort nicht gerade herzlich empfangen werden. Mein sehnlichster Wunsch ist es, eine neue Akzeptanz für diese neuen Kategorien von harter Musik zu schaffen, aber dafür ist der Metal wahrscheinlich zu spießig geworden. Das liegt vielleicht auch an dem Ghost-Writing, welches in der jungen Szene betrieben wird. Da schreiben Gitarristen anderer Bands gern mal ganze Alben für Newcomer, was auch mich an künstlerischer Integrität zweifeln lässt. Aber nicht bei allen Bands muss Kommerz zum Selbstzweck werden, manchmal hat man auch einfach Lust drauf.

So ähnlich wird sich das bei CONFIDE verhalten haben, die mit ihrem Cover von „Such Great Heights“ (THE POSTAL SERVICE) ihren ganz eigenen, besonderen Hit landeten. Das hier eine Elektropop-Band gecovert werden wird, kann man schon am Anfang der Platte heraushören. Der Gesang bedient Klischees bis sich die Balken biegen, und so ist das auch mit dem Text. Dennoch bleibt man am Ball, wenn einem der ein oder andere Breakdown gefällt oder man generell sein heimliches Vergnügen gefunden hat. Bei der Besprechung des Albums ist jedoch wichtig zu wissen, dass es sich um ein Re-Release handelt, denn ein Jahr zuvor war es bereits ohne die drei Bonus-Tracks, darunter auch „Such Great Heights“, und mit einem anderen Sänger erschienen. „Shout the Truth“ 2.0 wird jetzt vom neuen Schlagzeuger mit Gesang vertont. Dieser fühlt sich auch irgendwie richtiger an, als das was zuvor verzapft wurde. Man klatscht eine ordentliche Kelle Ton-Korrektur oder Autotune auf den Mann und schon passt es viel besser in das Gesamtkonzept.

Wer dieses Debüt hört, wird sich wahrscheinlich denken, dass er lieber zu Hause im Black Metal-Kämmerlein geblieben wäre, aber vielleicht juckt es ihm auch im Tanzbein. Ich für meinen Teil habe immer gedacht, dass alle Leute die „pogen“ statt „moshen“ sagen, nicht zurechnungsfähig sein können. Ein anderes Wort als Pogo passt bei dieser Musik aber nicht, das habe ich eingesehen. Bei Synth-Lines die eine Identitätskrise vermuten lassen, kann man nur wie ein zugedröhnter Teenager, der ein Shirt mit der Aufschrift „Rawr means I love you in Dinosaur!!!“ trägt, abzappeln. Dennoch kann der eigentliche Sänger nicht wirklich shouten beziehungsweise screamen, was man deutlich hört. Er klingt teilweise roh und brutal, aber leider so unpoliert und grün hinter den Ohren, dass es manchmal echt weh tut. Auf Songs wie „I Never Saw This Coming“ hält sich das in Grenzen, aber trotzdem hofft man eines Tages miterleben zu dürfen, wie die schizophrenen US-Amerikaner sich entscheiden. Wofür? Na, ob sie lieber THE DEVIL WEARS PRADA oder OWL CITY wären. Natürlich ist der Vergleich mit OWL CITY eine Übertreibung, aber wenn man nur für ein Elektropop-Cover bekannt geworden ist, sollte man einen gewissen Standard bei seinen restlichen Liedern wahren. Das schaffen sie zum Teil sogar so gut, dass nicht nur der Stil des Screamers von späteren Bands gern übernommen wird, sondern auch der Text. Es ist kein Zufall, dass sich die Hälfte des Albums „Chasing Ghosts“ der australischen Metalcore-Granaten THE AMITY AFFLICTION so anhört wie „Millstone“ und so ziemlich jeder andere Song hier. Beide Bands hatten ähnliche Vorbilder, aber den Australiern sollte man doch den ein oder anderen Punkt auf dem Integritätstest streichen. Einfluss hin oder her, CONFIDE klangen immer noch einen Ticken anders als ihre Vorväter.

Ruhige Passagen gibt es zu Genüge, vor allem dann, wenn man die unzähligen Clean-Gesänge mit einbezieht. „00:00“ ist dann nicht unbedingt das Entspannendste, was die Band zu bieten hat. Durch Passagen fast absoluter Stille – in denen der Gesang in den Vordergrund tritt, zu finden auf „If We Were A Sinking Ship“ – kann man sich ausruhen und die Spin-Kicks für einen Moment vernachlässigen. Trotzdem baut man in jeden Song so viele Breakdowns ein, dass der Zuhörer, selbst bei Anwesenheit von interessanten Riffs, diese innerhalb der nächsten halben Minute wieder vergessen hat. Wenn man wie ich einen grässlichen Musikgeschmack hat, dann vergisst man auch die fehlenden, spannenden Riffs und Soli, weil man wie ein kleines Mädchen bei „Holes“ oder „Vultures Among The Dead“ mitsingt. Der Höhepunkt dieser Praxis ist erreicht, wenn zu den ersten Keyboard-Tönen von „Such Great Heights“ mit den Fingern auf dem Schreibtisch getrommelt wird. Dafür sollte man mich verteufeln oder zumindest in eine geschlossene Anstalt einweisen. Die immer gleichen Abläufe in der Songstruktur und die damit verbundenen gleich klingenden Instrumente schaden leider der Einprägsamkeit, sonst wäre dieses Album wahrscheinlich viel erfolgreicher gewesen.

Fazit:

Diese Truppe hat Spaß daran, mit Klischees um sich zu werfen, aber ich habe leider auch Spaß an ihrer Musik. Viele Vorwürfe werden den Fans und Musikern der Trance- und Metalcore-Szene heute noch gemacht, aber manchmal darf es halt auch ein bisschen poppiger sein. Das würde zwar bei vielen Menschen das Weltbild zerstören, aber wenn sich TAYLOR SWIFT und CONVERGE  in der eigenen Playlist abwechseln, lassen sich Vereinbarungen für radio-freundliche Gruppen treffen, oder nicht? Nur dem eigentlichen Radio-Rock bleibe ich abgeneigt, falls eine Band sich bewusst in dieses Genre „hineinentwickelt“, aber früher diese Musik eigentlich nicht machen wollte. Wenn man aber wie CONFIDE mit dem Grundgedanken startet, dass man gern Mainstream-Musikfan-freundliche Songstrukturen und Refrains haben möchte, dann bleibt die Integrität der Künstler bestehen. Jetzt entschuldigt mich, ich muss zum Intro von „Such Great Heights“ pogen gehen.

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Nach kurzer Umbaupause, fingen 19.45 Uhr pünktlich PALISADES aus New Jersey an. Die fünf Jungs aus den USA hatten nicht nur musikalisch sondern auch äußerlich Ähnlichkeiten mit Boy-Groups aus den 90ern. Frisuren wie aus den guten alten BACKSTREET BOYS-Zeiten. Bomberjacke und Goldkettchen, erinnerten dann doch wieder an Autohändler aus Köln Kalk. Musikalisch gesehen war es eine Mischung aus melodischem Metalcore mit Growls und Screams und Popelementen, welche größtenteils mit einer hohen, cleanen Stimme gesungen wurden. Auf der Bühne gab es viel Bewegung, wodurch es gar nicht so einfach war, ein gutes Bild einzufangen.  Trotz der Popelemente ließen sich die Leute auf der Tanzfläche gut aus, wodurch auch mal der ein oder andere Fuß am Kopf landete. Was ich aber echt loben muss, ist das loyale Verhalten der Besucher, jedem im Circle Pit wieder hoch zu helfen und auch bei Kleineren Rücksicht zu nehmen. Sicher gab es am Ende des Abends wieder die ein oder andere Verletzung, aber im Großen und Ganzen blieb alles friedlich. Auch wenn es kein Schmaus für meine Ohren war, konnten PALISADES, welche mit der ESKIMO CALLBOY Tour ihre erste Europatour hat, beim Publikum Eindruck hinterlassen.

Was ich bis jetzt nicht verstehe und auch nicht verstehen will ist das so genannte „bouncen“, zu dem die Band aufrief. Ihr wisst nicht was das ist? Tja das wusste ich bis zu diesem Zeitpunkt auch nicht. Es ist die typische Hand-/ Armbewegung, welche auch gern im Hip Hop angewendet wird. Nur habe ich leider keine Ahnung was so etwas auf einem „Metalkonzert“ verloren hat???

Hand an den Sack, Arm in die Luft und schon ging es los.

In der nächsten Umbaupause musste ich das draußen vor der Tür erstmal bei einer Zigarette verdauen. Ich hab ja schon viel gesehen, aber bei Metalkonzerten wird man auch immer wieder überrascht. Um 20.30 Uhr betraten, beziehungsweise sprangen die Jungs von ANNISOKAY aus Halle an der Saale die Bühne. Der Einstieg in ihr Konzert ging gleich laut und derb los, sodass man sofort im Geschehen drin war. Die Band animierte ohne großen Worte durch ihr Auftreten, ihre schnellen Parts, als auch abrupten Breakdowns das Publikum zur Bewegung. Schnell entstand ein Circle Pit, Crowd Surfer ließen sich über die Massen geben und eine Ansammlung von Menschen im Moshpit. Die fünf Jungs aus dem herrlichen Sachsen Anhalt wurden vor kurzem erst zur bekanntesten Rockband des Bundeslandes ernannt. Musikalisch ist es kein weich gespülter Metalcore, sondern durch die Death Metal Elemente und den derberen Sound geht es mehr in die Richtung von HEAVEN SHALL BURN. Einzig in den ruhigeren Parts wird mit einer sehr hohen Männerstimme gearbeitet, welche früher in der Schule bestimmt für Einsen in Musik, aber Prügel auf dem Schulhof gesorgt hat. Zwischendrin schaffte es die Band, den halben Saal zu einer Wall of Death zu animieren, welche aus der Ferne gesehen nicht von schlechten Eltern war. Schlussendlich konnte mich diese Band musikalisch überzeugen und ohne mich zu weit aus dem Fenster zu lehnen würde ich behaupten wollen, dass diese Truppe das Potenzial besitzt, einmal größeres zu erreichen.

Ein Ende des Abends war so langsam in Sicht und alle machten sich für die Headlinershow von ESKIMO CALLBOY bereit. Inzwischen fanden sich auch die letzten Zuschauer ein und es war gut gefüllt. Um perfekte Sicht zu haben stellten sich meine Cousine und ich an die Seite des Fotograbens. Dadurch standen wir sicher und hatten perfekte Sicht auf die 75-minütige Show der sechs Metalcorer aus Castrop-Rauxel. Punkt halb zehn begann dann auch das Electrocore-Spektakel mit tiefen Bässen und einer Lichtshow, wie man sie zu gut aus Diskotheken kennt. Fuchs wie ich manchmal bin, habe ich mir natürlich die Playlist geben lassen. Somit startete die Band mit dem Song „Crystals“ vom gleichnamigen Album und einem Konfettiregen über das gesamte Publikum. Die Band war gut drauf und merkte ihnen förmlich an, dass sie echt Bock hatten was abzureißen.

Dementsprechend wurde gleich zu Anfang zum Circle Pit aufgerufen, was sich keiner hat zweimal sagen lassen. Auch Crowd Surfen war gänzlich erwünscht, was das Team der Security eher nicht so gern sah. Sie baten darum keine weiteren Leute über die Massen zu „reichen“. Doch die Fans von ESKIMO CALLBOY sahen das ganz anders und eine Flut von Gästen, welche über die Hände gereicht wurden, nahm bis zum Schluss nicht ab. Mit „Party At The Horror House“ und „Monster“, spielten sie die vom Publikum gewünschten Klassiker. In der Mitte der Show, kam es zu einer weiteren Überraschung an diesem Abend. Ein junger Mann betrat in Begleitung seiner Freundin die Bühne, hielt eine kurze Ansprache, fiel auf die Knien und fragte sie mit mutiger Stimme:

 „ Wollen wir nicht mal bei MC Donalds essen gehen?“

NEIN, das ist natürlich Blödsinn, er hielt um ihre Hand an und sie willigte ein. Die Jungs von ESKIMO CALLBOY positionierten sich schon schön am Rande und es gab mit tobendem Applaus eine Bierdusche über das glückliche Paar. Schmelz, Schmelz, aber hätte man dafür nicht Wasser nehmen können? Naja wie dem auch sollte keine Zeit verstrichen werden und es gab die nächsten Kracher mit „Best Day“ und „Paradise in Hell“.

Die Songs waren eine Zusammensetzung aus schnellen Riffs, einer schnellen Base und Pop/ Electropassagen, welche im Hintergrund liefen. Kurzum, eine metallische Boygroup. Als dann kurz vor Ende noch veränderte Coversongs von JUSTIN BIEBER und den BACKSTREET BOYS dargeboten wurden, hat sich meine Meinung über das Thema „Boygroups“ noch einmal bestätigt. Insgesamt ließen 16 Songs der Band die Trommelfelle der Fans zittern. Zwischendurch gab es kurze Ansagen und Gags der beiden Sänger „Sushi“ und „Kevin“.

Der Sound war bei allen Bands an diesem Abend echt gut, wodurch sich ein Besuch in der FACTORY auf jeden Fall lohnt. Zum Ende des Abends die letzte Überraschung: Ich habe es überlebt. Anfangs dachte ich, ok schönes Boygroup Konzert wo du der Älteste bist, doch ich muss meine Meinung dazu revidieren. Musikalisch gesehen waren alle Truppen fit an ihren Instrumenten, aber mit dem Genre werde ich mich wohl nicht anfreunden können.

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ASKING ALEXANDRIA – Stand Up And Scream
Veröffentlichungsdatum: 15.09.2009
Länge: 48:16 Min.
Label: Sumerian Records

Die derzeitigen Entwicklungen rund um die Besetzung waren schwer zu übersehen. Alle redeten darüber, dass der neue Sänger Denis Stoff die Band verlassen hatte und der Streit zwischen Ex-Sänger und dem Rest der Band beigelegt wurde. Mit gemischten Gefühlen betrachten Fans die erneute Umstellung. Aus gegebenem Anlass, also der Rückkehr von Danny Worsnop als Sänger der Band, besprechen wir heute „Stand Up And Scream“, den feuchten Traum vieler Scene-Kids.
Willkommen zum Siegeszug des breakdownlastigen Metalcores. Wenn sie nach einer übermäßigen Anzahl von chuggy Gitarrenparts Ausschau halten, sind sie hier genau richtig! ASKING ALEXANDRIA verkörpern wahrscheinlich all das, was jeder gewöhnliche Metalhead als abstoßend und armselig empfinden würde. Eines der wenigen Alben in dieser Liste, zu denen ich keinen persönlichen Bezug aufbauen konnte, ist ihr Debüt-Album (mit diesem Line-Up). Das liegt unter anderem an den vorhersehbaren Breakdowns und an den Texten. Die kommen nicht so poetisch daher, wie man das vielleicht aus dieser Reihe gewohnt ist. Trotzdem hat dieses Album einen riesigen Einfluss gehabt und die Band sorgt heute noch für Furore.

Der Intro-Track „Alerion“ stimmt den Zuhörer darauf ein, was ihn gleich erwartet. Tausende Breakdowns, pop-lastige Synth-Lines und Mitsing-Autotune-Gesang. Dazu dann noch eklige Growls, um das Gesamtbild zu perfektionieren. Bereits im ersten vollwertigen Lied „Final Episode (Let’s Change the Channel)“ begrüßen uns Lyrics, die man wahrscheinlich nicht mit mehr Käse hätte würzen können. Vorsicht, es wird cheesy:

„Oh my God.
If only he knew,
If only he knew about the world without the bullshit and the lies,
We could’ve saved him.
They could’ve saved me.“

Ähnlich pubertäre Texte und catchy Refrains finden wir auf allen Liedern. Ich übertreibe leider nicht. Wer will, kann sich gerne die Texte durchlesen, ich empfehle es aber niemandem. Das gesamte Album lang bleibt es vulgär und simpel. Riffs, die mich interessieren, suche ich fast vergebens, da die Gitarren keine Spielfreude demonstrieren. Natürlich hat jedes Lied einige gute Momente zu bieten, aber leider geht das in der Masse von Breakdowns unter. Vereinzelt wird zum Beispiel die Geschwindigkeit erhöht und Momentum aufgebaut, welches sofort wieder im nächsten Breakdown untergeht. Das passiert vor allem auf „If You Can’t Ride Two Horses at Once… You Should Get Out of the Circus“ und „A Single Moment Of Sincerity“. Noch schlimmer ist aber, dass sich kaum ein Lied vom anderen unterscheidet. Deswegen muss ich jedes Mal überlegen, welcher Song denn nun gerade läuft.

Dafür klingen die Screams, sowie der Gesang sehr gut. Man hört aber auch sofort warum. An der Stimme von Danny Worsnop wurde ordentlich geschraubt, damit es sich gut anhört, Autotune lässt grüßen. Und bevor jetzt alle Möchtegern-Produzenten auf mich einprügeln: ja, ich weiß, dass es eigentlich anders heißt und gang und gäbe ist. Bei den Screams und Growls ist man mit viel Layering an die Sache herangegangen, wodurch diese Fülle an tiefen Tönen überhaupt erst entsteht. Ich vermisse hier Ehrlichkeit und rohe Brutalität. Diese wurden gegen eine aalglatte Produktion und vorgegaukelte Härte eingetauscht. Das überrascht aber kaum, wenn man einen Blick auf den Produzenten wirft. Joey Sturgis ist für seine Arbeit eben deswegen bekannt, weil er dafür sorgen kann, dass sich jede Band mehr oder weniger gut anhören kann. Dazu kommt noch, dass sie sich dann so anhören, wie alle anderen Bands, die Joey Sturgis produziert.

Lachen muss man trotzdem bei dem ein oder anderen Breakdown, wenn er von Phrasen wie „Get on your knees! („A Single Moment Of Sincerity“) eingeleitet wird. Hinzu kommen die vereinzelten EDM-Teile, die zum Tanzen anregen. War es das Ziel, den Leuten zu vermitteln, dass sie das Tanzbein schwingen sollen oder wollte man harte Musik machen? Oder beides? ASKING ALEXANDRIA haben mich mit ihrem Stil erfolgreich verwirrt. Das Gesamtpaket soll brachial wirken, aber die Texte unterstützen das nicht. Poe’s Law ist in vollem Gange, da ich nicht unterscheiden kann, ob der Inhalt ernst gemeint ist oder nur eine Parodie seiner selbst ist. Dennoch kann ich nicht verneinen Spaß gehabt zu haben, während ich mich mit diesem Teil der Metalcore-Geschichte befasste. Auf Dauer würde mich es jedoch zerstören, so stumpfe Musik über mich ergehen zu lassen.

Fazit:

ASKING ALEXANDRIA haben das Erfolgsrezept für „Pop-Metal“ definiert. Und dabei sind sie immer noch rigoroser und brutaler als viele andere Popcore-Kollegen. Man nehme eine Wand aus Breakdowns, tanzwütige Synthesizer und einen wunderschönen Gesang zum Mitgröhlen und et voilà: fertig ist der Erfolg. Aber auf die Kombination muss man auch erst einmal kommen. Egal wie einfältig oder verpönt der Stil angeblich ist, diese Band verdient Respekt dafür, sich diesen Sound anzueignen und zu perfektionieren. Obwohl ein Album mit einem Alter von gerade einmal 7 Jahren vorliegt, wurde der Sound aber tausende Male kopiert. Trotz der umstrittenen musikalischen Leistung, sind doch einige Riffs zu finden, die gute Laune induzieren. Der Vorzeige-Song dieses Stils wird immer „Final Episode (Let’s Change the Channel)“ bleiben. Ich werde diese LP wahrscheinlich weiterhin so gut wie nie anhören, aber sie war definitiv die Betrachtung wert.

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