„Oha! Was kommt da auf mich zu?“

… dachte ich, als bekannt wurde, dass WOLVES IN THE THRONE ROOM (im Folgenden zur Vereinfachung: WITTR) für Sommer 2021 ein neues Album ankündigten. Und mir war sofort klar, dass ich mir, wenn es soweit ist, Zeit dafür nehmen muss. Denn es gibt Bands – gerade im Black Metal –  die machen verdammt gute Musik, aber man kann nur schwer mit dem eigenen guten Gewissen vereinbaren, sie zu unterstützen. Dann gibt es Bands, die möchte man, weil sie so extrem engagierte und gute Menschen sind, gern supporten, aber eigentlich findet man ihre Musik nur mittelmäßig. Und es gibt Bands, die erfüllen zwar beide Kriterien, zerstreiten sich aber innerhalb kürzester Zeit, oder sie treten nie live auf, oder wenn, dann enttäuschen sie an diesem Punkt, oder sie sind halt einfach irgendwie nicht „cool“.

Ja, und dann sind da halt WITTR, die einfach ultra epischen Black Metal machen, deren Musiker in Washington (State) in einer Kommune leben und live einfach jedes Mal noch geiler sind als auf Platte. Und dann hauen diese Leute halt einfach mal in einem Interview sowas raus wie: „Wir hören auf, wenn alles gesagt ist und jede weitere Tour nur noch der Umwelt schadet“ (Quelle), was mich als Fan zwar irgendwie traurig macht, aber halt auch denken lässt: „Fuck, es gibt noch gute Menschen! *Herzchenaugen-Emoji* – im BLACK METAL!!!“

Aber genug der Ideologie. Zur Musik: Ich persönlich dachte ja, viel besser als auf dem Vorgänger „Thrice Woven“ könnten WITTR kaum werden. Doch was ist überhaupt die Messlatte?

Erwartungsbild

Was erwartet nun WITTRs Fangemeinde und: Werden sie dem gerecht?

Nun, wer die Jungs schon einmal live erleben durfte, wird sich sofort an diverse Räucherhölzer auf der Bühne, verdammt wenig Licht und verdammt viel Atmosphäre erinnern, die mal durch gewaltige Synthesizer-Teppiche getragen oder durch Blastbeat-Gewitter aufgebrochen wird. Atmosphäre, die die Band auch schon immer über die Alben versucht hatte, in den Gehörgängen der Fans zu kanalisieren. Dies ist ihnen bei mir persönlich oft nicht so recht gelungen. Denn wer hat schon im Alltag mal eben die nötige Zeit und Ruhe, die es braucht um sich auf so viel Atmosphäre überhaupt einlassen zu können? Ergo: Genau das ist mein Erwartungsbild. Keine schmissigen 3-Minuten-Mitgröhl-Hymnen für die Autofahrt, sondern die hörbare Mystik der Natur und der in ihr ungebremst wahrnehmbaren Kraft der Elemente, die mich ehrfürchtig zu Boden gleiten lässt, wenn ich unserem Alltag aus Pandemie, (unfähiger) Politik und dummen Menschen in sozialen Netzwerken radikalstmöglich entkommen möchte.

„Primordial Arkana“ – „uralte Geheimnisse“ also sind es, die mir hier musikalisch in sieben Gängen kredenzt werden sollen. Ob es da einen Zusammenhang zu den sieben hermetischen Gesetzen geben könnte, die WITTR definitiv beschäftigen?

 

 

 

 

 

 

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Die Magie der Berge

Los geht’s jedenfalls mit „Mountain Magick“, das mich direkt auf die anstehende musikalische Mystik einstimmt, aber auch nicht zu lange damit wartet, klar zu machen, dass es sich hier nicht nur um ein instrumentales Intro handelt. Die vom Schlagzeug begleitete Synth-Melodie wird schnell durch eine Gitarre nachgeahmt begleitet und macht das melodische Thema klar. Noch vor der ersten Hörminute findet man sich in wohligem, schnellen Black Metal Drumming wieder und schon ab Minute 1:20 kommt das giftige Keifen Nathan Weavers dazu, wiederum begleitet vom verdammt eingängigen Thema, welches sich mit kurzen Unterbrechungen immer wieder in die Songstruktur einfügt.

Spätestens bei 2:35, als das epische Gitarrensolo einsetzt, haben sie mich vollends für ihr neues Werk begeistert und ich lasse die anschließenden Doublebass-Wellen gern über mich rollen. Die Wechsel zwischen ruhigeren und brachialen Parts, ebenso wie zwischen den mehr und minder melodiösen Parts kommen deutlich schneller daher als von WITTR bisher gewohnt. Das ist gut, weil es die Songs weniger langatmig erscheinen lässt, allerdings kommt es eben leider etwas unerwartet, weshalb ich erst ein Paar Durchläufe gebraucht habe, um mich auf das erhöhte Songtempo einlassen zu können.

Geist und Gewitter

Im sich anschließenden „Spirit of Lightning“ wird das beginnende, gefällige Gitarrenduett schneller abgelöst, als dies nach Maßstäben bisheriger Alben der Fall gewesen wäre. Ich finde es fast ein bisschen schade, dass mein Gehör nicht mehr Zeit bekommt, diese schöne Atmosphäre etwas länger vor meinem inneren Auge zu einem schönen Landschaftsbild werden zu lassen. Doch auch hier kommt das Thema im Song immer wieder, wird nur bisweilen unterbrochen durch mich an altes GEHENNAH (2:20!) Riffing erinnernde Parts. Immer wieder fügen sich aber auch gewohnt wundervoll tragende, von Blastbeats, sägenden Gitarren und Geschrei begleitete Synth-Teppiche in die Songstruktur ein. Nur der Wechsel ist eben irgendwie schneller als bisher – oder werde ich alt? Bei Minute 5 nun noch einmal kurz das schöne Gitarrenduett! Der Song läutet sein Ende ein und trägt sich auf dieser Melodie und nachhallenden Synths davon. Ein sehr abwechslungsreicher Song.

Unendliche Weiten

Es schließt sich ein Gang durch ewige Felder („Through Eternal Fields“) an, der mein Atmospheric-Doom-Black-Metal-Herz kaum noch mehr begeistern könnte, mir erstmals etwas Zeit zum genüsslichen Durchatmen verschafft und mir erlaubt, ein Bild vor meinem inneren Auge entfalten zu lassen. Weite, endlose Felder, düster, vor schroffem Gebirge – ein Sturm zieht auf. Er wird die archaischen Mächte und natürlichen Zyklen der Felder und Berge nicht stören, das macht spätestens die majestätische Atmosphäre ab 3:50 klar. Eine Stimmung, die Übermacht vermittelt. Wer als Bestandteil dieser Natur überleben will, muss sich einfügen, sich den gewaltigen Kräften unterordnen.

Gigantische Atmosphäre – self made

Mit „Primal Chasm (Gift of Fire)“ läuten majestätische Trompetenklänge den Anfang eines klanggewaltigen – vielleicht dem klanggewaltigsten – Stücks ein, das schnell von melodiös sägenden Gitarren und Schlagzeug fortgeführt wird, bevor sich auch hier der Synth-Teppich und Weavers Geschrei dazu mischen. Zunächst tragende und majestätische Melodien werden bald durch relativ lang anhaltende Blastbeats abgelöst, die die Brücke zur nächsten tragenden Passage bauen. Ich bin rundum begeistert und abgeholt von dem Song, wenngleich ich teilweise attestieren muss, dass der Gesang und oft auch die Drums als Ganzes etwas druckvoller abgemischt sein könnten – was jedoch ein „Problem“ des gesamten Albums darstellt. Allerdings  ich auch ergänzen, dass die drei Amerikaner hier alle Aufnahmen, die Produktion sowie den Mix in ihren eigenen „Owl Lodge Studios“ in den Wäldern des Staates Washington durchgeführt haben. Auch die Kostüme für die Videos wurden offenbar selbst hergestellt, genauso wie die Videos selbst gedreht wurden – ziemlich true!

Probleme in der Unterwelt

Im sich anschließenden „Underworld Aurora“ wird für mich abermals deutlich, dass es eher zum Talent der Musiker gehört, eindrucksvolle Aufnahme von Soundeffekten und Geräuschen verschiedenster Art zur Erzeugung einer einzigartigen, intensiven Atmosphäre zu nutzen, als in der gleichen Intensität zu Doublebass/Gitarrensägen/Geschreipassagen überzuleiten oder diese durchzuhalten. Der Übergang bei 1:53 wirkt auf mich jedenfalls irgendwie etwas zu holprig, die sich anschließend bietende Black-Metal-Walze leider etwas dumpf. Umgekehrt erscheint der Wechsel zurück bei Minute 2:30 wesentlich geschmeidiger. Und bei 3:41 klappt anschließend auch der umgekehrte Wechsel zum schwarzmetallischen Part wieder besser. Alles in allem bleibt mir „Underworld Aurora“ jedoch keineswegs als unangenehmer Song, sondern eher atmosphärisch-entspannte Hymne im Gedächtnis.

Meister des Regens und des Sturms

Der – zumindest was den Black Metal Part betrifft – letzte sich anschließende Song „Masters of Rain and Storm“ spricht von Anfang an den klassischen Black-Metal-Fan und Freund des Sounds alter MAYHEM Alben in mir an. Auch hier bleibt jedoch der Facettenreichtum des gesamten Albums erhalten und bietet immer wieder abwechselnd atmosphärische und schnellere, treibende Passagen. Selbst ansatzweise grooviges Death-Metal-Riffing vernehmen meine Ohren bei 4:30 verwundert. „Masters of Rain and Storm“ mit seinen 10:43 Min. Spielzeit hat zwar auch jede Menge Zeit dazu, dennoch fasziniert es mich nachdrücklich, wie viele verschiedene Stile man beherrschen und das in einem Song unter Beweis stellen kann.

Schlussendlich entlassen WITTR mich mit „Eostre“ ins Land der Träume und in die friedliche Übereinkunft meiner menschlichen Seele mit der Natur um mich herum: ein klassisch atmosphärisches Outro á la WITTR, das ganz ohne Klampfen und Trommeln einen würdigen Abschluss dieses durch und durch stimmigen, atmosphärischen Albums darstellt.

Der Beitrag WOLVES IN THE THROME ROOM – Ein Sommerge-WITTR erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

In eisigen Gefilden wie Island bedienen sich Black Metal-Bands nur allzu gern der traditionellen Ruppigkeit. Scheppernde Blastbeats, klirrende Gitarren, ein frostiger Klang, der dem Zuhörer das Blut in den Adern gefrieren lässt. DYNFARI tun nichts davon. Zumindest nicht nach Schema F. Das Ergebnis ist eine gar nicht mehr so schwarze, anschmiegsame Atmosphäre ohne die bekannte Black Metal-Tobsucht. Aber geht die Formel auch auf dem inzwischen fünften Album „Myrkurs er þörf“ auf?

Ein seicht dahinplätscherndes Intro („Dauðans dimmu dagar“) später – ab geht die wilde Fahrt. Okay, ganz so wild wie das Genre vielleicht erwarten lässt, wird die Reise dann doch nicht. Im Grunde eigentlich gar nicht wild. Hier und da gibt es dann aber doch mal einen ungezügelten Ausbruch. Statt finsterer Black Metal-Passagen lassen DYNFARI eine weitaus kuscheligere Rocknote mit einer starken Priese psychedelischer Einflüsse – in dieser Hinsicht tun sie es ihren Landsmänner SÓLSTAFIR gleich – in „Myrkurs er þörf“  einfließen. Aber auch mit Erfolg?

Knuddelatmosphäre statt Säbelrasseln

Kurzum: Jein. Denn mit Black Metal hat „Myrkurs er þörf“ in etwa so viel zu tun wie der Teufel mit der Taufe. Frontmann Jóhann Örn singt überwiegend klar, auch sein Kollege Jón Emil hält sich hinter den Kesseln tempomäßig ziemlich bedeckt. DYNFARI wagen also lieber einen akustischen Ausflug in ein naturelles Idyll, als denn sich auch nur im Mindesten an etwaige Genrekonventionen zu halten. Im Klartext heißt das also: keine Blastbeats, keine Krächzvocals, ja selbst das urtypische Black Metal-Riffing findet sich nur in Ansätzen in Nummern wie „Langar nætur (í botnlausum spíralstiga)“ und „Ég fálma gegnum tómið“. Diese Tatsache mag vielleicht mancherorts auf taube Ohren stoßen, macht aber auch ein Stück weit den eigenständigen Zauber der Isländer aus.

DYNFARI wirken jedoch ziellos auf „Myrkurs er þörf“. Wohin es gehen soll, das weiß die Band wahrscheinlich selbst nicht so genau. Trotz progeschwängerter Kompositionen ist das Album mit einer Spielzeit von einer Dreiviertelstunde dann aber doch erstaunlich kompakt geblieben. Immerhin schaffen es DYNFARI trotz der „Mängel“ eine Atmosphäre von Naturkraft und skandinavischen Frischlufteindrücken zu kreieren, klingen dabei  nach gemäßigten Bilderbuchklimpereien, die bei Bands wie WOLVES IN THE THRONE ROOM oder BORKNAGAR dann doch einen ganzen Zacken authentischer daherkommen. Ganz entsagen wollen DYNFARI ihren Ursprüngen aber nicht und ziehen auf dem vor Abwechslung strotzenden Zehnminüter „Peripheral Dreams“ dann schließlich doch alle Register, die in der übrigen Spielzeit leider verschlossen sind. Mehr davon hätte dem Album besser zu Gesicht gestanden.

Etikettenschwindel oder isländische Eigenheit?

Wahrscheinlich stoßen DYNFARI bei nicht wenigen Atmospheric Black Metal-Überzeugungstätern auf Unverständnis. Das dürfte aber wenig wundern angesichts des eigenwilligen Sounds der Truppe, der auch bereits in der Vergangenheit große Schlenker um die typischen Trademarks machte. Ungestüme Soundexplosionen kommen auf „Myrkurs er þörf“ bestenfalls in Ansätzen vor. Dafür aber umso mehr Post- und Prog-Einflüsse. Der Griff zu Extremen wird hier noch ein Stückchen minimalistischer als man es von DYNFARI sonst gewohnt ist. Ob das nun gut oder schlecht ist, bleibt dem Zuhörer überlassen. Musikalisch macht die neue Scheibe aber dennoch eine mehr als anständige Figur.

Der Beitrag DYNFARI – Kunterbunte Schwarzschattierungen erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Okay, ich gebe zu, ich habe das Album nicht ausgewählt, weil ich wusste, was ich mir da mit FINNR’S CANE einbrocke. Nein, ich habe es mir herausgepickt, weil ich den Namen schön finde (ein Gehstock mutet doch ein bisschen oldschoolig oder herrschaftlich an, oder?). Und weil das Cover schön ist. Und nicht zuletzt, weil Prophecy einfach zuverlässig meinen Musikgeschmack gut bedienen können.

Also ran an die drei Kanadier, die sich in Anonymität und lange, dunkle Gewänder hüllen. Zum zehnjährigen Bandbestehen haben sie uns ihr drittes Studioalbum, „Elegy“, geschenkt. 

Das Album leiert los und ich frage mich: „Ist das überhaupt noch Black Metal?“ FINNR’S CANE bestechen zunächste mit erwartbar Unerwartetem. Heißt, der Sound ist gewohnt weit und düster. Doch der Rhythmus ist so langsam und getragen, als würde nichts der Welt die Macht besitzen, mich hier in meinen Träumen und meinem Wundern zu hetzen. Und doch klingt es anders, als ich es von anderen Bands des Genres gewohnt bin, was nicht zuletzt sicher an der Instrumentierung liegen mag. Denn anstatt des Basses metert gut identifizierbar ein Cello los.

Schon mit dem ersten Song bin ich ruhig und tief im Dunkel – weit weg von den Gedanken, die mich in meinem Tagwerk sonst begleiten.

Der Opener Willow begeistert mit einer fantastisch tiefen, melancholischen Stimme. Und genau die hätte ich so hier nicht erwartet. Vom Cleangesang geht es dann im Folgenden auch wieder weg – gegrowlte Passagen, aber immer noch durch Cleangesang gedoppelt, sorgen ohne Druck für ein druckvolleres Empfinden. Die Grenze zum Doom ist ab hier für mich kaum mehr erkennbar.

Ganz anders tut sich Strange Sun hervor. Hier wird hingegen zu einhundert Prozent in die Black-Metal-Kerbe gehauen. Geiles Brett! Dank Cello-Instrumentierung, die durchweg geschickt dosiert und eingemischt ist, schwingt immer noch eine ganz eigene Art der Melancholie mit. Da die Band in ihrer Aufstellung den Bass komplett ausgespart hat und stattdessen mit Violoncello, Flöte und Synths experimentiert, eröffnen sich etwas andere Klangsphären als gewohnt.

Dass FINNR’S CANE die Umsetzung ihrer Ideen durchdacht hat, zeigt sich auch in Empty City, einem Song, der dank einer recht einfachen, aber dennoch spannungsvoll aufgebauten Melodielinie über fast fünf Minuten Länge nicht langweilig wird.

Wer sich mit AGALLOCH, ALCEST und WOLVES IN THE THRONE ROOM gut arrangieren kann, wird mit Sicherheit auch an „Elegy“ seine Freude haben. Die ersten drei Songs des aktuellen Albums kannst du bereits auf der bandcamp-Seite hören. Sie sind aber auch bei facebook vertreten.

Der Beitrag FINNR’S CANE – Bette dich in Düsternis erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Die einsamen Wölfe von WOLVES IN THE THRONE ROOM waren mit ihren Erstlingswerken „Diadem of 12 Stars“ und „Two Hunters“ ein entscheidender Einfluss im us-amerikanischen Black Metal, aus dem schlussendlich auch das Label Cascadian Black Metal hervorging. Viele gute Bands, wie etwa FALLS OF RAUROS, ALDA oder auch ALTAR OF PLAGUES, zeigten sich sichtlich beeinflusst vom Schaffen der Weaver-Brüder. Diese leben weitestgehend autark und zurückgezogen auf einem Hof im Bundesstaat Washington und zelebrieren einen Lebenstil, nah an der Natur(-mystik), welcher jedoch scheinbar trotz inhaltlicher Querverweise nicht dem Bild des typischen Schwarzmetallers entspricht.

Damit saß die Band immer ein wenig zwischen den Stühlen, bildete jedoch auch eine Brücke vom traditionellen Schwarzmetall hin zur reformierten Interpretation des Post Black Metal. Als 2011 die Langrille „Celestial Lineage“ herauskam, wurde infolgedessen eine Pause im Schaffen des Gespanns angekündigt. 2014 folgte jedoch mit „Celestite“ ein Appetizer in Form einer rein ambientalen Scheibe. Nun kehren die Wölfe 2017 endgültig an die Oberfläche zurück und lechzen mit  „Thrice Woven“ begierig nach Blut.

Im Bund mit dem Alten

Zuallererst sticht mir das herrlich traditionelle Coverartwork ins Auge, welches sich sicher auch gut auf einer DRUDKH-Veröffentlichung machen würde. Archaische Energien werden heraufbeschworen und der Opener „Born from the Serpent´s Eye“ spiegelt dies auf eine überzeugende Art und Weise wider. Epische Gitarrenlinien vermischen sich mit harschem Schlagzeugspiel und erzeugen gleich zu Anfang ein vertrautes Gefühl des Heimkehrens. Das Material bezieht sich deutlich auf die eigenen Anfänge und nimmt gelegentlich auch Bezug zu ganz alten ULVER.

Dennoch überrascht es mich, wieviele Variationen und Tempiwechsel im Opener zu finden sind. Dieses Treiben geht die ersten fünf Minuten, bis nach einem Break plötzlich ein mystischer und wunderschöner Frauengesang erschallt und in einen Endpart überleitet, der das Prädikat „100 Prozent WOLVES IN THE THRONE ROOM“ trägt. Diese Klanglandschaften und Dynamiken sind definitiv stilprägend. Alles richtig gemacht – so hat ein Albumeinstand zu funktionieren!

„The Old Ones are with us“ startet mit einem stimmungsvollen Intro, welches durch ein erzählerisches Sample eine dichte Stimmung aufbaut.

„Winter is dying, the sun is returning…the fires are burning…the old ones are with us…“

Im Folgenden entwickelt sich der Song zu einem dunklen Monolith, der sich deutlich monotoner als der Opener anlässt, jedoch in seiner Atmosphäre kohärenter wirkt. Durch herrlich angestaubte Synthies entwickelt sich eine wohlig old-schoolige und folkloristische Stimmung, die mich ganz stark an das letzte Album der Polen von WEDRUJACY WIATR  erinnert.

Ver-woben

„Thrice Woven“ teilt sich in insgesamt vier überlange Stücke, die zusätzlich vom Interlude „Mother Owl, Father Ocean“ begleitet werden. So sehr ich jedoch von den ersten beiden Stücken begeistert bin, so enttäuschend und seltsam empfinde ich den Albumverlauf bei den beiden letzten Liedern. „Angrboda“ und „Fires roar in the palace of the moon“ (ein toller Liedname!) wissen mich nicht wirklich zu begeistern und verpuffen größtenteils, selbst nach einigen Hördurchgängen.

Stilistisch sind beide Stücke ähnlich gepolt wie „The Old Ones are with us“, können jedoch die Spannung nicht aufrechterhalten und verlaufen sich mit zunehmender Spielzeit. Schade, denn auf dem Papier geht die Rezeptur von WOLVES IN THE THRONE ROOM vollends auf. Lediglich der Beginn des Rausschmeißers „Fires roar in the palace of the moon“ weiß mich ebenso zu begeistern wie die ersten Stücke. „Mother Owl, Father Ocean“ hingegen weckt wohlige Erinnerungen an den Einleitungspart von „Cleansing“ vom legendären „Two Hunters“ Album und überzeugt durch seine beschwörenden Frauengesänge und die dichten Klanglandschaften.

Wo jedoch manche Songs nicht richtig zünden, weiß der Sound von „Thrice Woven“ definitiv zu gefallen. Das Schlagzeug poltert oldschoolig, die Gitarren braten, Sänger Nathan keift kultig und auch den charmant entrückten Synthies wird ausreichend Platz gegeben.

Summa summarum ist der neuste Streich von WOLVES IN THE THRONE ROOM ein definitiv gelungenes Album, welches jedoch nicht an die eigenen Klassiker heranreicht und im Endeffekt mehr vom Gleichen bietet. Lediglich der Opener „Born from the Serpent´s eye“ konnte mit recht dynamischen Songwriting Neuland aufzeigen. Dies wiederum wünsche ich mir vom mittlerweile zum Trio angewachsenen Wolfsrudel für kommende Outputs. Sie können es durchaus noch, müssen nur auf gesamter Albumlänge diese Stärken abrufen können. In diesem Sinne – auf die Zukunft!

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Was mache ich als Musikrezensent, wenn ich in einem obskuren Forum auf einen kleinen dänischen Underground-Act hingewiesen werde, der vor kurzer Zeit sein Debütalbum veröffentlicht hat?  Und welches schon nach wenigen Eindrücken als sehr hörenswert zu beschreiben ist und ich dennoch die Vermutung habe, dass dieser Rohdiamant in der Flut der Veröffentlichungen untergehen wird? Richtig, ich schreibe ein Review!

So bin ich zum Debüt „Departure“ des dänischen Quartetts SUNKEN gekommen. Die 2012 gegründete Formation, welche zu Demozeiten noch unter dem Namen ARESCET musizierte, haut mit ihrer ersten Langrille vertonte Wut, Ekstase aber auch Melancholie in Reinkultur heraus. Zu dieser Einschätzung komme ich nach kurzer Zeit, in weiteren Hördurchgängen offenbart sich jedoch unter der brodelnden Oberfläche noch weitaus mehr. Davon berichte ich im Folgenden.

Unter der Oberfläche

„Departure“ teilt sich in vier überlange Stücke und bekommt mit „A solemn initation“ ein sphärisches Intro vorangestellt, welches nett, aber auch ein wenig beliebig klingt. Zum Ende hin bahnt sich jedoch verzerrtes Gepolter an, steigert sich in Lautstärke und Intensität, und mündet schließlich mit unbändiger Wut in den Opener „Void“, der sofort mit extremen Blasts und schneidenden Gitarren voran prescht. Das Stück kontrastiert diese schnellen Passagen mit reduzierten Parts und Midtempo-Abschnitten, die von cleanen Gitarren durchzogen werden und in ihrer Melancholie ein wenig an AGALLOCH erinnern.

Hervorzuheben ist hierbei, dass die Gitarrenwände zum einen sehr harsch und schneidend klingen, zum anderen jedoch auch einen epischen und leicht beschwingten Charakter aufweisen. Diese kombinierte Stilistik wird sich durch einen Großteil des Albums ziehen. Gesanglich liefert Martin Skyum Thomasen eine verzweifelt klingende und dennoch kraftvolle Performance ab, die durch ihren verzerrten Klang nur noch roher wirkt. Bei den langen, kehligen Schreien kam mir hin und wieder auch Grutle von ENSLAVED in den Sinn. Alles in allem bietet der erste Song hochwertiges Schwarzmetall, das alle Vorzüge dieser extremen Musik vereint. Im Folgenden wird sich die Qualität und Intensität jedoch noch steigern.

Abschied vom Mittelmaß

Denn der nun folgende, namensgebende Song „Sunken“ ist ein wahres Feuerwerk moderner schwarzmetallischer Kunst. Anfangs erklingen cleane, fast schon post-rockige Gitarren und werden nur vom reduzierten Rhythmuspiel der Drums und der Bassgitarre begleitet. Flächige Synthies gesellen sich schlussendlich dazu, dann erklingt überfallartig ein Gitarrenfeedback und die wilde Jagd ist eröffnet. Mit einer schier unglaublichen Energie knüppeln die Dänen voran und kombinieren ihre Brutalität mit simplen Tremolo-Gitarren, die ihre atmosphärische Wirkung nicht verfehlen. Wer die schwarzmetallischen Ausflüge DOWNFALL OF GAIAs kennt, bekommt hier ihren großen Bruder an die Seite gestellt. Das ist durch und durch klassisches Black-Metal-Songwriting, in diesem Fall jedoch mit so einer Hingabe und Perfektion gespielt, dass es eine wahre Freude ist. Respekt!

Im Titeltrack „Departure“ vereinen sich die verschiedenen Stilelemente der vorangegangenen Stücke und erzeugen eine große Dynamik. Midtempo wechselt sich mit Geblaste ab, Melodien gesellen sich dazu, nur um rauem Geschrote wieder das Zepter zu überlassen und sich schlussendlich mit epischen Synthies zu vereinen. Dies mündet in ein Finale, das mich emotional packt und alle Songfinessen zu einem angestrebten Climax führt. Ähnlich wie bei den Norwegern von VEMOD gelingt dieses Unterfangen auf ganzer Linie und entführt mich in andersweltliche Sphären.

Der Fünfzehnminüter „In the cold embrace of the Waves“ schließt das Album ab und hält das Level an Epik und Intensität über große Strecken aufrecht. Nachdem die erste Hälfte der Komposition im leichten Uptempo voranschreitet, wird die zweite Hälfte in gewohnter Manier von sehr schnellem Spiel und ruhigen Parts dominiert. Hierbei gefällt mir besonders das leicht jazzige Schlagzeugspiel, welches den Weg zu einem gleichermaßen harmonischen wie auch verschrobenen Finale ebnet, das abermals stark nach vorn geht, sphärische Gitarren, lange Schreie und flächige Synthesizerklänge bietet.

Die Formel                                                                                                           

Somit ist die Stilistik auf „Departure“ in allen Songs klar abgesteckt, funktioniert jedoch fast jederzeit einwandfrei. Nichtsdestotrotz hätten manche Songabschnitte leicht verkürzt werden können, um nicht Gefahr zu laufen, totgespielt zu werden. Insgesamt bietet das Debüt von SUNKEN jedoch hochqualitativen Stoff zum Entkommen aus der Realität und des sich Verlierens in den andersweltlichen Klängen. Das ist ein großes Qualitätsmerkmal für diese Art von Musik und die raumgebende und dennoch nicht verwaschene Produktion sowie das stilsichere Albumcover unterstreicht diesen Eindruck.

„Departure“ schafft es mit jedem Hördurchlauf, mir das Gefühl von Raum und Zeit ein wenig zu entreißen, um mich einzig allein im Klangkosmos zu verlieren. Ich bin gespannt, was in Zukunft kommen wird, spielen doch SUNKEN mit ihrem Debüt bereits jetzt ganz oben in der Liga des atmosphärischen Black Metals mit. Ich hoffe, das Qualitätslevel kann gehalten werden. Doch zunächst bietet „Departure“ genug Stoff, um ein fürs andere Mal in diese kalten Tiefen hinab zu sinken. Over and out …

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Endete der gestrige Freitag (zumindest hier im UT) mit einer Drei-Mann-Band, so ist es heute ebenfalls ein Trio, das den Abend eröffnet. Es handelt sich um die Schweden von MONACHUS, die mir im Vorfeld absolut kein Begriff gewesen sind. Aber heidewitzka! Was die Jungs hier abliefern, raubt mir bereits nach wenigen Takten die Fähigkeit still zu stehen! Extrem druckvoll, atmosphärisch und sowohl mit starken Songs, als auch tollem Sound ausgestattet, bauen die Jungs aus Göteborg eine Klangwand auf, die mich völlig überfährt und flutenartig mitreißt. Ich erinnere mich an den Auftritt von AMENRA, auf dem Doom Over Leipzig vor zwei Jahren, der bei mir ein vergleichbares Gefühl hinterlassen hat. Seitdem habe ich kaum ein Konzert gesehen, das genau in die gleiche Kerbe geschlagen hätte. Dabei sind MONACHUS mit ihrer Kombination aus Sludge, Post Metal und Doom alles andere als ein Abklatsch der Belgier und lassen auch niemanden an Fleischerhaken von der Decke hängen. Dennoch ist der Auftritt sehr eindrücklich, wofür vor allem die schwer groovenden Songteile verantwortlich sind, die sich immer wieder mit ruhigeren, aber spannungsgeladenen Parts abwechseln und so durchaus ein Faible für Bands der Marke CULT OF NEURISIS offenbaren – jedoch ohne stumpf abzukupfern. Unbedingt auf dem Schirm behalten!

Im Anschluss spielen COME TO GRIEF und haben direkt gar nichts mehr mit Atmosphäre zu tun. Der „Suicidal, Depressive Sludge Metal“ des Quartetts aus Boston erinnert mich hier und da an EYEHATEGOD, jedoch mit deutlich mehr Doom-Schlagseite, tieferen Gitarren – und nicht so guten Songs. Denn nachdem mich MONACHUS gerade eben noch gut abholen konnten, wirkt das Set von COME TO GRIEF ziemlich arm an Höhepunkten, weshalb sich die 40 Minuten Spielzeit ziemlich dehnen. Auch wenn Sänger Jonathan Hébert seine Verzweiflung hemmungslos in die Welt, oder besser: in den Saal kreischt, lösen COME TO GRIEF keinerlei emotionale Regung bei mir aus, zumal Gitarrist und Gründer Terry Savastano (Ex- GRIEF) mit seiner spürbaren Bewegungsfreude die Grundstimmung etwas konterkariert und seine Mitstreiter hinter sich verschwinden lässt. Ein Auftritt, der mir nicht viel gibt, die Leute aber auch nicht aus dem Saal jagt.

Die Finnen von SINK wildern danach in vollständig anderen Gefilden. Davon, dass die Band unter Drone/Black Metal bei metal-archives.com geführt wird, ist heute nur bedingt etwas zu spüren. Als würde man DEPECHE MODE, Elemente der SWANS und MENACE RUINE miteinander in einen Mixer werfen, konstruieren SINK einen Sound, der sich nicht nur von den anderen Bands des Doom Over Leipzig abheben dürfte. Bereits beim Anblick von Saxophon und Klarinette auf der Bühne, machen Hirn und Herz Freudensprünge, darauf gefasst, gleich einen Ohrgasmus nach dem anderen zu bekommen. Weckte das letzte Album „Ark Of Contempt And Anger“ vor den heimischen Boxen im Vorfeld Interesse und Lust auf mehr, so weiß der Gesamtsound von SINK live leider nicht ganz so sehr zu fesseln. Obwohl ich den Songs absolut das Potenzial beimesse, hypnotische Stimmung zu erzeugen, kommt es heute, zumindest bei mir nicht dazu, und lässt den Auftritt etwas an den Erwartungen scheitern, die ich an ihn hatte.

Und das Tempo wird wieder angezogen. Die vermutlich einzige Band des Festivals, die deutliche Death-Metal-Einflüsse aufweist kündigt sich an: INTER ARMA.
Zwischen schweren Doomparts, stampfenden, mitunter repetitiven Riffs und eruptiven Blastattacken, schwankt das Quintett aus Virginia unfassbar präzise und schaltet von einer Sekunde auf die nächste von Hochgeschwindigkeit auf Zeitlupentempo um. Besonders Schlagzeuger T.J. Childers haut mich mit seiner Leistung völlig aus den Socken, und hinterlässt nicht nur bei mir einen bleibenden Eindruck! Auch wenn ich emotional nicht so richtig weiß, was ich genau fühlen soll, reißen mich INTER ARMA mit den vor allem vom letzten Album „Paradise Gallows“ stammenden Songs mit. Was die Jungs aus Richmond hier abliefern grenzt an Hochleistungssport! Sicherheitshalber würde ich nach diesem Auftritt mal nen Gutachter ins UT schicken, um zu checken, ob die Statik nicht nen Knacks wegbekommen hat!

Wir kommen zum Höhepunkt des Festivals und wenn ich mir den dicht gedrängten Saal so anschaue, bin ich mit diesem Eindruck nicht alleine. Kaum ein freier Zentimeter lässt sich im UT noch finden, zumal es den Anschein erweckt, als hätten viele Leute das Doom Over Leipzig nur heute und zu einem Anlass besucht: WOLVES IN THE THRONE ROOM.

Lange und ausgiebig wird die Bühne umgeräumt, das Schlagzeug umgebaut und mehrere drei Meter hohe Banner aufgestellt. Bereits im Vorfeld ließen sich überall im Raum Schilder finden, auf denen strengstens davon abgeraten wurde Fotos mit Blitzlicht zu machen. Man darf also darauf schließen, dass die Show in nicht allzu grellem Schein erstrahlen wird.

Und tatsächlich wird die Bühne nahezu nicht beleuchtet, einzig die Banner werden angestrahlt und kleine Lampen an den Gitarren spenden etwas Licht. Doch bevor der erste Ton erklingt, werden Baumzweige und Blätter verbrannt, um das UT in den passenden Geruch zu hüllen. Es bahnt sich kein Konzert an, sondern ein Ritual.

Nachdem die live zum Quintett angewachsene Band mit „Dea Artio“, dem Opener des zweiten Albums „Two Hunters“ in ihr Set startet, gibt es spätestens mit dem folgenden „Vastness and Sorrow“ kein Halten mehr. Köpfe rotieren, Haare fliegen, minutenlange Blastbeats fegen durch die steinerne Halle.

Bis zum letzten Song verbleibt die Bühne in Dunkelheit, während zwischen den Songs immer wieder aufs neue Zweige verbrannt werden und die Publikumsinteraktion einzig im recken der Weinflasche besteht. Doch scheiß drauf, wer braucht hier Licht, wer braucht hier Gelaber? Es geht einzig und allein um die Songs, und die packen bis zum abschließenden „Queen Of Borrowed Light“ so ziemlich jeden Besitzer zweier Ohren im Raum.

Noch Minuten nachdem der letzte Ton verklungen ist, tobt der Beifall im Raum und lässt die Hoffnung auf eine Zugabe steigen, zumal das Saallicht nicht angeht und auch keine Instrumente von der Bühne geräumt werden. Doch was jetzt kommt ist keine Zugabe der Band aus Washington, sondern COMMON EIDER, KING EIDER.

Dass die Band schon spielt, bemerke ich allerdings nicht sofort. Denn zum einen ist die Bühne weiterhin in völlige Dunkelheit gehüllt, zum anderen ist die Musik weder laut genug, um sie als Auftritt wahrzunehmen, noch hebt sie sich sonderlich von der sonstigen Pausenmusik ab. Deshalb dauert es eine Weile, bis ich mir dessen Gewahr werde, dass hier bereits eine Band auf der Bühne steht. Oder besser sitzt. Denn COMMON EIDER, KING EIDER bestehen nur aus zwei Mitgliedern, die hockend Trommeln, Gongs, Pedale und eine Violine bespielen, dabei jedoch erst langsam von den noch im Raum verbliebenen Zuschauern zur Kenntnis genommen werden.
Es herrscht das gleiche Phänomen, wie tags zuvor bei GROUPER: die Musik selbst ist nicht laut und vereinnahmend genug, als dass sie die Geräusche und Gespräche übertönen könnte und verkommt, so zumindest mein Eindruck, für viele zu einer Randnotiz, für die das Festival mit WITTR bereits geendet hat. Dennoch sammelt sich nach und nach ein beschauliches Grüppchen vor der Bühne, was dem Duo nach dem Auftritt auch angemessen applaudiert.
Dennoch kann ich mich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Großteil der Besucher bereits verschwunden ist und das Festival somit eher seicht und plätschernd ausklingt, als mit einem Hammerschlag zu enden.

Wieder einmal ist ein Doom Over Leipzig vorbei. Wieder konnte ich leider nicht alle, der zahlreichen Angebote und Möglichkeiten nutzen. Wieder einmal gab es Bands, die mich vom Hocker gerissen haben, Neuentdeckungen und Enttäuschungen. Was bleibt, ist der erneut bestätigte Eindruck, dass das Doom Over Leipzig im Süden der sächsischen Metropole ein Garant für eine Sammlung hochkarätiger Namen experimenteller, avantgardistischer und eindrucksvoller Nischenmusik ist und bleibt, weswegen ich der Swansea Constellation auch in diesem Jahr dafür danken möchte, ein Festival auf die Beine gestellt zu haben, das in puncto Location, Bandauswahl und Gesamtangebot nur schwerlich an irgendetwas anderem zu messen ist, das mir bekannt wäre.

Auch wenn die Preisentwicklung in den letzten Jahren klar erkennbar nach oben ging, (was vielleicht auch mit der diesjährigen Bandauswahl zusammenhängt) bietet das Doom Over Leipzig immer noch ein Preis-Leistungs-Verhältnis, das mehr als akzeptabel ist. So haben sich auch in diesem Jahr die Fahrten rüber nach Leipzig für mich gelohnt und bereits jetzt blicke ich dem nächsten Jahr entgegen, gespannt der Dinge, die dann auf mich und zahlreiche weitere Besucher warten werden.

Danke UT, danke Swansea, dangä Leipdsch!

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Der Beitrag Im Sog der Schwere – Doom Over Leipzig: Tag 3 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Veröffentlichungsdatum: 09.12.2016

Dauer: 40:09 min.

Label: Code666 Records

Stil: Black Metal

Nachdem ich mir in letzter Zeit einige EPs und langatmige Alben „eingebrockt“ hatte, fiel meine Wahl auf dieses Kleinod. Erst dachte ich mir: Toll wieder eine EP ausgesucht, da sind ja nur 2 Lieder drauf. Aber falsch gedacht! Hierbei handelt es sich um einen vollwertigen Full Length-Release mit einer stolzen Spielzeit von 40 Minuten. Da steigt mein Interesse doch gleich nach oben. Und man kann von Glück sprechen, das es diese Promo in meine Hände geschafft hat, denn von selbst wäre ich nicht auf dieses gute Album gekommen.  Was das Trio aus Cambridge da auf den Silberling gezaubert hat, lässt Vergleiche an ASH BORER wach werden und WOLVES IN THE THRONE ROOM vor Neid erblassen.

Die pulsierenden Gitarren fließen ineinander und schaffen einen ruhigen Einstieg, der sich erst nach knapp 2 Minuten mit aller Kraft seinen Weg bahnt. Man merkt hier sofort, dass TERRA großen Wert auf einen modernen Klang legen, der eben nicht nach Proberaum klingen soll. Und so stürmt der erste Teil „Apotheosis“ voran. Ein Detail sticht dabei besonders ins Auge, beziehungsweise Ohr. Das Hauptaugenmerk liegt bei „Mors Secunda“ auf dem Schlagzeug. Das gestaltet sich nämlich sehr abwechslungsreich und überzeugt mit tollen Pattern, ohne es jedoch dabei ausarten zu lassen.

Da gerät der Gesang schon beinahe in Vergessenheit, er taucht nur ab und an wie ein Schemen in der Dunkelheit auf. Viel interessanter gestalten sich die Riffs und melodischen Töne. Diese schaffen es nämlich, konstant die Spannung mit dem Schlagzeug aufrecht zu erhalten, während der Bass ungewöhnlich fett vor sich hin brummt und ab der Minute 9:43 einen eigenen Auftritt hat. Leider wird nichts Auffälliges in dieser Sequenz geleistet, aber das kann ich verschmerzen.

Den seltsamen Beat ab Minute 10:38 hingegen finde ich unpassend, auch wenn er ein weiteres Mal zeigt, wie eigenständig sich TERRA vom klassischen Korsett des Black Metal lösen wollen. Das gelingt wiederum ab Minute 11:05 elegant. Mit trampelndem Rhythmus blühen die Riffs so richtig auf, was kurze Zeit später in einem Gefühl der Anmutigkeit gipfelt. Sogar der Sänger meldet sich mal wieder und singt über den Prozess des Menschen, welcher zu einem Gott mutiert. Die letzten drei Minuten werden dann nur von Gitarren, Gesang und Feedback ausgefadet.

Der zweite Angriff von TERRA

Ohne jeglichen Funken an Erbarmen holzt sich der Drummer wie ein Wirbelwind durch die Botanik, als gäbe es kein Morgengrauen. Erst mal das ganze Repertoire zeigen, damit auch der letzte es kapiert:

Wir haben es verstanden, du hast es drauf!

Dazu wird einfach nur stumpf ein „Akkord“ (wenn man denn „die leere E-Saite anschlagen“ überhaupt als Chord bezeichnen kann). Ist jedenfalls nicht wirklich mein Geschmack. Wenigstens dauert das ganze „nur“ 2 Minuten. Danach wird typisch amerikanisches Black Metal-Songwriting geboten. Gut, aber nicht spektakulär. Nach einem Viertel der Spielzeit von „Nadir“ kommt dann aber doch einmal das richtige Feeling auf. Am besten kann ich es mitfolgender Aussage beschreiben:

„Die Erde bebt und alle Dämme brechen“

Ab der 15. Minute kann man dieses Gefühl am besten erleben. Alles zerrinnt und eine bittere Realität zeigt ihre hässliche Fratze. Seltsamer Gedankengang, aber er kam mir sofort und blieb dort wie Pech haften. Zum Ende hin wird noch eine unbedeutende Drone-Collage geboten und ich habe die 40 Minuten geschafft.

Der Beitrag Wenn der Mensch zum Gott wird – Terra erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Aus unserem östlichen Nachbarland Polen kommen seit Jahren, speziell in der jüngeren Vergangenheit, sehr starke Black Metal-Veröffentlichungen zu uns herüber. Man denke nur einmal an MGLA, die experimentierfreudigen FURIA oder auch OUTRE. Zusätzlich dazu gab es mit dem Release des BATHUSKA-Debüts einen der größten Hypes der letzten Jahre und diese anonymen Musiker kommen ebenfalls aus besagtem Lande.

Nun wurde meine Aufmerksamkeit vor wenigen Wochen durch einen Vorab-Song auf einem Youtube-Kanal auf das Duo WEDRUJACY WIATR (Wandernder Wind) gelenkt und ich war sofort vom sehr atmosphärischen, folkloristisch verwurzelten Schwarzmetall der Herren angetan. Metal Archives zeigt mir an, dass das Zweigespann seit 2011 musiziert und 2013 ihr Debüt veröffentlichte. Somit stellt sich mir nun die Frage, ob die Musik auch auf Albumlänge zu überzeugen weiß und ob die Vorschusslorbeeren des Preview-Songs gerechtfertigt sind.

Das neue Album „O turniach, jeziorach i nocnych szlakach“ beginnt mit dem ruhigen Akustikstück „Ze Szczytów I Z Toni“ und erschafft sofort mit Hilfe von Naturgeräuschen, den weit entfernten Lauten von wilden Tieren und träumerischem Gitarrenspiel eine dichte Atmosphäre, die mich in die Musik eintauchen lässt und vor meinem geistigen Auge Bilder von dichten Wäldern und entfernten Hügeln erzeugt.

Nun folgt mit „Wołanie Z Granitowych Twierdz“ der erste lange Metalsong des Albums. Dieser ist zugleich der mir schon bekannte Vorab-Song. In bester DRUDKH-Manier prescht der Song rau und dennoch melodisch voran. Ein paar Synthies lassen mich aufhören und erzeugen eine wunderbar herbstliche Stimmung. Tolles Geschrei, aber auch verhallte Männerchöre im Hintergrund thronen über dem dichten Klangkonstrukt, welches in mir den Eindruck einer alten, vergessenen Musik erweckt. Auf mich wirken diese Klänge, als seien sie zwar mit „modernen“ Rockinstrumenten eingespielt, deren Essenz ist aber viel mehr archaischer Natur. Die Melodien schicken mich auf eine wunderbare Stimmungs- und Gedankenreise. Ich lasse mich treiben, verliere aber dennoch nicht den roten Faden des Songs aus den Augen, da dieser gut komponiert und strukturiert durch das Stück geleitet. Meines Erachtens kann man diese Art von (Black) Metal nicht besser spielen. Ich bin berührt und begeistert!

„Ja Wiatr“ stellt nun mit einer guten Viertelstunde Spielzeit den längsten Song des Album dar. Beginnend mit einer einprägsamen Lead-Gitarre, schwingt sich auch dieses Stück zu atmosphärischen Höhen auf. Die Polen setzen in den langen Stücken immer wieder auf kleine Verschnaufpausen in Form von akustischen Intermezzos. Für mich hätten diese jedoch durchaus weniger vorkommen können, da so der Fluss der Lieder an manchen Stellen verloren geht und es ein wenig gleichförmig erscheint, wenn meist nach ca. 5-6 Minuten ein Akustikintermezzo einsetzt und sich danach die Songs wiederum schwarzmetallisch aufbauen. An sich sind die ruhigen Parts ebenfalls sehr schön, nur für meinen Geschmack ein wenig zu sehr nach dem gleichen Muster konzipiert.

„Na Łańskam Jyziorze“ stellt den vorletzten Song des Albums dar und prescht anfangs sofort herrlich rau voran. Blastbeats vermischen sich mit simplen und eingängigen Gitarrenmelodien und erinnern mich ein wenig an „Black Cascade“ von WOLVES IN THE THRONE ROOM. Eine Frauenstimme erklingt nach den ersten Minuten und eine traurig schöne Synthiemelodie leitet hin zum nächsten Teil dieses Black Metal-Sturms. Ich besitze keine Kenntnisse über die polnische Sprache und kann somit nichts zum Inhalt der Texte sagen. Dennoch spricht für mich die Musik ihre eigene sehr komplexe Sprache und neben „Wołanie Z Granitowych Twierdz“ ist dieser vorletzte Song definitiv ein weiteres Highlight des Albums.

Zum Schluss folgt mit „U Stóp Śniącego Króla Tatr“ ein weiteres Epos. Und trotz dieses immer gleichen Aufbaus weiß auch der Abschluss des Albums nicht zu enttäuschen. Sehr melancholisch und mit etwas gedrosseltem Tempo schafft der Song einen guten Abschluss und spannt mit seinen leise verklingenden Naturgeräuschen am Ende einen guten Bogen zum Anfang der Platte.

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Es wird Herbst. Und wie jedes Jahr sorgen die langsam aber beständig sinkenden Temperaturen, das triste Wetter sowie Regen und Sturm dafür, dass ich mich für die dunklere Hälfte des Jahres wieder mehr dem Black Metal hingezogen fühle.

Die Band, von der ich heute schreibe ist mir tatsächlich erst vor ein paar Tagen untergekommen. Keine Ahnung wie oder woher, aber so ist das ja meistens mit dem Internet, in dem einem reife Singlemütter ab 50, iPhone-Gewinne oder Bands jeglicher Couleur zugelaufen kommen, wie streunende Hunde in Osteuropa.

VÆRBITT ist eine noch recht junge Band aus der norwegischen (Black Metal) Hauptstadt Bergen und ehrlich gesagt kann ich die Langzeitwirkung der Jungs noch gar nicht abschätzen. Aber mir gefällt, was ich höre und 150 Likes auf Facebook lassen sich definitiv noch steigern!

Die Band gründete sich im Jahre 2011 und ist nach eigener Aussage von Künstlern wie WOLVES IN THE THRONE ROOM, EMPEROR, ENSLAVED und… ISIS inspiriert. Schon allein die Aufzählung dieser Künstler zeigt, dass sich VÆRBITT zwar ihrer norwegischen Wurzeln bewusst sind, sich allerdings eher von den traditionellen Klängen entfernen, um der Atmosphäre Raum zu lassen. Dass dies auf ihrem Debütalbum „Tid“ in ausgiebiger Weise geschieht, sieht man nicht zuletzt daran, dass sich die Spiellänge der Platte auf über eine Stunde beläuft…bei drei (in Zahlen: 3) Songs!

Trotz der Gründung vor bereits fünf Jahren, wurde das erste Album der Norweger aus einer Vielzahl von Gründen erst im September diesen Jahres veröffentlicht.

Die Mixtur, die das Quintett aus Bergen auftischt, lässt neben den wohl mit der Muttermilch aufgesogenen Black Metal-Ingredienzien auch Einflüsse aus Post Rock und Doom Metal erkennen. Dies zeigt sich nicht nur in den teils wunderschönen Melodien, die sich in der Musik von VÆRBITT finden lassen, sondern auch in den schleppend schweren Passagen, die dennoch sehr organisch in den Gesamtsound integriert werden. So gelingt es der Band, Atmosphäre zu erzeugen bei der ich mir wünsche, mich umgehend in der auf dem Cover abgebildeten Landschaft wiederzufinden.
Ein ums andere Mal muss ich beim Hören von „Tid“ an die von mir sehr geschätzten Briten von WINTERFYLLETH denken. Nicht nur die Gesänge ähneln sich etwas, sondern auch die Stimmung! So können VÆRBITT über weite Strecken eine ähnliche Erhabenheit in ihren Songs präsentieren, wie die Jungs aus Manchester.

Das Debütalbum „Tid“ ist vorerst nur als digitales Album über die Bandcampseite der Norweger erhältlich. Dafür könnt ihr den Preis selbst wählen. Also hinterlasst den Jungs nen Like oder ein paar Mark, denn „Tid“ ist es wert, gehört zu werden.

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Bereits mit ihrem ersten Album „The Ghost Of Heritage“ konnte mich der Vierer aus dem Vereinten Königreich begeistern, deren Ruf seit 2007 von den britischen Inseln hallt. Seit fast zehn Jahren spielen WINTERFYLLETH knarzigen, melodischen (nicht melodic!) Black Metal, der ohne Schnörkel und Kompromisse auskommt.
Mittlerweile haben sie ihr fünftes Album innerhalb von nur neun Jahren veröffentlicht!

Die Platte beginnt mit dem Titeltrack und in gewohnter WINTERFYLLETH-Manier. Melodisch sägende Gitarren dominieren das Stück und werden über weite Strecken von einem Blastbeat begleitet, während Chris Naughtons angenehm krächzender Gesang das Ganze komplettiert. Was wie das kleine Einmaleins des Black Metals klingt, ist jedoch deutlich schöner, als man bei dieser simplen Beschreibung denken mag. Denn seitdem ich sie kenne, gab es eine Sache, die die Briten für mich aus dem Gros ihrer Mitstreiter hervorstechen ließen: Erhabenheit.

Eine gewisse Epik wohnte den Songs schon immer inne, und das ganz ohne den permanenten Einsatz von Keyboards, Synthies, orchestralen Klängen oder Power Metal-Gesang. Nur gelegentliche Männerchöre brachen seit jeher aus dem bekannten Black Metal-Schema aus. Und erneut finden sich diese am Ende des großartigen zweiten Songs „Pariah’s Path“. Manch einer könnte den Song bereits kennen, da er im Jahre 2014, als Bonustrack des Albums „The Divination Of Antiquity“, veröffentlicht wurde. Das neunminütige Stück wirkt jedoch alles andere als altbacken und neu aufgewärmt. Wunderschön schichtet sich Gitarrenmelodie über Gitarrenmelodie, untermauert der Bass die flirrenden Linien und treibt das mit hervorragendem Sound versehene Schlagzeug den Song nach vorn. Einzig die Becken könnten im Gesamtmix noch etwas präsenter sein.

Auch „Ensigns Of Victory“ stellt einen klassischen WINTERFYLLETH-Song dar, der mit allen bekannten Zutaten versehen ist. Wie immer wird trotz des treibenden Tempos die Stimmung nicht vernachlässigt und so wirkt Song Nummer drei von fünf auf mich noch melancholischer, als die bisher gehörten und weckt Fernsucht nach Wäldern, Nebel, Anmut und Natur.

Es folgt das wohl außergewöhnlichste Stück des Albums. „Green Cathedral“ ist mit über 13 Minuten nicht nur der längste Song, den die Band jemals geschrieben hat, sondern auch der wohl ruhigste. Sphärische Keyboardflächen leiten das Lied ein und lassen mich an Norwegen in den 90ern denken. Doch wenig später kommen mehr und mehr Gitarren hinzu, und bilden bis zu dem den Ausklang begleitenden Monolog eine Stimmung, die so auch von amerikanischen Post Black Metal-Bands stammen könnte. Über die gesamte Spielzeit erklingt nicht ein einziger Blastbeat, was der Atmosphäre nur noch mehr Raum lässt und WINTERFYLLETH überraschend gut zu Gesicht steht! Gerne mehr davon!

Nach diesem Giganten von einem Song fällt „Led Astray In The Forest Dark“ als letztes Stück des Albums leider für mich hinten runter und das obwohl es sich um ein Cover des ULVER-Songs „I Troldskog Faren Vild“ („Bergtatt“, 1995) handelt. Objektiv betrachtet wird hier nichts wirklich falsch gemacht, außer der Übersetzung ins Englische aber auch nichts neu.  Zudem trifft auch der durchgehende chorale Gesang nur bedingt meinen Nerv. Die Tatsache, dass das Lied nach sieben Minuten ausklingt, lässt das Album für mich zudem viel zu abrupt enden. Was ist los? Wo ist der Rest? Wir sind doch gerade einmal in Fahrt?! Hatten CDs schon immer keine B-Seite?

Wenn ich über den Wermutstropfen des raschen und unvermittelten Endes hinwegsehe, bleiben auf „The Dark Hereafter“ vier von fünf Songs, die gut bis sehr gut sind!
WINTERFYLLETH zeigen in hoher Qualität das, was sie am besten können, scheuen sich zu meiner Freude jedoch auch nicht vor Experimenten und Ausbrüchen, die überwiegend gut gelingen.

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Der Beitrag Ein finsterer Blick ins Jenseits. WINTERFYLLETH – The Dark Hereafter erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.