Die fünf Phasen der Trauer sind ein beliebtes Thema in jeder erdenklichen Kunstform. Ihr alle kennt wahrscheinlich ein Album, ein Buch, einen Film, einen Comic, ein Bild, oder ein anderes Werk, das irgendwie vom Fünf-Phasen-Modell der schweizerisch-amerikanischen Psychiaterin beeinflusst wurde. Es geht dabei um die Verarbeitung von Trauer, und um die fünf Stadien, die währenddessen durchlaufen werden. Die einzelnen Phasen sind Leugnen (denial), Ärger (anger), Feilschen (bargaining), Depression (depression), und Akzeptanz (acceptance). Kübler-Ross ist nicht unumstritten, da es in ihrer Arbeit an Empirie und Evidenz mangelt. Als Modell zur Veranschaulichung funktioniert das Fünf-Phasen-Modell allerdings sehr gut. Und für die Kunst sind die fünf Phasen der Trauer eine scheinbar nicht versiegende Quelle.

Atmosphärische Trauer

Nun haben also DARK AFFLICTION aus Griechenland ihr Debutalbum ebenfalls dem oben genannten Thema gewidmet. Große Preise für das Konzept wird hier wohl niemand erwartet haben. Das Album „Five Stages Of Grief“ beginnt mit einem instrumentalen Intro, auf das sechs Tracks folgen. Die Titel stehen jeweils für eine der fünf Phasen, wobei die zweite Phase nicht „Anger“ wie bei Kübler-Ross, sondern „Hate“ genannt wurde.

Musikalisch wiederum überraschen DARK AFFLICTION nach der Präsentation des abgedroschenen Themas auf ganzer Linie. Wir sollen eben die Bücher nicht nur nach ihrem Einband beurteilen! Eine halbe Stunde lang zieht die Band wirklich sämtliche Register des atmosphärischen und progressiven Black Metals. Eiskalte Hagelschauer aus Stakkati münden in symphonische Arrangements, und melodische Passagen werden von finsteren Unwettern abgelöst. Jeder der fünf Phasen ist mit ihren eigenen passenden Motiven belegt, und steht für sich.

Ein Ohrenschmaus

Doch nicht nur das Songwriting sorgt für Freude beim Hören, auch Umsetzung, Aufnahme und Produktion sind absolut großartig. Der Wechsel von warmen auf kalte Klangfarben, die Betonung der jeweils vordergründigen Instrumente und der Gesamtmix sind erstklassig. Der Sound ist stets klar und präzise, und verstärkt zu jedem Zeitpunkt die gerade vorrangige Stimmung. DARK AFFLICTION haben wahrlich ein sehr starkes Debutalbum vorgelegt.

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Solid Rock PR zur Verfügung gestellt.

bandcamp Profil von DARK AFFLICTION

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An den sonnigen Küsten Kaliforniens, im Schatten der Metropole San Francisco wurde die Band DELIRIA im Jahr 2017 von David Scanlon (DAWN OF OUROBOROS) gegründet. Der Klang, der so gar nicht an die sonnendurchflutete Landschaft des US-amerikanischen Westens erinnert begeisterte Sänger Adam Rupp (KILL THE MESSENGER) einzusteigen. Noch im Gründungsjahr wurde zusammen mit Schlagzeuger Jared Klein (RIVERS OF NIHIL) das Debutalbum „Nausea“ aufgenommen und veröffentlicht. Im darauffolgenden Jahr wuchs die Band weiter, sodass sich DELIRIA immer weiter von vorgefertigten Arrangements verabschieden konnten. Als neue Mitglieder stießen Gitarrist Brent Rockwell (THE UNDYING) und Bassist Jade Forsythe (ARCANE EXISTENCE9 sowie Schlagzeuger Andrew Baird (FALLUJAH) hinzu. Letzterer war noch an den Aufnahmen zum Album „Phantasm“ beteiligt, ist inzwischen jedoch nicht mehr Teil der Band. Durch den jüngsten Wechsel im Line-Up sitzt nun Brandon Clevenstine (SYMBOLIK) am Schlagzeug.

Konflikte im Inneren

In acht Liedern widmen sich DELIRIA erbitterten Kämpfen. Doch finden diese Schlachten nicht auf blutigen Feldern, in feindseligen Eiswüsten, infernalen Feuern oder massiven Festungen statt. Stattdessen geht es auf „Phantasm“ um Kämpfe, die in den Sphären von Seele, Unterbewusstsein und emotionaler Realität ausgefochten werden. Verführerische Trugbilder und besitzergreifende Dämonen lullen den Protagonisten ein und versuchen, ihn in tiefe Abgründe zu reißen. Zwischen depressiven Schüben, spirituellen Erleuchtungen, gefährlichen Sinnestäuschungen und selbstmächtigen Phasen ringt die geschundene Seele mit den Dämonen und mit sich selbst. Stets nah am Abgrund der Vergessenheit zieht sich der ewige Kampf um den Aufstieg aus der Dunkelheit.

Atmosphärische Parabel

Der erste Track „Smoke & Mirrors“ beginnt unerwartet melodisch und mag in den ersten neunzig Sekunden eher an Metalcore oder Post Hardcore erinnern. Dann aber eröffnet sich mit dem Einsatz des Gesangs ein tiefer Strudel in die Untiefen des Post Black Metal. Mit rasender Geschwindigkeit werden die Hörenden in eisig kalte Gefilde torpediert, denen man auch Bezeichnungen wie Atmospheric Black Metal, Depressive (Suicidal) Black Metal, und sogar Doom Metal andichten kann. Melodische Stellen wie die frostige Leadgitarre in „Gemini“ gehören fortan zu einer seltenen Art, bis erst im abschließenden Longtrack „Oblivion“ wieder farbenfrohere Klänge Einzug erhalten.

DELIRIA präsentieren solide und souverän ein Album, das weder thematisch noch musikalisch mit großen Überraschungen aufwartet. Von der Aufmachung bis zur Performance ist „Phantasm“ frei von Mäkeln. Gleichzeitig fehlt es weitestgehend an Aha-Momenten, die für ein nachhaltiges Wiedererkennungspotenzial sorgen. Da DELIRIA aber dermaßen souverän performen, stört das beim Hörvergnügen keineswegs.

Homepage von DELIRIA

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C-Squared Music zur Verfügung gestellt.

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MORBONOCT – „The Highest Purpose“

Veröffentlichungsdatum: 19. Februar 2024
Label: Eigenveröffentlichung
Länge: 59:31
Genre: Cosmic Black Metal

MORBONOCT wurde im Jahr 2021 vom ukrainischen Musiker Alexander Medvedev ins Leben gerufen. Noch im selben Jahr erschien das erste Album „Anmet„. Es folgten die Veröffentlichungen „Чорна безодня“ und „Galactic Gloom„, auf denen sich MORBONOCT auf schwarzmetallenen Klängen der Weltraumthematik widmeten. Inzwischen ist Bandgründer Medvedev aus der umkämpften Stadt Kherson ins polnische Stettin umgezogen, wo die ursprüngliche Ein-Personen-Besetzung um Sänger David Welnicki zum Duo ergänzt wurde. Und auch thematisch wie inhaltlich haben sich bei MORBONOCT einige Dinge geändert, wie das neue Album zeigt.

Ostseewinde und Galaktische Lichter

Auf den ersten drei Alben befasste sich MORBONOCT also vorrangig mit den dunkelsten Ecken des unendlichen Raumes um den Erdball. Teilweise symphonisch und stets düster bewegten sich die Klänge durch das Universum. Mit „The Highest Purpose“ wollen Medvedev und Welnicki nun ihr Spektrum erweitern. Ging es zunächst vor allem um Dunkelheit, wird nun auch deren Gegenpol mit eingebracht. Licht und Finsternis stehen sich hier gegenüber, gehen aufeinander zu, wechseln einander ab, und werden miteinander ins Gleichgewicht gebracht.

Aber nicht nur thematisch, sondern auch musikalisch haben sich MORBONOCT weiterentwickelt. Von den Symphonic Black Metal Einflüssen der vorigen Veröffentlichungen ist nicht mehr viel übrig geblieben. Stattdessen sind die Synthesizer-Einlagen auf „The Highest Purpose“ rau und kalt. Bandgründer Alexander Medvedev sagt, er habe die Kompositionen ausnahmslos bei Ausflügen zur Ostsee geschrieben und aufgenommen.

Zwischen den Gezeiten

MORBONOCT suchen auf „The Highest Purpose“ zum Einen ihre eigene musikalische Ausrichtung. Des Weiteren sucht die polnisch-ukrainische Band die Balance zwischen den Extremen. Licht und Dunkelheit, Leben und Tod, Zerstörung und Schöpfung stehen sich unvereinbar gegenüber, während MORBONOCT auf der Grenzlinie von einer Seite zur anderen springen. Gleichermaßen frostig rau und kosmisch meditativ befördert sich die Klangwelt leider oft aus dem Fokus heraus. Es bedarf also viel Konzentration beim Hören, um nicht abzuschweifen. Nichtsdestotrotz ist „The Highest Purpose“ ein ansprechendes Album für Fans von KEEP OF KALESSIN oder LIMBONIC ART.

bandcamp Profil von MORBONOCT

Das Promo Material wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Solid Rock PR zur Verfügung gestellt.

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Neues aus den deutschen Post-Black-Metal-Gefilden: DOWNFALL OF GAIA haben mit „Silhouttes of Disgust“ ihr mittlerweile sechstes Album am Start. Was uns da wohl erwartet? Riskieren wir doch mal ein Ohr!

„Silhouttes Of Disgust“ wartet mit insgesamt acht Tracks auf, die eine Spielzeit von gut vier bis sieben Minuten aufweisen. Da bin ich von atmosphärischem (Post-)Black-Metal doch deutlich zeitintensivere Songs gewöhnt. Aber die verhältnismäßig überschaubare Zeit wird von DOWNFALL OF GAIA selbstverständlich gut gefüllt – vor allem mit Hall und Blast Beats. Diese beiden Charakteristika sind ausnahmslos in jedem Song zu finden. Und was sonst noch?

Song für Song

Gehen wir doch einfach der Reihe nach. „Existence Of Awe“ heißt der erste Track, der bereits am 22. Februar als Single-Auskopplung veröffentlicht wurde. Und der geht schonmal tongewaltig los. Von einem stampfenden geht es zügig in einen treibenden Rhythmus über, dem dann sogleich die Blast Beats folgen. Sehnsuchtsvolle Melodien stimmen im Hintergrund mit ein und begleiten den intensiven Schreigesang.  Ein Break nach etwa der Hälfte der Spielzeit leitet zu minimalistischem Geschrammel über, welches sich Schritt für Schritt – erst die Gitarre, dann der Gesang, schließlich die Blast Beats – zu einer beklemmenden Soundwand auswächst.

Der zweite Track „The Whir Of Flies“ stimmt sich mit einem klappernden Schlagzeug und noch mehr Hall auf der Stimme vom Sänger ein. Wobei es „den“ einen Sänger bei DOWNFALL OF GAIA gar nicht gibt – die zwei Gitarristen und der Bassist sind laut Band Bio alle mit von der Partie. Aber zurück zum Song. Der birgt nämlich noch ein längeres, ruhiges Instrumental in sich, dem aber – wie sollte es anders sein – schließlich auch wieder Blast Beats folgen.

Das scheint generell das Konzept von DOWNFALL OF GAIA zu sein, und somit wagen sie bei „Silhouttes Of Disgust“ keine größeren Experimente. „While Bloodsprings Become Rivers“, der dritte Track, setzt unvermittelt und heftig ein, der Hörer wird beinahe weggefegt von den durchdringenden, aber ebenso melodischen Klängen. Mit dem vierten Track „Bodies As Driftwood“ will nochmal eine Vorab-Veröffentlichung genannt sein. Der Song lebt von vielen Rhythmuswechseln, die Blast Beats wechseln sich ab mit langsameren, aber ebenso eindringlichen Passagen.

Der nächste Track „Eyes To Burning Skies“ empfängt den geneigten Hörer mit einem ruhigen, (be)drückenden Anfang, und: Mit Frauengesang! Damit hat er definitiv ein Alleinstellungsmerkmal gegenüber den anderen Songs auf „Silhouttes Of Disgust“. Die klirrende Gitarre stellt dazu die reduzierte Begleitung. Nachdem so fast die Hälfte des Songs mit ungewohnt zarten Klängen ausgestattet wurde, setzen dann unvermittelt aber doch wieder das Schlagzeug und der hallversetzte Schreigesang ein.

Mit dem sechsten der insgesamt acht Tracks neigen wir uns bereits langsam dem Ende entgegen. „Final Vows“ beginnt… abgehackt. Also wirklich: 2 Sekunden Geschrammel – Stille – 2 Sekunden Geschrammel – Stille. In puncto Variation eine gute Sache, aber nicht besonders angenehm zum Hören. „Unredeemable“ ist mir da schon lieber mit seinem langen Instrumental-Intro. Am allerbesten finde ich aber den letzten Track: „Optograms Of Disgust“.

Auch hier haben wir wieder ein ruhiges Gitarrenintro, aber dann setzen für meine Ohren besonders verzweifelt klingende Schreie à la LIVELOVER ein, gepaart mit treibendem Schlagzeugspiel. Dem folgt ein beklemmendes Gitarrenzwischenspiel, begleitet von einem regelmäßigen Pochen. Der Sound schwillt an und dann kommen – richtig – wieder die Blast Beats. Diesmal aber begleitet von besonders schrille Tönen. Es folgen ein abrupter Abbruch und ein leises, sirrendes Ausklingen. „Optograms Of Disgust“ hat mich zum Abschluss nochmal überrascht und ist für mich der ergreifendste Song des ganzen Albums.

Was lange währt, wird endlich gut!

So könnte ich es sagen, wo doch der letzte Track mein Favorit ist. Aber ich möchte betonen, dass sich DOWNFALL OF GAIA über die gesamte Länge von „Silhouttes Of Disgust“ hinweg auf einem sehr hohen musikalischen Niveau bewegen. Da kann man wirklich nicht meckern. Es finden sich auch etliche Variationen in den verschiedenen Songs, nur der O-Ton bleibt (fast) immer derselbe.

Für mich hat das Album eher das Problem, dass mich – bis auf den letzten – keiner der Tracks wirklich emotional erreicht. Ich kann nicht genau greifen, woran das liegt, und es ist ja auch eine sehr individuelle Sache. Dennoch würde ich jedem Freund des atmosphärischen Black-Metal ans Herz legen, dem Album eine oder auch zwei Chancen zu geben, denn Atmosphäre wird hier definitiv geboten. Und wer weiß – vielleicht kriegt es euch ja zusätzlich auf dieser speziellen, eigenen Ebene!

DOWNFALL OF GAIA

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Merlin: Eigentlich geht’s ja um euer neues Album, aber natürlich kommen wir um das Thema Corona nicht herum. Ihr musstet ja schon den Release-Termin verschieben, größere Veranstaltungen sind auch in Österreich erstmal tabu, wie schaut’s da aus – habt ihr irgendeine Perspektive?

J.J.: Nah… net wirklich. Also zur Zeit… ich glaub, bis auf Neuseeland und Australien liegt überall alles auf Eis zur Zeit. Die Bayern wollen ja jetzt auch erstmal die Grenzen zu Österreich dicht machen, weil wir hier unseren Lockdown lockern. Mit vorsichtigem Optimismus traue ich uns irgendwelche minimalistischen Abstandsfestivals im Sommer zu, so wie 2020 das WOLFSZEIT (hier geht’s zum Festivalbericht). Halt mit Masken und Abstand für 2500 Leute statt für 10.000 oder so. Sowas trau ich uns zu, aber auch eher so im regionalen Umfeld. Nix, was großartig mit Fliegen oder sonstigwas verbunden ist. Das wär dann glaub ich alles schon wieder ein bisschen zu kompliziert…

Keine Ahnung, wer weiß, ob die ganzen Herbsttouren funktionieren! Bei der Impfbereitschaft, wie langsam das momentan weitergeht… da haben wir vielleicht schon wieder ein anderes Virus, bevor wir das hier unter Kontrolle haben. In Österreich ist die Impfbereitschaft gerade viel zu gering für eine baldige Herdenimmunität.

Da brauch ich mir glaub ich die Welt nicht schöner reden, als sie ist

Alex: Im Backstage in München zum Beispiel gab es ja in 2020 ein paar Abstandskonzerte…

J.J.: Ja, da hab ich mit meiner anderen Band gespielt, mit KARG. Und das hat, finde ich, ganz gut funktioniert. Dadurch, dass nicht nur vier Leute an einem kleinen Tisch gesessen sind, sondern doch glaube ich bis zu zehn, hatte man so ein bisschen das Feeling, wie am Anfang, wenn du mit einer Band startest und du hast nur das erste Album und dann sind halt, wenn du unter der Woche in Wien spielst, nur deine Freunde da, weil sich sonst halt keiner dafür interessiert. Und so kommt einem das halt vor, wie ein Kuschelkonzert, nur mit den engsten Freunden, da ein paar, da ein paar, da ein paar. Also ich hab’s gut gefunden.

Es war auf jeden Fall besser, als gar nichts zu machen. Die Leute haben sich ja auch gefreut, also da hat’s keine schlechten Resonanzen gegeben. Die haben auch fleißig Shirts und Platten gekauft, weil sie froh waren, endlich mal wieder face to face Kohle für Merchandise ausgeben und auch ein bisschen quatschen zu können. Vielleicht bekommen wir sowas wieder hin bis zum Herbst. Aber so Festivals wie die, wo wir unsere Jugend verbracht haben… davon sind wir glaub ich noch mindestens anderthalb Jahre entfernt, also mindestens bis Sommer 2022. Da brauch ich mir glaub ich die Welt nicht schöner reden, als sie ist.

Merlin: Wie habt ihr denn die Festivals unter Corona-Bedingungen erlebt? Du hast ja das WOLFSZEIT schon angesprochen und auf dem FIMBUL habt ihr ja auch gespielt, wie war das für euch?

J.J.: Ich hab’s nicht als so schlimm empfunden. Ich hätt’s lästig gefunden, wenn wir als Band beim Soundcheck Masken hätten tragen müssen, weil das ist ja dann auch nicht wenig anstrengend, auch wenn’s nur ein Soundcheck ist. Und vorher trägst du das ganze Zeug rauf und hin und her.

Ich hab mich in das ganze Corona-Thema generell nicht so reingesteigert. Ohne das Virus verharmlosen zu wollen, aber es ist schon lustig, wenn wir mal zwei Tage lang miteinander gesoffen haben, was mit 30 Jahren auch nicht mehr so ohne ist, und dann fühl ich mich am dritten Tag krank und sie kommen gleich so, „mach doch n‘ Corona-Test“. Ich bin schon wieder die ganze Zeit im Winter draußen gestanden und hab geraucht, ohne Jacke, aber du darfst einfach nicht mehr normal verkühlt sein, weil sofort… naja. Aber wir halten uns in der Band natürlich alle an die Vorgaben, also da gibt’s keine Diskussion!

Wie ein Kuschelkonzert, nur mit den engsten Freunden

Merlin: Kommen wir zu eurem neuen Album: Wir seid ihr auf den Namen gekommen, wie seid ihr auf das Cover gekommen und wie geht das zusammen?

J.J.: Also „Mære“ kommt ja von Albtraum. Und im Endeffekt ist das Cover eine Metapher, auch für die heutige Zeit… die Freiheit wird einem genommen, nicht nur wegen Corona, sondern alles wird überwacht… und wenn man 30 wird, da merkt man so, die Freundschaften lassen nach, man trifft nicht mehr so viele Leute, der social-media-Effekt, man hat 1000 Freunde, aber nur drei richtige… Und das mit dem „die Haut überziehen“ ist ja für ein Tier auch etwas Albtraumartiges. Das ist uns auch aufgefallen, dass wir noch kein Cover ohne Tier veröffentlicht haben. Das ist so ein bisschen Band-policy, dass da ein Tier drauf muss. Also jetzt im Normalfall nicht ein Elefant oder so, sondern ein Tier – jetzt nicht nur wegen dem Black-Metal – das mit dem, wo wir herkommen, etwas zu tun hat, mit Österreich. Also das ist jetzt nichts Lokalpatriotisches, aber zu diesen Tieren hat man halt einen Bezug.

Und joa, wir haben da erst lange rumgesucht und Matthias ist dann zufällig bei Instagram über diese Zeichnung gestolpert. Die ist von einer jungen holländischen Künstlerin. Mit der haben wir dann geschrieben und sie gefragt, ob sie das Bild noch leicht verändern würde, mit anderen Farben, weil wir uns diesmal auf rot-schwarz geeinigt hatten. Dieses gold-schwarz wie bei „Arson“, das ist Matthias Ding gewesen. Da ist er mir vier Alben lang in den Ohren gelegen, dass er das unbedingt haben möchte. Deshalb hab ich damals gesagt, okay, dieses Album machen wir es so, wie du willst, aber dafür nehmen wir dann schwarz-rot beim nächsten.

Und der Titel „Mære“ spielt auf eine Art Guhl an, der des nachts auf deiner Brust sitzt und dich vom Schlafen abhält. Und das ist für uns oder vor allem für mich eine Metapher für die Gedanken, die sich auch in den Songtexten widerspiegeln und die mich nachts vom Schlafen abhalten.

Alex: Wie kamen denn die Features auf dem Album zustande, vor allem das mit Neige von ALCEST? Der hat ja auch so eine Tendenz, andere Bands zu fragen, auch solche, die stilistisch erstmal gar nichts mit ALCEST gemein haben, und dann einfach zu sagen „hey, ich mag eure Musik, lass mal ne Tour machen!“

J.J.: Ja, und Neige ist so gescheit, dass er weiß, dass es viel mehr Sinn ergibt, mit Bands zu touren, die alle ein bisschen in ne andere Schiene gehen, und nicht drei Bands zu nehmen, die alle aus demselben Genre kommen. Ich würde zwar nicht sagen, HARAKIRI und ALCEST könnten nicht zusammen auf Tour gehen, weil das zu ähnlich ist, aber dann müsste zumindest die dritte Band komplett in eine andere Richtung gehen, damit das irgendwie heraussticht.

Also Matthias schreibt schon lange mit Neige bei Facebook, die haben einen recht ähnlichen Musikgeschmack. Und da haben die zwei eben auch Musikideen hin und her geschickt. Und dann trifft man sich irgendwann persönlich, was halt passiert, wenn man auf ähnlichen Festivals spielt. Dass man dann zuerst im selben Backstage abhängt, dann spielt HARAKIRI vor ALCEST und dann gehen die auf die Bühne, wenn wir von der Bühne gehen. Da kennt man sich dann ein bisschen zumindest. Jedenfalls sind wir dann zusammengesessen, sollen wir uns trauen, dass wir Neige fragen? Dann haben wir ein bisschen was getrunken und irgendwann hatten wir dann genug Mut zusammen und haben ihm geschrieben, ob er beim nächsten Album bock auf ein Feature hätte. *lacht*

Und wir haben eigentlich geglaubt, nee, wir sind ihm sicher zu unbekannt, oder vielleicht auch zu ähnlich wie ALCEST oder was auch immer, aber er hat sofort ja gesagt! Es hat dann ein bisschen gedauert, da konnte er aber nichts für, sondern weil die das in Paris mit dem ersten Lockdown ja noch viel ernster genommen haben. Da hat er etwas gebraucht, bis er ein Studio gefunden hat. Das war glaube ich wirklich erst Anfang Mai. Und sonst hat das aber super funktioniert! Ich find’s auch gut, dass er etwas Cleanes singt und nicht nur schreit. Obwohl er gar nicht so viel älter ist als Matthias und ich, ist er halt doch so eine Art Jugend-hero. Und an seiner Musik orientieren wir uns natürlich auch zu einem gewissen Grad, auch wenn mittlerweile auch viel andere Einflüsse drin sind. Aber wo wir herkommen, das ist wahrscheinlich fast unüberhörbar.

„nostalgia“ klingt eigentlich scheiße von der Aussprache her

Alex: Apropos Cleangesang, auf eurem zweiten Album „Aokigahara“ gab’s ja auch in einem Song eine Passage auf Deutsch…

J.J.: Ja, die war nicht von mir, sondern wir wollten Ben von FÄULNIS für das Feature haben und er hat sich nicht drauf eingelassen, einen englischen Text zu singen. *schmunzelt* Da hab ich dann im Endeffekt einfach n Vierzeiler rausgestrichen und gesagt „mach was du willst“. Ich selbst bin nie so hundertprozentig hinter gemischtsprachigen Songs gestanden, weil entweder so oder so. Also ich hab kein Problem mit Bands, die ein paar englischsprachige Songs auf ihrem Album haben und ein paar deutsche oder französische oder norwegische, aber im selben Song war das für mich jetzt nie so das Wahre. Aber ja, ich wollte Ben auf dem Album haben, weil er ein super cooler Typ ist und halt auch super coole Vocals macht – mir wär halt lieber gewesen, er hätte meinen Text gesungen in Englisch. *lacht* Aber das passt schon so für mich.

Alex: Und wie ist das mit Stimmvarianz bei dir?

J.J.: Es ist so… je älter du wirst, desto schwieriger wird das Hohe. Auf den ganz alten KARG Sachen zum Beispiel habe ich um Welten höher geschrien als jetzt. Das hat sich dann geändert, vielleicht auch durch die musikalischen Einflüsse, dass ich dann ab 2011 viel mehr Modern Hardcore und so gehört hab. Vielleicht hab ich dadurch auch automatisch hardcore-mäßiger gesungen. Aber es ist natürlich auch mit dem Alter gekommen. Auf „Aokigahara“ war ich auch noch sehr hoch eigentlich. Ich weiß auch, dass meine Stimme auf 80 Minuten verteilt dann doch ein bisschen eintönig ist. Ich probier’s halt dann doch wieder mal, etwas höher zu shouten, aber das ist auch was, das man als Außenstehender oft ein bisschen unterschätzt. Dass die Aussprache von gewissen Wörtern oder Silben in gewissen Tonlagen manchmal nicht so gut funktioniert.

Matthias hat zum Beispiel auf unserem neuen Album das Wort „nostalgia“ sehr gestört. „Nostalgie“ klingt ja im Deutschen ganz cool, aber „nostalgia“ klingt eigentlich scheiße von der Aussprache her. Also, es ist nicht immer alles so leicht, wie die Leute es auf YouTube gerne kommentieren. Oder wenn du schonmal 25 Konzerte hintereinander gespielt hast, ohne einen day off, dann quatsch nochmal mit mir drüber, wie das ist mit Stimmfarbe und jedes Mal reinschreien, was die Stimme hergibt. Da ist dann manches einfach nicht mehr möglich. Man probiert natürlich immer einen Kompromiss zu finden, dass es live doch nicht so viel schlechter als auf dem Album klingt. Weil natürlich hat man beim Album so viele Möglichkeiten, wie man will, und ich kann meinetwegen jedes Wort siebzehn mal einsingen, aber… naja. 

Merlin: Welche Bands sind denn momentan eure musikalische Inspiration? Du hattest ja schon ALCEST genannt…

J.J.: Also das ist unterschiedlich. Matthias hört gerne auch so Indie-Zeug und die neuen Sachen von DEFTONES und so… Bei mir ist es eben viel Modern Hardcore, zum Beispiel BIRDS IN ROW. Aber auch Sachen wie LUSTRE, TAAKE, von LANTLOS die „.neon“… „Spiritual Instinct“ von ALCEST höre ich mir fast jeden Tag an. Witzigerweise war „Protection“ am Anfang nicht mal mein Lieblingslied, sondern der erste Song „Les jardins de minuit“. Aber mittlerweile hat sich „Protection“ so gemausert bei mir… Und ja, LIFELOVER und APATHIE hab ich auch gehört am Wochenende. 

Vielen Dank für deine Zeit und das Interview!

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In eisigen Gefilden wie Island bedienen sich Black Metal-Bands nur allzu gern der traditionellen Ruppigkeit. Scheppernde Blastbeats, klirrende Gitarren, ein frostiger Klang, der dem Zuhörer das Blut in den Adern gefrieren lässt. DYNFARI tun nichts davon. Zumindest nicht nach Schema F. Das Ergebnis ist eine gar nicht mehr so schwarze, anschmiegsame Atmosphäre ohne die bekannte Black Metal-Tobsucht. Aber geht die Formel auch auf dem inzwischen fünften Album „Myrkurs er þörf“ auf?

Ein seicht dahinplätscherndes Intro („Dauðans dimmu dagar“) später – ab geht die wilde Fahrt. Okay, ganz so wild wie das Genre vielleicht erwarten lässt, wird die Reise dann doch nicht. Im Grunde eigentlich gar nicht wild. Hier und da gibt es dann aber doch mal einen ungezügelten Ausbruch. Statt finsterer Black Metal-Passagen lassen DYNFARI eine weitaus kuscheligere Rocknote mit einer starken Priese psychedelischer Einflüsse – in dieser Hinsicht tun sie es ihren Landsmänner SÓLSTAFIR gleich – in „Myrkurs er þörf“  einfließen. Aber auch mit Erfolg?

Knuddelatmosphäre statt Säbelrasseln

Kurzum: Jein. Denn mit Black Metal hat „Myrkurs er þörf“ in etwa so viel zu tun wie der Teufel mit der Taufe. Frontmann Jóhann Örn singt überwiegend klar, auch sein Kollege Jón Emil hält sich hinter den Kesseln tempomäßig ziemlich bedeckt. DYNFARI wagen also lieber einen akustischen Ausflug in ein naturelles Idyll, als denn sich auch nur im Mindesten an etwaige Genrekonventionen zu halten. Im Klartext heißt das also: keine Blastbeats, keine Krächzvocals, ja selbst das urtypische Black Metal-Riffing findet sich nur in Ansätzen in Nummern wie „Langar nætur (í botnlausum spíralstiga)“ und „Ég fálma gegnum tómið“. Diese Tatsache mag vielleicht mancherorts auf taube Ohren stoßen, macht aber auch ein Stück weit den eigenständigen Zauber der Isländer aus.

DYNFARI wirken jedoch ziellos auf „Myrkurs er þörf“. Wohin es gehen soll, das weiß die Band wahrscheinlich selbst nicht so genau. Trotz progeschwängerter Kompositionen ist das Album mit einer Spielzeit von einer Dreiviertelstunde dann aber doch erstaunlich kompakt geblieben. Immerhin schaffen es DYNFARI trotz der „Mängel“ eine Atmosphäre von Naturkraft und skandinavischen Frischlufteindrücken zu kreieren, klingen dabei  nach gemäßigten Bilderbuchklimpereien, die bei Bands wie WOLVES IN THE THRONE ROOM oder BORKNAGAR dann doch einen ganzen Zacken authentischer daherkommen. Ganz entsagen wollen DYNFARI ihren Ursprüngen aber nicht und ziehen auf dem vor Abwechslung strotzenden Zehnminüter „Peripheral Dreams“ dann schließlich doch alle Register, die in der übrigen Spielzeit leider verschlossen sind. Mehr davon hätte dem Album besser zu Gesicht gestanden.

Etikettenschwindel oder isländische Eigenheit?

Wahrscheinlich stoßen DYNFARI bei nicht wenigen Atmospheric Black Metal-Überzeugungstätern auf Unverständnis. Das dürfte aber wenig wundern angesichts des eigenwilligen Sounds der Truppe, der auch bereits in der Vergangenheit große Schlenker um die typischen Trademarks machte. Ungestüme Soundexplosionen kommen auf „Myrkurs er þörf“ bestenfalls in Ansätzen vor. Dafür aber umso mehr Post- und Prog-Einflüsse. Der Griff zu Extremen wird hier noch ein Stückchen minimalistischer als man es von DYNFARI sonst gewohnt ist. Ob das nun gut oder schlecht ist, bleibt dem Zuhörer überlassen. Musikalisch macht die neue Scheibe aber dennoch eine mehr als anständige Figur.

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Es kommt nicht oft vor, dass mich ein Album von vorne bis hinten restlos begeistert. Sei es einer der Tracks, der mir nicht gefällt, eine gewisse Langatmigkeit, ein fehlendes Sahnehäubchen – irgendwas finde ich immer zu meckern, und dann reicht es nicht für die 10 von 10. Aber jetzt hat es tatsächlich ein Album geschafft, mich vom ersten bis zum letzten Song mitzureißen und ich tue nichts lieber, als diese Begeisterung weiterzugeben!

Hier schreibe ich, ich kann nicht anders

Huch, das war jetzt schon ein ganzer Absatz, ohne dass ich überhaupt erwähnt habe, um welches Werk es eigentlich geht! „Skelepht“ heißt das gute, nein großartige Stück, das von der schwedischen Band DRÅPSNATT kreiert wurde – und eigentlich bereits im Jahr 2012 erschien. Warum also ausgerechnet jetzt eine Review dazu? Nun, das von meinem Musikgeschmack allseits geschätzte Label NORDVIS haut diesen Mai ein re-issue von „Skelepht“ raus! CD und Hoodie hab ich mir bereits vorbestellt, und falls ihr einen Schallplattenspieler besitzen solltet, auch für den ist Futter zu haben!

Nur nicht erschrecken

Einer der Punkte, die das Album für mich so besonders machen, ist der eigenständige Gesang. Dabei ist zu sagen, dass „Skelepht“ sowohl Geschrei als auch Klargesang beinhaltet. Vor allem ersteres mag vielleicht auf den ein oder anderen zunächst abschreckend wirken, weil es wirklich sehr heiser und eigen klingt, aber es passt wunderbar zur Musik und erzeugt Atmosphäre. Der Klargesang unterdessen ist seltener und auch erst ab dem 6. Track, „Förruttnelsens Hypostaser„, zu finden, was beispielhaft für den Aufbau des Albums ist.

Dieses fängt nämlich mit „Meningslösheten“ sehr düster an. Es klingt quasi „typisch“ nach Atmospheric Black Metal, und die Atmosphäre erhält sich auch, während das Album gegen Ende immer heller und melancholischer wird. Dabei hat jeder Song sein eigenes, eingängiges Motiv, Gitarre und Keyboard schaffen frische, geniale Melodien, die im Ohr bleiben. Besonders der letzte Track „Intigheten„, was laut Internet etwa „Nichts“ oder „Nichtigkeit“ bedeutet, hat es mir in diesem Zuge angetan. Einfach wunderschön.

Summa summarum

Zu meckern gibt es diesmal nichts. Das ganze Album ist für mich ein wunderbar runder Hörgenuss. Abwechslung, Atmosphäre und eine kleine Prise Schwermut – mein Favorit aus 2020 so far. Ich hoffe sehr, dass dies nicht das letzte Album der Schweden von DRÅPSNATT bleiben wird!

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In ihrer eigenen Beschreibung sagen THE HOLY FLESH, die Leere sei voll, die Stille spräche und die Dunkelheit leuchte. Mehr Auskunft möchte uns die britische Band allerdings nicht mitteilen, womit sie im Prinzip schon sehr viel gesagt hat. Es sind die krassen Gegensätze, durch die das Wirken von THE HOLY FLESH sich manifestiert. Abgesehen davon wird sich in jeder möglichen Hinsicht sehr bedeckt gehalten. Namen, genaue Herkunft oder weiteres über die Band und ihre Mitglieder sind nicht bekannt. Es scheint wohl, als wolle die Gruppe mit der Welt außerhalb ihres Proberaums wenig zu tun haben. Oder aber sie verzichten bewusst auf Gimmicks, um den Fokus ausschließlich auf ihre Musik zu legen.

Atmosphäre, Psychedelik und Dunkelheit

Der erste Teaser „Emissary I“ zum Ende März 2020 erscheinenden Debut Album wurde kurz nach Weihnachten veröffentlicht. Der Track ließ schon erahnen, was die Hörenden vom kommenden Album zu erwarten haben. Es handelt sich dabei übrigens um den Opener des Albums. Die Tracklist ist aufgeteilt in „Emissary I-IV“ und „Vessel I-IV“. THE HOLY FLESH spielen auf „Emissary & Vessel“ ihre ganz eigene Variante des Post Black Metal, der vor Einzigartigkeit nur so strotzt. Schleppende Black Metal Passagen ziehen sich atmosphärisch und düster über wunderschöne Disharmonien. Währenddessen zieht sich psychedelischer Post Rock stetig durch Rhythmik und Stimmung. Hier und da sind leichte Einflüsse aus Blackgaze zu hören, wobei diese sich eher im Hintergrund halten.

Die hohe Kunst des Untergrunds

Die bittersüße Symphonie aus eiskalter Disharmonie wird ab dem 27. März 2020 über das kleine Underground Label Caligari Records vertrieben. Hier wird ebenso wie bei der Band der strenge Fokus auf das Musikalische sehr ernst genommen. Neben der digitalen Version zum Download wird „Emissary & Vessel“ auf Musikkassette zum Kauf bereit stehen, womit der Underground Faktor nur noch mehr hervorgehoben wird. Das auf 150 Stück limitierte Tape ist in einem edlen Cover Artwork verpackt. Die Hülle erinnert sehr an die Ursprünge des okkulten Rock und Metal und ist sonst bar weiterer Informationen. Das erste Release von THE HOLY FLESH ist von vorne bis hinten Underground. Dabei werden neben der Musik weder Form noch Erscheinung ausgelassen.

Minimalistisch und kalt

Was den einzigartigen Sound von THE HOLY FLESH auf ihrem ersten Album ausmacht, ist vor allem ihre grenzenlose Ausbreitung, die sich nicht um imaginäre Tellerränder kümmert. Während das Hintergrundbild der Klanglandschaft sehr nach Black Metal aussieht, sprechen die darin vorhandenen Charaktere eine ganz andere Zunge. Mal gehen die Gitarrenriffs in Richtung Alternative Rock. Andere Male wiederum fühlt man sich beim Zuhören ins Universum des 80er Post Rock versetzt. Und selbstverständlich bleibt bei all dem die düstere und eiskalte Impression des Atmospheric Black Metal nicht auf der Strecke. Gelegentlich kommt es vor, dass der Klang an DSBM wie TOTALSELFHATRED erinnert.

THE HOLY FLESH präsentieren sich auf ihrem ersten Release eigenständig und innovativ. Black Metal und Post Rock werden hier zu einem eigenen Stil vermischt, ohne Vorreiter zu kopieren. Mittels einzigartiger Atmosphäre und minimalistischer Ausführung gelingt der Band ein ausgezeichneter Einstand.

THE HOLY FLESH auf Facebook

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Auslandende, sattgrüne Ebenen, am Horizont Berge, die sich dem Himmel entgegenrecken, dazwischen tiefblaue Seen – das sind die Bilder, die mir beim Hören von SKYFOREST in den Sinn kommen. Mit seinem dritten Album „A New Dawn“ entführt uns der russische Musiker erneut auf eine lange Reise durch die Schönheit der Natur – was uns dabei wohl erwartet?

Keine Sorge. Es lauern weder Drachen noch Nazgûl auf unserem Weg. Stattdessen geht es mit „Along the Waves“ erstmal ganz gemütlich los. Gitarrengezupfe, im Hintergrund diverse Streicher, dann wird es plötzlich episch. Damit das zügige Schlagzeug und der hallversetzte Gesang aber nicht zu finster wirken, werden sie stehts von folklorischen Melodien begleitet. Auch die Geige darf natürlich nicht fehlen.

Klänge wie aus Mittelerde

Die zweite Etappe „The Night is No More“ mutet an wie der Gang durch morgentlichen Nebel. Geht es noch mit flüsterndem Gesang zu gemäßigten Klängen los, so zieht das Tempo im weiteren Verlauf immer mehr an und gipfelt gewissermaßen in den atem(be)raubenden Höhen des weiblichen Gastgesangs. Doch am Ziel sind wir hier noch nicht.

Mit „Heart of the Forest“ geht es stattdessen ins geheimnisvolle grüne Dickicht. Begleitet von den bekannten musikalischen Eindrücken, schreiten wir auf „Rebirth“ zu. Dort treffen wir wieder auf die weibliche Stimme, umgarnt von dem eingängigsten Motiv, das uns bisher begegnet ist. Wollt ihr anderen von unserer Reise durch „A New Dawn“ berichten, so empfehle ich „Rebirth“ als kleinen Einblick ins große Ganze.

Als wir den Wald wieder verlassen, erwartet uns erneut ein epischer Abschnitt: „Wanderer„. Die Natur wird gewaltiger, treibende Winde durchwehen die Landschaft. Der Ausblick hier ist fantastisch, das Fernweh treibt uns an. Und dann, ganz unerwartet, tauchen plötzlich altbekannte Gefilde am Horizont auf. „Scattered Ashes“ lässt noch einmal alles Erlebte eindringlich auf uns wirken und geleitet uns schließlich mit nostalgischen Gitarrenmelodien nach Hause.

Gemütlicher Spaziergang oder aufreibendes Abenteuer?

„A New Dawn“ ist definitiv auch für ungeübte Abenteurer geeignet. Die Songs fließen beständig vor sich hin, ab und an sticht ein melancholischer Gesang, eine ergreifende Geigenmelodie hervor, aber von größeren Überraschungen bleibt der Reisende verschont. Wir sind zurück von einer beeindruckenden, jedoch wenig ereignisreichen Wanderung durch die Schönheit der Natur.

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Was uns erwartet? Hör’n wir doch mal rein…

Atmospheric/Avantgarde Black Metal liefert das Trio von HERBSTNEBEL, das erst im vergangenen Jahr ihr Doppelalbum „Inner Catharsis I + II“ und damit ihr erstes Full Length Album seit Gründung 2005 veröffentlichte. Was lange währt wird … na? Selten mal schnell so hingerotzt. Und, ja, mir begegnet ein Album, welches sowohl tragend und langsam als auch hektisch und knüppelnd eine gute Mischung für die Liveshow verspricht. Da der Sound der Aufnahmen in meinen Ohren noch deutlich Luft nach oben hat, denke ich, dass sie mir live noch etwas besser gefallen werden.

IFFERNET haben ebenfalls in 2019 ihr Debut herausgebracht. Sie sind allerdings mit nur zwei Mitgliedern noch dünner besetzt als die Thüringer. Wie sie so auf der Bühne Atmospheric Black Metal erzeugen wollen, lässt mich noch rätseln. Ja, gut, auch aus einer Gitarre kann man viel rausholen, wenn ausreichend Brüllwürfel und Effekte hinten dran hängen. Oder bringen sie sich vielleicht noch einen Gastmusiker für die Liveshows mit?! Zumindest scheinen sich beide am Gesang zu betätigen, was schöne Effekte verspricht. Straight und ohne große Schnörkeleien schrotet die 2019er Release vor sich hin und wiegt mich recht schnell in das allseits beliebte Weltenschmerz-Gefühl. Ja, das kann gut werden!

Headliner des Gespanns stellen TURIA, deren neuestes Werk „Degen van Licht“ erst vor wenigen Tagen den Weg in die Öffentlichkeit gefunden hat. Und sie sind nicht umsonst Headliner. So auf den ersten gefällt mir das neue Album schon außerordentlich gut. Ihr solltet auch unbedingt mal reinhören, wenngleich ihr es vielleicht nicht zum Konzert schaffen solltet. Es wirkt insgesamt ausgewogen und verspricht eine vereinnahmende Liveshow, wenn sich der Sound in der Location dementsprechend gestaltet. Aber dahingehend war ich bisher selten vom Hühnermanhattan enttäuscht.

Glückwunsch, wenn ihr bis hierher durchgehalten habt! Zum Lohn gibt es die Chance auf freien Eintritt zu besagter Show in Halle (Saale) am 07.03.2020. Kommentiert, um in den Lostopf zu gelangen – hier oder unter dem Post auf Facebook und teilt den Beitrag öffentlich.

Viel Glück – und wir sehen uns!

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