SUBWAY TO SALLY haben am 20. Dezember 2024 ihr Album „Post Mortem“ veröffentlicht, das direkt auf Platz 7 der Charts einstieg. Meine Review des Albums gibt es hier. Wenige Monate nach der EISHEILIGEN NÄCHTE Tour ist die Kombo direkt wieder auf Tour. Ich freue mich, denn es stehen mit Hamburg und Berlin nur noch zwei Termine der Tour  auf dem Plan.
Ich werde in Hamburg mit meinem Stammfotografen Patrick Burkhardt dabei sein und gerne hinterher davon zu berichten.

Ebenfalls mit am Start sind die Power Symphoniker von SERENITY, deren letztes Album „Nemesis AD“ im Jahre 2023 veröffentlicht wurde.
Und auch STORM SEEKER sind in Hamburg mit am Start. Da Sänger Timo Bornfleth die Band im Oktober verlassen hat, ist nun TÍR SAOR Sänger Manuel Depryck Teil der Band. Ihr letztes Album „Set the Sails“ kam am 14.03.2025 raus.

Damit erwartet euch eine bunte Mischung aus Folk Metal mit Pirateneinfluss, Mittelalter Rock und Symphonic Metal. Also kommt vorbei.

Die beiden letzten Termine der Tour sind:

16.05.2025 Hamburg
17.05.2025 Berlin

Der Beitrag Subway to Sally – Totgesagte touren länger erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Die Fakten über MANNTRA

Gegründet wurden MANNTRA 2011 in Kroatien. Die Band besteht aus den fünf Musikern: Marko Matijević Sekul (Gesang und Keyboard), seit 2022 Dorian „Dodo“ Pavlović (E-Gitarre), seit 2021 Zoltan Lečei (E-Bass), Andrea Kert (Schlagzeug) und The Barren King (Guitars and Pipes).
Ihr Backkatalog umfasst acht Studio-Alben („Titans“ inklusive), ein Live Album und eine EP. Auch mehrere Singles beziehungsweise Musikvideos, unter anderem mit Features von MICHA RHEIN (INEX Sänger) und auch eines mit HARPYIE.

Zuletzt bei NOCUT unter Vertrag, sind die Jungs dieses Jahr zum österreichischen Label NAPALM RECORDS gewandert.

Der Marsch der Titanen

Das Intro „Ceremony“ erinnert sehr stark an „Ori Ori“ von MANNTRAs Album „Monster Mind Consuming“ aus 2021. Bis auf den Frauengesang haben wir hier eine instrumentale Einleitung, die direkt in den Titeltrack „Titans“ übergeht. Dieser legt dann auch fast sofort energiegeladen los. Das Schlagzeug gibt hier auf jeden Fall den Takt vor. Dies wird in „Teuta“ konsequent fortgesetzt. Im Gegensatz zum Titeltrack klingt dieser allerdings klarer und heller für mich. Und er bringt ein geiles Gitarrensolo mit.

Nachdem die beiden ersten Tracks ordentlich an Geschwindigkeit vorgelegt haben, kommt „The Heart Of The Storm“ mit etwas weniger Geschwindigkeit auf uns zu. Auch ein Klatschtakt zum Ende darf für die Live Sessions nicht fehlen. „Unholy Water (Voda)“ kommt direkt mit einem fetten Beat daher. Dem kann ich mich dann auch nicht verweigern wenn ich den Song unterwegs höre, ich muss einfach mitwippen. Außerdem geht es hier wieder etwas härter zu. Hier merkt man noch alte Industrialzüge in den Riffs.

Mit „Skal“ ist auch ein Coversong auf dem Album. Im Original stammt er von MIRACLE OF SOUND. Diese Version ist allerdings einen ticken schneller. Dennoch hat Gavinn Dunne, das Mastermind hinter MIRACLE OF SOUND, drauf reagiert und es für gut befunden. Ich mag diese gegenseitige Unterstützung sehr.

Auf halbem Weg

„Higher“ wirkt etwas stärker durchproduziert und glatter als der Rest, aber live mit Einsatz von Feuer kann ich mir den richtig gut vorstellen. Auch hier ein sehr geiles Gitarren Solo.

„My Sandman“ sticht für mich hervor. Besonders durch die Elektro Sounds am Anfang und dem Einsatz des weiblichen Gesangs. War dies bisher eher so Beiwerk, kommt er hier als gefühlt zentrales Element des Songs und als Bridge zu Markos Gesang zum Tragen!

Als nächstes kriegen wir mit „Riders In The Dawn“ eine Nummer um die Ohren, bei der wir uns fühlen dürfen, als wären wir Teil dieser Rider. Ein Track, der schön voran geht und in den ruhigeren Stellen ein paar Folk Elemente im Hintergrund offenbart.

Wir nähern uns der 37 Minuten Marke

Es gab letztes Jahr bereits ne Band, bei der mir auffiel, dass eine Teilung eines Songs in Part 1 und 2 auf dem Album war. Bei der Band fand ich es irgendwie unsinnig, daher bin ich bei MANNTRA etwas vorbelastet an „Forgotten, Part 1“ und „Forgotten, Part 2 – The Ritual“ herangegangen. Während Part 1 eher den neuen Sound innehat, wartet Part 2 mit älteren Elementen wie Elektro Sounds aus dem Industrial auf. Die Melodie ist ähnlich, aber doch anders.

Und dann haben wir auch schon das Ende erreicht. „Nav“ bildet den Abschluss und das nochmal mit allen Elementen, die man von MANNTRA kennt.

Hier geht es zur Bandpage.

Tourtermine

Aktuell mit DARTAGNAG auf Tour:
21.03.25 Saarbrücken, Garage
22.03.25 Köln, Carlswerk Victoria
27.03.25 A-Wien, Simm City
28.03.25 München, Backstage Werk
29.03.25 Nürnberg, Löwensaal  
10.09.25 Berlin, Astra (Achtung neue Location)
11.09.25 Hamburg, Grosse Freiheit 36
12.09.25 Leipzig- Parkbühne mit Manntra

Die Headliner – Tour zum Album „Titans“ folgt dann Anfang nächsten Jahres. Support wird die Band WISBORG.

05.02.2026 (Do), BERLIN, Hole 44
06.02.2026 (Fr), LEIPZIG, Täubchenthal
07.02.2026 (Sa), DRESDEN, Club Tante JU
20.02.2026 (Fr), OBERHAUSEN, Kulttempel
21.02.2026 (Sa), HANNOVER, Musikzentrum Hannover
22.02.2026 (So), HAMBURG, Knust
05.03.2026 (Do), MÜNCHEN, Backstage Halle
06.03.2026 (Fr), NÜRNBERG, Hirsch
07.03.2026 (Sa), FRANKFURT AM MAIN, Das Bett
08.03.2026 (So), STUTTGART, Im Wizemann
13.03.2026 (Fr), ERFURT-BINDERSLEBEN, Club From Hell
14.03.2026 (Sa), KÖLN, Luxor
20.03.2026 (Fr), WIEN, Szene Wien

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SUBWAY TO SALLY – Die Fakten

Die Band wurde 1992 in Potsdam gegründet. Und neben einigen Neuzugängen sind noch 4 der 5 ursprünglichen Gründungsmitglieder Teil der Band. Die aktuelle Besetzung besteht aus:

Eric Fish – Vocals, Flutes, Bagpipe
Ally Storch – Violin
Bodenski – Hurdy Gurdy, Acoustic Guitar, Vocals
Simon – Acoustic Guitars, Trumsheit, Vocals
Ingo Hampf – Guitar, Lute
Simon Michael – Drums, Percussion
Sugar Ray – Bass

Ihre Diskographie umfasst inklusive „Post Mortem“ 15 Studio- , 9 Livealben, sowie knapp 20 Musikvideos. Außerdem begehen SUBWAY TO SALLY jedes Jahr im Dezember eine eigene feste Tour! Die EISHEILIGE NACHT, auf der man drei befreundete Bands mit dabei hat und in 10 Städte reist. Tickets und Termine für die aktuelle EISHEILIGE NACHT Tour findet ihr hier. Außerdem hat die Band seit 2003 nur Alben veröffentlicht, die es alle in die Top Ten der Albumcharts geschafft haben.
Die erste Meldung der Band las sich für mich, als wenn die sie überlegt hatte, sich aufzulösen.
Doch dies war wohl eine Fehlinterpretation. Wenn man dem Pressetext folgt, ging es wohl nur darum, keine weiteren Alben rauszubringen. Das Feedback zum letzten Album „Himmelfahrt“ war durchweg sehr positiv und hat wohl bei der Band für frischen Wind gesorgt. Und so steht uns nun „Post Mortem“ ins Haus. Glück oder Unglück? Das erfahrt ihr hier. 

Asche und Erneuerung

Das Intro empfängt uns mit einem Horn und einem eiskalten Wind, gefolgt von folklorischen Klängen und Kindergesang. Auch wenn es irgendwie nicht SUBWAY TO SALLY typisch klingt, gefällt mir der Intro Song. Ich kriege jedes Mal Gänsehaut. Das Stück schreit irgendwie auch schon METAL, selten hat mich ein Intro so gefesselt. Ich hoffe stark, dass das der neue Einmarsch für die Band wird. Wenn nicht auf der EISHEILIGEN NACHT, dann zumindest auf der „Post Mortem“ Tour.

Direkt aus dem Intro geht es mit „Phönix“ in den ersten richtigen Track und das mit voller Power! Eine kraftvolle Mittelalter Rock Nummer, die im Refrain die Textzeile aus dem Intro aufnimmt und bestimmte Worte im Text noch durch eine zweite tiefe Stimme betont. Noch immer in Teilen ein neuer Klang, unter dem aber der altbekannte Sound von SUBWAY TO SALLY liegt.

Auch der Titeltrack „Post Mortem“ liefert Ohrwurmgarantie und hat richtig Power. Und Wer nun sagt, aber Sven, das ist doch auch die erste Single, dem muss ich sagen: „Dachte ich auch, aber die erste Auskopplung ist bereits letztes Jahr im Oktober erschienen. Aber dazu später mehr. „Totgesagte leben länger“ heißt es in „Post Mortem“, doch totgesagt haben sich letztendlich nur SUBWAY selbst in ihrer Ankündigung fürs Album. Dennoch merkt man sehr deutlich, dass hier klanglich ein neuer Wind weht.

Mit „Wunder“ geht es zwar in der Geschwindigkeit etwas runter, aber nicht mit der Kraft. Und wir bekommen hier einen richtigen Headnicker Song mit sehr geilem Rhythmus. Hart und düster, so wie auch der Text. Denn hier gehen SUBWAY TO SALLY sehr deutlich mit der aktuellen Lage unserer Gesellschaft ins Gericht.

Bei „Nero“ bin ich hin und hergerissen. Ich komme aus der LARP Szene und bin von Glöckchen geschädigt. Ich hasse Kender. Und hier sind mehrfach Glöckchen zu hören. Und wie in „Phönix“ wird hier wieder das Erneuerungsthema aufgenommen. Dies ist auch der erste Song des Albums, der eine ältere Melodie aufgreift.

Zweite Hälfte – Stark oder schwach weiter?

„Unter dem Banner“ ist eine ruhige Rocknummer, die davon handelt, was wir leisten können, wenn wir vereint sind und zusammenhalten.

„Herz in der Rinde“ führt uns soundtechnisch in alte SUBWAY TO SALLY Zeiten zurück. Eine akustisch mittelalterliche Ballade, die erst in der zweiten Hälfte durch elektronische Instrumente ergänzt wird. Und deren Takt doch stark an „Minne“ vom „Hochzeit“ Album erinnert.

Der nächste Track ist ein richtiger Schlag ins Gesicht. „Lumpensammler“ ist wieder einer der sehr deutlichen Songs, bei denen die Band kein Blatt vor den Mund nimmt. Das gefällt mir sehr gut!

SUBWAY TO SALLY machen Powermetal? Nicht ganz, aber irgendwie fühlt es sich doch so an. Das liegt wahrscheinlich am Feature mit den WARKINGS, das man für „Stahl auf Stahl“ eingegangen ist. The best of both worlds! Ich feiere Allys Geigenspiel in diesem Song sehr!

„Atlas“ beginnt mit eher aspschen unheimlichen Klängen, was nicht ungewöhnlich ist, da man mit ASP ja durchaus auch das ein oder andere Mal zusammengearbeitet hat. Macht auf jeden Fall neugierig auf weitere Alben, da der Song recht experimentell klingt. Er ist melodisch und textlich düster und eher langsameren Tempos.
Auch wenn die Geige in „Kummerkind“ deutlich zu hören ist, dominiert sie nicht so stark wie in „Stahl auf Stahl“. Auch die tief gestimmte Gitarre passt sehr gut zur düsteren Atmosphäre des Songs. Ich mag diesen leicht treibenden und stampfenden Beat des Songs, der das Fluchtgefühl zum Text erzeugt.

Und hier haben wir die eigentliche erste Single Auskopplung, die aber schon älter als ein Jahr ist! „Eisheilige Nacht“ ist der Song zur seit Jahren etablierten und sehr beliebten Konzertreise der Musiker. Der Text greift das ganze einfach so gut auf und bringt leichte „Eisblumen“ Vibes.

„Die Erde bebt“ entlässt uns mit einer (un)ruhigeren Grundstimmung. Das Ticken der Uhr im Hintergrund kann einen schon verunsichern.  Der Song gibt uns sogar ein 33 sekündiges Outro.

Tourdates

Hier einmal die Daten für die EISHEILIGE NACHT Tour mit WARKINGS, THE O’REILLYS AND THE PADDYHATS und HARPYIE:

13.12.24 CH – Pratteln / Z7
14.12.24 DE – Stuttgart / Im Wizemann
20.12.24 DE – Dortmund / PLWM
21.12.24 DE – Giessen / Hessenhallen
22.12.24 DE – Dresden / Alter Schlachthof
26.12.24 DE – Braunschweig / MEG
27.12.24 DE – Würzburg / Posthalle
28.12.24 DE – Bielefeld / Lokschuppen
29.12.24 DE – Bremen / Pier 2
30.12.24 DE – Potsdam / Waschhaus

Und hier gibt es die Daten für die POST MORTEM Tour:

25.04.25 Osnabrück, Hyde Park
26.04.25 Köln, Essigfabrik
30.04.25 Leipzig, Anker
01.05.25 Nürnberg, Löwensaal
02.05.25 Heidelberg, halle02
03.05.25 Hannover, Pavillon
09.05.25 Erfurt, Club Central
10.05.25 München, Backstage Werk
16.05.25 Hamburg, Docks
17.05.25 Berlin, Huxleys

Die Seite von SUBWAY TO SALLY findet ihr hier.

Und hier gibt es das Album.

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HARPYIE – Die Fakten

HARPYIE ist eine Band aus Ost-Westfalen, bestehend aus den fünf Musikern Aello (Gesang), Brian (Drehleier), Podargo (Gitarre), Kayran (Schlagzeug) und dem letzten Neuzugang Raya (Gitarre). Bereits 2011 durchlebten HARPYIE mehrere Wechsel im Band LineUp. Nachdem Bassist Jean die Band, zumindest erstmal, verlassen hat, wurde diese Stelle nicht nachbesetzt. Insgesamt hat die Kombo bereits sieben Studioalben veröffentlicht und 26 Musikvideos, von denen alleine sieben zum „Voodoo“ Album veröffentlicht wurden. Das Album enthält 11 Songs und erzählt nicht nur Geschichten, sondern erhebt auch Kritik, ohne zu irgendeinem Zeitpunkt den Finger zu erheben. Es gibt auch eine Special Edition, die uns leider nicht vorlag, mit einer zweiten CD unter dem Namen „13 Geister“, auf der befreundete Künstler HARPYIE Songs Covern. Auch eine Vinyl gibt es zu kaufen, die einen Bonus Track mit Namen „Flaschengeist“ enthält. 

Voodoo – Das Ritual

Mit dem Ausruf „Voodoo“ leitet die Band Album und Titeltrack ein. Dem Ausruf folgt ein stampfender Rythmus aus Drums und sehr tiefen Gitarren, der zu einem archaischen Tanz einlädt. Unterbrochen wird der Rhythmus immer wieder durch die ruhigere, melodiöse Bridge. Sehr gut gefällt mir hier die Zusammenarbeit mit Benji Webbe, Sänger der Band SKINDRED.

Unter „Ikonoklast“ versteht man jemanden, der religiöse, kulturelle oder politische Denkmäler zerstört. Passend daher, dass der Track recht sakral beginnt. Auch in diesem Song, der deutlich melodischer und weniger rhythmisch daherkommt, stehen die ruhigen Strophen im Kontrast zum Refrain, der hauptsächlich von Schlagzeug und Drehleier getragen wird.

„Omen“ steht dazu allerdings im völligen Kontrast. Eine total bunte Partynummer. Hier folgt ein Reim mit Horror Anspielung auf den nächsten. Und da das Soundgewand stark an ELECTRIC CALLBOY erinnert, lag ein Feature mit Kalle Koschinsky natürlich nahe. Live ist der Track ein echtes Erlebnis.

Danach folgt mit „Zombiemann“ wieder ein ernsterer, kraftvoller Headbang Song der eher düsteren Art. Passend dazu dominieren ganz klar die tiefen Riffs und Drums. Einer meiner Lieblinge auf dem Album. Das Video hierzu wurde im übrigen mit der HARPYIE Community gedreht.

Mythen und Geschichten

„Atreju“ besticht von Sekunde eins an durch seine harten Klänge! Ebenfalls auffällig ist der teilweise aggressivere Gesang. Die Drehleier ist hier sehr prägnant. Ebenso sind die Bridge mit ihrem Rythmus zum Klatschen beim Konzert und der Breakdown wirklich gut gemacht. Mit dem Ton, der das so richtig runterfährt, wird es sehr gut eingeleitet. Mir gefällt hier vor allem die tiefere Stimme, die „Niemand erinnert sich an dich“ singt. Und ja, es handelt sich bei „Atreju“ um den Krieger aus Michael Endes‘ „Die Unendliche Geschichte“.

Nach „Berserker“ und „Blutadler“ ist „Schildmaid“ HARPYIES nächster Stich ins aktuelle Viking Thema. Sehr schön, wie wieder mal die Drehleier hier ins Spiel kommt. Auch die wiederkehrenden „Oho“ Chöre passen sehr gut. Vor allem Live wird der bestimmt sehr gut kommen!

Kommen wir zu „Herz aus Eisen“. Wow, was ein Song! Hier ist zusammen, was zusammen gehört – HARPYIE und SOULBOUND! Der Track baut sich 25 Sekunden lang durch elektrische Geräusche auf, um sich dann ansteigend durch die Grundmelodie begleitet bei Sekunde 36 voll zu entladen! Auch wenn es ein HARPYIE Song ist, muss ich hier mal den deutschsprachigen Gesang von Johnny loben. Denn eigentlich fühlt sich der Sänger im englischen wohler. Achtet vor allem mal auf die Einteilung der Gesangspassagen und wie gut die Stimmen der beiden Sänger gerade im Refrain harmonieren. 

Düstere Vorboten

Weiter gehts mit „Exit Games“, welches mit Klängen beginnt, die stark an LINKIN PARK erinnern. Scheint das Jahr des Crossover/NuMetal zu sein. Wobei der Track vielleicht noch einen Rap Part vertragen könnte. Aber auch so kommt da schon einiges an 90er Feeling auf, wenn Sänger Aello an der einen oder anderen Stelle ein wenig Fred Durst Vibes in die Stimme legt. Auch hier ist die Melodie wieder recht hart.

„Fischer Fischer“ besticht direkt durch die Meeresklänge zu Beginn, die durch eine spieluhrartige Melodie erweitert werden. Dann der krasse Übergang zum eigentlichen Song. Pate für den Refrain ist natürlich der alte Kinderreim gleichen Namens. Natürlich gibt es hier Kritik an der aktuellen Umweltpolitik, und es wird ein recht düsteres Bild unserer zukünftigen Meere gezeichnet. Ich musste hier an den Plot von Star Trek IV denken, der das Thema ja ebenfalls aufgreift. Am Ende gibt es einen Kinderchor, der den Bezug zum Kinderspiel noch mal herstellt. 

Beim Namen „Ich will dich“ , habe ich einen deutlich ruhigeren und balladeskeren Song erwartet. Und verhältnismäßig ruhig ist er auch in Teilen. Ok, den Autotune Teil mag ich nicht. Glaube der wird auch zu polarisieren wissen. Auch hier im Hintergrund eine tiefere zweite Stimme. Aber wenn ihr hier einen Liebessong vermutet, seid ihr leider auf dem Holzweg. Aber hört selbst.

Melodisch genommen liefern HARPYIE mit „Nimmerland“ eine Feiernummer, die auch Live bestimmt echt gut funktioniert. Textlich ist der Song schon eher düster und so ist es auch ein wenig böse, wenn die Band quasi den Klatschpart auf Live Konzerten direkt hinter den Text „Doch Nimmerland ist abgebrannt“ packt. Hat ein wenig was von den eigenen Untergang beklatschen.

Tour

Zum Release des Albums gibt es drei Konzerttermine:

25.10. – Riders Cafe in Lübeck

26.10. – Kulturwerk Herford (ehemals X)

03.11. – Hellraiser in Leipzig

Danach geht es dann nämlich ab Mitte Dezember gemeinsam mit SUBWAY TO SALLY, WARKINGS und den THE O’REILLLYS AND THE PADDYHATS auf ausgedehnte EISHEILIGE NACHT Tour.

Tickets für beide Touren gibt es hier.

Zur Seite der Band gelangt hier. Dort findet ihr auch direkt den Link zum Album kauf.

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Das Resonanzwerk öffnet erneut seine Türen für die Besucher des diesjährigen MEAD & GREED Festival! Und da simmer doch dabei. Bar und Fresstand laufen bereits auf Hochtouren, als wir ankommen – an Flüssigem gibt es neben unterschiedlichen Metsorten auch ungefähr fünf verschiedene Biere, und die Küche bietet Burritos, Grillzeug und Pommes mit einem Beilagenbuffet, das sich sehen lassen kann.

Doch erstmal gibt’s was auf die Ohren, denn kaum halte ich ein kühles Alt zwischen den Fingern, erschallen aus dem Inneren der Konzerthalle bereits die ersten Noten.

Und los geht’s!

BENEATH MY SINS weihen die Bühne ein, erstmal metalfrei, dafür aber mit verschiedensten Akkustikgeräten. Eine Geige, eine flachrückige Bouzouki und eine Akkustikgitarre geben den melodischen Ton an, während der Schlagzeuger reichlich kreativ drauflosgroovt. Im Hauptfokus aber liegt die Stimme von Sängerin Emma, und das nicht ohne Grund! Wahrhaft professionell lässt sie selbst die schwierigsten Töne zauberhaft erklingen und erinnert mich dabei im ersten Augenblick sogar ein bisschen an TARJA (Ex-NIGHTWISH).

Die Musik regt die bereits Anwesenden schon jetzt zum Tanzen an – die Franzosen bedienen uns mit viel Energie, und das ganz ohne Zerstörung. Ein passender Einstieg, Ohren und Geist sind nun warm und offen für mehr.

Sehnsucht nach den Blast Beats

Und bereits so früh im Line-Up erwartet mich mein persönliches Highlight des Festivals: CÂN BARDD. Dass mich diese Band aber so flashen würde, dass ich dies im Nachhinein sogar als den Höhepunkt meines bisherigen Jahres bezeichnen würde, damit rechne ich zu dem Zeitpunkt nur begrenzt. Diese Atmosphäre! Diese Schönheit! Diese Kraft, die von Songs und Musikern ausgeht, ziehen mich tief in sich hinein, walzen einmal quer über meine Seele und befreien sie von aller Schwere, die sich in den letzten Wochen in ihr angesammelt hat.

Es gibt zur Zeit kaum eine andere Band, die das auf so intensive Weise mit mir macht. Die melodischen wie die blastbeatgetriebenen Parts, die Chöre wie die mark- und beindurchdringenden Schreie, die schönen wie die finsteren Momente dieser meisterhaft geflochtenen Black-Metal-Melancholik lassen mich den eigenen Körper verlassen und in ferne Welten davonfliegen. Nicht selten finde ich mich in einem Kampf mit den eigenen Tränen wieder, und bald schon habe ich entschieden, ihnen einfach nachzugeben.

Dem Ganzen spielt ein grandios abgemischter Live-Sound in die Arme. Selbst in den ballerndsten Momenten dringen klar und deutlich Akkorde, Feeling und sogar die Vocals durch. Ordentlich Wucht ist da, und dennoch nicht so sehr, dass der Musik etwas dadurch verloren ginge. Es wohnt außerdem in einem Song als kleine Überraschung die Flötenspielerin von SAOR dem Spektakel bei, und lässt neben Flötenklang auch ihre eigene Stimme ein Teil des Spektakels werden.

Puha, das war episch. Ich muss erstmal raus an die frische Luft. Gedanken sammeln.

Rockstars im Pelzfrack

Eine knappe halbe Stunde später folgen MANNTRA aus Kroatien. Und ehrlich gesagt, ich habe vor dem Konzert überhaupt nicht damit gerechnet, dass eine solche Band existiert. Oder was mich erwarten würde. Oder überhaupt.

Mein erster Gedanke zieht in Richtung Industrial Rock oder Goth EBM. Aber irgendwie haben die auch Folk- und Mittelaltervibes? Warum erweckt der eine Gitarrist den Anschein eines stämmigen, tätowierten Rockstars, während der andere unter seinem bodenlangen Kapuzenumhang eine Skelettmaske trägt? Durch die er gelegentlich auch auf einer Schalmei herumtrötet? Der Sänger – ein oberkörperzeigender Schönling? Eigentlich könnte die Band auch beim European Song Contest auftreten, so mein nächster Gedanke. Jeder ihrer Songs hat Hitpotential, ist catchy, hat Mitsing-Parts und dauert radiotaugliche drei Minuten. Ich bin verwirrt. Vor allem bin ich verwirrt, dass es mir gefällt. Dieses Konzert ist ungefähr das Gegenteil des vorigen, aber vielleicht ist das auch genau, was ich im Anschluss an diesen brauche.

Das Partypotential wird mit Konfetti, einer Surfpartie des Skeletts auf der Crowd sowie einem halb-live performten Elektro-Track ausgeschöpft. Letzteren begleitet erwähnter Rockstar mithilfe eines Percussion-Soundpads. Im Publikum wird sich dazu die Seele aus dem Leib gemosht, und irgendwann springt er sogar selber (mit Gitarre) ins Getümmel.

Dieses Konzert fällt auf jeden Fall in die Kategorie „Dinge, die ich auf einem Folk-/Pagan-Metal-Festival nicht erwartet hätte“. Eigentlich entsprechen MANNTRA auch gar nicht so meiner Sparte von Musik, aber hey. Das war ziemlich cool.

Die Natur ruft

SAOR sehe ich heute zum ersten Mal. So ein paar Überschneidungen gibt es da mittlerweile mit CÂN BARDDs Line-Up, was erklärt, wieso beide Bands heute hier sind. Auch gewisse Ähnlichkeiten im Stil kann man nicht abstreiten. Umso mehr freue ich mich auf das, was bevorsteht. Mehr Atmosphäre, mehr Blast Beats. Was will man noch?

Bei dieser Kombination kommt (glaube ich?) musikalisch alles aus tatsächlichen Instrumenten. Gerade die oben genannte Flötenfrau waltet hier nicht nur ihres Flötenamtes, sondern bedient auch des Öfteren eine Art um den Bauch geschlungenen Dudelsack und, wie schon zuvor, trägt ihre Stimme viel zum atmosphärischen Gesamtkunstwerk bei. Alles in allem fallen SAORs musikalische Ergüsse abwechslungsreicher aus, als ich dachte!

Am Ende kann ich das Konzert dann doch nicht so genießen, wie ich es mir gewünscht hätte. Liegt es daran, dass ich über 30 bin und heute, am Ende einer Arbeitswoche, um 06:45 aufgestanden bin? Wahrscheinlich. Ich geb mir den Rest des Geschehens im sitzenden Zustand. Und dann falle ich in das Bandlogo. Selten habe ich einen so liebevoll gestalteten Schriftzug gesehen. Jeder Buchstabe ist für sich ein kleines Kunstwerk, in allen Ecken, in allen Schwüngen lässt sich etwas entdecken, wenn man sich nur die Zeit nimmt, es sich im Detail anzuschauen. Geäst, Wurzeln und schattenhafte Tiersilhouetten ziehen mich immer tiefer in ihren Bann, als plötzlich Zugabe-Rufe mich aus der Trance reißen. Das Konzert ist an seinem Ende angekommen, ich aber auch. Ein letztes (langes) Lied gibt es noch, bevor ich mich zu den Schlafgemächern begebe.

Kammermusik-Core

REMEMBER TWILIGHT sind es, denen die Ehre gebührt, den Festivalsamstag zu eröffnen. Gespielt wird eine Mischung aus Kammermusik und Rock, mit drei Streichinstrumenten und einem kompletten Metal-Line-Up. Stilistisch bewegen tut sich dies in recht düsteren Gefilden, mit Texten über Tod, Verderben und was sonst noch alles im Zwielicht auf einen lauert. Mal doomig, mal tanzbar, aber nie ohne einen Hauch memento mori, präsentiert die Stuttgarter Kombi einen sehr eigenen Sound.

Es gibt an diesem Spätnachmittag aber gleich zwei Besonderheiten: Am Schlagzeug sitzt Ole, welcher seit 2006 nicht mehr mit der Band zusammen aufgetreten ist, und aus dem Publikum winkt zudem Basti, früherer Geiger der Band, der extra aus Frankreich angereist ist.

Melodic Death Dudel

Es geht weiter mit viel Action: DVALIN sind hier, und haben eine gewaltige Portion Energie mitgebracht! Soll im Klartext heißen: Absoluter Abriss an der Rhythmusgitarre, viel Doublebass und Blast Beats, ordentliche Growls mit schöne Bandbreite – und das, während Dudelsack und Keyboard sich um die Hauptmelodien kümmern. Es hat was von Melodeath, aber eben mit Gedudel.

Tatsächlich finde ich aber erwähnte Rhythmusfraktion heute am interessantesten. Hier hat man sich nicht selten wirklich spannende Dinge einfallen lassen! Kreative Patterns und abwechslungsreiche Grooves bilden die Basis des musikalischen Konzepts der Würzburger Folk-Metaller. Eine stabile Performance, welche sich auch in der Motivation des Publikums widerspiegelt.

Oldschool und doch eigen

Wer spielt nochmal als Nächstes? „Wir sind Band UKANOSE aus Litauen!“ Stimmt, jetzt weiß ich wieder. In Keltenhemden (ist das das richtige Wort?) gekleidet stehen sie auf der Bühne und präsentieren nochmal eine ganz andere Herangehensweise an das Thema Pagan Metal (Viking Metal? Wo zieht man eigentlich die Grenze?) als alle Bands vor ihnen.

Die Gitarren lassen mächtige Viking-(Pagan-)Riffs der alten Schule erklingen, während der Gesang meist clean und melodisch und vor allem litauisch bleibt. Der naheliegendste musikalische Vergleich wäre vielleicht TYR, und dann auch wieder nicht so wirklich. Interessant ist eigentlich vor allem, dass UKANOSE nie über die Stränge schlagen, sondern sich innerhalb ebendieser recht basischen Schemata bewegen – das jedoch gewürzt mit ihrem ganz eigenen Flair.

Als kleine Überraschung haben sie ein Cover eines CORVUS-CORAX-Liedes mitgebracht: „Let Us Drink!“, natürlich in litauischer Übersetzung, lässt einen ersten Moshpit entstehen. Gleich im Anhang wird der Vibe mit ein paar humppalastigen Feiersongs aufrechterhalten, und spätestens beim allerletzten Stück (über Schnaps) sind dann alle Anwesenden hart am Bockhaben. Ausdrücken tut sich das in den seichtesten der Fälle mit entspannter Kopfnickerei samt vorgeschobenem Kinn, in den ausgelassensten mit paganer Pogo-Party im Pit.

Die Wucht ist zurück

So. Bevor ich nun zum gefühlt zehnten Mal in einem Festivalbericht schreibe, wie sehr FINSTERFORSTs Sound doch eine alles zerstörende Wand ist, und wie die Band wieder mal in einer Stunde genau auf 6 Lieder kommt, hier ein Versuch einer anderen Herangehensweise:

Ich genieße soeben einen gemütlichen Klogang, als aus der Ferne düster-epische Fanfaren beginnen, mich zum Nebenraum zu beschwören. Bald schon bin ich bereit, dem Ruf zu folgen – und finde mich wieder vor der Banner-Version des epischsten aller Albumcover. „Rastlos“ steht der Wanderer vor der endlosen Weite tannenbedeckter Schluchten und nadelloser Bergspitzen, und davor: FINSTERFORST. Holzfällerhemden, offene Bierflaschen, dem Sänger prangt mittlerweile graues Barthaar im Gesicht.  

Die massive Soundwand (verdammt! Jetzt hab ich es doch geschrieben) und vor allem die Bassdrum beschwören heute derbe Zerstörung, als mir auf einmal Feinheiten in der Musik klarwerden, deren ich mir bisher gar nicht bewusst war. Interessante Rhythmusstrukturen, progressive Taktarten, kleine musikalische Spielereien in vielen unterschiedlichen Parts – ich erlebe FINSTERFORST heute mit einer Tiefe, die ich zuvor noch gar nicht entdeckt hatte. Schwerfällig sind sie immer, heavy, massiv. Aber auch mal schnell, auch mal aggressiv, mal schön, mal traurig, mal verzweifelt. FINSTERFORST machen Musik, die nur sie machen können, und das mit absoluter Virtuosität. Zieht einen rein, um einem dann mit aller Epischkeit die Fresse zu polieren. In manchen Momenten geht die Gitarre ein bisschen hinter dem Geknüppel des Schlagzeugs unter, aber ich genieße jeden Kick, der mir die Waden und die Hirnrückwand massiv massiert. Total finsterforstig.

Die Piraten des Rheins

Und schon wieder ganz etwas komplett anderes machen STORM SEEKER! Und ehrlich gesagt, die finde ich heute richtig nice. Upbeatige, Hurdy-Gurdy-trächtige Seemannslieder mit Metal-Energie – was will man mehr an einem solchen Abend?

Es gibt auf jeden Fall noch so einiges! Dies umfasst unter Anderem, aber nicht ausschließlich:

– Der Drummer spielt ein Solo und wird dabei von epischen Ozean-Akkorden und tiefblauer See-Beleuchtung begleitet.

– Die Band ist plötzlich weg, das Licht geht aus. Dann sieht man drei von ihnen mit ominösen Laternen durchs Publikum ziehen. In der Mitte der Halle, inmitten eines Mahlstroms aus Menschen, fangen sie an, Acapella weiterzuperformen.

– Als sie zurück zur Bühne schwimmen, spielt der Rest der Band (u.A. Mit Gitarrist Pauli nun am Schlagzeug) ein Cover von „The Wellerman“ an, und mit vertauschten Instrumenten wird das Lied zu Ende gespielt.

– Zum nächsten Song setzen sich ca. 50 Publikumspiraten auf den Boden und rudern auf Kommando der Band.

– Der Keyboarder reißt beim letzten Lied sein Instrument vom Ständer und enthüllt, dass es eigentlich eine Keytar ist.

Fazit: Ich bin begeistert vom Unterhaltungswert, den diese Band aus dem simplen Konzept der Seemannslieder herausholen. Ein Hoch auf STORM SEEKER!

Ein etwas anderer Abschluss

Man würde zu diesem Zeitpunkt nicht erwarten, dass schon wieder eine Band die Bühne betritt, die ganz andere Musik macht als alle anderen Acts des Festivals. Was genau HAGGARD aber eigentlich machen, ist mir bis kurz vor dem Konzert noch nicht so wirklich bewusst, und es dauert ehrlich gesagt auch etwas, bis ich es gänzlich verstanden habe. Der generelle Vibe zieht eher Richtung Klassikkonzert als Richtung Metalshow: Ein kleines Orchester sitzt auf der Bühne, ausgestattet mit Notenständern und -blättern, und nach dem ersten Lied wird erstmal eine Pause eingelegt, um die Instrumente eines nach dem anderen nachzustimmen, während das Publikum ratlos in der Gegend herumsteht.

Oft entpuppt sich die Musik auch als überhaupt komplett unmetallisch, und begibt sich dann wieder in ein Wechselspiel zwischen der harten und der sanften Welt. Die Dame rechts gibt einen eher operntypischen Sopran zum Besten, welches sich edel über Streicher und Harpsichord legt, dann wieder unleasht der Bandkopf Gitarre und Growls – und manchmal passiert das auch alles zur gleichen Zeit.

Sich tiefer in die metallene Richtung zu lehnen fangen HAGGARD gegen Mitte ihres Sets an. Jetzt sind die Songs auch mal schneller, heavyer, aggressiver. Ein Cover des schon von IN EXTREMO aufgegriffenen „Herr Mannelig“ bricht mit seiner Sänfte diese Energie gekonnt und erfreut die Herzen vieler, während Bandkopf Asis Akkorde greifend bis zum Mischpult spaziert und mit dem Soundmann (über den Sound?) zu plaudern beginnt.

Insgesamt liefern HAGGARD ein Spektakel hoher Kunstfertigkeit. Ich muss aber sagen, dass mein Gehirn nach wie vor nicht so ganz weiß, was es damit anfangen soll. Irgendwie scheint mir die Band (oder sollte ich sagen: das Orchester?) für einen Headliner ein bisschen zu speziell, ein bisschen zu avantgardistisch.

Und das war’s dann leider auch schon wieder.

Und noch leiderer war’s das diesmal gleich für’s nächste Jahr mit. Denn das MEAD & GREED macht jetzt erstmal für ein Jahr Pause und tritt erst 2026 wieder auf den Plan.

Wie dem auch sei, dass ich dann wieder dabei sein werde, darauf könnt ihr Gift nehmen einen Met trinken. Es ist immer wieder eine Freude, sowohl kleinere Bands zu sehen, die noch nicht so oft die Chance bekommen haben, vor mehr als ein paar Menschen aufzutreten – als auch die Art von mittelgroßen Bands, die man sonst selten bis nie zu Gesicht bekommt.

Gleichzeitig sei vor allem in diesem Jahr der musikalische Abwechslungsreichtum im Line-Up zu loben! Keine Band klang wie die andere, alle hatten sie ihre eigenen Interpretationen von Folk Metal, Pagan Metal oder angrenzenden Arten der Musikmacherei im Gepäck.

MEAD & GREED Festival, macht weiter so – es war wie jedes Mal ein Fest. Man sieht sich in zwei Jahren!

Vielen Dank an Matthias von Dark Art für die tollen Fotos!

Hier gibt’s mehr davon ->>> dark-art.com <<<-

Der Beitrag MEAD & GREED 2024 – Der offizielle Bericht erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

SUBWAY TO SALLY ist einer der Namen, die einem direkt in den Kopf kommen, wenn man an die musikalische Mittelalterszene denkt. Kein Wunder, gibt es die Band doch schon seit 1992. Und mit bisher 14 Studioalben, können sie auch ein riesiges Schaffenswerk vorweisen, das sie mit „Himmelfahrt“ um Nummer 15 erweitern.

Die Fakten

Für alle, die zum ersten Mal von SUBWAY TO SALLY hören, hierbei handelt es sich um eine Band aus Deutschland. Insgesamt sind hier sechs Musiker und eine Musikerin aktiv. Mit ihren knapp 30 Jahren gehören sie zur Spitze der Mittelaltermusik und sind über die Genregrenzen hinaus bekannt. Auch Charterfolge in den Top 10 konnten sie schon feiern. Auf ihrem neuen Album verarbeiten sie Themen rund um die Hoffnung und Aufbruch. So zumindest die Aussagen der Band. Hierzu nutzen sie 12 Songs und die Unterstützung von Hannes Braun, Sänger bei KISSIN DYNAMITE und erfahrener Produzent. Genauso der Kontakt zu Chris „The Lord“ Harms von LORD OF THE LOST. Erwähnenswert ist im Übrigen, dass dies nicht der eigentliche Nachfolger zu „HEY!“ ist. Alle Texte, die im Anschluss geschrieben wurden und noch den deutlichen Einfluss des Albums aufwiesen, wurden durch Corona über Bord geworfen. Man entschied sich das neue Album komplett von null auf zu erstellen, und damit einen positiveren Klang einzuschlagen.

Himmelfahrt mit SUBWAY TO SALLY

Los geht es direkt mit „Was ihr wollt“, der ersten Single. Was für ein Brett! Das volle SUBWAY TO SALLY Programm. Hier kriegen wir nicht nur textlich alte, wohlbekannte Kost, sondern auch das neue SUBWAY TO SALLY ertönt hier und zeigt uns etwas komplett Neues und doch Bekanntes. Genau der richtige Song als Opener, der richtig Tempo hat. Und vor allem Live kann ich den Song nur empfehlen. Habe ihn auf der Eisheiligen Nacht 2022 bereits in Bremen gehört.

„Leinen los“ zeigt uns ebenfalls die neue Richtung der Band. Auch hier wird der Wunsch des freiwilligen Veitstanzes gefördert. Und ich würde sogar behaupten, dass dies seit Längerem der erste Song mit Seefahrer Thematik ist. Sehr prägend die Melodie, die Bodenski auf der Drehleier spielt.

Mit „Weit ist das Meer“ bleiben wir auch auf dem Meer. Ein ruhiger Song, der die Lust auf’s Reisen fördert. Die Melodie ist unaufdringlich, aber tragend und der Song wird sehr gut von Erics Sehnsucht in der Stimme transportiert.

„So tief“ ist eine Akustik Ballade im ersten Teil und etwas härteren Anleihen im zweiten Part. Hin und wieder klingt die Melodie nach „Kleid aus Rosen“.  Auch der Text ist etwas düsterer.

Mit „Gaudens in Domino“ haben wir wieder mal einen fremdsprachigen Song auf dem Album. Gesungen in Latein. Unterlegt mit sakralen Klängen und mit einer Spielzeit von 01:36 Minuten sehr kurz. Das Ende geht direkt in den nachfolgenden Track über.

Das Sakrale weicht einem Kopfnicker-Song mit Namen „Gott spricht“. Hier singt Sänger Eric Fish aus Sicht von Gott und rechnet mit seiner Schöpfung ab. Dementsprechend düster ist natürlich auch die Klangwelt. Der einzige Song mit wirklich negativem und Finger zeigendem Text. Immerhin ist die wichtigste Zeile: 

„Niemand von euch kommt mir jemals nah. Ihr seid der Fehler meiner Schöpfung! Was habe ich getan?“

Bei „Auf dem Hügel“ stört mich ein wenig, dass man den Zustand Tod als Schlaf bezeichnet, auch wenn es künstlerisch gemeint ist. Der Song bleibt ruhig in den Versen und wird dann im Refrain lauter. Melodisch orientiert sich der Song an der Kernkompetenz von SUBWAY TO SALLY, nämlich dem Mittelalter Folk Rock.

Als Nächstes haben wir mit „Autumn“ eine rein instrumentale Nummer, bei der Violinistin Ally Storch deutlicher noch als bei dem Stück „Anna’s Theme“ auf „Hey!“ zeigen darf, was sie kann. Unterstützt wird sie hier von Schlagzeuger Simon. Und auch insgesamt wirkt es, als ob Ally deutlich mehr Möglichkeiten hat mitzuwirken. Das Stück klingt auf jeden Fall deutlich nach Filmsoundtrack und ein Stückweit sogar nach 007.

Bei „Eisbrecher“ kommt wieder mehr Tempo und auf jeden Fall deutlich mehr Härte zum Vorschein. Man könnte fast schon von Neuer Deutscher Härte sprechen. Wie in anderen Songs auf dem Album lassen sich auch hier kleine Melodiefetzen aus alten SUBWAY TO SALLY Songs wieder erkennen. Bei dem Titel lag für mich auch eine gewisse Erwartungshaltung in der Luft, die erfüllt wurde. Für mich auf jeden Fall eine Art Motivationssong.

„Halt“ ist dann wieder eine ruhige, besinnliche Ballade, deren Intro hauptsächlich von Saiteninstrumenten getragen wird. So zumindest mein erster Gedanke. Doch nach knapp 24 Sekunden, wird man eines Besseren belehrt und der Song fährt eine deutliche Härte auf, nur um am Ende wieder die ruhige Melodie des Intros als Outro zu nutzen. Insgesamt kann man den Track als Liebessong bezeichnen, in dem ein Partner dem Anderen anbietet, dessen Fels in der Brandung zu sein. Natürlich geht das auch freundschaftlich, aber dafür ist mir der Song zu intensiv. Ebenfalls handelt es sich hier um eine sehr geile, tanzbare Nummer. Schon wenn ich die höre, möchte ich mich drehen.

Ich glaube „Ihr kriegt uns nie“ ist so ein wenig das Spiel mit dem Klischee, wie arrogant SUBWAY TO SALLY doch sei und dass sie der Meinung seien, sie sind die Könige des Mittelalter Rocks. Selbst wenn es mal eine Phase gab, in der sie so drauf waren, dürfte das meiner Meinung nach lange vorbei sein! Und im Hip Hop stört sich auch niemand an einem textlich so gelegenen Song. Melodisch orientiert man sich hier an den kräftigeren Songs des Albums.

Im letzten Track des Albums „Lasst die Himmel fallen“ hören wir hauptsächlich Erics Stimme und Allys Geigenspiel. Die Nummer lässt uns zwar melodisch ruhig, aber doch irgendwie betrübt zurück.

Die zweite CD

Da wir die Rezension erst nach Erscheinen des Albums veröffentlichen, kann ich auch noch was zur Variante mit zwei CDs sagen. Hier haben wir einen Remix von „Gott spricht“, der deutlich ruhiger klingt. Aber genau so intensiv wie die Album Variante. Aber wir haben auch Akustik Versionen der Songs „Auf dem Hügel“, „So tief“, „Was ihr wollt“ und „Weit ist das Meer“. Diese Versionen klingen richtig gut! Besonders „Was ihr wollt“ funktioniert auch ohne elektrische Unterstützung sehr gut. Und auch der Song „So rot MMXXI“, den SUBWAY TO SALLY 2021 neu aufgenommen haben, hat ein Zuhause gefunden.

Die Homepage der Band gibt es hier.

Das Album könnt ihr zum Beispiel hier ordern.

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Ja, ein wenig hochtrabend mag die Überschrift sein, denn VOGELFREY hat weder sich, noch das Genre neu entwickelt. Müssen sie aber auch nicht. Passend ist sie dennoch. Gemeint ist hier nämlich eher das Thema, unter dem die Platte entstanden ist. Denn ein wenig war das Abschütteln der Corona Schockstarre ein Ziel, das die Truppe aus Hamburg erreichen wollte. Hier lest ihr ob sie es erreicht haben. Das angestrebte Ziel spiegelt sich auch im Titel des Albums „Titanium“ einem leicht zu bearbeitendem Metall und dem Phoenix auf dem Cover wieder. Ursprünglich lautete der Titel des Albums zum Beispiel „Phoenix aus der Asche“.

Die Fakten

Am 15.06.21 startete VOGELFREY auf Startnext ein zweimonatiges Crowdfunding um die Produktion des Albums beginnen zu können. Eine der Unterstützungsmöglichkeiten war z.B. die Fahrt auf einer Barkasse mit Akustik Set durch den Hamburger Hafen. Der Bericht dazu folgt nächste Woche. Herausgekommen ist dabei unter anderem eine limitierte Fanbox mit einem Trinkhorn (+Halter) in Schnapsglas Größe und einer EP mit VOGELFREY-Songs im Folk Gewand mit dem Namen „Folksnah„. Auf „Titanium“ finden sich 10 Tracks, von denen wir drei Stück bereits kennen. Und die „Folksnah“ kommt mit 6 Songs daher, von denen gleich der Erste mit Jan Hegenberg gesungen wird. Und auch wenn ich hier auf die EP am Ende eingehe, fließt sie nicht in die Wertung ein, da sie bei der Standardversion des Albums nicht dabei ist.

Gehen wir es an!

Beginnen wir also mit der ersten Auskopplung „Flammenvogel“, die textlich den oben erwähnten Aufstieg des Phoenix aus der Corona Starre aufarbeitet. Und auch gleichzeitig einige motivierende Textzeilen beinhaltet. Der Song fasst das Thema des Albums sowohl in Melodie als auch textlich wirklich gut zusammen. Hören durfte ich den Song bereits Live und kann sagen, dass er echt gut funktioniert.

„Stahlhammer“ geht zumindest im Refrain und zum Schluss ’ne Stufe härter zur Sache. Ist aber textlich auch ein Motivationssong! Hier wird der eigene Wille mit Thors Hammer verglichen. Gefällt mir sehr gut. „Nicht A“ ist einer meiner Lieblinge auf dem Album. Inhaltlich rechnet man hier ein wenig mit der Mittelalter Elite und auch ein Stück weit mit der Metal Elite ab. Der Song macht aber auch sonst echt Laune, weil er ’ne echte Partynummer ist und von der Melodie richtig in’s Ohr geht.

Beim nächsten Song musste ich doch glatt nochmal nachgucken, was ich da gerade höre. „Nie wieder Met“ schraubt den Härtegrad nämlich etwas nach oben. Auffällig ist, dass die Geige hier im Gegensatz zu den ersten drei Songs etwas in den Hintergrund gerät. Aber dafür vereint man harte Riffs, einen treibenden Takt und Ohrwurmcharakter. Ein Banger im wahrsten Sinne des Wortes. Mit „Legenden“ beweist man, dass man auch ein wenig Schunkelmusik kann. Eine Art Metalballade. Behaltet den Song aber mal im Kopf, den werden wir später nochmal haben. Live bestimmt ’ne richtig geile Nummer, wenn alle sich einhaken und singen. Und ja, auch das ist Metal oder besser gesagt: Auch das ist A! Mit „Gott Gegen Gott“ betreten wir wieder das Reich der harten Metalklänge. Der Song ist einfach ein richtiger Banger und gibt richtig Energie! Besungen wird hier der Krieg der Titanen. 

Fremdsprache und Features

„Sawney Bean“ ist etwas Neues, denn zum ersten Mal auf einem VOGELFREY Album wird auf englisch gesungen. Hier war ich sehr gespannt drauf. Ein englischer Song über einen der berühmtesten Kannibalen, der die Idee für Filme wie The Hills Have Eyes lieferte. Ich musste tatsächlich bei Chris nachfragen, ob da Jannik singt, weil es klangfarblich einfach komplett ungewohnt ist. Dabei weiß ich nicht ob’s am Englischen liegt, oder einfach nur eine neue Facette in Janniks Gesang ist. Gefällt mir aber wirklich gut, gerne mehr davon. Auf jeden Fall ist der Song sehr folkig und die Art wie man hier die Trommel einsetzt, erzeugt bei mir das Gefühl des 15. Jahrhunderts. „Samael Hilf“ klingt direkt als käme er vom ersten Album. Denn man bewegt sich nicht nur textlich wie  bei „Belsazar“ in religiös mythologischen Gefilden, nein auch die Melodie ist ähnlich düster und unheilschwanger. Dementsprechend angepasst ist natürlich auch Janniks Gesang. „1000 Jahre Bier“ ist wohl der heimliche Favorit der Band und ein lang gehegter Traum. Einmal DEICHKIND covern, zu deren Songs jeder von VOGELFREY eine Verbindung hat. Und tatsächlich haben DEICHKIND die Nummer auch auf ihrem Instagram Account gepostet. Aber so eine Nummer macht man nicht alleine und so hat man sich kurzerhand an einen anderen DEICHKIND Fan gewendet. Mr. Hurley von MR. HURLEY UND DIE PULVERAFFEN. Die Umsetzung ist recht Düster und wird von einem satampfenden Beat getragen.

Den Abschluss des Albums bildet „Unsterblich“. Eingeleitet durch Alex‚ Geigenspiel, besingt Jannik hier die Morgenröte. Ein sehr gut gesetzter Song für den Abschluss des Albums.
Gefühlvoll und irgendwie passend zur Bedeutung der Morgenröte aufbauend zum Thema des Albums, entlässt uns der Song mit der Sehnsucht nach einem besseren, neuen Tag.

Folsksnah

…ist die Akustik EP, die nur der Limitierten Box beiliegt. Also kaufen, ein paar gibt es noch.

Wie angekündigt, begegnet uns Legenden erneut. Allerdings singt Jannik hier nicht alleine. Begleitet wird er von Jan Hegenberg. Und das passt auch wirklich sehr gut. Ich hoffe, dass man das durchaus auch mal live hört. „Ära des Stahls“ wird sehr stark von Alex‘ Geigenspiel geführt und verliert in der Akustikversion nichts von seinem Charme! Es macht genau so viel Spaß wie die Metalversion. Auf „Lindwurmmassaker“ war ich gespannt, auch wenn ich es bereits auf der Barkasse gehört hatte. Aber auf CD ist es natürlich etwas anderes, als mit knapp 50 Leuten auf der Elbe. Und es gefällt mir auch auf CD!

Kann ein Song über Met schlecht sein? Ich meine egal in welcher Variante? Nein! „Schuld ist nur der Met“ macht auch im Akustikgewand eine gute Figur. Der Song ist einfach ein Gute Laune Garant. Natürlich darf „Heldentod“ nicht fehlen. Und ich kann mich nur wiederholen. Gute Figur im Akustikgewand und so. Der Song gehört auch in dieser Version zu meinen VOGELFREY Alltime Favorites! Die Bonus EP hat sogar einen Bonustrack: „Walhalla“ in der Pianoversion. Diese wurde bereits letztes Jahr im Mai veröffentlicht. Aber ehrlich gesagt gehört sie auch auf die EP. Immerhin ist es eine akustische Version.

Für die Akustik EP alleine gibt es nur 8,5 Punkte. Nicht weil irgendwas daran schlecht ist, aber weil es zu wenig Songs sind. Gerne mehr davon. Leute, ich vermisse hier den Plattdeutsch Klassiker „Klauen, Klauen, Äppel wollen wir klauen“ und natürlich „Lebenslehre“. Aber das ist auch Meckern auf hohem Niveau.

Zu kaufen gibt es die CD hier.

www.vogelfrey.net

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