ALLER ANFANG IST TRÄGE!

Es ist Punkt 16 Uhr und die erste Gitarre von LIONS FROM ALASKA erklingt von der Clubstage. Die Gewinner des Votings, welches im Vorfeld der Veranstaltung stattfand und den Opener bestimmen sollte, lassen dabei schon nach den ersten Minuten wenig Raum für eine Hinterfragung des Ergebnisses. Neben dem Zusammenspiel zwischen klarem Gesang und den geschrienen Vocals stechen vor allem die dominanten, klaren Gitarrenmelodien heraus. Das daraus gebildete Gesamtpaket lässt sich wohl am Besten mit HEART IN HAND und BEING AS AN OCEAN vergleichen. Nach einem kurzen „Danke!“ steht die nächste Band auch schon in den Startlöchern.

Während der kleine Clubraum zum Zeitpunkt des ersten Auftritts noch recht dürftig mit kleinen bewegungsfaulen, aber interessiert lauschenden Grüppchen gefüllt war, kommt bei der zweiten Band des Abends schon wesentlich mehr Schwung in die Bude. SINEATER aus Thüringen stehen auf dem Programm und lassen zunächst einen Hip-Hop-Track als Intro auf die Menge los. Dem folgt markiger Deathcore mit durchdringenden gutturalen Vocals, welche die ersten Pits ordentlich antreiben. Direkt nach dem Auftritt heißt es: Kurz Luftholen und schnell den Raum wechseln, um sich anständige Plätze vor der zweiten Stage sichern zu können. Die gesamte Location füllte sich währenddessen immer rasanter.

ZWISCHEN KLASSIKERN UND FRISCHEN PLATTEN

Die Pre-Release Show von TRYNITY, deren Debut-Album „The Story Of One“ am 16.03. erscheint, steht an. Von Beginn an lebt die Show von der Interaktion zwischen Band und Publikum. Die endlich vollständig erwachte Menge dankt dem energiegeladenen Metalcore der Band aus Chemnitz mit ersten Crowdsurfern und verabschiedet diese mit tosendem Applaus. Wieder heißt es: Beine in die Hand und die gut 20 Meter vorbei an weiteren Merchauslagen, die immer wieder zum Gespräch mit den Bands einladen, zurück zur Club-Stage bewältigen…

… und im fließenden Übergang in den aggressiven Deathcore der Berliner ONCE WE KILLED hineingezogen werden. Diese nehmen den Schwung, welchen die Masse noch vom Vorgänger inne hat, dankend an und sorgen für einen antreibenden Soundtrack zum kollektiven Knochen-krachen-lassen. So provozieren sie einige ambitionierte Fans zum beherzten Mitgrölen, im Pit fliegen die ersten Körperteile auf unkontrollierten Bahnen durch die Menge. Vollgepumpt mit Energie lassen sie das Publikum zurück, das sich nun dem ersten Besuch von der Insel widmen kann.

AUF DIE FRESSE – ABER PRÄZISE

Premiere für FROM SORROW TO SERENITY! Die Briten, die das erste mal überhaupt in Deutschland auftreten, haben im Laufe ihres Bestehens immer wieder Elemente aus dem Metalcore in ihren Deathcore eingebaut. Die dadurch häufiger auftretenden Melodien lassen den gesamten Auftritt weniger roh wirken, ohne das jedoch die Power der massiven Breakdowns darunter leidet. Vergleicht man jedoch die Stimmung zwischen ihnen und den vorhergehenden Berlinern, fallen sie jedoch hinter ihnen zurück.

HUMAN PREY, die mit der einfachen Mission antreten, das Publikum vor ihnen in kleine Stückchen moshen zu lassen, treffen mit Slam-Metal genau den Geschmack des Dresdner Publikums – und reißen die Hütte komplett ab. Während sich abwechselnd Shouts und tiefe Growls, Double-Bass-Parts und brutale Breakdowns immer wieder aneinander reihen, fliegen pausenlos sämtliche Körperteile durch die Luft oder knallen in der ersten Wall of Death des Abends aufeinander. Mission accomplished!

ZEIT ZUM LUFTHOLEN!

Alles wieder zurecht gerückt, geht es auch schon wieder im fliegenden Wechsel zur zweiten Stage – und es bleibt endlich Zeit zum durchschnaufen. Bessere Musik zum Genießen des einen oder anderen Bieres oder zum Probieren von Nudeln mit veganem Gulasch oder veganer Bolognese  war nicht zu finden. Auch wenn der Auftritt von MODERN DAY BABYLON aus der Tschechischen Republik durch wenig Bewegung vor der Bühne geprägt ist, sticht das Trio, das völlig ohne Sänger auskommt, besonders hervor. Grund dafür ist der fantastisch progressive Djent-Metal,welcher besonders für Gitarren- und Bassliebhaber ein Fest bietet.

Auch die dezent gesetzten elektronischen Zusatzeffekte tragen maßgeblich dazu bei, dass der Klang sich auch in den letzten Winkel des Raumes auszubreiten scheint. Während ich noch meine vor Erstaunen herunter geklappte Kinnlade in die Ausgangsposition befördere, bewegt sich die Menge schon wieder in den bereits von stechendem grünen Licht dominierten Clubraum. 

LOTUS EATER „from the Streets of Glasgow“ sind bereit, ihren „Gloom“ auch nach Dresden zu bringen. Der Stil, welcher sich wohl am besten als experimenteller, grooviger Hardcore beschreiben lässt, ist dabei perfekt, um wieder Energie aufzuladen. Die beeindruckend kraftvolle Mischung aus abrupten Tempowechseln, elektronischem Backtracks, Breakdowns, aggressiven Shouts und cleanen Refrains ist fesselnd und bleibt definitiv fest im Kopf verankert.

ENDSPURT!

Es folgen WALKING DEAD ON BROADWAY. Zum dritten Mal bekomme ich sie nun schon live zu Gesicht und immer wieder ziehe ich die gleiche Bilanz: immer Vollgas, immer sympathisch und auch trotz des Sängerwechsels im letzten Jahr immer noch ein Aushängeschild für Deathcore aus Deutschland. Das bestätigt auch die Menge, welche zu der beinahe fühlbar mit purem Verderben gespickten Musik ordentlich in Bewegung bleibt.  Auf in die finalen zwei Bands!

TRAITORS, die derzeit mit LOTUS EATER durch Europa touren, bilden nun den letzten Zwischenschritt vor dem Headliner. Während brutaler Deathcore aus den Boxen hämmert, scheint Frontmann Tyler Shelton einem Puppenspieler ähnlich die Menge wie an Fäden zu kontrollieren – und lässt diese immer wieder ineinander krachen. Die US-Boys präsentieren dabei neben Tracks vom neuen Album „Anger Issues“ auch Songs der beiden Vorgänger, wie beispielsweise „Arrogance“. Diese arten immer wieder in knallharte, ultralangsame Breakdowns aus, welche für eine wahre Schlacht vor der Bühne sorgen. Nachdem auch die letzten „One more Song“-Rufe verklungen sind,welche die Band leider ablehnen muss, heißt es ein letztes Mal: Zimmerwechsel. Der Headliner steht an!

BETRAYING THE MARTYRS aus Paris sind schon längst kein Geheimtipp mehr und zur festen Szenegröße herangewachsen. Ihr stark von elektronischen Klängen beeinflusster Metalcore bildet durch seine melodische Vielfalt zum Abschluss einen starken Kontrast zu den Vorgänger-Bands. Besonders auffallend ist dabei die herausragende Qualität der Clean-Vocals von Victor Guillet, der zudem auch noch mitreißende Melodien auf seinem Keyboards zaubert. Während die Band immer wieder eng mit dem Publikum interagiert, belohnt dieses den Auftritt mit unzähligen Crowdsurfern und mitgesungenen Refrains. Ein mehr als gelungenes Finale. Wer im Anschluss immer noch genug Energie hat, kann nun den Abend entspannt bei der Aftershow-Party ausklingen lassen.

FAZIT: DIE MISCHUNG MACHTS!

Abschließend fällt es schwer, grob negative Aspekte am TRUE SPIRIT WINTER FESTIVAL 2018 festzuhalten. Besonders positiv hebt sich jedoch der gesamte Ablauf des Abends hervor. Zum einen ist die enge, nahtlose Abfolge der Bands ein Grund dafür, dass aufkommende Langeweile schon im Keim erstickt wird. Zum anderen wäre da die Auswahl der Bands. Während das Publikum durch das Voting zunächst selbst Einfluss auf das Line-Up nehmen konnte, haben auch die Organisatoren ein gutes Händchen bei der Bandauswahl bewiesen.

TRAITORS und MODERN DAY BABYLON reisen jeweils mit neuen Alben im Gepäck an, die eben genannten Tschechen und LOTUS EATER sorgen zudem für die etwas unkonventionelleren und unerwarteten Klänge und mit BETRAYING THE MARTYRS steht am Ende ein hochkarätiger und zu einhundert Prozent abliefernder Headliner auf der Bühne. Auch das nationalen Bands wie beispielsweise TRYNITY die Möglichkeit gegeben wird, ihre Musik exklusiv unter die Hörer zu bringen, trägt dazu bei, dass jeder Core-Liebhaber dieses Festival im Auge behalten sollte. Nun bleibt abzuwarten, ob sich das TRUE SPIRIT WINTER FESTIVAL weiter etablieren wird. Das Potential und die allgemeine Zufriedenheit mit dem diesjährigen Ablauf weisen jedoch bereits in eine positive Richtung und lassen auf ein Wiedersehen hoffen!

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Anmerkung: Der Veranstalter hat uns mitgeteilt, dass das TRUE SPIRIT WINTER FESTIVAL im nächsten Jahr nicht stattfinden wird. Grund dafür sollen finanzielle Einbußen sein, welche das Festival nicht mehr rentabel machen.

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NORD UND SÜD VEREINT

Als Kontrast zu den Nordmännern werden die SUICIDAL ANGELS aus Griechenland den Laden im Vorprogramm ordentlich zum Kochen bringen. Die vier Jungs der 2001 in Athen gegründeten Band sind für  groovigen Thrash-Metal bekannt und spielten bereits mit SEPULTRA, KATAKLYSM und CANNIBAL CORPSE.

Die Tore zum Beatpol  werden ab 19:00 Uhr für euch offen stehen, ehe um 20:00 Uhr die ersten Klänge der SUICIDAL ANGELS ertönen. Tickets gibt es derzeit online für 30,45 € . Wir haben richtig Bock drauf und werden vor Ort sein. Ihr auch?

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Wer Interesse an der Tour hat, findet HIER Tickets für die weiteren Termine in Deutschland. 

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Während sich meine bisherigen Rock- und Metal-Erfahrungen aus dem osteuropäischen Raum meist auf relativ stumpfen Hardcore beschränkten, freut es mich, dass mir die raue Seite unseres Kontinents nun ein Album mit viel Potential auf den Schirm bringt. Also: Bikini an und ab in das Fortbewegungsmittel deiner Wahl! Denn es geht nicht etwa in den kalten Teil des Ostens, sondern ins warme und malerische Städtchen Bjelovar im Norden Kroatiens. Diese Stadt ist nicht nur bei Urlaubern beliebt. Stattdessen will sie auch mit dem Progressive-Rock-Trio MOOSE THEM RUSH an die Genrespitze stürmen. Nachdem 2013 bereits ihre Debut-Platte erschienen ist, soll im April der zweite Longplayer „Don’t Pick Your Noise“ an die großartigen Ansätze des Erstlings anknüpfen.

Zwischen den Elementen

 Über die gesamte Spieldauer des Albums kreiert das Trio einen einzigartigen Stil. Der wechselt immer wieder zwischen extrem langsamen, melodiösen und gitarrendominierten Abschnitten zu schnelleren, oftmals thrashig anmutenden Teilen. Als Kirsche auf der Torte serviert THEM MOOSE RUSH allerdings einen Sänger, der in perfekter Verbindung zu den teilweise recht verzwackten Instrumentals steht. Die an Jack White, den Sänger von THE WHITE STRIPES erinnernde Stimmfarbe von Nikola Runjavec säuselt dabei gekonnt ruhige Töne über groovige, basslastige Parts oder schreit dir unglaubliche Höhen über aufjaulende Gitarren entgegen. Der Song, welche diese beiden Elemente am besten verdeutlicht, ist „Dumadu Honey„.

Das ist jedoch noch nicht alles. Es wäre kein wirklich progressives Album ohne diese kleinen Spielereien und genreübergreifenden Einflüsse, die den Progressive Rock so vielfältig machen. Gekonnt legen die drei Kroaten leichte Effekte über die Stimme ihres Sängers, ohne seine herausragenden Fähigkeiten einer zu starken Veränderung zu unterwerfen. Ebenfalls bleibt das Verhältnis zwischen handgemachten und synthetischen Klängen stets auf einem angenehmen Level. Das kommt daher, weil die künstlichen Klänge nie in stumpfe, bienenschwarmartige Background-Basslines ausarten, sondern als dezente und kurzweilige Highlights gesetzt werden.

Einziges Haar in der ansonsten auf den Punkt zubereiteten progressiven Suppe ist die oft wiederkehrende Songstruktur. Die fällt besonders bei mehrmaligem Hören auf. So kommt es, dass Songs meist mit schnellem Tempo beginnen, bevor genau das stark verringert wird und zum Ende erneut anschwillt. Passagen mittleren Tempos treten verhältnismäßig sehr selten auf.

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Statistiken sind etwas Feines. Vor allem wenn sie aufzeigen, welche Künstler und Songs im Jahr 2017 besonders oft den Druck auf den Play-Button zu spüren bekommen haben – oder eben auch nicht. Umso mehr freute ich mich, dass Spotify wieder mit der Möglichkeit, den eigenen Musikkonsum ein wenig zu verdeutlichen, um die Ecke kam. Laut meiner persönlichen Statistik ist der meistgehörte Song diesen Jahres „Boneyards“ von PARKWAY DRIVE. Dies trug wahrscheinlich auch maßgeblich dazu bei, dass mein meist gehörtes Genre Metalcore lautete. Und genau um diesen soll es nun gehen. RED RAVEN DOWN sind ins Haus geflattert und kommen mit ihrer 15-minütigen EP „Phantoms“ direkt aus Finnland in meine heimischen Gefilde. Aus den vier Nordlichtern sticht dabei vor allem Sänger Jani Korpela heraus, welcher bei The Voice of Finland mit seinem Cover von SLIPKNOTs „Psychosocial“ große Aufmerksamkeit erlangte. Ob auch die eigenen Kreationen überzeugen? 

DER VOGEL HEBT AB

Das „Intro“ erregt, zumindest meine, Aufmerksamkeit als Instrumentalstück, ganz im Stile der oben genannten australischen Metalcore-Größen. Während sich die akustischen Gitarrenklänge langsam mit denen ihrer auf Strom angewiesenen Variante vermischen, wächst die Vorfreude auf die ersten Töne des von der Internetgemeinde gefeierten Sängers.

Diese brechen mit dem zweiten Track „Ashes“ herein und werden ab der ersten Sekunde aller lobenden Worte gerecht. Während die nächste, dich in ihren Sog ziehende Melodie bereits im Hintergrund marschiert, drücken dich die kraftvollen Vocals endgültig in den Song. Der vielversprechendste Track der EP.

Auch das Titelstück „Phantoms“ hält den erzeugten Orkan am Leben, indem er noch einmal ein paar Windstärken in Form von Blastbeats hinzufügt. Diese ergeben, in der Mischung mit den groovigen Riffs der Zwischenspiele, einen mitreißenden Sturm. An die Energie von „Ashes“ reicht er jedoch trotzdem nicht heran.

Den krönenden Abschluss der kurzen, aber knackigen EP von RED RAVEN DOWN bildet „Rotten“.  Downtuned Gitarren und die überzeugenden stimmlichen Fähigkeiten des Frontmanns reichen jedoch nicht, um das leichte Gefühl von Generik zu verscheuchen. Dieses entsteht vor allem durch den ähnlichen Aufbau der Gitarrenmelodien, welche wie eine Kombination der vorangegangen Tracks klingen.

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Auf den Text gekommen

Für mich persönlich bedeutet eine echte Alternative mehr als nur ein kurzes Zwischenspiel, um den zusammengepressten musikalischen Brei in meinem Kopf ein wenig zu lockern. Für einen Moment weg von den Shouts, Screams, schnellen Gitarren und donnernden Drums. Handgemacht sollte es trotzdem sein, ohne viel Spektakel und unnütze musikalische „Accessoires“. Mit Inhalten, die aus dem Leben gegriffen sind. Am liebsten flüchte ich mich dafür in ruhige Musik, allerdings sollte die nie nur instrumentaler Natur sein. Auch wenn ich Melodien, seien sie nun auf der Gitarre, Piano oder auch Streichinstrumenten gespielt, unglaublich faszinierend und fesselnd finde, ist es am Ende der Text, der mich komplett in den Bann des Liedes zieht. Das schaffen für mich derzeit nur wenige Künstler. Ob das an meiner Empfindung liegt? Möglicherweise.

Oder packt einfach niemand  Themen, die mich beschäftigen, auch in die Art von Musik, die ich dazu hören will?

Wahrscheinlich. Ist diese Musik deswegen schlecht? Keineswegs. Umso mehr begeistert es mich, dass es doch noch einige Künstler und Songs gibt, die punktgenau meinen Nerv treffen. Das schaffte zuletzt die Band SEPTEMBER STORIES aus der Kleinstadt Findlay, Ohio. Die Mischung aus Erzählungen, die sich unter die Haut brennen, und Melodien, in denen man versinken kann, hat mich gepackt und nicht mehr losgelassen. Und genau das zeichnet eine Alternative für mich aus. Sie muss zur echten Konkurrenz für meinen alltäglichen Musikkonsum werden. Umso mehr hat mich fasziniert, wie mich der folgende Künstler in seinen Bann gezogen hat.

HARRY STYLES. Ein Name, bei dem sich bei vielen der Mageninhalt einen Weg nach draußen suchen will. Bei anderen muss mit Sicherheit zuerst eine kurze Internetrecherche nachhelfen, um ein Bild in den Kopf zu zaubern. Und das nur, um dann die selben Körperreaktionen hervorzurufen. Stichpunkt Vorurteile? 

Zugegeben, Boygroups und deren Vermarktung finde ich selbst verabscheuenswürdig. Mich beschleicht dabei immer das Gefühl, deren äußere Erscheinung würde nur mit Musik umrahmt werden, damit ihre Teenie-Fans auch etwas haben, wofür sie Geld ausgeben können. Nichts anderes geschah dabei auch mit ONE DIRECTION, der Ex-Band von Harry Styles. Unbestritten eine der erfolgreichsten Pop-Bands der 2000er Jahre, wenn nicht sogar aller Zeiten. Genug Rekorde dafür haben sie ja gebrochen. Dass Musik, welche in den meisten Fällen aus der Feder anderer Leute fließt (man werfe einen Blick auf die Songwriter der einzelnen Songs) auf Dauer nicht erfüllend sein kann, liegt dabei nicht fern. Es kam wie es kommen musste. Nach sechs Jahren war 2016 Schluss. Die Musiker gingen eigene Wege, teilweise mit durschlagendem Erfolg. Das faszinierende daran ist, wie weit die neu gewählten Musikrichtungen auseinander gehen. Bestes Beispiel: Harry Styles. Wenn ihr mich nun brennen sehen wollt, dann gern. Aber hört doch bitte vorher einmal in sein Album hinein. Es fällt schwer zu beschreiben, was genau es ist, was dieses Werk für mich so besonders macht. Irgend etwas muss es aber sein, da es nun schon seit einem halben Jahr durch meine Playlists schleicht und immer wieder den Weg in mein Ohr findet. 

Sich der Musik hingeben

Besinne ich mich dann genau auf das, was ich da eigentlich höre, fällt mir die Antwort leicht. Es ist die bereits genannte Abwechslung, die stimmungsvolle Instrumentierung und die einzelnen Textzeilen. Wie zu erwarten dreht es sich natürlich viel um Frauen und Gefühle, die Art und Weise wie er diese Inhalte verpackt ist jedoch keinesfalls auf Niveau des neuesten Kuschelrock-Samplers. Gibts sowas eigentlich noch? Man merkt in jedem Song die Leidenschaft, mit welcher er Worte und Musik nach eigenen Vorstellungen zusammensetzt. Ihr merkt, zumindest bei mir schließt sich bei diesem Album der Kreis von dem, was ich von einer Alternative erwarte und dem, was ich letztendlich bekomme. Und es ist ein wahres Kunstwerk, welches der Junge da erschaffen hat. Egal ob der Intro Song „Meet Me In The Hallway„, welcher mich sofort entspannt zurückfallen ließ und trotzdem eine ungeahnte Power besitzt oder „Kiwi„, welcher einfach unglaublich antreibend ist. Es ist beeindruckend was passieren kann, wenn man sich nur auf etwas komplett anderes einlässt. Die Art, wie er aus an klassischen Rock anmutenden Klängen, dem ein oder anderen besonderen Instrument und seiner facettenreichen Stimme einen Mix auf die Beine stellt, ist auf eine unheimliche Weise musikalisch unfassbar befriedigend. Um dies alles zu verstehen, hört doch ebenfalls mal in den Song „Only Angel“ rein. Dieser komprimiert das alles wunderbar auf viereinhalb Minuten. Außerdem erinnert mich die Cowbell in dem Song an „Don’t Fear The Reaper“ von BLUE ÖYSTER CULT. Zudem hält dieses Gefühl dauerhaft an! Somit ist auch auch mein letzter Kritikpunkt für (meine) echten Alternativen aus der Welt. Für mich ist es deshalb auch eines meiner Lieblingsalben dieses Jahres und auf alle Fälle das, welches mich am meisten überrascht hat. Und jetzt seid ihr dran.

Was sind eure echten Alternativen und was zeichnet diese aus? Kennt ihr auch Künstler, die möglicherweise den Musikstil erfolgreich gewechselt haben und deshalb nun bei euch an Anerkennung gewinnen? Oder gibt es vielleicht sogar Musik, für die ihr euch schämt, dass ihr sie unglaublich gut findet? Immer her mit euren Reaktionen und Anregungen!

Beitragsbild

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Northamptonshire, UK – malerische Cottages, endlose ländliche Weiten, mittelmäßiger Drittliga-Fußball. Kurz gesagt, die perfekte zentralenglische Idylle. Die Stille, welche die ehrwürdigen anglikanischen Bauten der Grafschaft bisher umgab, soll jedoch bald gebrochen werden. An Halloween will das Quartett HAEMA seinen kleinen, aber feinen musikalischen Orkan namens „Insurrection“ auf die Massen loslassen. Ob die Jungs die Chance ergreifen, bald ganz oben in den Suchergebnissen über die Grafschaft aufzutauchen? Oder bleiben sie im Schatten des Antlitzes von Großbritanniens größtem Marktplatz verborgen?

Im Kontrast zu den eben genannten Bauwerken aus vergangenen Jahrhunderten beginnt „Insurrection“ mit tiefen elektronischen Impulsen. „Eden“ nimmt sich jedoch nur wenig Zeit, diese elektronischen Spielereien weiter zu vertiefen, ehe die ersten Ausläufer des Orkans hereinbrechen. Wie aus dem Nichts stellen sich dir harte Shouts auf noch härteren Gitarren in den Weg und lassen dich für den ersten Moment nicht mehr gehen. Der Griff lockert sich jedoch schon nach den ersten Minuten. Der Track schafft es nicht, im Ohr zu bleiben, da weder ein eingängiger Refrain noch auflockernde Zwischenspiele vorhanden sind und überzeugen könnten. Der Song verläuft somit einfach im Sand.

Mit einem  durchdringenden „Whoo!“ beginnt der zweite Song „Free Man„, welcher sich diesmal sofort und ohne anfängliche elektronische Töne eingroovt. Die Mischung aus den klar gesprochenen Worten und den harten Shouts funktioniert hier das erste und einzige Mal hervorragend. Mein erster Gedanke nach dem Hören: „Whoo!“. Passt, auch wenn ein wenig Abwechslung dem Song zusätzlich gut getan hätte.

Die Mischung zündet nicht

Da die gesamte EP aus nur fünf Songs besteht, ist nun also schon Halbzeit. Was im Sport Entspannung für die Teilnehmer bedeutet, bildet auf Alben meist den Höhepunkt des musikalischen Machwerks. Der Titeltrack „Insurrection“ verpasst es jedoch, wirklich aus der kleinen Auswahl hervorzustechen. Woran das liegt? Nun, zum einen an dem Versuch von Sänger Jordon Calderwood, hohe Töne sauber aufs Band zu bringen. Was in den gesprochenen Passagen sehr gut gelingt, wirkt in den gesungenen fehl am Platz und zerstört die Atmosphäre. Zum anderen ist auch der Refrain nicht besonders packend, was Schade ist, da die Instrumentierung mit ihren downtuned Gitarren ordentlich nach vorne geht.

„Thirte3n“ tritt nun also an, um für neuen Aufwind zu sorgen.  Der vierte Track beginnt dabei wiederholt mit elektronischen Drums, ehe sich die harten Gitarren hinzu gesellen und die künstlich erzeugten Klänge in den Hintergrund verdrängen. Auch hier wieder die mittlerweile bekannten Probleme. Der Song bleibt einfach nicht im Kopf, da keine einzige Passage wirklich einprägsam ist. Aus dem erhofften Aufwind wurde somit nur ein laues Lüftchen, welches den Fall abfedern soll.

Als letzter Track begibt sich nun „Two Minds“ an die Startlinie. Der Song, zu dem bereits ein Musikvideo veröffentlicht wurde, hat nun also den Staffelstab in der Hand, um doch noch auf die vorderen Plätze zu stürmen. Die dominierenden Nu-Metal Elemente lassen auch zunächst hoffen, dass dieser Song nicht jeglichen Wiederhörfaktor verlieren wird. Die instrumentale Untermalung mit ihren stampfenden Drums und dem schon gelobten Sprechgesang hält auch vorerst die Fahne oben – bis die hohen Töne kommen. Trotzdem, „Two Minds“ schafft es nach dem eher schwachen Mittelteil der EP, diese nicht komplett untergehen zu lassen.

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Zugegeben, Power Pop ist nicht das am häufigsten auftauchende Genre bei Silence. Warum auch, ist ja ein Metal-Magazin. Dies ändert jedoch nichts daran, dass sich immer wieder einzelne künstlerische Perlen ferner Musikstile zwischen das geliebte  Geschrei, die hämmernden Drums und die aufjaulenden Gitarren mischen. Einer dieser Quereinsteiger ist die erste Veröffentlichung „Wash Me With Love“ des finnischen Quintetts PLASTIC TONES aus der Hauptstadt Helsinki. Moment. Pop aus Skandinavien. Das gabs doch irgendwann schon mal, und sogar sehr erfolgreich. Auch wenn ich vor meinem geistigen Auge bereits unzählige sich aufrollende Zehennägel sehe, kommen mir ABBA und A-HA in den Sinn. Darf man nach so vielen Jahren eigentlich noch Parallelen zu diesen damaligen (und teilweise auch heutigen) Pop-Größen ziehen? Oder ist man froh, dass die Erinnerung an diese langsam aber sicher verstaubt? „Wash Me With Love“ zeigt zumindest mit beeindruckender Leichtigkeit , dass auch Pop, abseits von Radio und Fernsehen, seine Berechtigung hat.

Die musikalische Sonne geht auch schlagartig mit dem ersten Ton von „Don’t Forget“ auf. Mit butterweichen klaren Gitarren schwingt sich „Wash Me With Love“ in die Spur und räumt sofort mit dem hinkenden Vergleich zu den genannten Größen auf. Tatsächlich deutet sich ein Stil an, der viel mehr BUZZCOCKS als ABBA ist. Auch im Nachfolger „Ariel“ verfestigt sich das musikalische Gesamtbild auf einen Stil, welcher problemlos gesamte 80er-Jahre-Teenie-Filme untermalen könnte. Eingängige schnelle Gitarrenmelodien und Themen wie Liebe, Gesellschaft und Zukunftsangst runden dieses Paket ab.

Wenn Weichgespültes überzeugt

Den ersten Ohrwurm pflanzt mir „Wash Me With Love“ mit „Blue Citroen“ ins Ohr. Es fällt schwer zu beschreiben was genau diesen Song so besonders macht. Der Refrain ist jedoch einfach zu packend, um nicht mindestens ein leichtes Mitnicken hervorzurufen. Dieser Ohrwurm ist es dann aber auch, welcher „Shanghai“ und „Laundry Day“ leicht in seinem Schatten verschwinden lässt.

Zum Glück bringt „Candy March“ im direkten Anschluss wieder Licht ins Dunkel. Der erste von fünf Bonustrack des Albums überzeugt mit seiner verspielten Bassline und der Vielfalt in der Stimme der Sängerin. Diese weicht hierbei von ihrem eingängigen Klargesang ab und streut gekonnt eine Prise JOAN JETT in diesen und die nächsten Songs ein. Der folgende Track „Eyes“ nimmt diese stimmliche Energie dankend auf und mischt sie mit einer ordentlichen Portion zusätzlichem Tempo. Diese unheimlich groovigen Melodien verleiten tatsächlich beinahe zum Tanzen. Auch der Wunsch, diese Band auch mal Live erleben zu wollen drängt sich dabei immer hartnäckiger in den Vordergrund meines von harter Musik durchzogenen Hirns. 

Weniger ist manchmal mehr

Mit „Boring Party“ drifteten die Finnen anschließend kurzzeitig tiefer in rockigere Gefilde ab, inklusive großartigem Gitarrensolo. Die verschiedenen Stileinflüsse stehen dem gesamten Album, ohne jemals überladen oder gar deplatziert zu wirken. Zusätzlich sind es die alltäglichen Themen der Songs, welche das ganze Album fast schon liebenswürdig erscheinen lassen. Besonders auffällig ist auch, dass das gesamte Album ohne elektronische Hilfsmittel wie beispielsweise Synthesizer auskommt. Diese instrumentale Einfachheit wird ebenfalls im Song „More Trouble“ fortgesetzt. 

Den Abschluss des Albums bildet „Behind Talking Heads + Anguish & Lament“ und rundet den mehr als gelungenen Erstling von PLASTIC TONES mit einem letzten, sich festsetzenden Riff ab. 

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Bilder mit freundlicher Genehmigung von Plastic Tones.

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Die Bedeutung von Musik ist für jeden Menschen eine andere. Während sie für die einen reines Mittel zum Füllen der Stille ist, bedeutet sie für die anderen weit mehr als bloße Unterhaltung. Sie beschäftigt den Hörer, auch wenn sie nicht mehr spielt. Eine Band, die es in den sechs Jahren ihres Bestehens immer wieder geschafft hat mit ihren Texten und Melodien tausende von Menschen in ihren Bann zu ziehen, ist BEING AS AN OCEAN. Die drei bereits von ihnen veröffentlichten Alben „Dear G-D“, „How We Both Wondrously Perish“ und „Being As An Ocean“ sind Aushängeschilder des Melodic Hardcore. Die Gefühle, die jedes einzelne der Alben erzeugt, machen es Fans der Band schwer, von einfacher Identifikation mit der Musik zu sprechen. Sie ist viel mehr alltäglicher Begleiter, Motivator und Helfer. Es wird sich zeigen, ob das neueste Werk „Waiting For Morning To Come“ nahtlos an diese Erfolgsserie anknüpft und von den Fans lieben gelernt wird. 

 Warten, warten, warten …

Von einem nahtlosen Release nach Plan kann schon mal nicht die Rede sein. Mit fast auf den Tag genau drei Monaten Verspätung erschien der lang erwartete vierte Longplayer am 08. September 2017.  Grund für den verzögerten Release, welcher zuerst auf den 09. Juni datiert war, waren Probleme mit ihrem ehemaligen Plattenlabel Equal Vision Records. Erst im Februar 2016 kam die Zusammenarbeit mit diesem zustande. Im August diesen Jahres vermeldete die Band dann, sich aus dem Vertrag freigekauft zu haben und das Album nun auf eigene Faust veröffentlichen zu wollen. Ab dieser Meldung war der Release des Albums nur noch zwei Wochen entfernt und konnte bereits einen Tag vor der Veröffentlichung als Download seinen Weg in die Ohren der gespannten Fans finden. Bevor man jedoch die musikalischen Facetten der einzelnen Songs näher beleuchtet, sollte man sich zunächst der Aufmachung des Albums zuwenden.

Allein die Tracklist bildet den ersten großen Unterschied zu ihren vorherigen Alben. Sie setzt den Grundstein für ein Werk, welches nur als Gesamtes seine volle Wirkung entfaltet. Die Besonderheit liegt in den Namen und der Auflistung der einzelnen Lieder, da diese aneinander gereiht ein Gedicht ergeben. Diese Verkettung der einzelnen Songtitel soll sich auch im musikalischen Inhalt der Platte widerspiegeln.

Die Sonne geht auf

Ebenfalls ein Unterschied zu den Vorgängerwerken ist auch der Intro-Song „pink & red„. Während die bisherigen Alben mit meist schnellen Gitarrenmelodien starteten, beginnt „Waiting For Morning To Come“ mit einem rein instrumentalen Pianostück. Der nur rund eineinhalb Minuten lange Track symbolisiert dabei die auf dem gesamten Werk vorherrschende Stimmung – melancholisch und gefühlvoll, jedoch nie ohne Energie. 

Es folgt „Black & Blue“. Die am 01. September erschienene Single ist eine von vier vorab erschienen Songs und war bereits vor der offiziellen Veröffentlichung auf mehreren Shows zu hören. Besonders fällt auf, dass die Gitarren von Tyler William Ross und Michael McGough  stark in den Hintergrund gedrängt werden. Dies steht auch übergreifend für das gesamte Album, da Samples und Synthesizer auf „Waiting For Morning To Come“ weitaus mehr an Bedeutung und Dominanz gewinnen.

Nachdem der letzte Ton von „Black & Blue“ verstummt ist, beginnt das zweite Piano-Zwischenspiel namens  „floating through darkness, they seemed to„, welches gekonnt das Tempo senkt und fließend zu „Glow“ überleitet. Auch hier fällt eine Neuheit auf. Sänger Joel Quartuccio singt clean, neben den Scream-Passagen. Bisher war diese Rolle allein Gitarrist Michael McGough vorbehalten.

 Mit „and fade away when morning came“ folgt das dritte instrumentale Zwischenspiel. Durch seine ruhigen elektronischen Drums und das im Hintergrund gehaltene Piano senkt es zunächst die Stimmung, bevor BEING AS AN OCEAN beginnen, ihr Kunstwerk zu vervollständigen.

Dem Kunstwerk Leben einhauchen

Den Startpunkt für diese Vollendung bildet „OK„. Der bereits vor rund elf Monaten erschienene Track überzeugt mit einem eingängigen Riff und der klaren Bassline.

Nach dem Ende des vierten Zwischenspiels „as though each of my problems would slip away“ beginnt „Dissolve„. Der noch vor „OK“ erschienene Track hat auch nach fast einem Jahr nicht an seiner Wirkung verloren. Der Song ließ bereits mit seiner Veröffentlichung erahnen, in welche Richtung es mit der Band gehen sollte. 

Der wohl atmosphärischste Song des neuen Albums und mein persönliches Highlight ist „Thorns„. Das durchgehend im Hintergrund spielende Sample „We are your friends. You’ll never be alone again“, gesprochen von Kinderstimmen, verdüstert die Stimmung des Tracks. Diese Wirkung verstärkt sich im Chorus deutlich. Mit hämmernden Industrial-Drums und tiefen Synthesizern bricht dieser mit beinahe roher Gewalt herein.

Und jetzt wird es für den Hörer technisch anspruchsvoll. Wer in den vollen Genuss von „eB tahT srewoP ehT“ kommen will, muss zunächst einen Weg finden, um den Track rückwärts abspielen zu können. Hat man den, eigentlich nach einem Fehler in der Produktion klingenden, Track erst einmal entwirrt, folgt ein depressiver Song, welcher sich vor allem durch die stark bearbeite Stimme von Sänger Joel Quartuccio und dessen Sprechgesang heraus hebt. 

Der Nachfolger „Suddenly, I Was Alone“ ist das vorletzte Instrumentalstück des Albums. Die im Vordergrund spielende Gitarrenmelodie ist zwar stimmungsvoll, jedoch ist mir persönlich der Track mit fünfeinhalb Minuten deutlich zu lang. 

Das anschließende „Blacktop“ hingegen lässt Gitarren beinahe keinen Platz. Die elektronischen Beats drängen sich hier besonders in den Vordergrund, jedoch ohne aufdringlich zu wirken. 

Nachdem das letzte Piano-Interlude „i saw before me, a bright red light, and silently i stood,“ verstummt, beginnt der letzte und namensgebende Song „Waiting For Morning To Come„. Das den älteren Werken am ähnlichsten klingende Stück verpasst dabei seine Chance, einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Dies liegt nicht zuletzt an der Platzierung in der Tracklist, da der vergleichsweise schnelle Song kein abgerundetes Ende für das Album bildet und den Hörer beinahe unruhig zurücklässt. Eines der vielen Zwischenspiele wäre hier sicher passender.

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Und am Anfang war – der Einlass

Mit etwas Verspätung öffnet sich kurz nach 19 Uhr die Saal-Tür zum Eingangsbereich und der Weg in die oberen Stockwerke ist frei. Die überschaubare Anzahl an Gästen zu diesem Zeitpunkt deutet zunächst auf einen eher ruhigen Abend hin. Doch der Schein trügt. Einige haben bereits den Weg zum Merchandise-Stand gefunden, andere sind an der Bar in Gespräche vertieft. Währenddessen steigt die Besucherzahl vor dem Gebäude rasant. So wundert es auch nicht, dass pünktlich zum ersten gespielten Ton des Openers um 20 Uhr der Saal bis in die hintersten Reihen besetzt ist. 

Mit einem kurzem „Hallo, wir sind DRIVE. aus Dresden“ beginnt die Show der vier Jungs aus der Landeshauptstadt. Den Anfang ihres Sets bildet dabei „Leave“ und der Spaß beginnt. Da ich sie nun schon mehrmals live erleben durfte, kann ich beruhigten Herzens sagen, dass dieser Spaß auch beim dritten Mal nicht durch Gewohnheit getrübt wurde. Ihre Mischung aus Skatepunk und Melodic Hardcore in Verbindung mit ihrer emotionsgeladenen Show überzeugt auch in den folgenden Songs. Meinen Favoriten „Reflection“, übrigens ihr aktueller Song, gibts dann auch noch zu hören. Ich kann es nur jedem ans Herz legen, mal in ihre aktuelle LP „Restless“ reinzuhören. Es lohnt sich!

Ihr heutiges Hauptprogramm: The Return Of EVERGREEN TERRACE

Drei Jahre ist es nun her, dass EVERGREEN TERRACE das letzte Mal in der Stadt an der Elbe halt machten. Jedoch entsteht schnell das Gefühl eines warmen Empfangs. Sowohl von Band, als auch von Seiten des Publikums. Es hat den Anschein, als hätten alte Bekannte endlich ihren Weg zu Freunden aus älteren Tagen gefunden. Diese beinahe familiäre Atmosphäre entsteht dabei nicht zuletzt durch die Offenheit beider Bands. Jeweils während des Auftritts des anderen und nach ihren eigenen Shows stehen beide zum Austausch warmer Worte und zum Knipsen vieler Fotos mit neuen und alten Fans bereit. 

So. Schluss mit dem Vorgeplänkel. Rein in die Atmosphäre, welche vor Vorfreude zu zerbersten scheint. Die Jüngsten sind sie nicht mehr, was bei ihrem Auftritt auch von Beginn an zu spür … ach Quatsch. Wenn man einer Band ihr Alter nicht anmerkt (immerhin sind sie ja auch bald 20 Jahre aktiv), dann ist das EVERGREEN TERRACE. Ihr Erscheinen wirkt fast schon elektrisierend auf die gespannten Fans. Ab der ersten Sekunde öffnet sich der Pit, welcher mal wilder, mal langsamer und mal kreisförmig agiert, aber niemals enden sollte. Nicht mal die kleinste Pause genehmigt er sich. Eine ganze Stunde lang. Wer denkt, das ist das größte Highlight der Show, irrt gewaltig. Die gesamte Show ist es.

Einige Punkte stechen aber sehr deutlich aus der Masse hervor. Zum einen die unglaubliche Nähe der Band, auch während des Auftritts. Es gibt Künstler, die eine Show wie auf Schienen abliefern und anschließend in den Weiten des Backstage verschwinden. Und dann gibt es EVERGREEN TERRACE. Das Konzert wirkt wie ein einziges großes Gespräch zwischen Band und Publikum. Sei es eine kurze Diskussion über das Bier des Abends, inklusive Verkostung durch die gesamte Band, oder der kurzfristige Aufruf: „Wer einen guten Witz hat, kommt hoch und gibt ihm zum Besten“. Und das alles nur, weil Gitarrist Christopher Brown Probleme mit seinem Arbeitsgerät hatte! Auch die Band aus Knocksville, Florida, ließ es sich nicht nehmen, ihre eigenen Witze zum Besten zu geben. Es war wohl die Mischung aus der wirklich unterirdischen (im positiven, lustigen Sinne) Qualität der Witze und dem engen Kontakt zwischen Band und Publikum, welche beide Parteien noch enger zusammenrücken ließ. Und das wortwörtlich!

Auf in den Himmel!

Ich habe so lang darauf gewartet und sie erfüllen meinen Wunsch. Ihr Cover von „Mad World“ ist eines meiner Lieblingslieder der Band. Die Stimmung ist nun so am Kochen, dass man sich beinahe an ihr verbrennen kann. Der perfekte Augenblick für Andrew Carey, ein Bad in den ihn über ihren Köpfen tragenden Massen zu nehmen. Mehr Nähe geht nicht! Oder doch? „Chaney Can’t Quite Riff Like Helmet’s Page Hamilton“ liefert den Beweis, dass auch ein singender, pogender Mob auf der Bühne einen kompletten Song übernehmen und seine eigene Version kreieren kann. Den krönenden Abschluss bildeten drei (!) Zugaben, ehe die Band in ihre wohlverdiente Pause ging. Danach war endlich Zeit für die unzähligen Autogramm- und Fotowünsche.

Zum Ende möchte ich nun noch kurz „meinen“ Mann des Abends zu Wort kommen lassen. Michael, 50 Jahre alt und 1998 zum ersten Mal durch PRO-PAIN mit Hardcore in Kontakt gekommen. Er fiel mir während des gesamten Abends auf. Diese Mensch gewordene Verkörperung von Leidenschaft und Liebe zur Musik lieferte mir einfach die perfekte Kurzzusammenfassung des Abends. Seit ungefähr zehn Jahren Fan von EVERGREEN TERRACE, beschrieb er den Abend kurz und knapp als „absolut geilstark“. Und genau diese neue Wortschöpfung trifft den Nagel auf den Kopf! Auf hoffentlich zahlreiche Wiedersehen!

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Scheune Dresden

Hier geht es zu Fotografin Nadine.

Der Beitrag „Absolut geilstark“! – EVERGREEN TERRACE in Dresden erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Die Verbindung zur Band schien jedoch stärker zu sein und so kam es, dass im April 2016 nicht nur Sänger Carey, sondern ebenfalls Schlagzeuger Christopher Brown in die alte Formation zurückkehrten. Dass dies ein offensichtlicher Grund zum Feiern ist, springt einem daher förmlich entgegen. Umso mehr freut es mich, dass die Scheune Dresden als einer der Veranstaltungsorte der kleinen, aber feinen Europa-Tour ihren Platz in der Gastgeber-Liste gefunden hat. Das in der äußeren Neustadt gelegene ehemalige Jugendhaus ist bekannt für sein enormes Eventspektrum. Über Jazz, Drum’n’Bass und Rap geht es weiter zu Poetry Slams und Lesungen, bis hin zu, wie unserem Falle, der für die Band typischen Mischung aus Metalcore, Hardcore Punk und Melodic Hardcore.

Lokale Größen finden ihren Platz als Opener!

Wie ihr kennt DRIVE nicht? Dann wird das Kennenlernen hoffentlich bei deren Auftritt als Opener vor EVERGREEN TERRACE stattfinden! Genau, diese vier Dresdner werden vor den US-Amerikanern an den Start gehen und die in ihrer Musik verbundenen Elemente aus Melodic-Hardcore und Pop-Punk zum Besten geben. Für mich gehören sie schon länger zum Besten, was Dresden musikalisch neben dem Kreuzchor zu bieten hat. Nachdem im Oktober ihr Debüt-Album „Restless“ erschienen war, begann sich ihr guter Ruf verdienterweise auch über die Grenzen von Sachsen hinaus zu verbreiten. Auch EVERGREEN TERRACE sind nicht die erste große Band mit der sie die Bühne teilen. Bereits im Juni 2016 spielten sie mit den Hardcore-Größen BEING AS AN OCEAN und DEEZ NUTS. 

Die als atmosphärische Location bekannte Scheune wird am 27. Juli 2017 um 19:30 ihre Tore öffnen und von 20:00 bis 23:30 eure Ohren mit feinsten Klängen verwöhnen. Die Tickets verkaufen sich zügig, es sind aktuell aber noch ausreichend für den Preis von 17,20€ verfügbar! Wir würden freuen, wenn das Haus voll würde und sind gespannt auf den neuen alten Sound der Amerikaner. Die Jungs werden mit Sicherheit auch den Spaß mitbringen, der sonst auch im namensgebenden Wohnort der „Simpsons“ aus der gleichnamigen US-Comicserie vorherrscht!

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Der Beitrag „Die Simpsons“ zu Besuch in Dresden? erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.