Der Name TANTRUM kann viele Assoziationen aufrufen. Viele denken sicherlich an das gleichnamige Getränk aus der Serie HOW I MET YOUR MOTHER, und auch in den Sphären der Musik taucht der Name oft auf. Es geht hier allerdings weder um die Post Hardcore Band aus Montpellier, noch um die japanische Hardcore Punk Band, und auch nicht um die Thrash Metal Band aus Sri Lanka. Es geht um TANTRUM aus Glasgow, um Mark Riches (Schlagzeug), Chris Horne (Bass), Micah Snow (Gitarre), Baz Fitzsimmons (Gitarre), und Mark Reid (Gesang). Nach „Melt It Down“ (2018) und „Another Life“ (2023) veröffentlicht die schottische Band mit „No Place For The Damned“.

Dreifaltigkeit und Zerstörung

Schon auf ihren vorigen Releases haben TANTRUM gerne lyrische Themen eingebaut, die sich über mehrere Lieder erstrecken. Im Falle des vorliegenden Albums ist das die Trinity Trilogie, die in den Stücken „Manifest Destiny“, „Hellbound Planet“ und „Traveller“ erzählt wird. Um dieses Narrativ herum handeln acht weitere Stücke von düsteren Zeiten, sowohl im Kleinen als auch im ganz Großen. Es geht um depressive Episoden und Suizidalität, um die Zerstörung unseres Heimatplaneten, um Gewalt, Krieg und Zerstörung. Wahrlich sind das keine Gute-Nacht-Geschichten, die uns TANTRUM hier präsentieren. Stattdessen zeigt das Quintett nüchtern und kompromisslos auf viele Dinge, die auf unserem Planeten und in der menschlichen Gesellschaft schief läuft.

Tradition und Nostalgie

Auf musikalischer Ebene bewegen sich TANTRUM in den Gefilden des Heavy Metal mit gewissen Ausflügen in Richtung Power Metal. Eine genauere Eingrenzung führt in Regionen wie New Wave of British Heavy Metal oder New Wave of Traditional Heavy Metal. Wer also musikalisch vor allem den britischen Sound der 1970er und 80er liebt, wird hier sicherlich frohlocken, den VoKuHiLa bürsten und die Jeansweste mit den IRON MAIDEN– und JUDAS PRIEST-Patches aus der Kammer holen (oder natürlich mich für diese hart vereinfachte Stereotypisierung rügen).

Das soll heißen „No Place For The Damned“ bereitet auf weiten Strecken wirklich viel Freude, und lädt zum Headbanging und zum Feiern einer unsterblichen Musikkultur ein. Allerdings bleibt in der Nachlese wenig hängen. Mit „Manifest Destiny“, „The Darkest of Times“ und „The Judge“ hat „No Place For The Damned“ wahrlich einige Highlights vorzuweisen. Originalität oder Alleinstellungsmerkmale sucht man jedoch vergeblich. So ist das dritte Album von TANTRUM für lange Strecken im Fortbewegungsmittel der Wahl sicherlich eine gute Hintergrundbeschallung, und taugt auch garantiert prima als musikalische Untermalung für einen Abend in der Bar. Abgesehen davon klingt „No Place For The Damned“ nach einem generischen Heavy Metal Album, einem lauwarmen Aufguss von unzähligen Releases der letzten 50 Jahre.

Homepage von TANTRUM

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Metal Devastation Radio zur Verfügung gestellt.

Der Beitrag TANTRUM rauschen über altbekannte Pfade erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Auf ALESTORM-Releases freue ich mich immer wieder wie ein Kleinkind auf ein bunt verpacktes Geschenk. Was genau drin sein wird, lässt sich im Voraus selten erahnen – drum lasst uns gemeinsam das Geschenkpapier zerfetzen und die Schatztruhe öffnen!

Stellt sich heraus, dass die schottischen Seefahrer diesmal ein wahres Sammelsurium an Musikstilen, Feels und Vibes ausgegraben haben: Von Upbeat-Power-Metal-Tracks wie „Chomp Chomp“ oder „Call Of The Waves“ über Pop-Singalongs (etwa „Treasure Chest Party Quest“) und Trap-Beats („Tortuga“), Seemanns-Shanties („Zombies Ate My Pirate Ship“) bis hin zum dramatischen Zehn-Minuten-Epos („Wooden Leg II“) werden stilistische Wellen gebrochen und musikalische Ozeane überquert. Dazu gesellt sich eine bisher nie dagewesene Anzahl an Gastmusikern: ALLY STORCH von SUBWAY TO SALLY an der Fiedel, VRETH von FINNTROLL als Krokodil, CAPTAIN YARRFACE von RUMAHOY als Rapper, PATTY GURDY an Hurdy Gurdy und Guest Vocals – es ist eine lange Liste.

Dass es sich um ein abwechslungsreiches Werk handelt, wäre damit wohl unmissverständlich geklärt. Aber wie steht es qualitativ um den Inhalt?

Nun, auch hier herrscht starke Variation!

So wirken vor allem die poppigeren Singles (trotz guter Parts) etwas fantasielos komponiert. Die Refrains sind dann doch etwas zu klischeehaft und medioker, als dass sie so oft wiederholt werden müssten. Vielleicht eher was zum betrunkenen Mitgrölen, mein nüchterner Geist sagt mir jedoch, dass hier die schwächsten Momente vergraben liegen.

Dies bügeln Tracks wie „Chomp Chomp“, „Pirate’s Scorn“ (Donkey-Kong-Cover!) oder „Wooden Leg II“ allerdings wieder aus. ALESTORM bewegen sich hier an der Spitze ihrer musikalischen Fähigkeiten, und das ohne dabei in ausgelutschter Muster abzurutschen. Auch positiv hervorzuheben ist, wie viele „wahre“ Folk-Metal-Momente sich auf „Curse Of The Crystal Coconut“ wiederfinden – zwar haben ALESTORM immer schon mit diesem Konzept geliebäugelt, diesmal jedoch wurden hier wirklich Nägel mit Köpfen gemacht.

Ein ganz anderes Thema jedoch sind die Songtexte.

Nicht, dass sich die Jungs jemals so wirklich selbst ernst genommen hätten, aber „Curse Of The Crystal Coconut“ sprengt alle Maße, was die Blödsinnigkeit der Lyrics angeht. Der neue Trend heißt Eigenparodie. Ob man das nun furchtbar untrve oder suuuper lustig (lol hihi) findet, das überlasse ich dem Hörer an dieser Stelle getrost selbst.

Fazit: ALESTORM machen, was sie wollen, und verbreiten dabei massiv gute Laune. Vielleicht nicht ihr allerstärkstes Album, mit Sicherheit aber das abwechslungsreichste.

Der Beitrag ALESTORM – Donkey Kong Lässt Grüßen erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Wenn ich an Schottland denke, fallen mir zuerst folkige Klänge, Dudelsäcke, Kilts, wunderschöne Landschaften und gutes Bier ein. Das von der grünen Seite der britischen Inseln auch rockige Sounds der härteren Gangart kommen können, hatte ich bisher noch gar nicht auf dem Schirm. Die Post-Hardcore Band WE CAME FROM WOLVES will mir nun mit ihrer neuen EP „Haunt Me“ eben dies beweisen. Ich bin gespannt …

ALLER ANFANG …

… ist schwer. So könnte es zumindest der Titel des ersten Tracks „This Never Gets Easy“ vermuten lassen. Ist das so? Ich finde eigentlich recht schnell einen Zugang, denn der Gesang klingt für mich sehr vertraut. Nach kurzem Überlegen fällt mir auch auf warum: die Stimme von Lead Sänger Kyle hat eine starke Ähnlichkeit zu der von Brian, Sänger von I PREVAIL. Stört mich aber keinesfalls, denn ich würde mich schon als Fan bezeichnen. Auch musikalisch schlägt man einen ähnlichen Weg ein. Größtenteils clean vocals, mit vereinzelten Shouts. Mit dem Tempo geht man es eher enstpannt an. Die Melodien bleiben eigentlich auch hängen, aber irgendetwas fehlt mir. Ich kann nur noch nicht sagen, was.

Dieses Gefühl setzt sich auch bei „The Peak Beneath The Sea“ fort. Bei diesem bemerke ich aber eine Sache, die mir fehlt: eine zündende Hookline. Es gibt natürlich einen Refrain, aber der überzeugt mich nicht wirklich. Das ganze Lied dümpelt etwas vor sich hin. Macht zwar schon Spaß, ist aber leider auch ein Track, den man schnell skippen könnte.

STILBRUCH?

 „Places“ ist eine kleine Überraschung, denn das ist so ein Song, welcher wunderbar als Soundtrack für ein Rennspiel oder die guten, alten „Tony Hawk“-Games funktionieren würde. Sehr Pop-Punk-lastig, aber nicht nervig oder zu fröhlich. Prinzipiell fetzt die Nummer schon, wer aber Fan von härteren Klängen ist, wird sich an dem Song eventuell stoßen. Ich mag solche Abwechslung allerdings sehr. I like!

An vorletzter Stelle findet sich mit „Falling“ wieder solch eine poppige Nummer. Langsam zweifele ich etwas an der Genrebezeichnung. Für Post-Hardcore klingt das dann doch zu happy. Auch wenn die Texte das nicht wiedergeben, so kann man auch hier wieder von Pop-Punk sprechen. Das ist eigentlich nicht schlimm, da ich dieser Richtung auch einiges abgewinnen kann, aber wie zuvor schon erwähnt, nur anhand des eingeordneten Genres wirds eher schwierig.

Der Spruch „Das Beste kommt zum Schluss“ ist zwar ausgelatscht, trifft bei der 5 Track-EP aber zu. Denn der Titelsong „Haunt Me“ steht ganz hinten und stellt für mich auch das Highlight dar. Sehr schöne Nummer, welche ein angenehm ruhiges Tempo vorgibt und mit einem tollen Refrain überzeugt. Davon hätten es auch mehr sein können. Ich hab jetzt übrigens rausgefunden, was mir die ganze Zeit gefehlt hat, aber dazu mehr in der Zusammenfassung.

Facebook                     

Der Beitrag WE CAME FROM WOLVES – Thema verfehlt oder Absicht? erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Alle Mann an Deck, es gibt Spannendes zu verkünden: die schottischen Seefahrer ALESTORM sind von ihrer Weltreise zurück und haben Allerlei im Gepäck, so auch ihr neuestes (fünftes) Studioalbum. Die 5 Jungs, bekannt durch ihre partytauglichen und Saufgelage begleitenden Stücke wie „Drink, Magnetic North“ oder „Shipwrecked“, werden oft als Spitzenreiter und Vorzeigemodelle des sogenannten „Pirate-Metal“ bezeichnet, einer Verbindung von Heavy- bzw. Power Metal mit Shanty-Elementen, traditionellen Instrumenten wie Akkordeon und Geige und einer Menge Keyboards. Entsprechend gespannt war ich auf ihre neueste Schöpfung, durften sie bei mir doch nie auf einer Partyplaylist fehlen.

Der Vorspann

Die 2 vorab veröffentlichten Songs „Mexico“ und „Alestorm“ rissen mich allerdings so gar nicht vom Hocker; „Mexico“ kommt daher mit standardisierten Partyrhythmen, ideenlosen Drums und Klampfen, sehr künstlichen Synthieparts und einem Refrain, der sich sicher ab einem gewissen Punkt des Abends gut mitgrölen ließe (zumindest phrasenweise – ob es für mehr als „Yo-Ho, Mexico“ reicht, wage ich zu bezweifeln). Abgesehen davon jedoch ein ziemlich schwacher Song. Der Song „Alestorm“ hingegen zeigt dann schon einen Hauch von Innovation, als nach einem recht starken Intro plötzlich der Keyboarder Elliot Vernon in Begleitung von Breakdown-Gitarrenspiel zu screamen beginnt und man glaubt, sich in einen Metalcore-Song verlaufen zu haben. Zwar wechselt die Gesangsverantwortung bald wieder zum Sänger Christopher Bowes zurück, einen bleibenden Eindruck hinterlässt dieser unerwartete Ausbruch jedoch (nicht gerade einen positiven, aber Core-Fans dürften den Song feiern). Sonst flacht der Song stimmungstechnisch und innovativ gen Ende immer mehr ab.

Das Album

Keine besonders glänzende Statistik für den Anfang. Aber schauen wir mal auf den Rest: „No Grave but the Sea“, der Start-Track des Albums, ist tatsächlich etwas abwechslungsreicher und ernster, mit schönen Keyboardsoli, stärker variierenden Drumparts und der traditionellen Piraterie-Thematik (von der in den vorherigen 2 Songs noch recht wenig zu merken war). Letzteres gilt auch für „To the End of the World“, „Man The Pumps“ und „Treasure Island“. Ersterer kommt mit einer geilen hymnischen Melodieführung durch das Synthie-Schifferklavier daher, variiert infolge dessen jedoch nur noch selten und wirkt sehr stark Power Metal-lastig. Auch wirken die einzelnen Parts des Songs oft nicht stimmig.

„Man the Pumps“ erinnert hingegen wieder echt an Seemannslieder von Tod und Verderben, ein starker, finsterer Song mit passenden Crew-Gesangsparts und packenden Soli. Definitiv ein persönlicher, zum Schunkeln einladender Höhepunkt des Albums. „Treasure Island“ hat einige epische, hymnische Parts, holpert jedoch hier und da aufgrund einiger unpassender Rhythmen und fehlender Pausen. Fairerweise bleibt hier zu sagen, dass der Song trotz allem einen stimmigen Abschluss für das Album bildet.

Ho, Ho, Ho und ne Buddel voll …

Die verbleibenden Songs sind allerdings fast ausschließlich als „Party-Metal“ zu bezeichnen – und zeichnen sich wiederum nicht gerade durch einen kreativen Erguss aus. „Bar und Imbiss“, „Pegled Potion“ und „Rage of the Pentahook“ bestehen allesamt aus party- und tanzfähigen Rhythmen, clever eingesetzten Gangshouts und –gesängen und machen wahrscheinlich Stimmung bei einem allgemeinen Trinkgelage, kommen jedoch allesamt nicht an thematisch vergleichbare Songs des vorherigen Albums „Sunset on the Golden Age“, wie beispielsweise das „Hangover“-Cover oder „Drink“, heran. Einzig und allein „Fucked you with an Anchor“ bewährt sich durch einen, selbst bei steigenden Promillezahlen noch schnell lern- und mitgrölbaren, Refrain und sticht als stimmiges und hier und da abwechslungsreiches Gesamtkonzept aus der Masse hervor.

Insgesamt verbleibt zu sagen, dass sich das neue Album nicht gerade als revolutionäres Werk herausgestellt hat, im Gegenteil: Bis auf einen Hauch mehr oder weniger geglückter Experimente vermisst man jegliche Innovation (und Höhepunkte) im Vergleich zu den vorherigen Alben. Growls und Screams haben zu genommen, viel länger wird die Liste auch nicht.

… billigem Rum

Wer die Band seit jeher vor allem aufgrund ihrer Party- und Saufsongs feiert, dem wird auch das neue Album sehr gut gefallen. Wer allerdings speziell auf der Suche nach Metalbands mit Piraten- und Seefahrtsschwerpunkt ist, wird eine Menge anderer deutscher wie internationaler Bands finden, die das Thema deutlich frischer, umfang- und abwechslungsreicher umsetzen. Natürlich denken beim Begriff „Pirate Metal“ die allermeisten zuerst an ALESTORM. Allerdings gibt es eine ganze Menge jüngerer Bands, wie THE PRIVATEER (DE) oder LAGERSTEIN (AUS), die hier und da ein besseres Programm haben, sei es in Bezug auf Liveperformance, instrumentale oder einfach klangliche Vielfalt.

Fazit

Also handelt es sich bei „No Grave but the Sea“ um ein durchschnittliches ALESTORM-Album, das allerdings auch gelungenere Vorgänger hat. Wer Wert auf die Piratenthematik legt, wird kaum abgeholt. Die Jungs scheinen sich mehr auf ihr Image als Spaß- und Partyband zu fokussieren (muss ich noch erwähnen, dass auf dem Album zusätzlich jeder Song doppelt vorhanden ist, wobei man lediglich den Gesang durch ein billiges, jeweils höher oder tiefer gepitchtes Bellen (!) ersetzt hat?) Wer danach sucht, ist bei ALESTORM  und dem neuen Album definitiv an der richtigen Adresse.

Facebook

Dies ist ein Gastautorinnenbeitrag von: Steffi

Der Beitrag Flaute auf See, Crew besoffen – ALESTORM erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Folk-Bands gibt es wie Sand am Meer – sei es im Rock, Death Metal, oder in Form des heidnisch angelehnten Pagan Metal. Hier – zwischen dem ganzen Geigengedudel, Flötengesäusel und Dudelsackgespfeiffe – noch Bands zu finden, die wirklich aus dieser Masse hervorstechen, gestaltet sich mittlerweile als eher schwierig. Und wenn sie dies dennoch tun, so stehen sie oftmals zu sehr im Schatten von Größen á la KORPIKLAANI, ELUVEITIE und Co, als dass sie wirklich wahr genommen werden würden. Schade eigentlich, denn es gibt hier doch die eine oder andere Perle im Undergroundbereich zu entdecken, die mit ihrem Folkinstrumentengeträller dem Zugeneigten nicht auf den Sack gehen, sondern ihn nach dem Hören mit einem befriedigten Gefühl davongehen lassen.

Eine dieser Bands ist SAOR, das Ein-Mann-Projekt aus der Feder des Schotten Andy Marshall. „Aura“ ist hierbei sein drittes Werk. Der Stil ist klar: Atmospheric Black Metal in Verbindung mit schottischem Folk in den Texten und bei der Instrumentenwahl. Schon mit dem ersten Song „Children of the Mist“ entsteht ein Sog, dem man sich kaum entziehen kann. Man fühlt sich quasi von der ersten Minute an in den schottischen Highlands, so wie sie auf dem doch recht hübschen Cover gezeigt werden.

Der Gesang kommt dabei scheinbar aus weiter Ferne. Inwiefern, fragt ihr? Im Vergleich zu den restlichen Instrumenten ist er recht leise, fast schon ignorierbar. Außerdem scheinen ebenso die anderen klassischen Metal-Zutaten, wie Gitarren, Schlagzeug und Bass, zweitrangig zu sein. Der Fokus liegt also ganz klar auf den Melodien der Folkinstrumente.

Der titelgebende Song führt das Konzept nun weiter: es wird ruhig und mit klarem Gesang begonnen. Die Melodie ist einprägsam, fast schon ohrwurmfördernd und dabei sehr verträumt. Mit einem schnellerem, treibendem Part wird etwas Action reingebracht, ohne jedoch die Melancholie und Verträumtheit zu verlieren. Hin und wieder erfährt man durch Gesangspausen sowie reinem Akustikspiel etwas Auflockerung – einer Mischung, die das Konzept ebenso stärkt.

„The Awakening“ ist der in meinen Augen beste Track des Albums. Er scheint ein wenig der Außenseiter zu sein und doch dem roten Faden zu folgen. Insgesamt ist dieser dritte Song sehr schnell und hat etwas von Marschmusik, verliert dabei aber, trotz vermehrtem Fokus auf die E-Gitarre, nicht seine Wurzeln mit Tin Flute und Dudelsack aus den Augen. Unterstützt wird das Ganze durch Chöre, die auf dem ganzen Album – Gott sei Dank – gezielt und damit nicht inflationär eingesetzt werden.

Die Platte wird zum Schluss mit „Pillars of the Earth“ abgerundet. In diesem Track gibt Marshall noch einmal alles und stellt nochmals sein Können an den Instrumenten – vor allem dem Schlagzeug – unter Beweis, wobei man sogar Einflüsse von Jazz auf die Ohren bekommt. Ein Experiment das sich auszahlt. Denn das ist einer der Gründe, warum der Hörer sich sanft und mit einem befriedigtem, gleichzeitig aber traurigem Gefühl entlassen fühlt. Man möchte zurückkehren in die Traumwelt der weiten Highlands von Schottland – wieder dem Zeitgefühl und der Realität entfliehen.

„Aura“ ist wahrscheinlich kein Werk für jedermann – es ist langsam, verträumt, melancholisch. Wer hier Black Metal im Stile von BEHEMOTH und anderen Größen erwartet, der wird enttäuscht sein, denn Andy Marshall hat keineswegs die Intention Nacken zu brechen, sondern vielmehr zum Nachdenken anzuregen und eine Geschichte zu erzählen. Auch ist es ein Album, das extrem stimmungsabhängig ist, denn aufgrund seiner, zum Teil starken, Langatmigkeit ist es keine Platte für jede Situation. Es ist ein Album für graue, verregnete Tage, für Wintertage vor dem Kamin, einem langen Tag im Büro, oder auch ideal zum Einschlafen. Meiner Meinung nach ist es ein großartiges Album, welches es zumindest einmal verdient hat, gehört zu werden.

Dies ist ein Gastautoren-Beitrag von: Sascha

Der Beitrag Träumen in den Highlands von Schottland erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.