Exkursion ins Altertum?

Heute betrete ich als Autor für Silence gleich in zweifacher Hinsicht Neuland. Zum einen schildere ich euch heute zum ersten Mal meine Eindrücke zum Album einer Truppe, welche mir zwar namentlich schon lange bekannt sind, ich  mir aber noch nie zu Gemüte geführt habe. Zum anderen begebe ich mich heute in die sagenumwobenen Gefilde des Epic (Heavy) Metals. Zwar hatte ich durchaus schon Berührungspunkte mit dieser oder ähnlicher Musik, aber trotzdem ist es etwas anderes, als wenn man seine Meinung zu Tonträgern aus Genres kundtut, in denen man ein breiter gefächertes Wissen besitzt.

Anno 2005 in Pittsburgh, Pennsylvania formiert, kann das Dreiergespann LEGENDRY bereits auf zwei erfolgreiche Longplayer zurückblicken. Nach „Mists of Time“ aus 2016 und dessen fast zwei Jahre alten Nachfolger „Dungeon Crawler“ erscheint nun ihr drittes Vollwerk. „The Wizard And The Tower Keep“ wird am 01. November über High Roller Records veröffentlicht. Das Zwickauer Label sollte als weitreichende Fundgrube von Veröffentlichungen aus den Sektionen NWoBHM, Speed Metal, „Epic“ Metal, (Blackened) Thrash Metal/First Wave Black Metal und Doom Metal vielen Traditionalisten und 80er -Worshippern ein Begriff sein.

… oder zumindest eine Generation zurück

„The Wizard And The Tower Keep“ erzählt die Geschichten der gleichnamigen belletristischen Schrift, welche Gründungsmitglied und Multiinstrumentalist Vidarr eigenhändig verfasst hat. Es ist demzufolge als ein Paradebeispiel eines Konzeptalbums zu verstehen. Das Trio versteht ihr Liedgut als persönliche Hommage an die Epic-Metal-Götterväter, die da heißen MANILLA ROAD und CIRITH UNGOL. Weitere gemeinhin bekannte Namen wie BROCAS HELM, MANOWAR und WARLORD erweitern dieses doch recht überschaubare Syndikat.

Wie weit kann der Apfel vom Stamm fallen?

Referenzen und Würdigungen hin oder her, die Band mit dem neologistischen Namen versteht von Beginn ihres neuesten Streichs an, individuelle und facettenreiche Akzente zu setzen. Das sture und moderate Imitieren der genannten Kapellen können dafür getrost andere Genrekollegen übernehmen. Der Opener „The Bards Tale“ ist keineswegs nur als selbstüberschätztes Cover des BLIND GUARDIAN-Klassikers zu verstehen. Wer die Betitelung genau liest und aufmerksam hinhört, erkennt ihn dagegen schnell als ein mit untypischer Schlagseite versehenes, eigenständiges Intro an.

Es mag wahrscheinlich vielen als Kuriosität, vielleicht auch als Abnormität anmuten, wenn ich mit einigermaßen gefestigter Überzeugung behaupte, dass hierbei zumindest Berührungen zu DEATH IN JUNE aufploppen. Wem sie kein Begriff sind: DEATH IN JUNE waren in den 1980er-Jahren eine der bekanntesten Neo-Folk-Formationen. Ihre Vorreiterrolle in diesem Genre wird Ihnen bis heute anerkannt. Von einer Diskussion über deren politische Positionierungen sehe ich hierbei ab und möchte lediglich die musikalischen Verweise anmerken, welche sich auch wirklich nur auf das Intro beschränken. Das liegt vor allem an der Mandolinen-Melodik und teils auch an der Stimmlage von Vidarr.

Anschließend erfolgt in „Vindicator“ mit sofortiger Wirkung eine 180-Grad-Kehrtwende hin zu rassigem, ungestümen und ungebändigten Old School Heavy-Metal. Eingängig, rockig, unangepasst und fast schon für eine Bikerausfahrt tauglich treten LEGENDRY mit diesem Überraschungsmoment die Tür zur gehobenen Genrekost ein. Insbesondere die Vocals entfalten nun ihr Potenzial.

So nah und doch so fern

Beschreibungstechnisch bereitet mir die Klangfarbe von Vidarrs Stimme jedoch etwas Kopfzerbrechen. Die gewohnt heroische Ergriffenheit erscheint hier zu ausdifferenziert und nicht zwangsläufig einheitsbreikonform. Ich würde sie eher als Querschnitt aus JUDAS PRIEST, TYTAN (UK), MANILLA ROAD, SACRED STEEL, VIRTUE (UK), X-CALIBER (US) und GLACIER (US) bezeichnen. Wem die meisten dieser Urgesteine etwas sagen, weiß, dass deren Sänger variabel keifend, aber nicht kratzig oder rau ihre lyrischen Ergüsse vortragen.

Der dritte Track „The Wizard And The Tower Keep“ wird mit einem fast schon romantischem „80er-Jahre-Film-/Serienszenenintro“ eröffnet, welches zunächst in balladenartige bis andächtige Sphären übergeht. Im Refrain meine ich, übersteuerte Riffstrukturen herauszuhören, welche eher im Stoner Rock bekannt sind.  Spätestens ab dieser Stelle tritt musikalisch auch das Prädikat „Epic“ zu Tage, das die Band in die elitäre Kerbe von den bereits erwähnten MANILLA ROAD und CIRITH UNGOL einschlagen lässt. Gefühlsbetont, erhaben und abenteuerlich, versunken, aber nicht zu schmalzig wird den Hörern vom „Zauberer und dem Wehr- und Wohnturm“ (auch als Donjon bezeichnet) berichtet.

In „The Lost Road“ stechen besonders die leicht hohl klingenden, pferdegaloppartigen Drums und die allgemeine rasende Rhythmik positiv aus dem Klangteppich heraus. Gegen Ende wird es sogar psychedelisch, wobei BLACK SABBATH auch noch eine Huldigung zugesprochen bekommen.

Auch das anknüpfende „Sorcery´s Bane“ lässt Bezüge zum Stoner nicht missen. Mandoline und Violinen verleihen der Nummer einen historischen bis mittelalterlichen Anstrich. Dies lässt eine eigene Atmosphäre in Erscheinung treten, welche weniger karg und puristisch, sondern ausdifferenzierter und ausgestalteter als bei anderen Bands aus der Old School Heavy Metal oder NWoBHM-Sparte wirkt.

Hat auch wer ein bisschen Speed?

In „Behind The Summoner´s Seal“ wird das Tempo merklich aufgedreht, sodass auch Speed-Metal-Fanatiker zeitweilig auf ihre Kosten kommen. So lassen sich beispielsweise die Geister von AGENT STEEL oder EXUMER in dem Song erkennen. Die Psychedelik wird hier ebenfalls nicht vernachlässigt. Dies gilt auch für das letzte und längste Stück „Earthwarrior“. Durch die auffallenden Gitarrensoli klingt  das Album fast schon etwas hippiesk aus.

Von einer umfangreichen, abgelehnten Modernisierung oder Generalüberholung des 80er-Jahre-Sounds kann dennoch nicht die Rede sein. Wozu auch? Die ausgewogene kontinuierliche Gratwanderung zwischen musikalischem Konservatismus und Expansion steht den Ostküstlern nämlich ziemlich gut. Die Songs zeichnen sich allgemein durch hohe Wiedererkennungspotenziale und Durchdachtheit aus.

Der mentale Sprung von der Antike in den Wilden Westen und zurück

Aus meinem Blick – oder besser ausgedrückt: aus meinem Hörwinkel – erinnern die Songs vom Gesamtklangbild her weniger an als Einzelkämpfer auftretende Gladiatoren oder andere antike Krieger, auch wenn das Markenzeichen der US-Amerikaner (der athletische Schwertfechter, der dem Betrachter auf allen Albumcovern den Rücken zukehrt), es so vermuten lässt. Eher werden durch die Stücke Parallelen zu Freiheitskämpfern, Gesetzlosen und Verstoßenen wahrhaftig. Sie reiten durch prärieartige, weitläufige Areale und berichten musikalisch von ihren Wünschen, Sehnsüchten, aber auch Momenten des Glücks.

Die Lyrics machen meiner alternativen Vision allerdings einen saftigen Strich durch die Rechnung. Leider konnte ich im Internet nur die Lyrics des zweiten Titels „Vindicator“ ausfindig machen, jedoch wird dieser Titel denkbar stellvertretend für die übrigen Sechs stehen. In genretypischer, selbstbezogener Manier (in Anbetracht solcher Zeilen wie „heavy metal madness found me there“ oder „with heavy metal power“ und „running in the wild“) postuliert der rachesüchtige Krieger, im nebeligen Wald gnadenlos seine Feinde und legendäre Ungetüme zu erledigen. Der Kampf erscheint ihm in diesem Sinne als einziges Mittel der Streitbeilegung und Gerechtigkeitserwirkung. (Siehe letzte Zeile: „from triumph or defeat, there is no escape“.)

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„Slow“ statt „Slam“

Death Metal ist enorm vielfältig. Während es viele Technical Death- und Slam-Brutal-Death Metal-Kapellen wie ARCHSPIRE, KRAANIUM, ANALEPSY, ACRANIUS, GUTTURAL SECRETE, DRIPPING oder ORCHIDECTOMY (nicht nur) für mich mit stupider Frickelei und Blast-Attacken ungezügelt übertreiben, gibt es als Gegenpol auch ein Subgenre, welches in laaaaaaaangsamer Manier versucht, sämtliche Hörzellen zu „dampfwalzen“. Die Rede ist von Death Doom Metal. (Seltener auch als Doom Death Metal oder Death/Doom Metal bezeichnet.) Hier treffen die Brachialität und das Destruktionspotenzial des Death Metal auf die Gemächlichkeit, die Ausweglosigkeit und/oder die Bedrücktheit von Doom Metal. Während einige Bands aus diesem Segment wie MY DYING BRIDE, OCTOBER TIDE oder SWALLOW THE SUN mehr oder weniger deutlich auf Atmosphäre getrimmt sind, hinterlassen bspw. COFFINS, ENCOFFINATION, PHRENELITH, HOODED MENANCE und KRYPTS mit übersteuerten und verzerrten Gitarrenwänden und paranormal tiefen Stimmlagen durch alle ihre Tracks hinweg okkultistisch-bedrohliche Abgänge und Nachhalle.

Wie heranwachsende Pilze

Fanatiker dieser Tonkunst werden besonders auf Seiten wie Bandcamp schnell fündig. Unzählige Demo-Veröffentlichen von relativ jungen Bands überragen hier mit hervorragenden und kurzweiligen Kompositionen, welche sich nicht nur als Playlist-Lückenfüller eignen. Eines dieser Promo-Werke trägt den Titel „Altar of Decay“ und stammt von der us-amerikanischen Band MORTIFERUM. Das bereits 2017 veröffentlichte Erstlingswerk der Olympianer strudelt in etwa durch das verdauerte, toxische Fahrwasser von ENCOFFINATION und INCANTATION. Allerdings sorgen Tempovariationen immer wieder für Abwechslung. Das Gesamtgewand der Soundstruktur ist ebenso optimal. Weder zu übersteuert, noch zu glatt poliert….

Gut kopiert statt schlecht selbst gemacht?

… doch genau letzterer Aspekt formiert leider für mich die größte Schwachstelle in MORTIFERUMS neu erschienener erster Full-Length-Veröffentlichung. Wirkt die Platte etwa zu sauber? Mit sehr hohen Erwartungen durch meine Eindrücke von „Altar of Decay“ ging ich an „Disgorged From Psychotic Depths“ heran. Das nebulös-aurenhafte und trve Old-School-Cover mit TOMB MOLD-ähnlichem Bandschriftzug intensivierte meine Vorfreude und Anspannung noch.

In stereotypischer Manier wird der Opener „Archaic Vision of Despair“ intoniert. Watende, übersteuerte Funeral-Doom-Riffs versuchen sich schwerfällig, doch zugleich mit gebündelter Kraft selbst voranzutreiben. Dies klingt vielleicht für Außenstehende wie beißende Kritik, ist es aber nicht. Solche Intros sind im Death Doom Metal Konvention. Nach etwa zwei Minuten kommt der Track in Fahrt. Das Tempo nimmt eine Spur zu. Dazu gesellen sich monströs-unnachgiebige bis erbost oder auch apathisch-abweisende Growls. Im Death Doom ist gerade die stimmliche Komponente schwer mit adäquaten Adjektiven zu beschreiben, aber ich glaube meine Darlegungen sind in dieser Hinsicht relativ angemessen. Demnach ist „Archaic Vision of Despair“ ein mediokrerer Death Doom-Track welcher punktuell auch alte ENTOMBED durchsickern lässt.

Im darauf Folgendem „Inhuman Effigy“ geht es konventionell rhythmusorientiert weiter, nämlich schleppend, walzend und schwermütig, anfänglich jedoch noch mit einem auffallend schnellem Riffgewitter. Nach circa einer Minute pegelt sich das Tempo wieder in gewohnten Gefilden ein. Die Stimme bekommt nun durch das Mixing eine stärkere Gewichtung zugetragen. Während des Voranschreitens in der Tracklist wird am musikalischen Grundkonsens festgehalten. Langsame, gehaltene, massive und wuchtige Riffs nehmen die Überhand und treffen sich einige Male zum kurzen Schlagabtausch mit Midtempo-Schwedentod-Hooks. Durchweg zweifelsohne in rhythmischer Verortung. Lediglich im selektierten Intermezzo „Anamnesis“ zeigen sich MORTIFERUM von ihrer schmalen akustischen und sphärisch-ambientalen Seite.

Wie Death Doom Metal für mich noch veredelt werden kann

Doch zurück zur Ausgangskritik mit der Anfechtung der allgemeinen Soundarchitektur. Hört man das Album mit Kopfhörern auf dem MP3-Player, hat man wirklich schnell das Gefühl, „Disgorged From Psychotic Depths“ sei etwas glatt poliert. Über Lautsprecher mit aufgedrehtem Bass wird dieses Gefühl glücklicherweise merklich gemindert, sodass ich den im Voraus erhobenen Zeigefinger wieder etwas herunter nehmen muss. Allerdings wirken die Kompositionen an sich schon ab dem zweiten bzw. dritten Titel zu vorhersehbar. Ein Negativkriterium, welches vielen Alben aus der Sparte Death Doom leider Gottes anlastet. Des Weiteren fehlt mir bei dem Werk eine katakombenartige, verlassene, bedrückende und ausweglose Grundatmosphäre, welche durch dezente hintergründige ambientale Soundscapes hätte inszeniert werden können. Oder alternativ durch dissonante, konfuse und sprunghafte Gitarrensoli-Interventionen. Irgendwie kommt mir bei diesem Gedanken das schon etwas ältere BLUT AUS NORD-Album „Mort“ in den Sinn, welches zwar auch spürbar in Linearität verharrt aber genau die eben geschilderten Gefühlslagen atmosphärisch evoziert.

Auch die Vorbilder waren zwischenzeitlich fleißig

Bereits am 20.09. erschien das nunmehr fünfte Album „Beyond The Circular Demise“ der Underground-Heroen COFFINS. Vor einigen Monaten habe ich dessen musikalische Ergüsse im Rahmen meiner Rezension zur neuen TRIUMVIR FOUL-EP als mir persönlich teilweise zu linear bezeichnet. Diese Kritik muss ich, zumindest in Anbetracht ihres neusten Werks, wieder verwerfen. Leicht gereifte und trotzige Growls infiltrieren dauerhaft den dichten und packenden Sound des Silberlings. Rhythmische, mitreißende Motivänderungen verhindern die im Genre oft drohenden Monotonieauswüchse. Ich möchte hierbei jedoch keine weitere explizite Rezension zum neuen Werk des japanischen Quartetts darlegen. Vielmehr ist es mir ein Anliegen, euch dahingehend zu bewegen, beide Alben einmal im direkten Vergleich anzuhören und euch selbst eine Meinung zu bilden. Welche Formation entscheidet diesen inoffiziellen Konkurrenzkampf für sich: Die Neulinge oder die altbewährten Vorreiter? Lasst es mich gerne im Kommentarbereich wissen.

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Finnland – Land der tausend(en) ……… Metal-Bands

Dass Finnland eine der ultimativen Hochburgen für metallische Qualitätsware ist, sollte szeneintern bekannt sein.  Über Genregrenzen des Old School/Melodic Death, Folk/Pagan/Viking, Melodic Power und Black Metals hinweg setzten über Jahrzehnte hinweg unzählige Bands aus dem Land der tausend Seen internationale Standards für die härteste Tonkunst dieses Planetens. Besonders der Black Metal, welcher von diesem Erdenfleck kommt, trumpft immer wieder in einer den dortigen klimatischen Verhältnissen entsprechenden besonders rohen, aggressiven, frostigen und urwüchsigen Machart auf.  Die passionierten Blasphemiker um bspw. SARGEIST, HORNA, ARCHGOAT, IMPALED NAZARENE, BEHERIT und BEHEXEN gelten in tiefschwarzgetränkten Hörerkreisen als Inbegriff für dogmatischen Akustikterror der Extraklasse. Einfach laut aufdrehen und jeder gutbürgerliche Volksmusik-Romantiker-Nachbar rennt wimmernd und schweißgetränkt aus der mit Kuckucksuhren übersäten Wohnung und vergisst, angesichts seines Schocks, gar die Telefonnummer der Polizei oder der örtlichen Irrenanstalt, welche er eigentlich kontaktieren wollte. Doch genug der Stereotypen forcierenden und übertreibenden Anektoden.

Progressive Grüße aus Norwegen?

Black Metal mit progressiven Elementen, sphärischen, einprägsamen Melodien, beschaulichem Klargesang und/oder erhabenen tranceartigen Genussmomenten ist dagegen seltener in Finnland beheimatet. Die Platzhirsche aus diesem Segment stammen prioritär aus Norwegen und tragen weitreichend bekannte Namen wie BORKNAGAR, VINTERSORG, CRONIAN, ARCTURUS, ICS VORTEX, IHSAHN oder SOLEFALD. Als konkurrenzfähiges Gegenangebot möchte ich euch heute das neue und damit dritte Vollwerk des aus Tampere stammenden Sextetts VORNA vorstellen. Ja, richtig, mit „V“ und nicht mit „H“.  Wie schon auf den beiden Vorgängeralben wurden alle Tracks, sowie auch der Albumtitel „Sateet Palata Saavat“ in ihrer Heimatsprache verfasst. Nach einer kurzen dürftigen Recherche bedeutet der Titel anscheinend so viel wie „Der Regen kehrt zurück“. (Um kompetente Verbesserungsvorschläge wäre ich euch sehr verbunden). Während meines ersten Hördurchlaufes bin ich zwar nicht in einen Freudentränenschauer ausgebrochen, trotzdem kann ich der Platte von Beginn an eine magnifizierende Aura zuschreiben, welche sich wohldosiert über ihren gesamten Verlauf ausbreitet.

Ein brillianter Auftakt

Gemächlich eröffnet das Intro „Ylle Kaartuvat“  einen idyllisch-apokalyptischen Sonnenaufgang, welcher gegen Mitte der Laufzeit mittels erhabenen Bläserinterventionen marschartig das anstehende Geschehen andeutet. Aufbruchartig, frisch und interessefördernd läutet dann „Toinen“ ein. Melodisch erklingen die Gitarrenriffs, dazu gesellt sich eine altbekannte, im leichten finnischen Dialekt verortete Krächzstimme. Symphonische Elemente schmiegen sich sacht an, während glockenartige Klänge und modern-rockige kurze Riffintervalle für Progressivität sorgen. 

Ebenso melodiös schreiten VORNA mit „Syvyydet“ fort.  Wieder gelingt mit den symphonischen und glockenartigen Elementen eine optimale Mixtur-Gradwanderung, sodass sich die Weite der finnischen Natur förmlich vor einem ausbreitet. Der anschließende Part mit baritonalem Klargesang sorgt für ein kurzes, weniger traditionelles oder folkloristisches, sondern eher melancholisch-jazziges Zeitfensters des nachdenklichen Versunkenseins ohne schmalzig oder übertheatralisch zu wirken, bevor die tragende gutturale Stimme in Verschmelzung mit der Melodie wieder die gewünschte Härte ins Gesamtbild des Songs einbringt. Die beiden Parts wiederholen sich ein bis zweimal, bevor die Bridge in die letzte höhepunktbringende Strophe überleitet.  

Von Progressive Black zu Post Black Metal ?!?

In  „Sydäntalven puut“  werden VORNA im Folgenden wuchtiger, aber noch eingängiger und nachdenklicher, wobei in den Strophen die Glockenspiele klarer zum Vorschein kommen. Im Titel „Aalloista“ sorgen ein schon sphärisches, „drumgespicktes“ Intro mit anschließenden post- und doom-lastigen Riffs und der cleanen Halbsprechgesang-Stimme aus „Syvyydet“ endgültig für eine spirituelle Teleportation in die finnische Tundra. Aus der Ferne winken uns durch „klingelnde“, intervallartige Post-Black-Metal Riffs DYNFARI, SORROW PLAGUES, CUSCUTA und ECHOES OF THE MOON kurz zu. (Wer die Bands kennt bzw. allgemein gern Atmospheric Post Black Metal hört, wird sicherlich wissen, was ich damit meine.)

Trotzdem verkennen die Herren in diesem Song nicht ihren Stil. Das finnische Flair schwingt immer noch in jeder Note mit. BORKNAGAR und VINTERSORG, aber auch nicht zuletzt INSOMNIUM und WINTERSUN haben hier definitiv ihre Fußstapfen im meterhohen Pappschnee hinterlassen. Choral und erhaben kommt der Track zum Ende und vollzieht einen homogenen, aber gebundenen Übergang zum nächsten Track, welcher symphonisch und wieder hochmelodiös auftritt. Spätestens ab „Virvatulet“ zeigt sich jedoch die Schwachstelle des Albums, wie sie wohl in mindestens 95% aller Alben auftritt. Das Konzept beginnt sich, zwar immer noch auf hohem Niveau befindend, fest zu fahren. Man hat das Gefühl, alles schon gehört zu haben.  Nichtsdestotrotz behält „Sateet Palata Saavat“ bis zum Schluss die Kondition. Lediglich der letzte Track „Kauas“  missfällt mir ein wenig.

Kompetenzfortschritt durch musikalischen Fortschritt?

Die beiden Vorgängeralben „Ajastaika“ (2013) und „Ei Valo Minua Seuraa“ (2015) gaben schon ein hohes Niveau für „Sateet Palata Saavat“ vor. Ebenso vor Melodiösität und symphonischen Arrangements strotzend, waren diese Werke noch paganer und eine Idee traditioneller und eben nicht so progressiv und modern aufgestellt. In „Ajastaika“ hört man sogar stellenweise noch ein akkordeonartiges Instrument. „Sateet Palata Saavat“ klingt eben im Vergleich etwas abgewandelter sowie experimentierfreudiger, aber definitiv nicht schlechter. Andernfalls kann ich mich auch nicht recht für eine explizite Steigerung ihres musikalischen Niveaus aussprechen, was allerdings damit zusammenhängt, dass ihre Tonkunst bis dato schon auf einem sehr hohen Level angesiedelt war. Hervorzuheben ist jedoch, dass m.E. Vesa, dem Sänger der Truppe die (zurückgewonnene) episodische Tiefe im gutturalen Gesang ziemlich gut steht.

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NUMEN – „Iluntasuna Besarkatu Nuen Betiko“

Veröffentlichungsdatum: 27.09.2019

Dauer: 46:37 min.

Label: Les Acteurs de l´Ombre

Genre: (Pagan) Black Metal

Pagan Metal gibt es nicht nur im hohen Norden

Paganistische und folkloreorientierte (Black) Metal-Bands sind (spätestens) in den 2000er-Jahren in nahezu allen Kontinenten und Kulturkreisen unserer Welt heimisch geworden. Besonders die europäische Szene verfügt fortlaufend über weitreichende Kontingente an kilttragenden, kriegsbemalten und äxte-/schwerterschwingenden Formationen, welche die Mythen und Sagen ihrer Altvorderen musikalisch konservieren und an den Mann bzw. die Frau bringen.

Das klimatisch warme Spanien ist in diesem Sinne vornehmlich bekannt für fröhlich bis verträumt verspielte Party-Folk-Metal-Kombos wie MÄGO DE OZ und CELTIBEERIAN. Doch dieses mallorquinisch-ballermannesk beschränkte Bild von spanischem Folk- und Pagan-Metal täuscht. Während auf einer Art Zwischenebene Bands wie NORTHLAND, DRAKUM, GWYDION, LLVME oder INCURSED  teilweise durchaus heiteren Pagan Folk Metal mit variantem Extreme Metal mischen und sich auch ernsteren Themen wie Mythen, Sagen, Seefahrten, Schlachten oder Naturimpressionen hingeben, gibt es auch Kombos, welche vornehmlich ausschließlich härtere, rohere und ernstere Töne anschlagen.

Wer sind NUMEN, was spielen sie für Musik und woher haben sie das Cover-Art ihrer neuen CD?

Eine dieser Formationen ist das 1997 gegründete Fünfergespann NUMEN aus dem Baskenland. Bekannt sind sie mir schon länger. Vor etlichen Jahren hörte ich einen ihrer Tracks in einem Compilation-Video zu iberischen Folk-Metal-Bands. Von einer weiteren Auseinandersetzung mit ihnen, sah ich bisher leider ab. Schlussendlich befeuerte mich das Cover-Art  ihrer neusten Scheibe „Iluntasuna Besarkatu Nuen Betiko“ doch, mich den Pagan-Black-Metallern einmal anzunehmen. Denn dieses Cover erinnert mich von der allgemeinen Farbgebung sowie in puncto der angebrachten Motivelemente sehr stark an das Album „Ascetic Eventide“ von PURE WRATH (Ein-Mann-Atmo-Black-Projekt aus Indonesien). Grandios, wie ich finde. Ich mutmaße, dass hier derselbe Cover-Art-Designer am Werk gewesen sein muss. Mir bleibt nichts anderes übrig, als schon einmal eine inoffizielle Nominierung für den Titel „Album-Cover des Jahres“  dafür auszusprechen.

In NUMENS ersten beiden Alben „Galdutako Itxaropenaren Eresia“ (2001) und „Basoaren Semeak“ (2004) experimentierten sie noch mehr mit folkloristischen Anleihen, welche an mitteleuropäische Klänge des Mittelalters erinnerten. Die dadurch hervorgerufene Atmosphäre schafft dabei jedoch keine Analogien zu stereotypischen Tavernensaufexzessen oder mitschunkelkonformer Marktmusik. Eher kann von hymnischer bis nachdenklicher Vagabunden- und Schlachtenmusik die Rede sein. Weiterhin versahen die Herren ihre Kompositionen auch episodisch mit Growls und Cleangesang. Auch Melodieträchtigkeit und soliartige Einschübe von Akustikgitarren prägen den Sound der beiden ältesten Full-Length-Veröffentlichungen.

Im dritten Album „Numen“ dagegen, wurde eher eine Konditionierung auf melodiösen und tonsprunghaften Pagan Black Metal deutlich. Besonders die schnellen Tonsprünge, welche etwas an DARK FUNERAL erinnern, reißen mich beim Hören mit. Zur Genese dieses Mitreißpotenzials trägt auch der Fokus auf schnelle Tempi mit. Der musikalische Konsens der Platte ähnelt den Alben von CRYSTAL MOORS und AES DANA, nur halt mit wegrationalisierten Folk-Komponenten. Auch das neue Album der Nordspanier ist von feierwütigem Folk Metal ungefähr so weit entfernt, wie zeitgenössische Popmusik von künstlerischem Ideenreichtum.

Das neuste Werk in Kürze und Würze

Der Einstieg in das Album erfolgt mit „Iluntasuna soilik“  in sofortiger Weise von Null auf Hundert. Stimmungsvolle, mitreißende und hemmungslose Gitarrenriffs überrumpeln die Hörerschaft, während man ebenfalls spürt, wie sich Aritz, der Vokalist der Truppe, sichtlich anstrengen muss. Er krächtzt und schreit aus Leibes Kräften, um nicht Gefahr zu laufen, im Verbund aus dem Gitarrengewitter und den vor Aggressivität schnaufenden Drums unterzugehen. Letztere knüppeln nämlich zeitweise was das Zeug hält. Die prägnanten Melodiebögen und Tonsprünge in den Riffs können m.E. durchaus als Indikatoren für kompetentes Songwriting angesehen werden. Sie wirken weder fehl am Platz noch tragen sie zu einer Komponentenüberladung bei.

Diesem strukturellen Prinzip wird weiterhin in Laudata izoztuetan gefolgt, wobei die Vocals nun etwas aus dem Schatten treten, welche die felsformationsartigen Gitarrenriffs ihr spenden. Auch in den folgenden Titeln finden sich kaum Abweichungen von diesem Songkonzept:  – Aggressive Einstiege, häufige Tonsprünge, Geschwindigkeitstempomat immer auf voller Fahrt, wehklagende, durchsetzungswillige, treibende und harsche Vocals sowie allerhöchstens in den Bridges figurale bzw. thematische Variationen – Aus diesen Elementen setzt sich das musikalische Konzentrat des Albums zusammen. Auf Dauer erscheint die rasende Dynamik in den Songs allerdings etwas unkoordiniert und überdosiert. Folgend reihen sich zwischen den schmetternden Gitarrenwänden, der episodischen Drum-Artillerie und den Gutturalgesang-Predigten kaum Ruhepausen zur Reflexion ein.

Unleugbare Referenz

Im fünften Titel  „Nire arnasean biziko da gaua“ erfolgt eine kleine Varianz durch eine kurze, leicht sphärische Bridge mit einem ihr vorgelagerten hohen Keif-Gesang, wie man ihn von AASKEREIA oder dem Ambient-/Epic-Black-Metal- und Dungeon-Synth-Projekt ELFFOR kennt. Vewunderlich ist das nicht, denn Eöl, Mastermind um ELFFOR, ist ebenfalls Mitglied bei NUMEN. Mit hoher Wahrscheinlichkeit hören wir an dieser Stelle ihn. Eine kurze Wiederholung dieses eigensinnigen und gewöhnungsbedürftigen Gesangsstils findet auch im vorletzten Track „Iraganeo errautsak“ statt.

Den einzigen Ruhepol des Albums bildet das Outro „Itzaltzukobardoari“. Hierbei erzählt ein Mann mittleren Alters auf Spanisch wahrscheinlich von alten Sagen, Fährten oder Ähnlichem. Begleitet wird er von einer Akustikgitarre, welche eine mediterrane Melodie zum Besten gibt. Punktuell markiert ein kurzes Lagerfeuerknistern den Einklang sowie den Ausklang des letzten Tracks und auch ein holzblasartiges Instrument erhascht sich zwischenzeitlich kurz seine Daseinsberechtigung in dem ansonsten eigentlich folk-befreiten Black-Metal-Album.

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Power Metal der europäischen Spielart, weitläufig auch als Melodic/Symphonic Power Metal bekannt, genießt selbst unter Metal-Generalisten nicht durchgehend ein hohes Ansehen. Oft wird dieses Sub-Genre von Kritikern und Old-School-Heavy-Maniacs als zu gefühlsbetont, zu euphorisch, zu kitschig und/oder zu verspielt angeprangert mit der (gewagten) These, keinen richtigen Metal zu verkörpern. Freilich beruhen solche Äußerungen, welche ich nicht durchgängig teile, auf subjektivem Geschmacksempfinden. Ich besitze sogar persönlich keinerlei Hemmschwellen, mich als Fan des Melodic/Symphonic Power Metal zu outen.

Die neuen Leiden des alten (Melodic) Power Metals

Dennoch möchte ich andererseits ebenfalls eingestehen, dass ich dieses Sub-Genre in den letzten Jahren, aufgrund der kontinuirlichen Expansion durch zahlreiche Neugründungen mittel- bis unterklassiger Bands zwar nicht mit einer gänzlichen Trivialisierung, aber zumindest mit einem qualitativen Werteverfall konfrontiert sehe. Prioritär bedienen sich diese neuen Formationen traditionellen „Warrior“-Lyrics, in etwa im „Conan-der-Barbar-Stil“. Begleitet werden diese verbalen Ergüsse dann oft von modernen Heavy-Metal-Melodien und mäßig originell getakteten Solieinlagen. Die eigentliche Power, Eingängigkeit und das Mitreißpotenzial, welche(s) ich beim Hören dieser Musik erwarte, bleiben/bleibt dabei im Regelfall leider auf der Strecke.  Besonders aus Schweden, einem der Pionierländern dieser Strömung, sprossen etliche Bands im Verlauf des aktuellen Jahrzehntes wie Pilze aus dem Boden.

FRETERNIA, dessen neuestem Werk heute die Aufmerksamkeit im Rahmen dieser Rezensionen geschenkt wird, kommt ebenfalls aus dem bevölkerungsreichsten Staat Skandinaviens. Gegründet 1998 in der Stadt Borås, veröffentlichen sie nun nach 17 Jahren gähnender Leere mit „The Gathering“ ihr drittes Album. Wohlbekannt ist mir schon ihr Debütwerk „Warchants and Fairytales“. Im Jahr des Milleniumwechsels spielten sie noch melodiös fundierten Power Metal mit markanter Heavy-Prägung. Thematisch fand man sich, typisch für 2000er-Power-Metal-Veröffentlichungen, in verlassenen/verwunschenen Königreichen, Begegnungen mit Drachen bzw. Fabelwesen und kriegerischen Auseinandersetzungen wieder. Umso interessanter erscheint es mir, Kenntnis davon zu erlangen, mit welchen neuen Raffinessen die Schweden nun auftrumpfen oder eben nicht.

Kraft und Beständigkeit siegen über Ausschmückungswahn…

Mit einem einminütigem, fast neoklassizistisch kredenzten Intro wird der Hörer begrüßt. Die Streicherkombo erscheint im anschließenden Verbund mit trompetenartigen Blechbläsern als atmosphärisch bis erhaben. Sodann wird mit dem Titel  „Reborn“  ein wünschenswerter Power Metal-Openersongs dargeboten. Überzeugt wird hier mit prägnanter, eingängiger Melodik und stimmigen Soli-Hooks. Synthetische Einflüsse nehmen nicht die Überhand sondern fungieren als Ausschmückung des allgemein mitreißenden Soundkomplexes. Auch die Stimme des Sängers erscheint sebst im klaren Modus kraftvoll und dynamisch. Die Screams und Shouts ertönen nicht penetrant schief wie bei einer doch nicht zu untergrabenen Zahl an Genrekollegen. Einzelne Zeilen werden auch zum Ende hin als „Frage-Antwort Spiel“ zwischen dem Sänger und einem Chor vorgetragen. Allgemein finden weder mit symphonischen noch mit neoklassizistischen Anleihen Übertreibungen Einzug ins Gesamtklangbild des Tracks. Der energetisch-mettalische Sound steht derweil im Vordergrund.

Es sticht zwar der Hang zur prioritär europäischen Power-Metal-Spielart maßgeblich heraus, trotzdem ist die Musik sowohl vom Melodic Metal, als auch vom Heavy Metal geprägt. Symphonische Elemente gesellen sich regelmäßig dazu, sie nehmen aber, wie schon erläutert, eine untergeordnete Rolle ein.

…auch im Verlauf?

Im Intro des dritten Titels „Last Crusade“ wurden auch glocken- und später leicht cyberartige Keyboardeinlagen integriert. Die Melodieführung, mit welcher zwar nicht das Rad neu erfunden wurde, erweist sich auch hier abermals als kraftvoll, energisch und authentisch anstatt emotional überengagiert. Im Anschluss ertönt „The Escape“  schon etwas hymnisch, was für Abwechlung durch eine tragende Heavy-Attitüde (welche sie auch auf dem ersten Album schon praktizierten) sorgt. Gerade die hohen Screams am Ende intensivieren Diese weiterhin. In der Bridge kommen auch wieder Streicher zum Zuge. Titel 5 „In Solitude“ besitzt eine abwechslungsreiche Grundarchitektur, auch durch den dichotomen Gesang (Screams und Shouts). Der Part in der Mitte gefällt mir dabei besonders. Die Streicher im Hintergrund halten die Epik am Laufen. Stellenweise hört man auch ein Spinett heraus, wodurch ein leichtes Fler alter RHAPSODY-Alben mitschwingt.

Auch die zweite Hälfte des Longplayers bleibt durch ausgepfeilte Melodien spannend. Im siebten Song „End of the Line“ sind auch wieder Streicher mit von der Partie. Den leicht märchenhaften Grundcharakter des Tracks möchte ich hier nicht untergraben, welcher trotzdem ausgereift und erwachsen anmutet. Der pointiert gemischte Chor und die Soloparts komplettieren das sehr gute Endresultat. Des Weiteren geht es in „Fading World“  zwischendrin sehr harsch zu. Abwechslungsreiche Zwischenparts rein instrumentaler Prägung, bestechen durch die Keyboardeinlagen und gefälliger Soli. Auch der elfte Titel „Dark Vision“ beispielsweise, wird mit Solis, Interludien und Choreinschüben unterfüttert, welche Spannung bringen.

Die Position von „The Gathering“ im Melodic-Power-Metal-Pool

Ich habe bereits herausgestellt, dass die Veröffentlichungen von FRETERNIA im Allgemeinen einen Verbund aus melodiösem Power Metal und unüberhörbarer Heavy-Metal-Schlagseite repräsentieren.

Fans von ausschließlich „zuckersirup-getränktem“ Melodic Power Metal á la POWER QUEST, DRAGONFORCE, FREEDOM CALL, TWILIGHT FORCE, BALFLARE oder KAMELOT werden wohl mit „The Gathering“ nicht zufrieden gestellt werden.

Wer dagegen mehr Wuchtigkeit und „truen“ Heavy-Drive in seinem Power Metal sucht, dem kann ich doch eine ganze Reihe an adäquaten Anspieltipps unterbreiten. Versucht es doch am Besten mit den folgenden Gruppen: DRAGONHEART (BRA), FIREFORCE, MAJESTY, LONEWOLF, VISIGOTH, BREITENHOLD, STARGAZERY, RUNELORD, HAMMER KING, STORMWARRIOR, REBELLION (GER), WIZARD (GER), ETERNAL CHAMPION, BLOODBOUND oder PERSUADER.

Einen ähnlichen Spagat zwischen Melodic Power und Heavy Metal schaffen wie FRETERNIA dagegen unter Anderem diese Bands: DRAGONLAND, NOCTURNAL RITES, DARK MOOR, FIREWIND, EVERTALE, IRON FIRE (teilweise auch mit Thrash-Note), GAIA EPICUS, WISDOM (HUN) und MAGIC KINGDOM. Besonders bei Letzteren sind, nachdem ich mal in ihr Album „Symphony of War“ reingehört habe, deutliche Parallelen zu FRETERNIA zu erkennen.

Meine Proklamation: Nicht über Power Metal herziehen, sondern sich differenzierter mit diesem unterschätzten Sub-Genre auseinandersetzen, um besser die Spreu vom Weizen trennen zu können!

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Als potenzieller Erholungssort für Sonnenanbeter reiht sich der kleinste Inselstaat der europäischen Union öfter in die engere Auswahl buchungswilliger Pauschalreisetouristen. In den Gefilden schwermetallischer Musik dagegen besteht weitläufig noch etwas Nachhol- und vor allem für die Fans auch Weiterbildungsbedarf. Fangen wir am besten sofort in dieser Review vom Urschleim an. Denn auf den Tag genau eine Woche vor dem kalendarischen Sommerbeginn veröffentlicht die dienstälteste maltesische Brutal Death Metal-Band BEHEADED ihr sechstes Album. Gegründet haben sie sich 1991 in der Kleinstadt Fgura, welche in unmittelbarer Nähe der Hauptstadt Valetta liegt.

Für mich ist es kaum zu glauben, dass seit ihrem letzten beeindruckenden Silberling „Beast Incarnate“ aus 2017 bereits zweieinhalb Jahre ins Land gezogen sind. Anknüpfend an diesen Aspekt erschließt sich die Frage, ob die Akustikhenker innerhalb dieses Zeitfensters ihren Stil noch weiter ausbauen konnten oder sie ihren Fans nun lediglich eine Copy-Paste-Version ihres Vorgängerwerkes unterbreiten?

Neuer Sound, der älter klingt?

Während auf ihren älteren Werken wie unter anderem „Omniuos Bloodline“ (2005) oder „Recounts of Disembodiment“ (2002) noch stürmischer und tempoorientierter Brutal-Death-Metal mit leichter Slam-Attitüde, Hybridgesang (halb Pig Squeals, halb Growls) und relativ plastischer Perkussion perfomt wurde, zeigte sich seit dem 2012er-Album „Never to Dawn“ eine neue Grundausrichtung in ihrer Musik. Das Quintett verließ ihr bis dato bewährtes Terrain, welches an Vorbilder wie SUFFOCATION, CRYPTOPSY, alten DEEDS OF FLESH und eventuell auch DEFEATED SANITY angelehnt war und verschrieb sich fortan einer Balance zwischen Old-School-Atmosphäre und technischen Brutal Death-Riffs.

Stillstand oder Progression?

Genau diese, nahezu abrupte Kehrtwende wird bei „Only Death Can Save You“ nicht verworfen. Die verschiedenen elektrisierten Gitarren heben sich bemerkbar voneinander ab mit teilweise variaten, aber dennoch nicht übertriebenen Tonsprüngen. Die Drums flattern beispielsweise im Titel „Evil be to him who evil seeks“ mal dezent im Hintergrund, an anderen Stellen bestimmen sie dagegen einschlägig den Takt. Temporär werden uns auch in den folgenden Titeln wie „A greater terror“ die allseits im Genre bekannten und wechselnd beliebten Blast Beats nicht vorenthalten.

Auch die Vocals stechen aus dem voluminösen Rest an Brutal Death Metal-Veröffentlichungen zumindest etwas heraus. Nicht allzu tief, dennoch vor rasender Aggression sprudelnd, fügen sie sich in die Gesamtkomposition als eine Symbiose aus Growls und Shouts mit krächtzendem Abgang ein. Das erinnert nicht zuletzt auch an neuere GRAVE-Alben. Den Konsens aus Stimme und Instrumenten werte ich grundsätzlich als knackig, ehrlich, ambitioniert, aber nicht zu progressiv oder trendlastig überschäumend. Auch lassen sich äußerlich ein paar Analogien zu hochtechnisierten und saubergeputzten Formationen wie den oft „überproduzierten“ KRISIUN, REBAELLIUN oder CENTURIAN ziehen.

Der Sound der Riffs gestaltet sich über die gesamte Laufzeit hinweg zwar als dicht, allerdings nicht als auffallend virtuos. Markante Motive und Tonsprünge wiederholen sich und wirken handwerklich und auf Ebene des Songwriting authentisch. Im 4. Titel „Unholy Man“ kann ich den hervortretenden Old-School-DM-Vibe nicht leugnen. Danach wird mit „Embrace your Messiah“ ein besonders stampfender, vorrangig (monoton-)rhythmisch ausgelegter Nackenbrecher geboten. Hinsichtlich des Tempos wird hier vom Gaspedal heruntergegangen.

Der siebte Track „Gallows Walk“ fungiert dagegen als Ausnahme zum nächsten Stück. Namenskonform (zu deutsch „Galgenmarsch“) begleiten hierbei mehrere redende Menschen einen Verurteilten zum lebensnehmenden Strick. Schnell reihen sich ein Riffgewitter sowie eine sakrale männliche Predigerstimme ein, um den Zeremoniencharakter zu verschärfen. Nach dieser kurzen Phase der Rehabilitation verlangen mir die letzten beiden Titel „Only Death Can Save You“ und „From the fire where it all began“ noch einmal meine volle Aufmersamkeit ab.

Der Charakter des neuen BEHEADED-Albums

Eigentlich rauscht das neue BEHEADED-Album im Verlauf durch die Gehörgänge wie ein süffiges Bier die Kehle hinunter. Das allerdings ohne exotische Akzente zu setzten oder enorme Spannungskurven aufzubauen und anschließend zu entladen. Was mir derweil wirklich missfällt, ist die übermäßige Ähnlichkeit zum Vorgängeralbum. Sowohl auf instrumentaler als auch auf gesanglicher Ebene wurde für mich zu viel übernommen, anstatt ausdifferenziert und weiterentwickelt. 

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TANZWUT. Seit nunmehr zwei Jahrzehnten gehören sie zu den Schlüsselfiguren des deutschsprachigen Mittelalter-Rocks. Durch ihre einzigartige Synthese aus wuchtigen rockig bis metallisch anmutenden Gitarrenriffs, mittelalterlichen Blas- und Streichinstrumenten sowie elektronischen Raffinessen konnten sie im Verlauf ihrer Schaffenschronik eine sehr abwechslungsreiche Fanbase aufbauen. Denn mit ihren Kompositionen, welche als Schnittstellen zwischen verschiedenen Zeitsphären erscheinen, gelingt es ihnen, traditionelle Mittelalter-Sympathisanten, Gothic-Maniacs und Metal-Fans gleichermaßen auf ihre Konzerte zu locken.

Ein umfangreiches Repertoire

Während in den ersten drei Alben „Tanzwut“ (1999), „Labyrinth der Sinne“ (2000, eines meiner absoluten Lieblingsalben aus allen Genres) und „Ihr wolltet Spaß“ (2004) Industrial-Klänge noch eine tragende Säule in den Songstrukturen der Berliner Tonkünstler ausmachten, mit welchen sie u.A. wahrscheinlich auch SALTATIO MORTIS auf ihrem zweiten Longplayer „Das Zweite Gesicht“ beeinflussten, zeigte sich auf den neueren Alben ein anderer Trend. Es erstaunt schon allein, dass TANZWUT es geschafft haben von 2011 bis 2016 insgesamt sechs Alben heraus gebracht zu haben. Davon fokussierten sich zwei Scheiben prioritär auf traditionelle Mittelalter-Musik („Morus et Diabulus“ von 2011 und „Eselsmesse“ von 2014). Demgegenüber stehen vier Werke, welche zwar auch Dudelsackarrangements nicht missen ließen, jedoch tendenziell auffallend in Richtung Gothic Rock, Deutschrock und Neue Deutsche Härte ausgerissen sind. Damit sollten sich besonders Fans von beispielsweise ASP oder LETZTE INSTANZ begnügt haben.

Folgend bin ich, auch nach der ungewöhnlichen langen Durststrecke, welche die Kombo hinterlassen hat, umso gespannter, wie sie sich auf ihrem elften Album „Seemannsgarn“ präsentieren. Vielleicht als VROUDENSPIL- oder VERSENGOLD-Piratenfolk-Klon? In Anbetracht des Albumtitels erscheint mir dies nicht als abwegig. Außerdem muss ich ebenfalls erwähnen, dass ich einem annehmbaren, zeitgenössichen Mittelalter-Rock-Album aus deutschen Landen fiebernd entgegensehe. Viele Veröffentlichungen der letzten Jahre haben mich einfach enttäuscht. Dadurch, dass SALTATIO MORTIS für mich zunehmend in pseudosozialkritische Deutschrock-Sphären mit episodischen Dudelsackinterventionen abgedriftet sind, SCHANDMAUL immer balladenlastiger wurden, IGNIS FATUU nach dem Sängerwechsel ihren Charme verloren haben und INGRIMM die Kondition ausgegangen ist, möchte ich endlich wieder meine Bindung zu diesem Genre aufbauen. Gelingt dies mit der neuen TANZWUT-Veröffentlichung?

Die rauen Segel sind gesetzt

Bei Seemannsgarn erscheint die Stimme des charismatischen „rothaargehörnten“  Frontmannes Teufel von Minute Eins an als deutlich tiefer, gereifter und harscher als auf den von mir favorisierten alten Alben, wo er wirklich noch hinterlistig und verschmitzt wie der Teufel höchstpersönlich klang.  Als Novum ist dies jedoch nicht anzuerkennen. Beispielsweise auf den letzten zwei Alben „Schreib es mit Blut“ (2016) und „Freitag, der 13.“ (2015) war dies ebenfalls schon der Fall. Die Vocals auf „Seemannsgarn“ sind, im Prinzip genretypisch, in den Vordergrund gemischt worden. Die Industrial-Ebene hingegen wurde wieder komplett ausklamüsert, wodurch das Flair der alten Alben auch auf diesem Longplayer keine Renaissance feiert.

Der  gleichnamige Opener-Track leitet den Hörer nicht zu schwerfällig in die konzeptuelle Grundthematik des Seefahrer- und Gassengeschichtenmilieus ein. Der Song wird vordergründig von der Stimme und nicht von den Gitarrenriffs getragen. Meine vorausgegangene Vorstellung, dass die Band versucht VROUDENSPIL oder VERSENGOLD zu imitieren, wird nicht bestätigt. Dafür ist der Charakter der Musik zu robust, zu ernst und nicht wild beziehungsweise verspielt genug. Eher noch könnte man von einer Synthese aus IN EXTREMO und SANTIANO sprechen.

Besonderheiten und Auffälligkeiten ausgewählter Tracks in Kurzform

Im 2. Titel „Galgenvögel“  gestaltet sich das Mixing komplementär zu Jenem des ersten Titels. Hier wurden die Gitarren in den Vordergrund und die Folk-Instrumente in den Hintergrund gesetzt. Wirklich ungewohnt halbguttural mutet Teufels Stimme in Track 4 „Die Letzte Schlacht“ an, nämlich in ziemlich heroischer, kratziger und aggressiver Ausprägung.

Spätestens ab Track 5 oder 6 setzt sich das musikalische Songkonzept fest. Mir persönlich fehlt die Abwechslung, welche ich auf den ersten drei Alben kennen und lieben gelernt habe. Anstatt Mittelalter-Rock mit einem Industrial-Electro-Einschlag verschmelzen zu lassen, wird  hier dagegen moderner Mittelalter-Rock geboten, welcher mehr in Richtung NDH und Deutschrock abdriftet.

Track 8 „Francois Villon“ erzählt eine Geschichte bezüglich eines Treffens zwischen dem gleichnamigen bedeutenden Dichter des französischen Mittelalters und Teufel. Ein nettes Déjà-vu ereilt mich folgend in Titel 10 „Schmiede das Eisen“. Dessen anfängliche Sackpfeifenhooks erinnern mich stark an das zweite Album Labyrinth der Sinne, genauer gesagt an den darin enthaltenen Titel „Die Drohne“. Der anschließende Track „Gib mir noch ein Glas“ gestaltet sich als ein  gewöhnlicher Trinkgelage-/Tavernensong, welcher nicht zum exzessiven Feiern sondern zum Kollektivbewusstsein, in einer leicht melancholischen, lebensreflektierenden Manier einlädt.

Im Titel 12 „Im freien Fall“ kommen dann doch kurz auch Industrial-Einschübe am Beginn aus der Versenkung auf, welche allerdings nicht dazu neigen, sich über den Status als Randnotiz heraus zu heben. In „Herrenlos und frei“, dem vorletzten Song, gefällt mir besonders der authentische, folkloristische Einstieg.

Über alle Titel hinweg prägen zweifelsohne wieder diverse Sackpfeifen und Schalmeien das Klangbild der Kompositionen. Im Song „Francois Villon“ ertönt darüber hinaus auch das Tasteninstrument Bardoneon. Weitere signifikante Folk-Instrumente im Album sind noch die Cister (Zupfinstrument) sowie das Nyckelharpa (Streichhinstrument).

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Im Grunde braucht man zu NOCTURNUS (A.D.) eigentlich nicht viel zu erzählen. Das aus Tampa (Florida), dem El-Dorado amerikanischen Todesstahls, stammende Quintett genießt nun bereits seit ca. drei Dekaden ein immens hohes Ansehen innerhalb der Szene. Denn mit ihren ersten beiden Alben The Key (1990) und Thresholds (1992) beflügelten sie nie dagewesene, progressive Entwicklungsfortschritte im Genre. Zum einen machten sie die Integrierung von Synth-/Keyboardarrangements im Death Metal langfristig salonfähig.

Des Weiteren öffneten sie mit ihrem inhaltlich-konzeptuellen Fokus auf Themen im Sciene-Fiktion- und Weltraumbereich im lyrischen Sinne die bis dato im Allgemeinen vorherrschenden Schranken des Genres. Texte aus dem Horror-Zombie-Gore-Milieu standen fortan einer Art Opposition gegenüber. Die daraus resultierenden Langzeitfolgen sind heute bei Bands wie BLOOD INCANTATION, NUCLEUS, OBSCURA, ORIGIN, GIGAN oder FRACTAL UNIVERSE merklich sichtbar.

Die Auditive Cyborgs-Invasion

Bereits der Opener-Track „Seizing The Throne“ leitet mit einem schillernden Cyber-/Industrial-Intro ein, ehe es relativ zügig von einem klassischen Ami-Death-Metal-Riffinferno á la MORBID ANGEL, DEICIDE, GUTTED (US) oder MASSACRE abgelöst wird. In weitaus technisch anspruchsvoller, sauberer und klar durchdachter Manier trumpft von Beginn an das Soundkonzept der wiedervereinten Pioniere auf. Besonders interessant im ersten Song erscheint mir der gestreckte Ausklang mit einem abgehobenen Solopart. Das gemächlich abnehmende Tempo am Ende lässt den Song gleichförmig langsamer werdend ausklingen. Die Vocals, eine Symbiose aus Growls und Shouts, erscheinen ansprechend gemixt. Die atmosphärischen, cyberartigen Synth-Einschübe komplettieren das Gesamtklangbild.

Im Folgenden wird „The Bandar Sign“ ebenso vorerst mit einem sci-fi-anmutenden und kristallinen Intro eingeläutet. Was mich jedoch anschließend verwundert, ist, dass keine typische Growl-Stimme, sondern eher reine Shouts mit vereinzeltem Growl-Abgang den Track infiltrieren. Die Vocals werden zudem rhythmisch orientiert und damit sehr abgehackt intoniert. Ordentliche Death-Metal-Vocals klingen für mich anders. Das darauffolgende Interludium mutet wieder fesselnd durch ein mitreißendes Solo an. Zwischendurch droht im Hintergrund ein futuristischer, überdimensionaler Kochkessel kurz vor der Eruption zu stehen. Gerade dieser bringt eine faszinierende Dissonanz und Spannungsintensität mit sich. Sonst wurden über den gesamten Songverlauf hinweg immer wieder hintergründig Synths eingebaut, welche den für die Band prägenden Sci-Fi-Background aufrechterhalten. Des Weiteren generieren die Synths über die gesamte Laufzeit hinweg eine ansprechende Grunddramatik in die sich ansonsten wiederholenden Grundstrukturen der Songs. Dabei muten sie oft schon fast orchestral mit einem Seitenschlag zu Nahost-Klängen an.

Die Gradwanderung zwischen Rhythmus- und Melodiefokus

Stark fällt bei den ersten Tracks schon ins Gewicht, dass Riffs und Synths die melodietragenden Komponenten verkörpern, während die Konvergenz aus Stimme und Schlagzeug vorrangig den Rhythmus prägen.  Auch in „Paleolithic“ setzt sich das soeben beschriebene Melodie-Rhythmus-Wechselspiel fort. Spätestens hier, also schon ab dem dritten Titel, gestalten sich die einzelnen Nummern schon als zu ähnlich und vorhersehbar, was im späteren Verlauf nicht abebbt.

Trotz der kontinuierlichen Einbindung von sonderbaren Intros, Outros und Bridges wird dieser Trivialisierung nicht entgegengewirkt. Es fehlen sozusagen neue Überraschungsmomente, trotzdem kann ich den Herren ihr handwerkliches Geschick nicht absprechen. Während andere Bands vermutlich in vollumfängliche Belanglosigkeit abdriften würden, kommt der Tampa-Brigade ihr Originalitätsfaktor noch zu Gute, auch aus dem Grunde, dass die Synths nie übertrieben aufkreuzen.

In „Precession of The Equinoxes“ hat die Stimme wieder mehr Growl- und Legato-Charakter und die virtuellen Synths geben Aufschluss darüber, dass fremde, von Cyborgs, Robotern oder anderen zwielichtigen Geschöpfen geflutete Dimensionen betreten werden. Obwohl die Melodieträchtigkeit der Gitarren und Synths durchgehend stark ist, trägt die Stimme in Summe dafür Sorge, dass der Rhythmus über die Melodie die Vorderhand gewinnt.

Der siebte Track, „Apotheosis“, stellt mit seinem über einminütigem Cyber-Intro noch einmal unter Beweis, wie ausgefeilt die Intros von den Südstaatlern für diesen Longplayer ausgestaltet worden sind. Sie bestechen eigentlich durchgehend durch eine optimale Performance und erscheinen damit weder zu moderat noch zu ausdifferenziert oder überengagiert. Leider bietet die zweite Hälfte des Albums für mich ansonsten keine weiteren Höhenflüge, welche hier noch Erwähnung finden sollten.

Atmosphäre und Technik triumphiert über Härte

Alles in Allem wurde (auch) beim vierten Longplayer von NOCTURNUS A.D. weniger Härte auf Teufel komm raus in den Fokus der Produktion gesetzt, sondern eher Priorität auf Rhythmik und Atmosphäre gelegt, welche als Schnittstelle zwischen 90er-Jahre-Old-School-DM-Sound und cyberartiger Zukunftsvision fungiert.

Die shout-lastige Stimme hätte tiefer sein können bzw. wäre sie eher für ebenso Sci-Fi-ausgerichteten Technical Thrash à la VEKTOR oder VOIVOD prädestiniert gewesen, würde sie noch schneller vorgetragen werden. Insgesamt wirkt die zweite Hälfte zumindest stellenweise etwas thrash-lastiger (zum Beispiel hinsichtlich der Riffstruktur in „Apotheosis“).

Die Musik sollte Fans von eher moderat extremen Death-Metal-Kapellen wie DEATH, MASSACRE, OBITUARY, PESTILENCE oder SKELETAL REMAINS, aber selbstverständlich auch der alten NOCTURNUS-Alben gleichermaßen positiv aufs Gemüt schlagen. Technical-Death-Maniacs mit zeitgleicher Affinität zur Weltraumthematik und Old-School-Sound sollten den vierten Longplayer der Urgesteine auch einmal anspielen.

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Nachdem ich bereits meine Meinung zur neuen THORONDIR-Scheibe kundgetan habe, werde ich euch heute auch zur zweiten April-Veröffentlichung aus dem Hause Trollzorn Records meine Eindrücke schildern. Als begeisterter Fan der Kombo ISTAPP aus der südschwedischen Provinz Blekinge war die Auseinandersetzung mit ihrer neuen und dritten Full-Length-Scheibe quasi vorprogrammiert. Anno 2015 wurde ich auf ihr damals aktuelles Werk „Frostbiten“ aufmerksam. Die Eingängigkeit, die Melodiefokussierung, die lyrische Neigung zu Thematiken um eisige Kälte, aber auch die Songstrukturen der Eiszapfen-Brigade (ISTAPP heißt zu deutsch Eiszapfen) haben mich in ihrer authentischen und trendunbewussten Gestalt von Beginn an beeindruckt.

Wie schon beim neuen THORONDIR-Album möchte ich ausdrücklich das gelungene Cover-Artwork im Voraus loben. Das hätte auch durchaus als Cover für Tech Death-Bands wie ORIGIN, DREAM VOID oder SPAWN OF POSSESSION durchgehen können. Da wundert es mich auch gar nicht, dass Pär Olofsson das neue Coverbild von ISTAPPS neuen Werk kreiert hat. Denn Olofsson hat in der Vergangenheit nicht nur für einige der eben genannten Formationen Cover entworfen, sondern auch für Größen wie IMMORTAL, EXODUS oder MALEVOLENT CREATION.

Betreten wir fremdes Terrain oder verteidigen wir wohlbekannte genre-konforme Klangkonzepte?

Wer ausgehend von meinen in den Raum geworfenen Analogien einer außergewöhnlichen Mixtur aus melodischem, nordischem Black Metal und Tech-Death-Vibe entgegenfiebert, muss ich an diesem Punkt leider enttäuschen. Denen, die sich dafür interessieren könnten, kann ich nur SINGULARITY aus Tempe, Arizona empfehlen.

Vom introlosen Beginn des neuen Albums an fluten die ISTAPP–typische Melodieführung, die brachialen Vocals sowie die eingängigen Lead-Guitar-Samples meine Gehörgänge. Damit bestätigen sie mir kompromisslos, mit welcher Band ich gerade konfrontiert werde. Der Opener-Track „Eternal Winter“ spiegelt nicht nur namentlich optimal die thematische Grundausrichtung der Band auf kälteinfiltrierte, schneegehüllte Eislandschaften wieder. Darüber hinaus steht er auch stellvertretend für ihren bewährt-harschen, aber dennoch überaus melodieambitionierten musikalischen Stil. Beim ersten und zweiten Hören bleibt besonders der Refrain im Gedächtnis. Allerdings bin ich von den ersten beiden Titeln „Apep“ und „Frostbiten“ von ISTAPPs Vorgängeralbum „Frostbiten“ ein höheres Hitcharakterpotenzial gewohnt. Gleiches gilt für Tracks wie „Köldens Union“ und „I Väntan På Den Absoluta Nollpunkten“ vom Debütalbum „Blekinge“.

Ein Tribut an die Urväter

Besonders der traditionelle Clean-Gesang in ursprünglicher Normannenart erweist sich, zumeist in den Refrains, wie schon auf den vorausgegangenen Veröffentlichungen der Band als so ziemlich der mitreißenste Bestandteil der Kompositionen. Hinsichtlich des leicht sphärisch-erhabenen Klargesanges können gut Vergleiche zu Veröffentlichungen ihrer norwegischen Kollegen von GALAR gezogen werden. Der geneigte Hörer wird auch ziemlich schnell auf den Trichter kommen, dass beide Kombos wohl maßgeblich von WINDIR, einem Urgestein des Viking Black-Metals, beeinflusst sein müssen. 

Das Konzept der Songs im weiteren Verlauf

Der gutturale Gesang des Frontmannes Tizheruk klingt stark und wurde im Rahmen des Mixings ansprechend auf die instrumentalen Elemente abgestimmt. Auch in den übrigen Tracks dominiert eine kohärente und fesselnde Melodik statt pointierte Folk-Einschübe à la MANEGARM. Die lädt den Hörer zu fantastischen Naturimpressionen oder ausgedehnten mentalen Bootsfahrten durch skandinavische Fjorde ein. Allgemein wird beim zweiten Durchlauf der Scheibe das Mitreißpotenzial der Songs stärker. Durch die moderaten Laufzeiten der einzelnen Nummern von oft weniger als vier Minuten ist „The Insidious Star“ überaus kurzweilig.

Der dritte Titel „Natten då Gud Blundade (1888)“ steigt sogar mit dem traditionellen Klargesang ein, welcher sich im Bridge-Teil wiederholt. Auffallend ertönt die männliche Stimme dabei etwas höher beziehungsweise heller und peripher ist auch eine Frauenstimme heraushörbar.

Das Songkonzept zieht sich durch das gesamte Album und stagniert dabei nicht. Im fünften Track „Muspelheim“ wird eine leichte Veränderung hörbar, indem die refrainfreie Bridge als Atmosphären-Trimmung zum kurzen Verweilen im Moment verleitet. Außerdem liegt mir besonders am Herzen, den leicht hallenden, teils mehrstimmigen und wieder einmal männlichen Cleangesang in seiner besänftigenden, astralen Aura im siebten Track „The Insidious Star“ nochmal ausdrücklich zu preisen.

Trotz überzeugender Leistung ist noch Nachbesserung möglich

Ohne Kritikpunkte kann ich diese Review jedoch nicht abschließen. Neben dem mit steigender Laufzeit zunehmend homogener anmutenden Grundstrukturkonzept der Titel missfällt mir noch eine weitere Sache, die sich schon auf den Vorgängerwerken bemerkbar gemacht hat. Schon wieder hat es sich die Band erspart, ein einladendes Intro sowie ein abschließendes Outro zu komponieren. Man wird im wahrsten Sinne des Wortes ins KALTE Wasser geworfen und abrupt wieder herausgezogen. Das dürfte ein erster Schritt zur potenziellen Perfektionierung des Sounds sein. Gerade im Kontext ihrer lyrischen Versiertheit auf Themen um kalte Witterungsverhältnisse sind lukrative atmosphärische Einsteiger durchaus authentisch umsetzbar.

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Sommerliche Temperaturen und witterungsbedingte Annehmlichkeiten laden in den letzten Wochen vermehrt zum Verweilen im Grünen ein. Als Landschafts- und Naturliebhaber würde ich auch gern wieder durch dichte Mischwälder mit Flussläufen oder entlang monumentaler alpiner Bergmassive wandern. Dazu möchte ich natürlich authentische Musik nicht missen müssen. Scheinbar trifft der Titel des neuen und dritten THORONDIR-Albums „Des Wandrers Mär“ in dieser Hinsicht den Nagel auf den Kopf. Außerdem ist mir das farblich und thematisch ansprechende Cover-Artwork direkt ins Auge gestochen. Ein germanischer Krieger, rustikal mit Langaxt und Schild bewaffnet, findet sich auf einer Anhöhe in einem Gebirgsmassiv wieder. Blaugetränkt vom dämmernden Abendhimmel erblickt er im Tal eine geflügelte Fabelgestalt, welche das vorausliegende Tal mit seinem Feueratem in eine gegensätzliche, warme Farbgebung hüllt.

Episches Cover = Epische Musik?

Als Einsteiger überrascht mich der namenlose „Prolog“. Nicht unbedingt vom Gesamtcharakter her, sondern eher durch die ertönende Frauenstimme im Vordergrund, welche mich stark an ELDAMAR  erinnert. Denn auch das norwegische Atmospheric Black Metal-Projekt integriert in seinen Songs oft eine glasklare helle Gesangsstimme einer Elbin, wie sie noch markanter aus den Herr-der-Ringe-Filmen bekannt ist. Verbunden mit hintergründigen Choralgesängen, symphonischen Anleihen und tiefen Streichinstrumenten, befeuert sie eine Art Aufbruchsstimmung. Der Krieger bereitet sich darin auf seine Reise vor und findet sich nach dem akustischen Gewittereinbruch im anschließenden Track „Rache durch das Schwert“ sofort musikalisch und inhaltlich in seiner ersten Schlacht wieder.

Schon in diesem zweiten Titel wird deutlich, dass THORONDIR auf ihrem 3. Langspieler keinesfalls versuchen, das besagte norwegische Ein-Mann-Projekt aus dem LUSTRE-Umfeld zu imitieren. Hätte ich auch offen gestanden nicht erwartet, sind mir das Sextett aus Bayern doch schon seit meiner Pagan Metal-Phase in der gymnasialen Oberstufe nicht nur ein Begriff, sondern deren zwei Vorgängerwerke auch wohlbekannt.

Die Vocals reichen vom typischen gutturalen Gesang im Kreisch- bis Krächzstil bis zu pointierten klaren Gesängen und Growleinlagen. Insgesamt also recht heterogen, eine gängige Mixtur im Pagan Metal. Toll finde ich auch, dass der bayrische Dialekt des Sängers durchhörbar ist. Was darüber hinaus kein gänzliches Kuriosum, aber dennoch selten ist: Fast jedes Wort ist trotz „verzerrt“ klingender Stimme klar verständlich. Bei ihren Ulmer Genrekollegen von SLARTIBARTFASS ist das ebenfalls auf nahezu jedem Album so.

Im Vergleich zu den Vorgängerwerken

Anhand der Vocals erkenne ich deutliche Parallelen zu den Vorgängeralben „Düsterwald“ (2008) und „Aus Jenen Tagen“ (2011), was beweist, dass die Herren durchaus Wiedererkennungspotenzial im hart umkämpften Pagan Metal-Sektor haben. Auffallend ist, dass das Debüt „Düsterwald“ noch folklastiger (besonders  durch die markanten Flöten) gewesen ist. Weiterhin war noch die kurze Laufzeit von weniger als einer halben Stunde untypisch und das Hit-Potenzial mit Tracks wie „Düsterwald“ oder „Mit erhobenem Horn“ sind der Grund dafür, dass dieses Erstlingswerk bei mir gut hängengeblieben ist.

Das Konzept des neuen Albums: Anachronismus oder Individualismus?

„Des Wandrers Mär“ ist ein Konzeptalbum. In der Presse genießen solche Veröffentlichungen aufgrund ihres konsistenten inhaltlichen Aufbaus hin zu bestimmten Themenschwerpunkten einen ideellen Mehrwert. Das hier aufgegriffene Konzept vom (vermeintlich) auserwählter Krieger, der sich durch zig Schlachten schlagen muss, um einem negativen Weltenschicksal entgegen zu treten, ist jedoch im Pagan Metal oder Metal allgemein, sondern auch in anderen Kunst- und Kulturformen wie Spielfilmen, Fantasy-Serien, Videospielen oder Literatur schon erschöpfend ausgeschlachtet worden. Auch wenn die Umsetzung ganz authentisch wirkt, hätte man dahingehend mehr herausholen können.

Inhaltliche Schwerpunkte wie Schlachtenführung, blutige Schwertkämpfe und Göttersagen sind typisch paganistisch ausgerichtet. Während Folkeinflüsse, wie im Debüt, kaum mehr erkennbar sind, kann den Melodieführungen und Songstrukturen auch eine Viking-Attitüde nicht abgesprochen werden. Daher erscheint mir die Simultanbezeichnung Viking/Pagan Black Metal am treffendsten.

Wie klingt die Musik im weiteren Verlauf?

Titel Nr. 3 „Fenriswolf“ ist mit seinen Lyrics und der allgemeinen Songstruktur und Rhythmik ein typischer Pagan-Metal-Song. Zwischendrin werten ein kurzweiliges, starkes Death Metal-Gestampfe mit gleichförmigen Breaks in den Riffs und Growl-Vocals den Track auf. In „Dunkle Zeichen“ sticht am Ende der Einschub von einem nahezu sakral anmutendem Baritongesang heraus. Danach wird es in „Thoron“ wieder melodiöser.

In der zweiten Hälfte wird die Musik noch pagan-typischer. Herauszuheben ist auch das Zwischenspiel „Den Göttern zu Ehr“, welches ich als Rekapitulation der strukturellen Synth-Orientiertheit im „Prolog“ und als einen netten Tribut an die germanischen Gottheiten werte, ohne dabei jedoch eine ausgeprägte Gänsehaut zu bekommen. Im 8. Titel „In der Weite ein Licht“ geht es wieder wuchtiger und rhythmischer mit Wechseln aus Growls und Gekrächze voran.

Insgesamt schmiegt sich fast durchgängig eine orchestrale Aura an die Stamminstrumente an, welche jedoch leider nicht wirklich stark zur Geltung kommt. Dagegen ist die Varianz oder das Wechselspiel zwischen Rhythmus- und Melodiefokus deutlich markanter hörbar. Das ist gut so, aber für Pagan Metal auch nicht unüblich, sodass sich dieser Pluspunkt im Gesamtbild gewissermaßen relativiert.

Wie sollte das Album gehört werden?

Insgesamt eignet sich das Album aufgrund seiner allgemeinen Subgenre-Konformität auch zum mal hören nebenbei. Auch wenn der Sound an sich hochwertig klingt, favorisiere ich dennoch im Folk/Pagan/Viking Metal den Sound der 2000er-Veröffentlichungen, da sie unkommerzieller klingen und für mich eher im Einklang mit den sagen-/mythenhaften und naturverbundenen Texten stehen. Durch professionelle Soundbearbeitung kann diese Musik auch manchmal etwas an Authentizität einbüßen. Das ist jedoch mein rein subjektives Empfinden. Außerdem bekomme ich dieses Gefühl auch nicht bei allen aktuellen Neuveröffentlichungen.

Am Ende knüpft, das sei noch erwähnenswert, der „Epilog“ an den Gestaltungskontext des Prologes an und manifestiert mit seiner leicht verträumten und offenen Darbietung eine gelungene Abrundung des Longplayers.

Alles in allem sollten Fans von NASTRANDIR, VARGRIMM, ASENBLUT, OBSCURITY, FLAMMENSTURM oder GERNOTSHAGEN auf jeden Fall die neue Platte von THORONDIR antesten.

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