Hier waren wir also auf einem Freitagabend (30.01.2026): meine Frau, mein Fotograf und Freund Patrick Burkhardt und ich.
Wir sind extra etwas später da, um nicht in der Kälte stehen zu müssen. Und der Plan geht zum Glück auf. Vom Auto direkt in die Location. Drin bekommen Patrick und ich einen Presseaufkleber auf die Brust. Hab ich, glaube ich, diesmal das erste Mal.
Dann gehen wir vor die Bühne und sind schon mal überrascht, wie viele Menschen wieder da sind, die wir kennen. Auf der einen Seite vor der Bühne mein Arbeitskollege mit Frau und Tochter und rechts der Bühne Menschen, die wir auch aus anderen Communitys (HARPYIE und VOGELFREY) kennen. Eine schöne Überlappung, die immer wieder dafür sorgt, dass wir nur selten alleine sind. Vor allem da es zu diesem Zeitpunkt sehr leer in der Location wirkt. Schnell noch ein paar Getränke holen, die Preise sind wirklich moderat, und dann warten wir auf den Special Guest: AEVERIUM.

Beginn soll 19:00 Uhr sein. 18:54 ertönt plötzlich ein elektronischer Ton und alle zucken zusammen. Dann folgen Synthie Pop Klänge und die Band betritt die Bühne. Der Gitarrist Maarten Jung ist bereits halbnackt, was so ohne Kontext doch seltsam wirkt, aber später von Marcel Römer, dem AEVERIUM-Frontmann aufgeklärt wird. Bis dahin bleibt es irgendwie seltsam.

Mittlerweile ist auch der Laden gut gefüllt. Als wir ankamen, war es noch recht leer. Angefangen mit dem ersten Track „Return to Sender“ vom aktuellen Album „The Secret Door“ spielen sich AEVERIUM durch drei Alben und eine Standalone Single. Und ich muss gestehen, dass ich zu diesem Zeitpunkt nicht von der Livefähigkeit der Band überzeugt bin. Irgendwas wirkt seltsam, ohne dass ich es benennen kann. Die zweite Nummer „Living In Elysium“ hat mich dann aber doch langsam abgeholt, vermutlich auch, weil ich sie wenige Stunden zuvor noch auf der Arbeit gehört hatte.
Nebenbei gibt es Fistbumps von der Bühne von Sänger Marcel für zwei Kinder, die sich ihren Weg während des dritten Songs „Distrust“ nach vorne gebahnt haben.
Beim vierten Track „Whatever“ gibt es dann nach dem zweiten Refrain den „Oho“ Einsatz des Publikums. Und ich muss sagen, dass ich überrascht bin, wie laut die Leute mitsingen. Das habe ich bei einer Vorband, egal ob Special Guest oder Support, schon deutlich schlechter erlebt!

In den Pausen zwischen den Songs erzählt Marcel dann ein wenig was zur Band. Es fallen Sätze wie:
„Wir sind AEVERIUM und kommen aus… Ach egal, wir kommen von überall her.“
Oder auch: „Wir sind hier weil eine Band uns mitgenommen hat. Kennt kein Schwein. Setzt sich eh nicht durch: ERDLING.“ Die Zuschauer brechen in Gelächter aus und Marcel fährt fort: „Macht Backstage sehr viel Spaß. Mit Wetten, wo dann eben jemand kein Shirt tragen darf.“
Das erklärt also den halbnackten Gitarristen.
Und hier ist auch eine der Stärken deutscher Künstler, die noch nicht in großen Hallen spielen: Sie spielen nicht plump ihr Set durch, sondern interagieren mit der Menge.

Auch der Song „Break Out“, mit dem alles für sie beim Newcomer Contest auf dem M’ERA LUNA 2014 begann, darf natürlich nicht fehlen. Hierzu bittet er alle in die Hocke zu gehen um dann gemeinsam aufzuspringen. Dieser Part ist wirklich anstrengend, immer! Aber wir machen den Spaß auch jedes Mal mit. Egal bei welcher Band. Eventuell auch später bei ERDLING.

Auch um mit Klischees zu spielen, ist der AEVERIUM Frontmann sich nicht zu schade, denn auch eine Ballade ist im Set enthalten.
„Jetzt kommt eine Ballade. Alle Metaller so uuuhh. Das sind aber die, die als erstes heulen.“
Während der Ballade gibt es Soundprobleme, doch die werden souverän überspielt und schnell behoben. Und ohne Ankündigung holen die Konzertbesucher selbstständig die Handys raus um sie mit Licht hin und her gleiten zu lassen, was sehr schön aussieht, als ich mich im Raum umblicke.
Im letzten Track holen AEVERIUM nochmal alles raus. Nach anfänglicher Skepsis ein würdiger Opener, der das Publikum gut aufgewärmt hat.

Hier die AEVERIUM Setlist:

1. INTRO/RETURN TO SENDER
2. LIVING IN ELYSIUM
3. DISTRUST
4. WHATEVER
5. HUNTED
6. LOST AND FOUND
7. BREAK OUT
8. HOME
9. SAFE HARBOUR
10. HEAVENS BURNING

„LOS LOS LOS“

20:20 beginnt dann Neils Gesang. Es dauert ein wenig, bis ich erkenne, dass es eine Aneinanderreihung von Satzzeilen aus verschiedensten ERDLING Songs ist. Sowas gefällt mir sehr. „Und tobt der Krieg, sind wir Soldat. Wir explodieren wie Supernova.“ Mit dem Intro betreten ERDLING die Bühne und legen direkt mit einem Kracher los. Dem „Dominus Rex (Medley)“. Hierbei handelt es sich um eine Zusammenlegung der Tracks „Absolutus Rex“ und „Dominus Omnium“. Dies hat Neil schon in seinem Discord oder Twitch Kanal angekündigt. Aber dass man damit direkt am Anfang für Feuer sorgt, habe ich so nicht erwartet. Das Publikum, noch vorgewärmt von der Vorband, ist stimmungstechnisch direkt dabei. 220 Besucher, die einfach richtig Bock haben! Die ersten fünf Songs ballern einfach! Rohe Kraft!

Und auch Neil, der mit ERDLING letztes Jahr 10 Jähriges gefeiert hat, beherrscht das Spiel mit dem Publikum. Und so bringt er die Meute zum Lachen, als er fragt, wer denn das „Helheim“ Album habe und sich nur wenige melden mit den Worten: „Also Spotify zählt auch, also eigentlich ihr alle.“ Weiter führt er aus: „Da war ein Song drauf, der ist besonders wichtig für uns. Denn der hat uns tatsächlich viel weiter gebracht, als wir gedacht hätten. Das hätten wir dem Song nicht zugetraut, wie das nun mal so ist. Und dieser Song heißt „Götterdämmerung“!”

Mit diesem Song kommen erstmal die melodischen und mit „Supernova“ auch direkt der erste emotionale Song für meine Frau und mich. Ein Liebeslied ohne schnulzigen Liebesliedkram.
Zu „Mana“ verlost Neil dann zwei Dosen des hauseigenen Energy Drinks mit dem Namen Mana. „Wer den nächsten Song errät, kriegt einen.“ Einer aus dem Publikum ruft daraufhin „Zugabe!“ und Neil antwortet „Zugabe? Den haben schon so viele Bands gespielt.“ Das bringt das Publikum wieder mal zum Lachen.
Aber auch die Vorband und ihre Leistung wird gelobt. Diese haben nämlich ihr Album komplett ohne Management und Label veröffentlicht.
„Mein Element“ ist dann der Song auf ERDLING Seite, bei dem das Publikum in die Hocke gehen musste.

Dies ist der automatische Erdling Wetterdienst: „Blitz und Donner“ oder „Hinter dunklen Wolken“?

Dann ist die Band wieder auf der Bühne und nimmt ihre Plätze auf den Hockern ein, die da nun stehen. Es folgt „Firmament (Akustik Version)“ und ist mit „Supernova“ und „Sternenschimmer“ über die Setlist verteilt fürs Emotionale verantwortlich. Gerade „Firmament“ hat mich in dieser Version echt berührt und zum Heulen gebracht. Das kam wirklich unerwartet. Aber schön, wenn ein Konzert auch diese Seite abdeckt.
Für solche Überraschungen gehe ich auf Konzerte! Das sind Momente, die man mit ner CD einfach nicht erlebt.

Genauso für den Moment zwei Songs später, als die Rede von einem Cover Song ist. Ich habe kurz ein wenig Sorge, dass da irgendein quatschiges Popsong Cover folgt, aber was dann erklingt, ist der Hammer: „Don’t Wanna Be Me“ von TYPE O NEGATIVE!

Und der Song passt einfach so geil zu Neils Stimme! Ich hoffe hier natürlich auf eine Studiofassung, mein Lieber!

Den Abschluss bilden dann „Wir sind Midgard“ und „Helheim“. Noch einmal große Gefühle und Publikumsinteraktion mit „OHO“-Chören! Ein mehr als gelungener Abschluss für einen Abend voller Überraschungen, witziger Ansagen und jeder Menge Emotionen! Ein Dank geht natürlich noch an den Tourmanager, der mir nach dem Konzert plötzlich auf die Schulter klopft und eine Setlist gereicht hat. 

ERDLING sind immer einen Konzertbesuch wert und bieten den Sound für unterschiedlichste Emotionen!  Und ihre Art mit dem Meet & Greet umzugehen ohne Geld dafür zu verlangen, finde ich auf jeden Fall deutlich besser gelöst, als bei anderen Bands. Ich bin kein Freund von diesem Bezahlkram! Bei ERDLING konnte man sich vorher auf der Homepage anmelden und dann fand das M&G eine halbe Stunde vor Einlass statt. Das zeigt, dass diese Fantreffen für ERDLING wichtig sind, aber eben auch, dass sie begrenzt sein müssen, weil der Veranstalter den Laden auch irgendwann schließen will. Ich war dabei als die Band letztes mal im Riders die sogenannte Cerfew gerissen hat. Das ist die Zeit, wann die Band aus einer Location sein muss, damit das Personal der Location alles aufräumen kann.

Und natürlich habe ich auch die ERDLING Setlist für euch. Insgesamt gibt es ein buntes Feuerwerk aus 23 Songs von fünf der sieben verschiedenen Alben. Und jede Menge lustige Einlagen und autobiographische Ansagen:

1. DOMINUS REX (MEDLEY)
2. ES GIBT DICH NICHT
3. LOS LOS LOS
4. BLIZZARD
5. GRENDEL
6. GÖTTERDÄMMERUNG
7. AM HEILIGEN HAIN
8. SUPERNOVA
9. STEH DEN STURM
10. LEUCHTFEUER
11. MANA
12. DRUMSOLO
13. PHOENIX
14. YGGDRASIL
15. HINTER DUNKLEN WOLKEN
16. STERNENSCHIMMER
17. BLITZ UND DONNER
18. MEIN ELEMENT
19. FIRMAMENT (AKUSTIK VERSION)
20. MIASMA
21. DON’T WANNA BE ME (TYPE O NEGATIVE COVER)
22. WIR SIND MIDGARD
23. HELHEIM

[See image gallery at silence-magazin.de] Hier gehts zu AEVERIUM.

Hier gehts zu ERDLING.

Und hier findet ihr das RIDER’S CAFE in Lübeck.

Mittlerweile haben ERDLING einen zweiten Part ihrer Tour für Ende des Jahres angekündigt. Diesmal dann aber mit JOHNNY TUPOLEV als Special Guest. Und vielleicht sehen wir uns ja in Hamburg wieder. Und bitte achtet drauf, die erste Nennung für Zwickau war am 06.11. und wurde auf den 20.11. verlegt.

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Euch ist der Winter zu kalt? Die teils finsteren Welten des Metal könnten mal etwas Sonne bei euch vertragen? Fear not! Denn mit ANGUS COURT habe ich heute mal eine Band für euch, die euch mit ihrem neuen Album „No Time To Be Sad“ den musikgewordenen Stimmungsaufheller servieren. 

DIE JUNGS VON NEBENAN

So beginnt der Vorstellungstext auf ihrer Website. Und bereits bei den ersten Klängen der Vorabsingles „Sad Girl“ und „Pretty Maria“ vermittelt man genau diesen Eindruck. Irgendwie fühl ich mich sofort wohl im handgemachten, modernen Rocksound der Band. Es wird einem einfach warm ums Herzel und auch die neue Single „Brave“ bildet da keine Ausnahme. Was ist aber das Besondere an einer Band, bei der man als Erstes an schmackhafte Rindviehcher denkt? (Sorry an alle, die kein Fleisch essen!!) Nun, ANGUS COURT klingen mit ihrem gerade einmal zweiten Album einfach zeitlos. Zeitlos, weil sie geschickt Sounds von klassischem Rock der späten 80er mit der Moderne verbinden. Das wirkt alles so homogen und trotzdem frisch, dass es eine wahre Freude ist, die Songs im Kopf auf Anleihen zu checken. Höre ich da irgendwo FURY IN THE SLAUGHTERHOUSE? „Lost In Thinking“ wäre hier ein Beispiel. Oder vllt. doch JOURNEY? „Secret“ könnte auch von Arnel und Co. stammen. 

Wem die genannten Bands zusagen, dem kann ich schonmal sagen: hier fühlt ihr euch auch zu Hause, promise! Es ist aber keineswegs nur die Musik, auch die Texte sprechen eine Sprache, bei der man wirklich keine Zeit für Traurigkeit verspürt. Ich meine, wenn man sich mal schon die Tracklist anschaut, dann wird das mit „Homemade Lemonade“ oder „Miss Evergeen“ eigentlich schon deutlich. Auch ein „Lifeguard On Duty“ macht ’nen fröhlichen Eindruck, auch wenn es mal darum geht Trennungsschmerz zu verarbeiten. Aber von düsterer Stimmung keine Spur. Dieses Album ist einfach komplett ungezwungen, frei heraus und voll auf den Punkt. Auch stimmlich kann man hier null aussetzen, die Vocals von Sänger Nick verschmelzen regelrecht mit dem Sound und den ohrwurmgeschwängerten Melodien. 

Es mag daran liegen, dass ich musikalisch eher in anderen Gewässern fische und bei Gitarren bevorzugt die Dunkelheit schätze (ich kann auch den ganzen Tag Radio Bob! hören), aber ANGUS COURT sind mal wieder so eine herrliche Abwechslung für mich, wie sie eben einfach manchmal sein muss. Ich kann als Kritikpunkt hier nur sagen, dass das Album mehr in den Frühling gepasst hätte. Aber was raus muss, muss halt raus Tear down your „Walls“!

anguscourt.de

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Wie wird der Musikfan auf Bands aufmerksam? Er stolpert beim Stöbern im Plattenregal, auf Streamingportalen oder Videoempfehlungen bei Youtube drüber. So verhält sich das zumindest meistens bei mir. Im Fall des hier vorliegenden Albums namens „Echoes“ hab ich allerdings in unserer Promoliste den Namen DEVIL MAY CARE gelesen, noch dazu als Genre Post-Hardcore betitelt. Da war meine Neugier direkt geweckt, schließlich trägt die Band den gleichen Namen wie das vorletzte Album von ANNISOKAY. Man assoziert im Kopf eben immer sofort irgendetwas. 

Musikalisch haben beide Bands aber eher wenig gemeinsam, und der reine Name tut da sozusagen nix zur Sache. Schon bei den ersten Worten, die Sänger Tim im Opener „Dead Ember“ zum Besten gibt, fällt mir seine starke Stimme auf. Und sie erinnert mich an jemanden, ich konnte nur eine Weile nicht herausfinden, an wen. Mittlerweile tendiere ich zu Jacoby von PAPA ROACH. Wer anderer Meinung ist, möge mich bitte korrigieren. Das ist natürlich durchaus als positive Kritik zu verstehen. Soundtechnisch orientieren sich die Würzburger sehr am Stil der vergangenen Werke von beispielsweise RISE AGAINST. Also alles sehr schnell und mit hier und da eingestreuten Shouts. Diese finde ich persönlich allerdings manchmal etwas gezwungen. Die markante Klarstimme dominiert einfach zu sehr, und das auch mit Recht! Besonders in den langsameren Tracks zeigt sich deren Qualität. Bestes Beispiel dafür wäre das titelgebende „Echoes“. Von den Songs, die den Fuß allerdings reflexartig wippen lassen, hat sich bei mir „Our Hope“ wirklich in den Hörnerv gebrannt. Diese Nummern sind es dann auch, die „Echoes“ zu einem regelrechten Gute-Laune-Album machen. Es macht einfach Spaß! 

Nebenbei sei auch der Youtube Kanal von DEVIL MAY CARE erwähnt. Dort kann man wunderbar die Entwicklung der Band sehen. Studioeindrücke, Unplugged-Songs und Straßenkonzerte vermitteln eine sehr authentische Stimmung innerhalb der Band und die Nähe zu deren Fans. Sowas mag ich sehr und das gibt auch definitiv einen Sympathiebonus. 

DEVIL MAY CARE auf Facebook

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CRIPPLED BLACK PHOENIX sind wohl eine der fleißigeren Bands und können auf viele Veröffentlichungen seit ihrer Gründung 2004 zurückblicken. Aber sie haben auch eine ganze Reihe an Besetzungswechseln hinter sich. Was sie immer kennzeichnet, ist die trübe Melancholie im dunklen Gewand, die sich durch ihr Schaffen zieht. Sie nennen ihre Werke selbst „Endzeitballaden“.

Der frühere ELECTRIC WIZARD-Drummer und Multi-Instrumentalist Justin Greaves steht unverrückbar im Zentrum der Band und hat auch „Great Escape“ produziert. Mir liegt ein Digipak vor, das mit seiner Länge über 70 Minuten wohl kaum als kleiner Snack zwischendurch zu genießen ist. Nein, hier ist eine vereinnahmende Schwelgerei, ein Hinein- und Wegträumen angebracht! Noch mächtiger wartet die physische Veröffentlichung als Doppel-CD mit einem 36-seitigen Artbook und weiteren Bonus Tracks auf.

Da hat sich jemand nicht lumpen lassen…

Die britische Kapelle bietet dem Freund der psychedelischen Klänge ebenso Freude, wie dem des Art Rock und Progressive. Aha! Kein Metal? Genau. Kein Metal! Heut mal nicht. Und morgen vielleicht auch nicht. Denn „Great Escape“ lässt sich mühelos mehrfach weghören. Der Einstieg fällt dank direkt einsetzender Sprachsamples leicht. Solche machen mich immer erstmal aufmerksam, betroffen und nachdenklich. Wahrscheinlich geht es nicht nur mir so, dass ein gewisser Tonfall die Assoziation an an Chaplins „The Great Dictator“ aufkommen lässt. Und ab da gibt es kein Zurück mehr.

CRIPPLED BLACK PHOENIX verdichten die Atmosphäre gekonnt. Sehr bald baut sich ein schöner, voller Sound auf. Klar, bei acht Bandmitgliedern ist einiges an Dynamikumfang möglich. Mein persönliches Highlight des Albums kristallisiert sich schnell heraus. Äußerst mächtig verspricht wunderschön melancholischer, sanfter Gesang in dem fast zehnminütigen Epos „To you I give“:

We’ll make it right,
the world will still be here tomorrow
No need to cry,
fear is something we can conquer.

Und lässt mein unruhiges, so manchmal furchtgeplagtes Herz etwas weniger beklemmt im Brustkorb ruhen. „Madman“ hingegen folgt deutlich düsterer und langsamer. Getragenheit baut sich mit tiefer Tonlage und ebensolchen Drum-Toms auf. Eine ordentliche Zerre über der Männerstimme und beinah monotone Synth-Spuren katapultieren mich mitten in den Düsterrock der 90er Jahre. Währenddessen hinterlässt „Hunok Csatája“ mit stampfendem Drumbeat und aggressiverem Gesang vor allem einen folkigen Eindruck. „Nebulas“ vermittelt dank schwebender Frauenstimme wiederum eine melancholische Leichtigkeit.

Und so nehmen sie mich mit…

… langsam durch Morast watend, mit den Augen das Irrlicht suchend, dem man weiter aus der Realität folgen kann. Es sind absolut keine Verknotungen der Hirnwindungen notwendig. Die Briten spielen geradlinig ihren Stiefel durch. Genau so, dass ich mich problemlos hineinsinken lassen kann, ohne wirklich nachdenken zu müssen.

Gibt es ein Happy End?

Für mich mit dieser Platte: Definitiv! Mit den Songs „Great Escape (pt I)“ und „Great Escape (pt II)“ finden CRIPPLED BLACK PHOENIX einen gelungenen Abschluss. Die Zweistimmigkeit aus Männer- und Frauengesang in Part I lullt mich so richtig schön ein, Part II wabert postig vor sich hin und entlässt mich in eine Zwischenwelt, in der ich entweder weiter träumen oder auch beruhigt wieder in die Realität austreten kann.

Hier könnt ihr „Great Escape“ in voller Länge hören.

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HEADS., LENTO und SOVIET SOVIET sind mir namentlich geläufig, ich hatte allerdings noch nicht das Vergnügen mit selbigen. SUN WORSHIP habe ich hingegen schon einmal abfeiern dürfen und freue mich riesig darüber, sie im Programm für dieses Jahr entdeckt zu haben. Naja, und DOWNFALL OF GAIA, die sind eine Größe, die man wohl einfach kennt.

Oder eben auch nicht.

Ich habe sie in den letzten (bestimmt drei, vier) Jahren ganz erfolgreich wegignoriert. Fehlen noch zwei Bands – und zu denen habe ich wirklich keinerlei Bezug – FOTOCRIME und BRIQUEVILLE. Zeit, den Horizont zu erweitern … aber was machen die alle eigentlich?!

Den Reigen werden HEADS. eröffnen. Ich gebe zu, dass ich die deutsch-australische Kapelle bis dato nur vom Namen her kenne. Aus dem JAGUWAR-Dunstkreis. Mit noisigem, düsterem und waberndem Rock, der die Schwere von Sludge und den Dreck von Grunge in den Schuhprofilen mit sich trägt, stellen sie sich mir auf ihrem Langspieler “Collide” vor und versprechen damit ein vereinnahmender Start in den Abend zu werden.

„Collider“ by HEADS.

FOTOCRIME brechen mit dem, was das Opener-Trio anbringt und schmeißen mich in die Dark-Post-Punk-New-Wave-Sounds der tiefsten 80er. Synthielastiges Vor-Sich-Hinschunkeln, ein bisschen Leiden und Träumen – THE CURE, JOY DEVISION und SISTERS OF MERCY lassen grüßen. Ich bin gespannt, wie sich die aus den USA stammenden FOTOCRIME live machen. Denn solche Musik kenne ich bisher nur aus der Konserve,

Anknüpfend an die letzten Jahre wird es auch postig werden. BRIQUEVILLE sorgen für einen instrumentalen Sog, der live im besten Fall ordentlich zu hypnotisieren weiß. Die Belgier werden mit ihrer musikalischen Schwere dem Abend eine dramatische Wendung geben, um das Publikum auf SUN WORSHIP vorzubereiten, die episch und überwältigend das Kassablanca mit ihrem atmosphärischen Black Metal überrollen werden. Versprochen!

Wie soll es dann weitergehen? Nachdem doch schon gemetzelt wurde? Mit mehr Gemetzel!

So zumindest versprechen es LENTO aus Italien. Ebenso wie SUN WORSHIP suchen sie das Jenaer DEAF ROW FEST nicht zum ersten Mal auf und holzen instrumental gut los. Ich weiß beim ersten Reinhören nicht so richtig, wohin es gehen soll. Post Black? Sludge? Auf jeden Fall: Chaos. Und ziemlich anstrengend. Puh, mal sehen, was das wird… LENTOs Landsleute von SOVIET SOVIET, die ich ja nun bisher auch nicht weiter kenne, fahren ebenfalls ordentliche Soundwände auf, funktionieren aber ganz anders. Weniger chaotisch, viel harmonischer. Irgendwas lässt mich mit PLACEBO assoziieren – Basssound und Rhythmusarbeit, vielleicht auch ein bisschen der nölende Gesang – so würde ich die Gemeinsamkeit lokalisieren. Alternative Rock mit einer Schippe postiger Träumerei obendrauf. Es schiebt romantisch vor sich hin. Ich bin höchst erquickt und sehe der Band gespannt entgegen.

„Endless“ by SOVIET SOVIET

Headliner werden DOWNFALL OF GAIA sein. Ja, genau, die Wegignorierten. Erstkontakt sagt: Schön! Schnell! Düster! Black Metal also. Der Vergleich zu FALL OF EFRAFA ließ mich schon aufmerken, selbige wissen mich schon seit längerem gut zu begeistern. Und ja, nach den ersten Kostproben aus der Konserve könnten mir auch die atmosphärischen DOWNFALL OF GAIA in Zukunft gut schmecken, wenn sie mich in Jena zu überzeugen wissen.

Umrahmt wird das diesjährige LineUp wieder von aehm an den (echten!) Plattentellern (für echtes Vinyl!), der in den letzten Jahren schon die passenden Töne zur Pausenuntermalung finden konnte. Ich freu mich drauf!

Was?                          DEAF ROW FEST VII

Wann?                       29.09.2018

Wo?                            Kassablanca Jena

Preis:                         20€ VVK / 25€ AK

Genre:                      Post Rock, Post Metal, Post Punk, New Wave, Instrumental, Alternative, Noise, Black Metal, Sludge, Grunge

Bands:                     HEADS., FOTOCRIME, B R I Q U E V I L L E, SUN WORSHIP, LENTO, SOVIET SOVIET, DOWNFALL OF GAIA

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Auf den Text gekommen

Für mich persönlich bedeutet eine echte Alternative mehr als nur ein kurzes Zwischenspiel, um den zusammengepressten musikalischen Brei in meinem Kopf ein wenig zu lockern. Für einen Moment weg von den Shouts, Screams, schnellen Gitarren und donnernden Drums. Handgemacht sollte es trotzdem sein, ohne viel Spektakel und unnütze musikalische „Accessoires“. Mit Inhalten, die aus dem Leben gegriffen sind. Am liebsten flüchte ich mich dafür in ruhige Musik, allerdings sollte die nie nur instrumentaler Natur sein. Auch wenn ich Melodien, seien sie nun auf der Gitarre, Piano oder auch Streichinstrumenten gespielt, unglaublich faszinierend und fesselnd finde, ist es am Ende der Text, der mich komplett in den Bann des Liedes zieht. Das schaffen für mich derzeit nur wenige Künstler. Ob das an meiner Empfindung liegt? Möglicherweise.

Oder packt einfach niemand  Themen, die mich beschäftigen, auch in die Art von Musik, die ich dazu hören will?

Wahrscheinlich. Ist diese Musik deswegen schlecht? Keineswegs. Umso mehr begeistert es mich, dass es doch noch einige Künstler und Songs gibt, die punktgenau meinen Nerv treffen. Das schaffte zuletzt die Band SEPTEMBER STORIES aus der Kleinstadt Findlay, Ohio. Die Mischung aus Erzählungen, die sich unter die Haut brennen, und Melodien, in denen man versinken kann, hat mich gepackt und nicht mehr losgelassen. Und genau das zeichnet eine Alternative für mich aus. Sie muss zur echten Konkurrenz für meinen alltäglichen Musikkonsum werden. Umso mehr hat mich fasziniert, wie mich der folgende Künstler in seinen Bann gezogen hat.

HARRY STYLES. Ein Name, bei dem sich bei vielen der Mageninhalt einen Weg nach draußen suchen will. Bei anderen muss mit Sicherheit zuerst eine kurze Internetrecherche nachhelfen, um ein Bild in den Kopf zu zaubern. Und das nur, um dann die selben Körperreaktionen hervorzurufen. Stichpunkt Vorurteile? 

Zugegeben, Boygroups und deren Vermarktung finde ich selbst verabscheuenswürdig. Mich beschleicht dabei immer das Gefühl, deren äußere Erscheinung würde nur mit Musik umrahmt werden, damit ihre Teenie-Fans auch etwas haben, wofür sie Geld ausgeben können. Nichts anderes geschah dabei auch mit ONE DIRECTION, der Ex-Band von Harry Styles. Unbestritten eine der erfolgreichsten Pop-Bands der 2000er Jahre, wenn nicht sogar aller Zeiten. Genug Rekorde dafür haben sie ja gebrochen. Dass Musik, welche in den meisten Fällen aus der Feder anderer Leute fließt (man werfe einen Blick auf die Songwriter der einzelnen Songs) auf Dauer nicht erfüllend sein kann, liegt dabei nicht fern. Es kam wie es kommen musste. Nach sechs Jahren war 2016 Schluss. Die Musiker gingen eigene Wege, teilweise mit durschlagendem Erfolg. Das faszinierende daran ist, wie weit die neu gewählten Musikrichtungen auseinander gehen. Bestes Beispiel: Harry Styles. Wenn ihr mich nun brennen sehen wollt, dann gern. Aber hört doch bitte vorher einmal in sein Album hinein. Es fällt schwer zu beschreiben, was genau es ist, was dieses Werk für mich so besonders macht. Irgend etwas muss es aber sein, da es nun schon seit einem halben Jahr durch meine Playlists schleicht und immer wieder den Weg in mein Ohr findet. 

Sich der Musik hingeben

Besinne ich mich dann genau auf das, was ich da eigentlich höre, fällt mir die Antwort leicht. Es ist die bereits genannte Abwechslung, die stimmungsvolle Instrumentierung und die einzelnen Textzeilen. Wie zu erwarten dreht es sich natürlich viel um Frauen und Gefühle, die Art und Weise wie er diese Inhalte verpackt ist jedoch keinesfalls auf Niveau des neuesten Kuschelrock-Samplers. Gibts sowas eigentlich noch? Man merkt in jedem Song die Leidenschaft, mit welcher er Worte und Musik nach eigenen Vorstellungen zusammensetzt. Ihr merkt, zumindest bei mir schließt sich bei diesem Album der Kreis von dem, was ich von einer Alternative erwarte und dem, was ich letztendlich bekomme. Und es ist ein wahres Kunstwerk, welches der Junge da erschaffen hat. Egal ob der Intro Song „Meet Me In The Hallway„, welcher mich sofort entspannt zurückfallen ließ und trotzdem eine ungeahnte Power besitzt oder „Kiwi„, welcher einfach unglaublich antreibend ist. Es ist beeindruckend was passieren kann, wenn man sich nur auf etwas komplett anderes einlässt. Die Art, wie er aus an klassischen Rock anmutenden Klängen, dem ein oder anderen besonderen Instrument und seiner facettenreichen Stimme einen Mix auf die Beine stellt, ist auf eine unheimliche Weise musikalisch unfassbar befriedigend. Um dies alles zu verstehen, hört doch ebenfalls mal in den Song „Only Angel“ rein. Dieser komprimiert das alles wunderbar auf viereinhalb Minuten. Außerdem erinnert mich die Cowbell in dem Song an „Don’t Fear The Reaper“ von BLUE ÖYSTER CULT. Zudem hält dieses Gefühl dauerhaft an! Somit ist auch auch mein letzter Kritikpunkt für (meine) echten Alternativen aus der Welt. Für mich ist es deshalb auch eines meiner Lieblingsalben dieses Jahres und auf alle Fälle das, welches mich am meisten überrascht hat. Und jetzt seid ihr dran.

Was sind eure echten Alternativen und was zeichnet diese aus? Kennt ihr auch Künstler, die möglicherweise den Musikstil erfolgreich gewechselt haben und deshalb nun bei euch an Anerkennung gewinnen? Oder gibt es vielleicht sogar Musik, für die ihr euch schämt, dass ihr sie unglaublich gut findet? Immer her mit euren Reaktionen und Anregungen!

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Um ehrlich zu sein, habe ich die EMIL BULLS bisher höchstens mal am Rande gehört, weil mir ihre Songs meistens zu einfach gestrickt waren. Auch beim Titel des neuen Albums dachte ich mir: „Naja, schon etwas flach“. „Kill your Demons“. Starkes Verb, persönlicher Bezug zum Empfänger und irgendwas fieses, was man besiegen soll. Alter Hut also.

Das Album startet gleich mit dem Titeltrack „Kill your demons“. Schönes Up-Tempo, ansprechendes Gitarrenriff, radiofähige Melodie im Gesang. Passt, ein Song von der Stange. Wie gesagt, wir reden hier über keine Melodic-Death-Metal-Band. Trotz allem aber ein gut gewählter Einstieg in das Album.

„The Ninth Wave“ ist etwas abwechslungsreicher in seinen Stimmungen. Die geraden Beats treffen auf dezent melodischen Gesang und auch die Lautstärke wird mal hoch, mal runter gefahren. Die Münchner zeigen auch hier, dass sie klar gegliederte, in sich homogene Songs schreiben können, die durchaus Potential haben.

„Black Flags (over Planet earth)“ und „Miss Magnetic“ stehen dann aber eher für die Gründe, weshalb ich es früher nie lange mit der Band ausgehalten habe. Die Songs sind zwar gut und wertig, aber ich habe das Gefühl, dass sie schnell keine Überraschungen mehr zu bieten haben. Ich ertappe mich dabei, irgendwann nur noch mit halbem Ohr zuzuhören. Im Grunde ist die Musik recht gut dafür geeignet, im Auto oder auf der Arbeit gehört zu werden, ohne dass man zu schnell abgelenkt wird. Textlich finden sich allerdings so viele Wiederholungen, dass das den Songs einen leichten Pop-Touch verleiht.

„Once for all“ funktioniert genau wie seine Vorgänger: etwas rockiger im Sound, schöne Mitsingparts, „tighte“ Beats. Nett. Der Song hat keinen direkten Höhepunkt, keinen wirklichen Spannungsbogen, aber er unterhält. Solche Lieder eignen sich möglicherweise als Publikumsmagnet, dafür sprechen wahrscheinlich am ehesten noch die ersten beiden Stücke. Ansonsten läuft das Album in meinen Augen ständig Gefahr, in die Kategorie „Hintergrundmusik“ zu rutschen. Und eine Band der Größe von EMIL BULLS sollte sich schon fragen, ob sie das will.

„The Anatomy of Fear“ bietet dafür dann wenigstens einen kleinen Lichtblick. Spürbar härter als seine Vorgänger, hat der Song beinahe etwas vom Album „In your face“, jedenfalls in den Strophen. Der Refrain ist dann wieder wie die neueren Stücke von IN FLAMES: irgendwie lieb, fast melancholisch, moodywoody. Und, das fällt immer wieder auf, die Songs enden irgendwie unerwartet. Plötzlich ist Schluss. Vielleicht wird das live anders gelöst, aber so wirkt dieser Griff teilweise etwas irritierend.

Die zweite Hälfte des Albums setzt sich so stringent fort wie bisher. Die Gesangsmelodien bleiben sehr sanglich und sind textlich auch in aller Regel gut verständlich. Der Rhythmus lädt zum Nackentraining ein und man kann sich seine Lederjacke dazu anziehen, dann wirkt das Ganze auch. „Mt. Madness“ bietet glücklicherweise auch mal einen sauberen Schluss mit einem leichten fade-out. Juhu!

Songs wie „Euphoria“ langweilen fast schon beim Text, sind musikalisch aber gut. Schade eigentlich, dadurch verliert der Song enorm. Leider ist dies ein Manko, welches immer wieder mal auf diesem Album auftaucht. Dieselben Ideen finden sich immer wieder. „In any Case maybe“ fängt gut an, fällt dann aber ebenfalls in ein irgendwie bekanntes Muster. Den Rhythmus hat man auch schon mal gehört, die Songstruktur sowieso. Auf die Art wird eine gute Idee wieder nach bekanntem Prinzip verwurstet. Naja …

Mit „Winterblood (The Sequel)“ beenden EMIL BULLS ein Album, welches Fans der Band sicher nicht komplett enttäuschen dürfte. Das generelle Level bleibt ziemlich konstant oben, jedoch bietet das Album keine absoluten Ausreißer. „Kill your Demons“ und „The Ninth Wave“ sind live bestimmt ziemlich geil, sowohl auf Festivals als auch in Clubs. Dennoch wartet man bei einigen Songs darauf, dass mal was passiert. Viele davon scheinen am Reißbrett entstanden zu sein, und nudeln einfach nur nach Schema X eine Masche runter. Das heisst nicht, dass ein paar Songs durchaus rocken, aber leider eben nicht alle. Oft ist da noch die Handbremse drin. Schade.

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Der Versuch, GET YOUR GUN in eine Genreschublade zu packen, scheitert kläglich. Die Band beschreibt ihre Musik selbst wie folgt: „A blend between the weight and aggressive nature of stoner-rock, the nordic melancholy, and the darkest tales of country- and folkmusic.“ (Quelle) Ein paar Parallelen zu anderen Künstlern lassen sich allerdings ziehen. So denke ich an mancher Stelle an CHELSEA WOLFE, EMMA RUTH RUNDLE, manchmal sogar an HEXVESSEL oder NICK CAVE.

Minimalprinzip?

Eins kann ich definitiv festhalten: Trotz eher minimalistischer Musik erzeugen die beiden Dänen maximale Wirkung. Trotz einem weiten Raum und viel Hall habe ich das Empfinden, beengt zu werden, sogar jeden Moment nach Luft ringen zu müssen. Unfassbar!

Die Erfahrungen kannst du allerdings selbst sammeln, denn SILENCE hält für dich hier die exklusive Videopremiere zum Titel „You’re Nothing“ vom kommenden zweiten Album „Doubt Is My Rope Back To You“ bereit. Der Silberling ist ab dem 13. Oktober diesen Jahres erhältlich (Preorder).

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Bild mit freundlicher Genehmigung von GET YOUR GUN und Jonas Bang

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1476 – das Duo war mir bis dato kein Begriff, obwohl die hier besprochene Platte bereits das Album Numero 4 ist. Da ich aber eh ein kleines Faible für die Sachen aus dem Hause Prophecy habe, und 1476 vor recht kurzer Zeit in die Prophecy-Familie aufgenommen wurden, bin ich natürlich neugierig. Das einzige, was ich vorher schon über das Duo aus Salem, Massachusetts wusste, war, dass es sich wohl hierbei eher um Rock mit diversen Einflüssen, unter anderem aus dem Punk und Metal, handelt. Na dann, bringen wir die Membranen der Speaker mal zum Tanzen.

Vielleicht kann ich es doch nicht ganz tanzen nennen… noch nicht. Das Album startet mit nostalgischen, wehmütigen Klängen. „Our Silver Age“ schimpft sich der erste Track. Viel Trara gibts nicht. Eine klassische Gitarre und Gesang bereiten mich auf ein scheinbar Neofolk-artiges Album vor. Schließlich stoßen nun doch noch Schlagzeug und E-Gitarren dazu, verstärken aber die Schwere und Tragik der ersten Klänge. Doch nix rockiges?

Bäm! Hä? Wo bin ich denn jetzt? Hab ich aus Versehen den Ordner am mp3-Player gewechselt? Nein, habe ich nicht! Nach dieser Überraschung kann ich mir ein verwundertes Grinsen nicht verkneifen, denn „Ettins“, der zweite Song der Scheibe, schließt sich mit punkig-thrashigen Tönen an, die zum Zappeln einladen. Es wird in der Mitte des Titels kurzzeitig still, minimalistisch und akustisch und schafft somit die Verbindung zur geschaffenen Stimmung des ersten Tracks. Ein erneuter Energieschub lässt nicht lange auf sich warten. Und obwohl das Tempo und die Spieltechnik der Instrumente eher an diverse Punk- und Thrash-Sachen erinnern, klingen 1476 hier kein bisschen nach – ich nenne es mal – „Straße“, sondern schaffen ihre eigenen atmosphärisch-nostalgischen Vibes, ohne dabei in Selbstmitleid zu zerfließen und im Tempo einzuschlafen. So etwas habe ich zuvor noch nirgends gehört.

„Winter of Winds“ klingt ebenfalls erstaunlich frisch und doch an mancher Stelle eher schwermütig. Das wird nicht zuletzt daran liegen, dass einige Gitarrenpassagen zum Teil an seichten Black’n’Roll erinnern, während sie im nächsten Moment wieder sehr sanft mit dem klaren Gesang harmonieren, der, wie ich finde, stark die durchs Instrumental erzeugte Stimmung unterstützt.

„Solitude (Exterior)“ ist ein sehr gefühlvolles Stück, das sich vorerst akustischer Instrumente bedient. Da passt es sehr gut, dass auch die Stimme an Energie zurücksteckt und stattdessen recht hauchig und beruhigend eingesetzt wird. Einige Teile des Liedes schaffen ähnlich große Klangräume, wie man es beispielsweise aus dem Post-Rock kennt. Und dann, urplötzlich, kommt es zu einer kurzen Steigerung, die in einem Blastbeat gipfelt, der zusammen mit den Gitarren wie ein Befreiungsschlag klingt. Super geil!

Ein weiterer Song, der für mich wieder komplett anders klingt, und doch irgendwie ohne Kompromisse zur bisherigen Stimmung des Albums passt, ist der, der auf den Namen „Sorgen (Sunwheels)“ hört. Tragend, akustisch, neofolkig. Gitarre und Stimme sind sehr präsent, wenn auch sehr entspannend. Im Hintergrund hört man viel Hall, und als das Schifferklavier hinzustößt, bekomme ich ganz schön Erpelpelle. Das Stück erinnert mich an Neofolk-Größen wie beispielsweise FORSETI. Stark!

Auch „Winter of Winds“ bringt – trotz seines eher Stakkato-artigen Aufbaus, ebenso wie die bisherigen Songs – eine gewisse Schwere und Dramatik mit. Hier schwingt eben mal nicht großflächig und an einem Stück der Sound durch die Räumlichkeiten, sondern es werden eher abgehackte, kurze Anschläge betont, und trotzdem bleibt die Atmosphäre bestehen, an die man sich im Laufe des Albums gewöhnt hat. Faszinierend, wie 1476 das schaffen!

Das Album schließt mit dem längsten Titel, namens „Our Ice Age“, auch wieder einem akustischen Song, bei dem ich bei aller Tragik das erste Mal so richtig das Gefühl empfinde, dass sich die melancholisch-traurige Atmosphäre das erste Mal aufklärt und zu einer Art Klang der Befreiung und Erleichterung wird. Das funktioniert durch mehrstimmige Gesänge Chor-„Aaahhhs“ sehr gut, die irgendwie das Gefühl von Bestätigung vermitteln. Bei aller vorangegangenen Dramatik ein sehr schöner Ausklang.

Wie sie das schaffen, ist mir ein Rätsel

Ich bin verblüfft, wie harmonisch und doch abwechslungsreich das Duo klingt. Geboten wird hier echt alles von Neofolk und Dark Ambient bis hin zu punkig-thrashigem Rock und Post-Metal-Allüren, unterstützt von einem Schlagzeug, das von sanft bis zerstörerisch alles kennt und ebenso viel Abwechslung bietet wie die Vocals. Die Vocals könnten hier und da für meinen Geschmack etwas weniger Energie vertragen, die schreien mir ab und an zu sehr. Das ist aber bei Leibe nicht in jedem Song der Fall.

Das Erstaunliche dabei ist, dass jedes Lied nach 1476 klingt, die ihre erzeugte Mood über die gesamten 10 Titel aufrecht erhalten können, obwohl die Songs an sich so unterschiedlich sind. Wie sie das schaffen, ist mir ein Rätsel. Ich habe allerdings das Gefühl, dass es zumindest zum Teil daran liegt, dass sich Akkordverläufe auf der Klampfe nur sehr selten in etwas Positives auflösen. Wie auch immer – ein wahnsinnig interessantes Werk, das ich mit nichts vergeichen kann, weil es dafür zu eigenständig ist.

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Wer in den Neunzigern groß geworden ist, dem dürften Begriffe wie „Amphetamine Reptile Records“ bekannt vorkommen. Alles was damals schräg, krachig und seltsam lärmte, fand dort seinen Platz. Und ESCAPE IS NOT FREEDOM hätten sich mit „Goldsmith“ auf dem Label nahtlos in den Kader einfügen können. Stellt euch einfach simple Beats vor, die mit gedroppten Klampfen und schiefem Geplärre des Sängers kombiniert werden. Zwar taucht auch ab und an Frauengesang („Annul“) auf, aber irgendwie werde ich nicht warm damit.

Überhaupt ist das Album ein zweischneidiges Schwert, welches manchmal meine volle Aufmerksamkeit hat, nur um mich danach wieder völlig kalt zu lassen. Brachiale Dröhnungen wie „Night Light“ oder „Migraine“ plätten einem schön die Ohren, dass es Günther Jauch grün vor Neid werden lässt. Sumpfige Töne vom Griffbrett stehen ESCAPE IS NOT FREEDOM einfach am besten zu Gesicht, denn dann erinnern die Kerle aus Chicago durchaus an alte Glanztaten von THE MELVINS und frühe SMASHING PUMPKINS.

Schräg, schräger, ESCAPE IS NOT FREEDOM

Abgesehen von den tonnenschweren Saiteneruptionen, beschließt das Trio ihren Sound noch mit noisigem Geklimper aufzulockern. Für mich als Weirdo natürlich ein gefundenes Fressen. Schließlich gibt es nichts Besseres, als einer Band zu frönen, die selbst stolzen „Anti-Hörern“ zuwider sind. „Sodium“ bietet dafür ein hervorragendes Beispiel. Das rollt und grollt einfach nur stumpf im Gehör herum und findet sich bei mir prompt 3 Mal hintereinander im Player.

„Dispossess“ hingegen klingt wie eine gelungene, weibliche Version von JESU. Jetzt macht es auch bei mir klick, denn der Frauengesang passt hier wunderbar. Was besonders bei den Beiträgen von Gastsängerin Emily Jancetic auffällt, ist der komplette Verzicht von anderen Vocals. Für mich insofern ein Pluspunkt, da es genügend Platten gibt, die vor Sessionmitgliedern überquellen, aber man selber ohne einen Blick im Booklet nicht wüsste, wann der oder diejenige zu hören ist. Natürlich bestätigen Ausnahmen die Regel. Doch „Goldsmith“ hebt sich damit ein wenig aus der Masse raus.

Akustische Belästigung findest du HIER

Nicht jeder Schmied ist gesegnet

Was mir bei dem Album leider einen Strich durch die Rechnung macht, ist die Durchschnittlichkeit. Auch wenn mir einige Lieder im Kopf hängen geblieben sind, so überzeugt der Rest leider nicht. Dazu sind die Songs zu unspektakulär geschrieben. Manchmal reichen halt alle Bemühungen nicht aus, um jeden zufriedenzustellen. Das macht „Goldsmith“ zu keinem schlechten Album, nur ist es halt auch nicht besonders auffällig in Form von Songwriting, Klang und Stimme.

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