„Oha! Was kommt da auf mich zu?“

… dachte ich, als bekannt wurde, dass WOLVES IN THE THRONE ROOM (im Folgenden zur Vereinfachung: WITTR) für Sommer 2021 ein neues Album ankündigten. Und mir war sofort klar, dass ich mir, wenn es soweit ist, Zeit dafür nehmen muss. Denn es gibt Bands – gerade im Black Metal –  die machen verdammt gute Musik, aber man kann nur schwer mit dem eigenen guten Gewissen vereinbaren, sie zu unterstützen. Dann gibt es Bands, die möchte man, weil sie so extrem engagierte und gute Menschen sind, gern supporten, aber eigentlich findet man ihre Musik nur mittelmäßig. Und es gibt Bands, die erfüllen zwar beide Kriterien, zerstreiten sich aber innerhalb kürzester Zeit, oder sie treten nie live auf, oder wenn, dann enttäuschen sie an diesem Punkt, oder sie sind halt einfach irgendwie nicht „cool“.

Ja, und dann sind da halt WITTR, die einfach ultra epischen Black Metal machen, deren Musiker in Washington (State) in einer Kommune leben und live einfach jedes Mal noch geiler sind als auf Platte. Und dann hauen diese Leute halt einfach mal in einem Interview sowas raus wie: „Wir hören auf, wenn alles gesagt ist und jede weitere Tour nur noch der Umwelt schadet“ (Quelle), was mich als Fan zwar irgendwie traurig macht, aber halt auch denken lässt: „Fuck, es gibt noch gute Menschen! *Herzchenaugen-Emoji* – im BLACK METAL!!!“

Aber genug der Ideologie. Zur Musik: Ich persönlich dachte ja, viel besser als auf dem Vorgänger „Thrice Woven“ könnten WITTR kaum werden. Doch was ist überhaupt die Messlatte?

Erwartungsbild

Was erwartet nun WITTRs Fangemeinde und: Werden sie dem gerecht?

Nun, wer die Jungs schon einmal live erleben durfte, wird sich sofort an diverse Räucherhölzer auf der Bühne, verdammt wenig Licht und verdammt viel Atmosphäre erinnern, die mal durch gewaltige Synthesizer-Teppiche getragen oder durch Blastbeat-Gewitter aufgebrochen wird. Atmosphäre, die die Band auch schon immer über die Alben versucht hatte, in den Gehörgängen der Fans zu kanalisieren. Dies ist ihnen bei mir persönlich oft nicht so recht gelungen. Denn wer hat schon im Alltag mal eben die nötige Zeit und Ruhe, die es braucht um sich auf so viel Atmosphäre überhaupt einlassen zu können? Ergo: Genau das ist mein Erwartungsbild. Keine schmissigen 3-Minuten-Mitgröhl-Hymnen für die Autofahrt, sondern die hörbare Mystik der Natur und der in ihr ungebremst wahrnehmbaren Kraft der Elemente, die mich ehrfürchtig zu Boden gleiten lässt, wenn ich unserem Alltag aus Pandemie, (unfähiger) Politik und dummen Menschen in sozialen Netzwerken radikalstmöglich entkommen möchte.

„Primordial Arkana“ – „uralte Geheimnisse“ also sind es, die mir hier musikalisch in sieben Gängen kredenzt werden sollen. Ob es da einen Zusammenhang zu den sieben hermetischen Gesetzen geben könnte, die WITTR definitiv beschäftigen?

 

 

 

 

 

 

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Die Magie der Berge

Los geht’s jedenfalls mit „Mountain Magick“, das mich direkt auf die anstehende musikalische Mystik einstimmt, aber auch nicht zu lange damit wartet, klar zu machen, dass es sich hier nicht nur um ein instrumentales Intro handelt. Die vom Schlagzeug begleitete Synth-Melodie wird schnell durch eine Gitarre nachgeahmt begleitet und macht das melodische Thema klar. Noch vor der ersten Hörminute findet man sich in wohligem, schnellen Black Metal Drumming wieder und schon ab Minute 1:20 kommt das giftige Keifen Nathan Weavers dazu, wiederum begleitet vom verdammt eingängigen Thema, welches sich mit kurzen Unterbrechungen immer wieder in die Songstruktur einfügt.

Spätestens bei 2:35, als das epische Gitarrensolo einsetzt, haben sie mich vollends für ihr neues Werk begeistert und ich lasse die anschließenden Doublebass-Wellen gern über mich rollen. Die Wechsel zwischen ruhigeren und brachialen Parts, ebenso wie zwischen den mehr und minder melodiösen Parts kommen deutlich schneller daher als von WITTR bisher gewohnt. Das ist gut, weil es die Songs weniger langatmig erscheinen lässt, allerdings kommt es eben leider etwas unerwartet, weshalb ich erst ein Paar Durchläufe gebraucht habe, um mich auf das erhöhte Songtempo einlassen zu können.

Geist und Gewitter

Im sich anschließenden „Spirit of Lightning“ wird das beginnende, gefällige Gitarrenduett schneller abgelöst, als dies nach Maßstäben bisheriger Alben der Fall gewesen wäre. Ich finde es fast ein bisschen schade, dass mein Gehör nicht mehr Zeit bekommt, diese schöne Atmosphäre etwas länger vor meinem inneren Auge zu einem schönen Landschaftsbild werden zu lassen. Doch auch hier kommt das Thema im Song immer wieder, wird nur bisweilen unterbrochen durch mich an altes GEHENNAH (2:20!) Riffing erinnernde Parts. Immer wieder fügen sich aber auch gewohnt wundervoll tragende, von Blastbeats, sägenden Gitarren und Geschrei begleitete Synth-Teppiche in die Songstruktur ein. Nur der Wechsel ist eben irgendwie schneller als bisher – oder werde ich alt? Bei Minute 5 nun noch einmal kurz das schöne Gitarrenduett! Der Song läutet sein Ende ein und trägt sich auf dieser Melodie und nachhallenden Synths davon. Ein sehr abwechslungsreicher Song.

Unendliche Weiten

Es schließt sich ein Gang durch ewige Felder („Through Eternal Fields“) an, der mein Atmospheric-Doom-Black-Metal-Herz kaum noch mehr begeistern könnte, mir erstmals etwas Zeit zum genüsslichen Durchatmen verschafft und mir erlaubt, ein Bild vor meinem inneren Auge entfalten zu lassen. Weite, endlose Felder, düster, vor schroffem Gebirge – ein Sturm zieht auf. Er wird die archaischen Mächte und natürlichen Zyklen der Felder und Berge nicht stören, das macht spätestens die majestätische Atmosphäre ab 3:50 klar. Eine Stimmung, die Übermacht vermittelt. Wer als Bestandteil dieser Natur überleben will, muss sich einfügen, sich den gewaltigen Kräften unterordnen.

Gigantische Atmosphäre – self made

Mit „Primal Chasm (Gift of Fire)“ läuten majestätische Trompetenklänge den Anfang eines klanggewaltigen – vielleicht dem klanggewaltigsten – Stücks ein, das schnell von melodiös sägenden Gitarren und Schlagzeug fortgeführt wird, bevor sich auch hier der Synth-Teppich und Weavers Geschrei dazu mischen. Zunächst tragende und majestätische Melodien werden bald durch relativ lang anhaltende Blastbeats abgelöst, die die Brücke zur nächsten tragenden Passage bauen. Ich bin rundum begeistert und abgeholt von dem Song, wenngleich ich teilweise attestieren muss, dass der Gesang und oft auch die Drums als Ganzes etwas druckvoller abgemischt sein könnten – was jedoch ein „Problem“ des gesamten Albums darstellt. Allerdings  ich auch ergänzen, dass die drei Amerikaner hier alle Aufnahmen, die Produktion sowie den Mix in ihren eigenen „Owl Lodge Studios“ in den Wäldern des Staates Washington durchgeführt haben. Auch die Kostüme für die Videos wurden offenbar selbst hergestellt, genauso wie die Videos selbst gedreht wurden – ziemlich true!

Probleme in der Unterwelt

Im sich anschließenden „Underworld Aurora“ wird für mich abermals deutlich, dass es eher zum Talent der Musiker gehört, eindrucksvolle Aufnahme von Soundeffekten und Geräuschen verschiedenster Art zur Erzeugung einer einzigartigen, intensiven Atmosphäre zu nutzen, als in der gleichen Intensität zu Doublebass/Gitarrensägen/Geschreipassagen überzuleiten oder diese durchzuhalten. Der Übergang bei 1:53 wirkt auf mich jedenfalls irgendwie etwas zu holprig, die sich anschließend bietende Black-Metal-Walze leider etwas dumpf. Umgekehrt erscheint der Wechsel zurück bei Minute 2:30 wesentlich geschmeidiger. Und bei 3:41 klappt anschließend auch der umgekehrte Wechsel zum schwarzmetallischen Part wieder besser. Alles in allem bleibt mir „Underworld Aurora“ jedoch keineswegs als unangenehmer Song, sondern eher atmosphärisch-entspannte Hymne im Gedächtnis.

Meister des Regens und des Sturms

Der – zumindest was den Black Metal Part betrifft – letzte sich anschließende Song „Masters of Rain and Storm“ spricht von Anfang an den klassischen Black-Metal-Fan und Freund des Sounds alter MAYHEM Alben in mir an. Auch hier bleibt jedoch der Facettenreichtum des gesamten Albums erhalten und bietet immer wieder abwechselnd atmosphärische und schnellere, treibende Passagen. Selbst ansatzweise grooviges Death-Metal-Riffing vernehmen meine Ohren bei 4:30 verwundert. „Masters of Rain and Storm“ mit seinen 10:43 Min. Spielzeit hat zwar auch jede Menge Zeit dazu, dennoch fasziniert es mich nachdrücklich, wie viele verschiedene Stile man beherrschen und das in einem Song unter Beweis stellen kann.

Schlussendlich entlassen WITTR mich mit „Eostre“ ins Land der Träume und in die friedliche Übereinkunft meiner menschlichen Seele mit der Natur um mich herum: ein klassisch atmosphärisches Outro á la WITTR, das ganz ohne Klampfen und Trommeln einen würdigen Abschluss dieses durch und durch stimmigen, atmosphärischen Albums darstellt.

Der Beitrag WOLVES IN THE THROME ROOM – Ein Sommerge-WITTR erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

In ihrer eigenen Beschreibung sagen THE HOLY FLESH, die Leere sei voll, die Stille spräche und die Dunkelheit leuchte. Mehr Auskunft möchte uns die britische Band allerdings nicht mitteilen, womit sie im Prinzip schon sehr viel gesagt hat. Es sind die krassen Gegensätze, durch die das Wirken von THE HOLY FLESH sich manifestiert. Abgesehen davon wird sich in jeder möglichen Hinsicht sehr bedeckt gehalten. Namen, genaue Herkunft oder weiteres über die Band und ihre Mitglieder sind nicht bekannt. Es scheint wohl, als wolle die Gruppe mit der Welt außerhalb ihres Proberaums wenig zu tun haben. Oder aber sie verzichten bewusst auf Gimmicks, um den Fokus ausschließlich auf ihre Musik zu legen.

Atmosphäre, Psychedelik und Dunkelheit

Der erste Teaser „Emissary I“ zum Ende März 2020 erscheinenden Debut Album wurde kurz nach Weihnachten veröffentlicht. Der Track ließ schon erahnen, was die Hörenden vom kommenden Album zu erwarten haben. Es handelt sich dabei übrigens um den Opener des Albums. Die Tracklist ist aufgeteilt in „Emissary I-IV“ und „Vessel I-IV“. THE HOLY FLESH spielen auf „Emissary & Vessel“ ihre ganz eigene Variante des Post Black Metal, der vor Einzigartigkeit nur so strotzt. Schleppende Black Metal Passagen ziehen sich atmosphärisch und düster über wunderschöne Disharmonien. Währenddessen zieht sich psychedelischer Post Rock stetig durch Rhythmik und Stimmung. Hier und da sind leichte Einflüsse aus Blackgaze zu hören, wobei diese sich eher im Hintergrund halten.

Die hohe Kunst des Untergrunds

Die bittersüße Symphonie aus eiskalter Disharmonie wird ab dem 27. März 2020 über das kleine Underground Label Caligari Records vertrieben. Hier wird ebenso wie bei der Band der strenge Fokus auf das Musikalische sehr ernst genommen. Neben der digitalen Version zum Download wird „Emissary & Vessel“ auf Musikkassette zum Kauf bereit stehen, womit der Underground Faktor nur noch mehr hervorgehoben wird. Das auf 150 Stück limitierte Tape ist in einem edlen Cover Artwork verpackt. Die Hülle erinnert sehr an die Ursprünge des okkulten Rock und Metal und ist sonst bar weiterer Informationen. Das erste Release von THE HOLY FLESH ist von vorne bis hinten Underground. Dabei werden neben der Musik weder Form noch Erscheinung ausgelassen.

Minimalistisch und kalt

Was den einzigartigen Sound von THE HOLY FLESH auf ihrem ersten Album ausmacht, ist vor allem ihre grenzenlose Ausbreitung, die sich nicht um imaginäre Tellerränder kümmert. Während das Hintergrundbild der Klanglandschaft sehr nach Black Metal aussieht, sprechen die darin vorhandenen Charaktere eine ganz andere Zunge. Mal gehen die Gitarrenriffs in Richtung Alternative Rock. Andere Male wiederum fühlt man sich beim Zuhören ins Universum des 80er Post Rock versetzt. Und selbstverständlich bleibt bei all dem die düstere und eiskalte Impression des Atmospheric Black Metal nicht auf der Strecke. Gelegentlich kommt es vor, dass der Klang an DSBM wie TOTALSELFHATRED erinnert.

THE HOLY FLESH präsentieren sich auf ihrem ersten Release eigenständig und innovativ. Black Metal und Post Rock werden hier zu einem eigenen Stil vermischt, ohne Vorreiter zu kopieren. Mittels einzigartiger Atmosphäre und minimalistischer Ausführung gelingt der Band ein ausgezeichneter Einstand.

THE HOLY FLESH auf Facebook

Der Beitrag THE HOLY FLESH – die schwarze Seite des Post-Rock erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Sicherlich werden sich viele von euch Metalmaniacs da draußen die Frage stellen, ob ich mich bei meinem heute rezensierten Album nicht einschlägig in der Genrezuweisung geirrt habe. Eine Veröffentlichung, die in der Rubrik „Black Metal“ landet, allerdings hinsichtlich des Cover-Artworks wohl vorrangig an einen hypermodernen, mittelklassigen Trance-Sampler erinnert? Was soll das denn sein!!??

Die Antwort lautet:  Es handelt sich hierbei um ABSTRACT VOID mit seinem (!) kürzlich erschienenen zweiten Langspieler „Back To Reality“.  Ebenso kryptisch, verschleiernd wie lapidar zugleich bezeichnet das unbekannte Phantom hinter diesem Projekt seine Musik wie folgt: „One-man project from the planet Earth. An experimental blend of blackgaze and synthwave.“

Spätestens nach dem Lesen dieser Zeile neigen wohl  die konservativen „Transilvanien Hunger“-Puristen unter den Black Metal-Fans dazu, für mindestens 5 Minuten die Hände über den Kopf zusammenzuschlagen oder sogar vom Stuhl zu fallen und sich dabei den Ellenbogen zu brechen. „Synthwave-Klingelingeling im Black Metal. An so einem Punkt sind wir jetzt schon angelangt. Einfach Lachhaft und beschämend!“ So in etwa hallt es schon just in diesem Moment des Verfassens dieser Zeilen in meinen Ohren. Eine authentische Wiederbelebung der 1980er Jahre sieht für viele alteingesessene Metal-Fans zweifelsohne anders aus.

Welchen Hintergrund hat das ganze?

Mit dem voranschreitenden Prozess der Ausdifferenzierung von Black-Metal-Subgenres wie Post Black/Progressive Black oder Avantgarde Black Metal innerhalb der letzten Jahre haben sich dem gegenüber mindestens ebenso viele Widerstände gebildet wie Fans. Unter etlichen Youtube-Videos von Bands wie GHOST BATH, GERM, AMESOEURS, SKYFOREST, SORROW PLAGUES und nicht zuletzt DEAFHEAVEN reihen sich Kommentare und Bezeichnungen wie „Hipster Black Metal“, was durchaus in der Regel nicht positiv gemeint ist. Zu euphorisch, zu melodiös, zu unkonventionell, zu experimentell und modernistisch aufgebauscht seien die Kompositionen, um als wahrhaftig dem Black Metal zugeordnet werden zu können.

Und wie sieht das bei ABSTRACT VOID aus? Handelt es sich hier um einen authentischen und harmonischen Querschnitt aus traditonellem Black Metal und 80er-Jahre-Synthwave-Musik oder wollte hier nur jemand was ganz besonders Cooles und Revolutionäres auf den Präsentierteller legen? Grundlegend bin ich der Auffassung, dass diesem noch gänzlich unbekannten Genre-Ausreißer durchaus mehr Aufmerksamkeit geschenkt werden sollte. Aus diesem Anlass schreibe ich auch diese Review.

Auf den Punkt gebracht!

Schon von der ersten Sekunde an durchdringen im Titel „Wind of Reminiscence“ Synthwave-Passagen die Gehörgänge, welche am ehesten als dream-ambient-orientiert bezeichnet werden können. In den folgenden Songs reihen sich zahlreiche Zwischenspiele und Bridgeparts in die Kompositionen ein, die klangtechnisch sehr stark an Dream Ambient oder New Age erinnern. Aber wie geht es weiter?

Nach den elektronischen Synthesizer-Ambient-Klängen, die als kurze Eröffnungssequenzen dienen, gesellen sich auch im zweiten Titel  „As I Watch The Sunset Fade“ hintergründlich Post-Black-Metal-Riffs und leisere, kryptische, „gezogene“ und geschriene Vocals hinzu (die typisch für Atmospheric/Post Black Metal sind). Diesen zweiten Track möchte ich besonders hervorheben, weil er sich durch eine unglaublich ergreifende und euphorische Melodik auszeichnet. Der leicht im Diskobeat oder „house-compilation-mäßig“ beginnende Song entpuppt sich schnell als kraftvoller, energischer Durchstarter. In den Strophen wandeln sich die elektronischen Klänge nämlich schnell  zu einem Old-School-Synthwave-Gewitter à la KRAFTWERK oder DEPECHE MODE.

Unkonventienell – aber nicht von gestern

Auch die instrumentalen Zwischenspiele erscheinen keineswegs abgedroschen oder langweilig. Einziges Manko dabei ist, dass die durchaus betörenden Vocals schnell in der Gesamtkomposition untergehen. Wenn man dann noch den Bass höherschraubt, intensiviert sich der Effekt. (Aber die Synth-Passagen kommen dann einfach noch besser rüber). Das ist aber ehrlich gesagt Jammern auf hohem Niveau. Die beiden ersten Nummern haben auf jeden Fall hohes Wiedererkennungspotential und sind in meinen Augen somit zu Recht am Anfang des Albums positioniert worden.

Die folgenden Songs warten auch mit unterschiedlichen Melodien und emotionalen Codes auf, allerdings sind die schwer durch Worte zu beschreiben. „Back to Reality“ und „Disconnected“ wissen sehr gut, durch die Synthparts mit melödiösen Feinheiten Spannung zum nächsten Motivwechsel aufzubauen. Das passiert aber nie in langweiliger oder belangloser Manier.

Den 5. Titel „Joy Night“ muss ich dann aber doch etwas „auseinandernehmen“. Einen ziemlich aufdringlichen Electro-House-Beat im Hintergrund in Kombination mit emotional übertriebener melodischer „Happiness“ kann ich leider weder als Black Metal noch als für mich gute Musik durchgehen lassen. Abgesehen von den Vocals erinnert „Joy Night“ vom Gesamteindruck her eher an den Sound von einst erfolgreichen Pop-Gruppen, die im Rahmen eines Comebacks allen noch mal zeigen wollen, dass sie im neuen Jahrzehnt oder Jahrhundert angekommen sind und immer noch cool und hip sein können. Diesen Schnitzer werte ich jedoch nur als Randnotiz.

Ist das noch Black Metal ?

Das werden sich jetzt wohl einige von Euch fragen. Ich möchte das Ganze aus einem anderen Blickwinkel betrachten: Im Endeffekt bleibt es jedem selbst überlassen, ob das für ihn/sie noch Black Metal ist oder nicht. Für mich passt wohl am besten das Prädikat „teils/teils“. Als unzutreffend empfinde ich die Bezeichnung Experimental (Black) Metal, weil das kompositorische Grundkonzept einfach zu koordiniert und einheitlich durchdacht daherkommt.  Es werden hier keine plötzlichen, abrupten Sprünge oder Wechsel von sonderbaren Instrumenten sichtbar. Ich bezeichne dieses Werk einfach als Musik, die ehrlich, enthusiastisch und detailverliebt klingt. (Darüber hinaus ist meine endgültige Zuweisung im Infokasten oben glaube ich explizit genug.)

Bezogen auf den Stil, also den New-Age-/Synthwave-Einschlag, sind ABSTRACT VOID eigentlich mit  TRISTE L´HIVER vergleichbar, einem Ein-Mann-Projekt aus den USA, das vielleicht teils noch ambientartiger wirkt und auch cleane Vocals stellenweise integriert. GERM, VIOLET COLD und die australischen MESARTHIM, die den „Cosmic Black Metal“ mit ihrer ganz eigenen Spielart etwas revolutioniert haben, setzen teils genauso gern elektronische Klänge in ihre Musik ein. Im Hinblick auf die euphorische Grundatmosphäre der Musik können ebenso Parallelen zu SKYFOREST oder  SORROW PLAGUES gezogen werden.

Weitere Musik-Empfehlungen von mir

Hier findet Ihr einige Songs und Alben, die Euch auch gefallen könnten. Mit dabei sind TRISTE L´HIVER, SKYFOREST,  SORROW PLAGUES, DYNFARI  und einige andere. Hört mal rein!

Im Übrigen: Die beiden Alben von ABSTRACT VOID können KOSTENLOS, LEGAL und VOLLSTÄNDIG von der offiziellen Bandcamp-Seite des Projektes heruntergeladen werden.

Der Beitrag Abstract Void – Raus aus Genrekonventionen, rein in Retro-Futurismus erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Was würde ich bloß ohne Musik machen?…

… Ich würde komplett eingehen, und ich glaube, dass das nicht nur mir so geht. Ich genieße es förmlich, mich in einem guten Album für seine Spielzeit und darüber hinaus für eine bestimmte Zeit so richtig zu verlieren. Jeder kennt sicherlich den Spruch: „Musik an, Welt aus!“, und genau so etwas brauche ich einfach. Ich würde ohne solche Momente wahrscheinlich durchdrehen.

Das liegt aber weniger daran, dass ich mein Leben nicht auf die Reihe bekomme und zur Musik einfach in mich hinein weinen und in Selbstmitleid zerfließen möchte, sondern daran, dass es mich derart begeistert, was Musik mit mir anstellen kann, wenn sich in ihr eine besondere Atmosphäre aufgebaut hat, sodass ich aus dieser erstmal gar nicht mehr auftauchen möchte. Das Hören eben solcher Momente ist für mich ein pures Glücksgefühl, das sich durch meinen kompletten Speckwanst zieht.

Immer wieder ein Genuss

Ein Musikprojekt, das mir seit Jahren den Rest gibt, mich auch nach dem hundertsten Hören noch in eine andere Welt boxt und mein Gemüt in die diversesten Richtungen verändert, ist ALCEST. Wer mich kennt, der wird unschwer bemerkt haben, dass ich beim „Fangirling“ seit Monden ganz vorn mit am Start bin (allerdings ohne Kreischen und so, wir sind ja hier nicht bei den BACK STREET BOYS), und was denkt ihr, was los war, als die Franzosen verkündet haben, dass bald ein neues Album kommt – „Kodama“?

Ihr wisst ja wie es ist, wenn man voller Vorfreude die Zeit abwarten muss. Da führt man sich auch als Erwachsener ganz schnell auf wie ein Kind in der Vorweihnachtszeit. Doch wenn man dann die Möglichkeit erhält, schon mal VOR dem Releasedate in die Platte reinzuhören, auf die man so unfassbar ungeduldig hinfiebert, ist das wie Weihnachten, Zahltag und Kindergeburtstag bei McDonald’s zusammen.

Das allererste Mal – ein hoch und runter!

So war es dann auch. Als es mir möglich war, das allererste Mal in „Kodama“ reinzuhören, war es nachts und ich wollte eigentlich ins Bett. Den Plan habe ich nach den ersten Klängen verworfen. Ich musste das Album vier Mal hören, bis meine erste Dosis ALCEST gedeckt war. Diese Dosis musste jedoch direkt am nächsten Morgen nach dem Aufstehen erhöht werden. Die Platte läuft bei mir hoch und runter. Ich kann einfach nicht genug davon bekommen.

„Kodama“ startet mit dem Titeltrack, und schnell wird klar, dass ALCEST  – wie auf jedem bisherigen Album – unter tausend anderen Bands mit Leichtigkeit wiedererkannt werden können. Schnell bin ich auch wieder in einer fernen Traumwelt, denn ich bin sofort gebannt von den ersten Klängen des Albums. Ich hatte zuvor wahnsinnig viel von dem Album erwartet und war gespannt, wie die Franzosen die japanischen Einflüsse wohl vertonen würden. Doch eigentlich bin ich jetzt schon ein kleines bisschen hin und weg. Der erste Track ebnet die akustische Reise durch japanische Lande und grüne Wälder, in denen die Baumgeister – die „Kodamas“ – sitzen, mit Bravour. Sofort hab ich ein Wechselspiel warmer und kalter Farben sowie etliche Szenen aus dem Film „Prinzessin Mononoke“ im Kopf.

„Eclosion“, der zweite Song der Platte, steht dem Titeltrack in nichts nach. Vor allem die Leute, die auf dem vorherigen Album „Shelter“ Neiges Screams sowie die Blasts vermisst haben, kommen aber mal sowas von wieder auf ihre Kosten. Ich liebe die Abwechslung in diesem Stück. Die Ausbrüche nach ruhigen Passagen lassen mich noch tiefer in eine japanische, weitläufige Traumwelt sinken. Die Mischung aus den minimalistischen, asiatischen Klängen mit viel Hall und der typischen ALCEST-Breite setzt mir einen derben Ohrwurm in den Kopf.

Allez, allez! Weiter geht’s …

Weiter geht es mit „Je Suis D’alleurs“, dem, meiner Meinung nach, traurigsten und schwermütigsten Titel der Platte – als hätte man eine Chance im Leben verpasst und könnte sich selbst genau das nicht verzeihen. In der Mitte des Titels baut sich das Instrumental Stück für Stück auf und kommt aus der Ferne immer näher, bis die angestaute Verzweiflung ihren Höhepunkt erreicht und dem Unmut freien Lauf gelassen wird. Screams, Melancholie, Blastbeat – Gänsehaut. Ich bin überwältigt und muss mich erstmal wieder fangen.

Dabei unterstützt mich „Untouched“, der wohl romantischste Song des Albums. „Untouched“ ist sehr ruhig, sehr tragend. Vor allem ein Riff trägt zur Beruhigung des aufgewühlten Gemüts bei. Es wird bei verzerrtem Gitarrensound in erster Linie gezupft und die Atmosphäre im Raum wird wärmer, wenn die Wellen dieses Liedes durch den Raum schwingen.

Jetzt, da wir uns alle wieder beruhigt haben: „Zähne putzen und ab ins Bett!“ steht noch nicht auf der Tagesordnung. Vorher schepperts nochmal gewaltig, und zwar mit „Oiseaux de proire“. Was für ein hammergutes Lied! Schon als dieses Stück als Erstes vor dem Album-Release auf Youtube veröffentlicht wurde, habe ich es endlos gesuchtet. Ich konnte nicht oft genug meine Lauscher mit dieser Ohrenweide erfreuen. „Oiseaux de proire“ projiziert mir zum Ende hin nochmal genau die Bilder vors innere Auge, die ich zu Anfang des Albums gesehen hatte. Warme und kalte Farben im Wechsel, endlose Wiesen und Wälder, durch die man sich hindurch bewegt, die Sonne ist fast untergegangen und beleuchtet zusammen mit dem Mond die naturbelassene Umgebung – weit und breit kein anderer Mensch zu sehen. Wow!

Letzte Töne… und gleich nochmal!

Während ich gebannt bin von den letzten Klängen dieses Liedes, erklingt der letzte Track der Scheibe: „Onyx“. Ich denke, „Onyx“ lässt sich nicht als vollwertiges Lied bezeichnen, sondern eher als abrundendes Instrumental – ein ziemlich deepes Instrumental. Man hört nur verzerrte Gitarren, Hall und Rauschen. Dieses – ich nenne es einfach mal – Outro bewirkt bei mir, dass ich die gefühlsmäßigen Höhen und Tiefen des Albums nochmal Revue passieren lassen kann. Ich kann jetzt abschalten und mich besinnen und kehre aus der, durch die Musik erschaffenen, Traumwelt zurück. JETZT heißt es: „Zähne putzen, ab ins Bett!“, es sei denn, ihr tut es mir gleich und hört das Album zuvor nochmal… und nochmal… und nochmal.

Ich habe „Kodama“ mittlerweile bestimmt weit öfter als 50 Mal gehört und bin immer noch hin und weg. Das Album klingt nach Fernost, nach endloser Weite im Grünen, nach Sehnsucht und nach Einsamkeit. Ein weiteres Mal haben es Neige und Winterhalter geschafft, Musik zu kreieren, in der ich mich komplett fallen lassen kann – und will. Generell erinnert mich der Mix der Instrumente an das Album „Écailles de Lune“, auch die hohen Screams sowie die unfassbar gute, verfrickelte, teils auch derbe Arbeit hinter den Drums lässt vermuten, dass ALCEST zu älteren Gefilden zurückkehren.

Meine Meinung ist allerdings eine andere: „Kodama“ – ein ALCEST-Album im alten Stil? Nein! Ich finde, jedes Album der Franzosen vermittelt eine andere Stimmung, eine andere Art von Schwermut, und trotzdem klingt jede Scheibe nach ALCEST. Während „Shelter“ beispielsweise sehr soft und dreampoppig klang, so ist „Kodama“ eben wieder eine Nummer härter und trotzdem sehr frisch und neu, aufgrund der asiatischen Note. Für mich stellt dieses Album ein weiteres Mal den Beweis dafür dar, dass Neige und Winterhalter wahnsinnig vielseitige Musik erschaffen können und nie langweilig oder eintönig wirken, obwohl sie die ALCEST-Schiene nie verlassen.

Der Beitrag Wenn dich Baumgeister in eine andere Welt entführen erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Könnt ihr euch noch an meinen Artikel über SYLVAINE erinnern – die hübsche Norwegerin, die so wahnsinnig gute Musik macht? Ihr Album „Wistful“ hat mich ganz schön umgehauen und tut es noch immer. Für mich ist die Platte definitiv eine der besten Neuerscheinungen des Jahres 2016. Auf dem DARK BOMBASTIC EVENING in Rumänien spielte SYLVAINE ihren allerersten Live-Gig mit Band – mit dabei hinter dem Schlagzeug: Neige (ALCEST).

Ich hatte die Chance ihr ein paar Fragen zu stellen und ein paar interessante Einblicke zu bekommen. Hier ist das Inverview mit SYLVAINE:

Flo: Jetzt, wo dein zweites Album „Wistful“ seit ungefähr drei Monaten erhältlich ist: Wie fühlst du dich damit? Welches Feedback hast du bisher so bekommen?

Sylvaine: Es ist echt verrückt, wenn ich daran denke, dass das Album jetzt schon wieder drei Monate draußen ist… Die Zeit vergeht wie im Flug! Ich denke, jeder Künstler wird im Nachhinein immer Kleinigkeiten in seinen fertigen Werken finden, die man verbessern könnte, und natürlich bildet „Wistful“ da auch keine Ausnahme für mich. Ich muss allerdings sagen, dass ich sehr stolz auf das Album bin, und auf das, was es am Ende geworden ist. Es hat echt genau das eingefangen, was ich versucht hatte, auszudrücken, und ich bin auch echt überglücklich mit der Entwicklung meines Songwritings auf dem Album. Ich bin so froh, dass die Leute das auch würdigen, und ich könnte mir kein besseres Feedback vorstellen, als das, was ich bisher bekommen habe! Viele tolle Reviews und nette Worte vom Publikum und der Musikpresse von überall auf der Welt geben mir viel Bestätigung und helfen mir, zu glauben, dass ich da etwas Wertvolles erschaffen habe – etwas, das Leute dazu anregt, zu fühlen. In anderen Worten: Ich bin definitiv sehr dankbar und glücklich über die bisherigen Reaktionen auf das Album!

Flo: Im Vergleich zu deinem ersten Album klingt dein zweites Album für mich tiefer und „gaziger“, was mir sehr gut gefällt. Ist das einfach so passiert oder hat das einen bestimmten Grund?

Sylvaine: Das Album etwas ätherischer und verträumter zu gestalten, war definitiv etwas, das ich bewusst in meinem Kopf hatte, während ich die Tracks für „Wistful“ geschrieben habe. Um es zu erklären, ich wollte den Unterschied zwischen den ruhigen Parts und den brutalen Elementen noch größer gestalten, um die Musik auf „Wistful“ atmosphärischer zu machen als auf „Silent Chamber, Noisey Heart“. Ich wollte diese Ambient-Stimmung auf diesem Album noch präsenter haben, aber ebenso auch die natürliche Aggression beibehalten, die heraus kam, als ich manche der Tracks fürs Album geschrieben habe. Das gibt der Musik eine dunklere und rauere Seite als zuvor. Mit dem zweiten SYLVAINE-Album bin ich jetzt näher an dem Sound dran, den ich eigentlich im Kopf hatte, als ich das Projekt gestartet habe. Während das erste Album mehr eine Art Patchwork ist, da die Songs alle über mehrere Jahre geschrieben wurden, präsentiert sich „Wistful“ für mich fokussierter.

Flo: Im Allgemeinen: Wie schreibt du Songs? Gibt es da einen bestimmten Prozess? Oder sind da einfach verschiedene Dinge, die dir in den Kopf kommen, wenn jemand oder etwas dich inspiriert?

Sylvaine: Ich würde sagen, das ist von Zeit zu Zeit recht unterschiedlich, und es gibt für mich absolut keine Regeln, wenn es darum geht, Musik zu machen. So viel kann ich sagen: es gibt natürlich einige Gewohnheiten, die während dem Komponieren immer wieder aufzutauchen scheinen. Ich versuche immer auf sehr emotionale Art zu schreiben, Dinge nicht zu sehr zu überdenken, sondern einfach Entscheidungen intuitiv zu treffen. Das einzig wichtige ist mir dabei, dass die Musik etwas echtes ausdrückt, und das ist etwas, das man am einfachsten erreichen kann, indem man seine Gedanken schweifen lässt und mit dem arbeitet, was zu dem Zeitpunkt einfach herauskommt – sei es, dass man durch introvertierte Belange inspiriert wird, oder durch etwas Gesehenes, eine Person, eine Situation, oder was auch immer. Alles passiert auf ziemlich natürliche Art und Weise. Das Schreiben der Musik ist sehr spontan und ich mache einfach immer weiter, bis ich das habe, wovon ich denke: „Das ist ein Album.“ In der Regel schreibe ich mehr Songs, als zum Schluss tatsächlich auf dem Album landen, denn ich bin der Meinung, das ist nötig, um sicherzustellen, dass nur die besten auf dem Album landen. Ich bin immer am Musik Schreiben, auch wenn mein Inspirationslevel ständig hoch und runter geht, wie wahrscheinlich bei jedem Musiker. Ich hab also nicht unbedingt die Absicht, ein bestimmtes Album zu schreiben, sondern versuche eher, den Fluss solange am Laufen zu halten, wie es geht. Was das Instrumental angeht, beginne ich das Songwriting mit Gitarrenriffs und baue dann alles andere drumherum.

Flo: Welcher ist dein liebster SYLVAINE-Song und warum?

Sylvaine: Es ist echt schwer, einen Lieblingssong herauszupicken, um ehrlich zu sein, da sie ja alle auf ihre bestimmte Art meine Babys sind, und alle haben eine sehr persönliche Bedeutung für mich. Einige dieser Songs vermitteln dieses ganz besondere Gefühl, während ich sie spiele. Es ist jedes Mal, als wäre es eine Art reinigendes oder beruhigendes Gefühl. Das klingt vielleicht etwas strange, aber es bedeutet wahrscheinlich, dass diese Songs mir besonders nah am Herzen liegen. Vom ersten Album ist der Titeltrack „Silent Chamber, Noisey Heart“ einer dieser Tracks. Auf „Wistful“ sind es die Lieder „Delusions“, „Earthbound“ und „Wistful“. Der Titeltrack „Wistful“ verkörpert so ziemlich einen der Hauptgründe, warum ich SYLVAINE damals überhaupt ins Leben gerufen habe, das macht ihn zu einem Song, zu dem ich immer eine ganz besondere Verbindung spüre. Jedes Mal, wenn ich dieses Lied höre, erinnere ich mich an die Momente, als ich den Song geschrieben habe. Ich denke, der Song wird mich immer etwas in Gedanken schweifen lassen.

Flo: Was ist deine größte Inspirationsquelle für deine Texte und das Instrumental?

Sylvaine: SYLVAINE funktioniert für mich wie eine Art „Audio-Tagebuch“, so wie auch für viele andere Künstler. Das bedeutet: das, was durch die durch die Musik vermittelt wird, sind normalerweise Konflikte oder Themen, die aus meinem Inneren kommen, und die ich irgendwie ausdrücken muss. Musik zu schreiben funktioniert als eine Art Therapie für mich, die es mir erlaubt, all meine Gefühle aus mir herauszulassen, anstatt sie herunterzuschlucken und in mir zu behalten. Musik zu machen ist jedoch nur eine Art temporäre Erleichterung, denke ich, und bietet nicht die finale Lösung meiner Konflikte. Derzeit ist dies aber etwas, das ich in meinem Leben definitiv brauche. Ich habe viel über das Gefühl gesprochen, Erleichterung für etwas erlangen zu wollen, ohne zu wissen, wie ich es erreichen kann, und ohne Zuflucht zu erfahren. „Wistful“ thematisiert viel dieser Gefangenschaft in der eigenen Existenz, im menschlichen Körper, welcher begrenzt ist auf seine Sinne. Außerdem inspiriert mich auch die Zweischneidigkeit im Leben: Frohsinn vs. Melancholie, Außenwelt vs. meine innere Welt, Realität vs. Tagträume und so weiter.

Flo: Falls dich Musik auch inspiriert, welche sind die drei Bands/Künstler, die dich am meisten inspirieren?

Sylvaine: Wie jeden anderen Musikbegeisterten, inspiriert mich Musik natürlich auch sehr stark für meine eigenen Werke. Sie ist einfach eine so starke Form der Kunst, mit der Möglichkeit, unseren Geist auf so viele Arten zu beeinflussen. Sie ist einfach notwending für das menschliche Leben. Nur drei Bands auszuwählen, die mich und meine Musik über die Jahre beeinflusst haben, ist echt hart! Wenn ich wählen müsste, würde ich sagen TYPE O NEGATIVE, PHILIP GLASS und DEAD CAN DANCE. Möglicherweise würde ich dir an einem anderen Tag schon wieder eine andere Antwort geben, aber es fühlt sich so an, als wären diese drei für heute die richtige Wahl.

Flo: Welche anderen Musik-Genres magst du?

Sylvaine: Ich höre eigentlich alles, das in irgendeiner Weise zu mir spricht, daher mag ich viele verschiedene Genres. Ich liebe die gesamte Shoegaze/Dreampop-Szene, ebenso die Darkwave-, die Post-Punk- und die modernere Post Rock- und Post Metal-Szene, mit Bands wie SLOWDIVE, THE CHAMELEONS, EXPLOSIONS IN THE SKY, SIGUR ROS, ALCEST, JOY DIVISION, MONO, HAMMOCK, COCKTEAU TWINS, LYCIA, DEAD CAN DANCE und THE CURE. Ich werde aber auch von klassischer Musik inspiriert, während auch Minimalismus eine meiner liebsten Richtungen ist. Ich war immer sehr fasziniert von dem Konzept, die kleinsten Stücke zu nehmen, und diese langsam in etwas anderes zu verwandeln. Das ist auch etwas, das ich versuche, in meiner Musik umzusetzen, wirklich diese hypnotischen, medidativen Abschnitte zu erschaffen, die den Hörer in eine Art Trance versetzen. Metal-mäßig ist eine meiner Lieblingsbands TYPE O NEGATIVE. Ich liebe die verschiedenen Ausdrucksweisen, die sie in ihren Songs umsetzen, und bewundere ihr Können, üppige, vielschichtige, harte Atmosphären zu erschaffen. Ich mag auch die Black Metal-Szene sehr, z.B.Bands wie ULVER, BATHORY, EMPEROR, DARKTHRONE, BURZUM und so weiter. Ebenso mag ich aber auch die Grunge-Szene der 90er, mit NIRVANA und den SMASHING PUMPKINS.

Flo: Wann hast du dich dazu entschieden, Musikerin zu werden und eigene Songs zu schreiben, und warum?

Sylvaine: Musik war schon immer ein großer Teil meines Lebens, schon seit ich ein Kind war. Zu sehen, wie meine Eltern beide Musiker sind und im Musik-Business arbeiten, führte mich schon von Anfang an an solch ein Leben heran. Musik zu schreiben und zu spielen ist für mich ein absolut beruhigender Prozess, wie ich vorhin schon beschrieben habe, und wurde für mich so eine Art Therapie, ohne die ich seit dem Teenie-Alter nicht mehr leben könnte. Schon als ich 16 Jahre alt war, war ich fasziniert von der Balance zwischen Wunderschönem und sehr Rauem in verschiedenen Musikrichtungen, also begann ich Musik zu schreiben, die sich auf mich bezog. Das führte mich zu dem Sound, den ich mehrere Jahre später für SYLVAINE auswählte. Ich brauche Musik in meinem Leben, um komplett zu sein, um mit Dingen in mir drin umgehen zu können, die ohne Musik unterdrückt würden. Das ist der Grund, warum ich angefangen hab, Musik zu machen und ich bin so froh und dankbar, dass es mir möglich ist, genau das zu tun. Ich wusste immer, dass ich diesen Weg gehen würde, wenn es mir der Weg des Schicksals erlaubt.

Flo: Du hast jetzt deinen allerersten Live-Gig mit Band hinter dir (DARK BOMBASTIC EVENING 7) Wie war es? Was magst du uns darüber erzählen?

Sylvaine: Unsere allererste Show mit dem kompletten Live-Line-Up für SYLVAINE war wirklich eine richtig klasse Erfahrung! Wir hatten schon so lange auf diesen Moment gewartet. Und endlich auf der Bühne zu stehen und all diese wundervollen Menschen zu sehen, die sich zu unserer Musik bewegen und uns so positives Feedback geben, war mehr, als wir uns je erträumt hätten. Nach der Show kamen Leute zu uns und meinten, sie könnten gar nicht glauben, dass dies unsere erste Show war und dass wir die positive Überraschung des Festivals für manche waren. Es war so schön! Wir haben es echt genossen auf dem DARK BOMBASTIC EVENING! Danke an die tollen Menschen, die dort auf dem Festival gearbeitet haben, das nette Publikum, die anderen Bands und natürlich die bildhaft schöne Location. Diese Erinnerungen werden definitiv viele Jahre lang bei uns im Kopf bleiben und wir können es kaum abwarten, wieder auf die Bühne zu treten, um für die Leute von überall her zu spielen!

Flo: Was stimmt dich glücklicher: Das allererste Mal einen neuen Song von dir zu hören oder live zu spielen?

Sylvaine: Beide Situationen hinterlassen bei mir ein großartiges Glücksgefühl, aber ich bin mir nicht sicher, ob ich eins der beiden wählen kann, da man beides nicht wirklich vergleichen kann. Der gesamte Songwriting-Prozess ist sehr introvertiert und funktioniert auf einem sehr persönlichen Level, während die Live-Erfahrung sehr extrovertiert und spontan ist, und man sie mit vielen Leuten teilt. Beides ist sehr lohnend und zufriedenstellend, aber auf verschiedene Weise.

Flo: Neige spielt für dich Schlagzeug, das ist der Wahnsinn! Für mich ist er einer der großartigsten Musiker, die es gibt. Ich liebe all seine Musikprojekte. Wie hast du ihn kennengelernt und wie wurde er dein Schlagzeuger?

Sylvaine: Ich habe ALCEST 2011/2012 entdeckt und mich sfort in die Musik verliebt und mich mit ihr verbunden gefühlt. 2012 hatte ich das Vergnügen, sie mehrmals live zu erleben und habe sie dann eines nachts getroffen. Nach diesem Abend blieb ich mt Neige in Kontakt, wir wurden Freunde und ich habe angefangen, ihm die Dinge zu zeigen, die ich mit SYLVAINE so mache. Er war sehr positiv eingestellt zur Musik und begann, das Projekt zu unterstützen. Das hat sicherlich auch dazu geführt, dass ich die Akustik-Tour 2014 mit ALCEST in Südamerika zusammen spielen durfte, und im Endeffekt auch dazu, dass er die Drums auf „Wistful“ und im Live-Line-Up von Sylvaine gespielt hat/spielt. Ich mag den Stil, wie er Schlagzeug spielt, wirklich sehr sowie seine Aufmerksamkeit als Schlagzeuger und seinen starken Sinn für Musikalität. Also kamen wir beide zu dem Entschluss, dass es recht gut passen könnte. Wir haben einfach eines Tages probiert, zusammen die Songs zu spielen, und wir beide waren uns einig, dass es super klingt! Ich weiß, dass Neige zu der Zeit auch in der Stimmung war, wieder Schlagzeug zu spielen, also war es eine Wahnsinns-Chance für mich, die ich zu meinem Vorteil genutzt habe, haha. Es war mir eine große Ehre, mit solch einem talentierten und kreativen Musiker auf „Wistful“ und zu unserer Show auf dem DARK BOMBASTIC EVENING zusammenzuarbeiten. Ich freue mich sehr auf die weitere Zusammenarbeit mit ihm. Es ist ein Traum, der für mich wahr geworden ist.

Flo: Was können wir von SYLVAINE zukünftig erwarten?

Sylvaine: Da mein Album jetzt einige Zeit draußen ist und die Pressetermine so langsam weniger werden, nehme ich mir die Zeit, Auftritte zu planen und mein drittes Album zu schreiben. Ich weiß wirklich noch nicht, welche Richtung ich für den Charakter des Albums einschlagen werde, aber es fühlt sich so an, als wäre es „Wistful“ stark verbunden, allerdings mit neuen Elementen und einem etwas weiterentwickelten Sound. Ich hab eigentlich jetzt schon genug Songs und wahnsinnig viele Ideen, die ich noch ausbauen muss, aber ich nehme mir die Zeit, so viele Songs wie möglich zu schreiben, um sicherzustellen, dass es nur die richtigen auf das dritte Album schaffen. Außerdem versuchen wir Touren und Gigs für die Band zu planen, denn wir würden uns riesig freuen, für euch alle da draußen zu spielen. Ich arbeite eigentlich konstant an irgendetwas, um das Projekt SYLVAINE irgendwie in Bewegung zu halten. Ich hab seit 2013, bevor ich mein erstes Album veröffentlicht habe, damit nicht mehr aufgehört. Darüber mache ich mir aber im Prinzip auch gar keine Gedanken, da ich wirklich sehr glücklich und dankbar bin, ausschließlich für meine Band arbeiten zu können.

Flo: Welche Pläne bezüglich Auftritten in Deutschland hast du?

Sylvaine: Bisher gibt es keine präzisen Pläne, aber wir hatten schon verschiedene Angebote von deutschen Promotern, daher hoffe ich, dass es auch bald klappen wird. Schon als ich als Teenager mit der Musik angefangen habe, wollte ich immer für das deutsche Publikum spielen, weil ich wusste, es gibt dort einen sehr großen Markt und vor allem ein sehr aufgeschlossenes Publikum. Ich kreuze meine Finger und freue mich sehr auf den Tag, an dem ich nach Deutschland zurückkehren kann und diesen Traum verwirklichen kann!

Flo: Wenn du dich entscheiden müsstest: Gitarre oder Stimme?

Sylvaine: Wieder eine echt schwere Entscheidung. Das Singen ist etwas, das ich schon tue, seitdem ich ein kleines Kind war, es war immer eine sehr natürliche Möglichkeit, mich auszudrücken. Es hat sich für mich immer so angefühlt, als wäre es „mein Instrument“, da es das einzige Instrument ist, bei dem ich je etwas Selbstbewusstsein hatte. Die Gitarre hingegen ist ein eher „frisches“ Instrument für mich, da ich erst seit ungefähr 3 Jahren Gitarre spiele. Sie ist ein sehr ausschlaggebendes Instrument für mich, da sie mir erlaubt, meine eigene Musik zu schreiben. Ich hab normalerweise meine Lieder immer auf dem Klavier geschrieben, aber als ich anfing, Gitarre zu spielen, hat sich in Bezug aufs Komponieren eine Art neue Dimension für mich geöffnet. Nun ja, daher denke ich, es ist zu schwer, sich für eins der beiden entscheiden zu müssen, haha. Sorry!

Flo: Du hast das letzte Wort: Was möchtest du der Welt da draußen erzählen?

Sylvaine: Als allererstes möchte ich dir so sehr für dieses Interview danken, Flo. Es war mir ein Vergnügen, wirklich! Ich hoffe, die SILENCE MAGAZIN-Leser haben viel Spaß mit diesem kleinen Einblick in das SYLVAINE-Projekt. Ich kann es kaum abwarten, euch alle Face to Face zu treffen, wenn wir nächstes Jahr unterwegs sind! Habt einen wunderbaren Restsommer, bleibt kreativ und bis bald!

Flo: Ich danke dir vielmals für deine Zeit, für deine komplexen Antworten und für deine Offenheit, SYLVAINE! Es war mir eine riesige Freude, und ich hoffe, wir sehen uns bald bei deinen/euren Konzerten in Deutschland!

ENGLISH VERSION

Do you remember my article about SYLVAINE – this beautiful Norwegian girl creating this absolutely amazing music? For me, her album „Wistful“ is one of the best records released in 2016, that’s for sure. At the DARK BOMBASTIC EVENING she played her very first gig with a live band, with Neige (ALCEST) behind the drums.

I’m very thankful for the opportunity to ask her some questions. Here is the interview with SYLVAINE:

Flo: Now that your second album „Wistful“ is available for about three months: How do you feel with it? What was the feedback you got by now?

Sylvaine: It’s crazy to think the album has been out for over 3 months already… Time sure flies by! I think every artist will always find small things to improve in their past works, so of course, “Wistful” is no exception to me, yet I must say I am very proud of this album and what it became in the end. It perfectly captured what I was trying to convey at the time and I’m very happy with the evolution in my songwriting on this album, too. I’m so happy that people also seem to appreciate it and really couldn’t ask for better feedback than what I have gotten so far! Lots of nice reviews, features and beautiful words from audiences and music press all over the world feels quite reassuring and helps me believe that I actually created something valuable, something that could make people feel, which is all I could ever want anyway. In other words: I’m definitely very thankful and happy with the reactions of this record so far!

Flo: In comparison to your first album your second album sounds much deeper to me and more „gazy“, which is great in my opinion. Did it just happen somehow or what is the reason for that?

Sylvaine: Making the album more ethereal and dreamy was definitely something I consciously had in mind while creating the tracks for “Wistful”. Expression wise, I really wanted to make the difference between the serene elements and brutal elements even bigger on this album, something that resulted in the music on “Wistful” becoming more atmospheric than on my first album “Silent Chamber, Noisy Heart”. I really wanted the ambient vibe to be more present on this album, but at the same time keep the natural aggression that came out when I was writing some of the tracks, which also gives the music a darker and harsher side than before. Being the second album for Sylvaine, I would say “Wistful” has gotten me even closer to the sound I originally had in mind for the project when I first started it. Where the first album was a bit more of a patchwork, due to the songs being written over many different years, “Wistful” presents itself as a more focus expression to me.

Flo: In general: How do you write songs? Is there a specific kind of process? Or are there different things that come to your mind if something or someone inspires you?

Sylvaine: I would say each time is pretty much different and that there are absolutely no rules when it comes to making music. That being said, I do of course have a few habits that seem to reoccur during my compositional processes.
I always try to write in a purely emotional way, not over-thinking things too much, but just doing and making choices intuitively. The only important thing to me is that the music expresses something real, something I think is most easily achieved by just letting your mind flow and work with whatever comes out at the time, be it something inspired by introvert issues, something visual, a person, a situation or something else. It all happens in a very natural way basically, where the process of writing is very spontaneous and I continue until I have what I consider to be an album. Usually, I’ll write more tracks than what end up on the albums, but I think this is necessary to ensure that only the best ones make the cut. I’m always writing music, even though my inspiration level goes up and down like for any other artist, so in that sense you could say I’m not really intending to write for a specific album, but rather just keeping the flow going as long as it last. As for the instrumentation, I tend to start making songs based on guitar riffs these days and then build all the other instruments around that.

Flo: What is your favourite song of SYLVAINE and why?

Sylvaine: It’s quite hard to pick a favorite to be honest, as they’re all my babies in each their way and all have very personal meanings to me. Some of the songs though, emit this very special feeling while I play them. Like each time is some kind of cathartic and comforting experience. It’s quite strange, but I suppose this means these songs lay very close to my heart. From my first album, the title track “Silent Chamber, Noisy Heart” is one of those songs. On “Wistful”, the tracks “Delusions”, “Earthbound” and “Wistful” are like that, too. The title track of “Wistful really embodies one of the main reasons of why I created Sylvaine to begin with, making it a song that I’ll always feel a special connection to. Every time I listen to this track, it takes me back to those moments when I first created it. I think it will always make me feel something profound.

Flo: What is your biggest source of inspiration for your texts and for your instrumentals?

Sylvaine: SYLVAINE functions as an “audio diary” for me, like for many other artists, so the subjects that come out thru the music are usually conflicts or subjects residing within me, that I need to express in some way. Writing music functions as a sort of therapy for me, letting me get all of my emotions out instead of keeping them bottled up inside, allowing me to process them in a way. Making music about all of this is only a temporary relief I think, not offering a final or complete solution to my issues, yet it’s something I really need in my life. I have been speaking a lot about the feeling of profound longing for something, without knowing what or being able to reach it and the feeling of being lost and not finding your way back to shelter. “Wistful” also speaks a lot about being trapped in this existence, inside a human vessel, which is restricted by its senses, leaving one unable to go back home in a spiritual sense. Other than this, I tend to be inspired by the duality in life: happiness vs. melancholy, the outside world vs. my inner world, nature vs. urbanity, technology vs. spirituality, reality vs. daydreams and so on.

Flo: If music inspires you, what are the three most inspiring bands/musicians for you?

Sylvaine: Like anyone deeply passionate about music, I think music does indeed inspire me a lot for my own art. It’s such a powerful art form, with an ability to affect our mind in so many ways. It’s a necessity in our human lives. To choose only 3 bands that have inspired my own music thru the years is quite tough! If I had to choose, maybe I’d go for TYPE O NEGATIVE, PHILIP GLASS and DEAD CAN DANCE. Perhaps another day I would give you a different answer, but I feel these three would be the right choice today.

Flo: What other music genre(s) do you like to listen to?

Sylvaine: I pretty much listen to anything that speaks to me somehow, so I like a lot of different genres. I adore the whole shoegaze/dreampop scene, as well as the darkwave scene, the post-punk scene, and the more modern post-rock and post-metal scenes, with band such as SLOWDIVE, THE CHAMELEONS, EXPLOSIONS IN THE SKY, SIGUR ROS, ALCEST, JOY DIVISION, MONO, HAMMOCK, COCKTEAU TWINS, LYCIA, DEAD CAN DANCE and THE CURE being some of my favorites. I also draw inspiration from classical music, with minimalism being one of my favorite directions. I was always very fascinated by the concept of taking the smallest pieces and evolving them slowly over time into something else. This is something I try to do in my music as well, to really create those hypnotic, meditative patterns that lull the listeners into some sort of trance. As for more metal influences, one of my favorite bands is TYPE O NEGATIVE. I love the different expressions they convey in their songs and just admire their ability to create lush, layered, heavy atmospheres. As for black metal, I like a lot of the bands from this scene too, like ULVER, BATHORY, EMPEROR, DARKTHRONE, BURZUM and so on. Also love the whole grunge scene of the 90s, with NIRVANA and the SMASHING PUMPKINS being the obvious favorites.

Flo: When did you decide to become a musician and to write own songs, and why?

Sylvaine: Music has always been a big part of me since I was a child. Seeing as my parents were both musicians and working in the music business, I was introduced to this life from the very beginning. Making and playing music is absolutely a cathartic process for me, as mentioned before, and became a sort of therapy that I couldn’t live without from my early teenage years and onward. Already from the time I was 16 years old, I was fascinated by the balance between beautiful and harsh/heavy in certain kinds of music and started to write music related to that myself, which ultimately lead me to choose the sound I did for SYLVAINE many years later. I need music in my life to be more or less complete, to be able to deal with things inside of me that otherwise tend to get suppressed. That is why I started making music, and I feel so happy and thankful that I am able to do so. I always knew I would follow this path if destiny allowed me to.

Flo: You passed your very first live gig with band at the DARK BOMBASTIC EVENING this year. How did it work? What would you like to tell us about this gig?

Sylvaine: Our very first show with the full live line-up of Sylvaine was really an amazing experience! We had been waiting for this moment for quite some time already, so finally being on stage, seeing all the beautiful people moving to our music and giving us such positive feedback, was more than we could have ever asked for. People were coming up to us after our show to tell us they couldn’t believe that this was our first show and that we were their positive surprise of the festival. It was so nice! We truly enjoyed ourselves a lot at the DARK BOMBASTIC EVENING, thanks to the great people working at the festival, the kind audience, the other bands and also the picturesque location. These memories will be kept with us for many years to come and we just can’t wait to get back out there and play for more audiences in other places very soon!

Flo: What makes you more delighted and satisfied: Listening to a new song of yours for the very first time or playing a live gig?

Sylvaine: Both situations leave you with a great feeling of being delighted and satisfied if you ask me, but I’m not sure you can choose between the two though, as they can’t really be compared. The whole song writing process is so introvert and operates more on a personal level, while the live experience is extrovert, spontaneous and shared with many people. They are both very rewarding, but in completely different ways.

Flo: Neige plays the drums for you, this is awesome! For me he is one of the greatest musicians ever. I love all his music projects. How did you get in contact with him and how did he become your drummer?

Sylvaine: I first discovered ALCEST in 2011/2012 and immediately fell in love and connected to their music. In 2012 I had the pleasure of seeing them play live a couple of times and I ended up meeting them one night. After that, I stayed in touch with Neige, we became friends and I started to show him things I was doing with SYLVAINE. He was very positive to the music and basically became a supporter of the project. This eventually led to the acoustic tour I did with them in South America in September 2014, and after that, Neige playing drums on “Wistful” and in the live line-up of SYLVAINE. I really like his style of drumming, his attentiveness as a drummer and his strong sense of musicality, so we both felt it could fit really well with what I do in my music. We basically tried to play thru the songs together one day and after both agreed it sounded amazing! I know Neige was in the mood for getting back into playing drums again too, so it was a golden opportunity for me to take advantage of that, haha. It has been a huge pleasure to work with such a talented and creative musician for “Wistful” and our show at the DARK BOMBASTIC EVENING, and I really look forward to possible further collaborations with him in the future. It has been a dream come true!

Flo: What can we expect from SYLVAINE in the next future?

Sylvaine: As my album has been out for some time now and my press commitments are slowly calming down, I am taking this calmer time to focus on the live side of the project and to write my third album. I still don’t know exactly what direction I’m heading in for the character of it, but I feel it will be strongly related to “Wistful”, yet with some new elements and a further development in my sound. I have enough songs for the album already and tons of other ideas to develop, but I’m taking my time to make as many songs as possible, to really make sure only the best/right ones make it on to the third record. We are also trying to book tours/shows for the band, as we would love to come and play for all of you out there. I’m constantly working on something related to SYLVAINE, to keep the ball rolling. I didn’t really stop working since 2013, before the release of my first album. I really don’t mind though, as I am super happy and thankful to be able to work solely for my band.

Flo: Can you tell us something about some plans for playing in Germany?

Sylvaine: As of now, there are no precise plans for playing in Germany, but we already had a few offers from German promoters, so I really hope it will happen soon. Ever since I started doing music as a teenager, I always wanted to play for the German audience, as I knew it was a big market with an open-minded crowd. I cross my fingers and look forward to the day I can return to the country and make those teenage dreams come true!

Flo: If you had to choose: vocals or guitar? Why?

Sylvaine: Once again, tough choice! Singing is something I have been doing since I was a little kid and has been a way to express myself that came quite natural to me. I always felt like that was “my instrument”, as it’s the only instrument I ever had a little bit of self-confidence in. The guitar however, is a more “fresh” instrument to me as I only played it for about 3 years now. It’s a crucial one for me, as it’s the instrument that ultimately allows me to create my music. I used to write my songs on piano, but when I started to play guitar, it opened a new dimension compositional wise. So yes, I guess choosing between the two is just too hard, haha. Sorry!

Flo: You have the last words: What would you like to tell the world outside there?

Sylvaine: First of all I would like to thank you ever so much for this interview, Flo. It was my pleasure, really! I hope the readers of SILENCE MAGAZIN will enjoy this little insight into the SYLVAINE realm and I can’t wait to see you all face to face when we hit the road next year! Have a great rest of your summer, stay creative and see you soon.

Flo: Thank you very very much for your time, your complex answers and your openness, SYLVAINE! It really was a big delight for me and I’m really looking forward to seeing you on stage here in Germany!

Website: sylvainemusic

Facebook: Sylvaine Official

Der Beitrag Was Musik ausmacht und warum sie eine Art Therapie ist – Interview mit Sylvaine erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

So ähnlich erging es mir vor ein paar Tagen. Ich war sofort gepackt von den ersten Klängen der brandneuen „Wistful“-Platte, die mir ein Kumpel zuvor empfohlen hatte. Bam! Was für eine atemberaubende Schönheit sich im Raum verbreitet, wenn ihre Musik aus den Boxen hallt! Wessen Musik? Die Musik der wunderschönen Künstlerin SYLVAINE. Sie hat es geschafft, mich vom ersten Moment an mit ihrem neuen Album zu verzaubern.

Für alle, die SYLVAINE – wie auch ich – bisher nicht kannten: Das ganze Ding ist ein Solo-Projekt im Bereich Shoegaze/Blackgaze, in dem die norwegische Schönheit SYLVAINE alle Instrumente selbst einspielt, und auch alle Vocals komplett einsingt. Wer jetzt allerdings denkt, da kommt bestimmt nur Prinzessinengeklimper und Mimimieh à la Aschenbrödel, der hat sich gewaltig geschnitten. Neben ihrer elfengleichen Stimme und den wahnsinnig beflügelnden Gitarrensounds scheppern euch shoegazige Riffs und hohe, teuflische Screams entgegen. Echt ein verdammt guter Mix! Die Frau weiß, was sie macht.

Das am 13. Mai 2016 über Season of Mist erschienene und insgesamt zweite Album der Solo-Künstlerin ist von vorn bis hinten vertonte Melancholie und Selbstreflexion, als würde die Norwegerin ihre gesamte Gefühlswelt in ihre Musik packen. SYLVAINE wirkt sehr echt – sie weiß, zu begeistern. Grundsätzlich ist „Wistful“ eine sehr tragende und spirituelle Platte. Es geht auch mal dagegen, aber der Großteil der Stücke ist eher gediegen. Rein von der Art her, wie die Musik auf mich wirkt, könnte sie auch aus der „Franzosenfamilie“ Alcest & Co. stammen. Ganz großes Klang-Kino.

Am meisten interessiert mich immer: Was stellt das gesamte Werk mit mir an? Was bewirkt es? Das ist bei vielen Platten aus diesem Genre oft unterschiedlich. „Wistful“ beispielsweise entspannt mich zutiefst und holt mich zurück auf den Boden der Tatsachen (das ist mal ganz gut so, wo ich doch sonst die Klappe nie halten kann). Alles wirkt insgesamt super stimmig – als spielten sich die Songs, trotz ihrer Verschiedenheit, gegenseitig in die Hände. Ab und zu etwas ruppig, dann wieder leicht wie eine Feder „gleitet“ man durch das gesamte Album.

Ich kann daher nicht mal sagen, welcher der sieben Songs mir von der Platte am besten gefällt, nach mehrmaligem Hören stechen für mich aber vor allem „Delusions“, „In the Wake of Moments Passed By“ und „Earthbound“ hervor. „Earthbound“ ist so der vergleichsweise rustikalste Track der Platte, der sich auf jeden Fall wahnsinnig einprägt, und in dem die Screams der reizenden SYLVAINE am besten zur Geltung kommen.

Mein Urteil: Diese Platte sollte jeder hören, der die Art des französischen Shoegaze/Blackgaze so sehr mag, wie ich, und der sich von solcher Musik gern inspirieren lässt. Das Ding hat mich echt überrascht! Ein Must-Have im Bereich der melancholischen Musik! Ich bin echt gespannt, was von SYLVAINE in Zukunft noch so kommt. Hoffentlich gibt’s mal die Möglichkeit, sich die Songs von ihr live vorträllern zu lassen.

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Der Beitrag Nur was fürs Auge, diese hübsche Norwegerin? Denkste! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.