Ist es gemein, eine Metal Band für Karaoke vorzuschlagen? Und das mit AMARANTHE zu tun? Die Band um Elize Ryd hat bereits im Oktober ein neues Album eröffentlicht, mit dem sie ihren unverwechselbaren Sound weiter voran treiben. Und genau der, welcher sich auch durch mehrere Sänger auszeichnet, verbindet sangliche, fast poppige Melodien mit rauen Growls und melodiösen Soli. Auch im Schlagzeug.

Im Vergleich zu früheren Veröffentlichungen scheint der elektronische Anteil etwas runtergefahren worden zu sein. Zwar tauchen immer wieder Elemente mit Synthis auf, jedoch werden durchaus auch andere Akzente gesetzt. „Crytalline“ beispielsweise ist sehr zurückhaltend und könnte fast als Ballade durchgehen, zudem kommt punktuell ein Cello zum Einsatz. Sehr schön.

Wer die Wucht der Band jetzt in Gefahr sieht, muss sich jedoch nicht fürchten. „Archangel“, „Scream my Name“ oder „BOOM!1! sind voll nach vorne ausgerichtet und geben jedem Mitglied der Band genug Spielraum, sich auszutoben und Kopfkino zu den Melodien zu entwicklen. Oder auf die Karaokebühne auseinanderzunehmen, falls man sich traut.

Für mich bringt die Band alles mit, was ich unter modernem Metal verstehe, vereinigt sie doch die Melodik und Melancholie von EVANESCENCE mit dem Drive von Bands wie DROWNING POOL. Muss man können. Kann man anders empfinden, aber dafür ist Musik ja da. AMARANTHE haben in meinen Ohren jedenfalls nicht nachgelassen und bieten hier genug Stoff, um auch durch die kommenden Monate gut mit ihrer Musik zu kommen. Passt.

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Melodic Death Metal ist und bleibt eine vielbespielte Art der Musikmacherei, und das besonders in etwas untergründigeren Gefilden. Und so gibt es auch gerade in dieser Sekunde mit Sicherheit die ein oder andere Release, die so manch einer nicht auf dem Schirm hat. Aber verzaget nicht! Wir sind für euch die Listen durchgegangen und haben die Bibliotheken durchwühlt, und zusammengefasst, welche neuen Melodeath-Werke soeben erst das Licht der Welt erblickt haben – oder kurz davor sind, es zu tun.

MRKILL – „The Day Of Reckoning“

VÖ: 31.07.2020

Direkt von der anderen Seite der Erdkugel erreichte uns diesen Sommer mit „The Day Of Reckoning“ eine EP, die es in sich hat. Zwischen den instrumentalen Intro- und Outro-Stücken befindet sich ein ordentlicher Batzen roher Energie: Außer ein paar Harmonien, die von weiblichem Gesang erzeugt werden, findet man hier keinerlei Schnickschnack wieder. MRKILLs musikalische Ergüsse sind schnell, hart und knackig, und verlieren sich niemals unnötig in Gedudel. Mir scheint fast, als würde sich sogar die ein oder andere Thrash-Influenz heraushören lassen. Außerdem: Komischer Bandname!

https://www.facebook.com/mrkillband/

THE LAST REIGN – „Evolution“

VÖ: 18.09.2020

THE LAST REIGN eröffnen das Fest mit einem epischen, eines Filmsoundtracks würdigen Introstück, bevor sie kurzerhand ordentlich das Tempo anziehen. Und mit Ausnahme von ein paar Verschnaufpausen in Form akustischer Zwischenspiele bleibt es konstant oben! Dazu werden von der Gitarrenfraktion Harmonien und Melodieführungen serviert, die nicht selten an ältere In-Flames-Erzeugnisse erinnern. Dennoch klingen THE LAST REIGN nie nach Abklatsch. In Sachen Klang und Songwriting fließen merklich modernere und härtere Elemente mit ein, und erschaffen so einen ganz eigenen – und gelungenen – musikalischen Stil. Auch zu empfehlen ist „It’s Dangerous To Go Alone“, eine weitere Release von 2020. Hinter dem ahnungsvollen Namen verstecken sich Remixes älterer Songs in Video-Game-Version und 80s-Synth-Style.

https://thelastreign.bandcamp.com/album/evolution

SKYLESS AEONS – „Drain The Sun“

VÖ: 02.10.2020

Label: CDN Records

Die Kanadier SKYLESS AEONS haben mit „Drain The Sun“ ein Debut-Album geschaffen, das sich hören lassen kann. Weit über das Konzept Melodic Death Metal hinausreichend, bietet die Scheibe ein Bankett an musikalischer Abwechslung: Von Ausflügen in psychedelisch angehauchtes, cleanes Ohrenbalsam über tiefes Doom-Gestampfe und mehrminütige instrumentale Prog-Dudeleien bis hin zu kompromisslosem Geschrabbel ist alles vorhanden. Aus dem Rachen des Frontmanns erschallen dazu Growls nach Art alter SUFFOCATION-Schule. Hört rein!

https://skylessaeons.bandcamp.com/

ASPAR – „Maifrost“

VÖ: 30.10.2020 – 22.01.2021

Aus der Asche der bayrischen Melodeath-Band AKREA erheben sich ASPAR! Wenngleich es sich bei diesem Debut-Album nicht um ganz genau die gleiche Musik handelt, so fallen doch auch den ersten Hör einige Parallelen auf: Allen voran die markanten, deutschsprachigen Vocals des Sängers und die verspielten Gitarrenmelodien, die gekonnt auf stabil wummernder Basis reiten. Das trifft aber wiederum auch nicht auf die ganze Tracklist zu: Interessant an „Maifrost“ ist, dass fast jedem Song eine merkbar differenzierte musikalische Stilbasis unterliegt. Auch wenn jeder der Tracks in sich selbst einen konstanten Stil aufrechterhält, findet sich dadurch ein erhebliches Maß an Abwechslung auf dem Album wieder. Seit dem 30.10.2020 wird an jedem Freitag um 12 Uhr ein weiteres der dreizehn Lieder von „Maifrost“ veröffentlicht – also bleibt dran, es lohnt sich!

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DECAYING DAYS – „The Unknown Beyond“

VÖ: 20.11.2020

DECAYING DAYS aus Münster nehmen den Hörer mit sich hin zu ätherischen Klangsphären: Nicht mit Blast-Beat-Gewittern und High-Speed-Gitarren, dafür mit viel Atmosphäre und Tiefe wissen die Jungs zu punkten. Dank hartem Riffing und geschicktem Songwriting sowie einem wahrhaft deliziösen Soundgewand wird trotzdem äußerst gekonnt Druck aufrechterhalten, und so entsteht ein großartiges Wechselspiel zwischen Härte und Ruhe, zwischen Wucht und Schönheit. Bei wem Bands wie INSOMNIUM, BE’LAKOR oder COUNTLESS SKIES Gänsehaut hervorrufen, dem kann ich dieses Album wärmstens empfehlen!

https://www.decayingdays.com/

EMPYREAL SORROW – „Praey“

VÖ: 20.11.2020

Vermarktet wird „Praey“ als ein Werk, das sich klassischer Melodeath-Elemente bedient und dazu eine „emotionalen Seite“ in den Vordergrund stellt. Was bedeutet das für das Debut-Album der Münchner konkret? Nun, es zeigt sich eine durchaus moderne Herangehensweise, was das Songwriting angeht: Gefühlsträchtige Melodien, Breakdowns und Experimente mit unterschiedlichen Clean Vocals und Shouts lassen den Stil der Band Richtung Metalcore driften. Die extra knattrigen Vocals und der trockene und ehrliche Gitarrensound halten das Ganze allerdings im Death Metal verankert. So entsteht ein Brückenschlag, und das Resultat ist Melodeath – mit einer emotionalen Seite.

https://www.empyrealsorrow.de/

DORMANTH – „Complete Downfall“

VÖ: 15.12.2020

Label: Xtreem Music

In Kontrast dazu stehen DORMANTH aus Spanien. Straighte Liedstrukturen und Gitarrenmelodien, die sich auf einem simplen, aber effektiven Double-Bass-Teppich entfalten, zeugen von einer klassischeren Art und Weise der Musikschreibung. Das geht nicht nur ins Ohr, sondern walzt und brettert auch ordentlich. Moll-Tonleitern dominieren das Werk und geben ein düster-melancholisches Feeling vor. Man merkt, dass diese Band Erfahrung in dem hat, was sie macht – immerhin ist ihr erstes Album vor über 25 Jahren entstanden.

https://dormanth.bandcamp.com/

Wow, so viele verschiedene Variationen einer einzelnen Stilrichtung! Hinter jeder dieser Releases versteckt sich eine andere Auslegung dessen, was Melodeath alles sein kann. Mit einer solchen Abwechslung hätte auch ich nicht gerechnet, als ich angefangen habe, mir das Material anzuhören. Ich hoffe, es ist für jeden etwas dabei, und ich hoffe, die ein oder andere dieser Bands konnte mithilfe dieses Artikels ein paar Fans mehr für sich gewinnen. Cheers und bis zum nächsten Mal!

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Freunde von CHILDREN OF BODOM, THE BLACK DAHLIA MURDER und DARK TRANQUILLITY aufgepasst, ich hätte da was für euch: CHRONICLE! Die Dänen stehen mit ihrem neuen Album „Demonology“ in den Startlöchern und versüßen uns damit in Zeiten von Kontakt- und Ausgangsbeschränkungen den viel zu zähen Tag.

Das Album beginnt mit dem gesprochenen Intro „I Believe“, was wohl eine düstere, ernste Atmosphäre erzeugen soll. Mich persönlich hats eher amüsiert, aber es ist jetzt auch nicht völlig fehl am Platze. Dennoch, mit der Musik geht’s erst im zweiten Track „They Have Returned“ los, dafür aber richtig. Das, was hier und in den folgenden acht Songs passiert, kann man eigentlich nur als großartig beschreiben.

Auf ins Getümmel!

Wir haben hier gemäß den oben genannten musikalischen Vorbildern eine Mischung aus catchigem Melo Death und Auf-die-Fresse Old School Death bzw. Thrash Metal. Jeder Song hat seine eigene durchdachte Struktur, eingängige Riffs gepaart mit aggressivem Gesang und einem stetig nach vorne strebenden Schlagzeug. Abgerundet wird das Ganze von einer sehr guten technischen Leistung: Die Jungs haben offensichtlich ganz schön was drauf an ihren Instrumenten!

Bei so viel beeindruckenden Eindrücken ist es gar nicht so leicht, sich einen Favoriten herauszupicken. Anfangs war ich vor allem von „Living Hellscape“ sehr begeistert, weil hier das Motiv im Refrain wirklich seeehr catchy ist, aber je öfter ich „Demonology“ höre, desto mehr lerne ich jeden einzelnen Song darauf lieben. Am besten ist also, ihr hört euch nicht nur die hier aufgeführte Songempfehlung an, sondern zieht euch gleich das komplette Album rein!

„Nur“ sehr gut oder auch überragend?

Bisher klingt das ja alles ziemlich verdächtig nach 10 von 10 Punkten. Und ich war auch kurz davor, diese zu vergeben, weil mich CHRONICLE mit ihrem neuen Werk wirklich gekriegt haben. Woran scheitert die Bestbewertung also? Ich weiß es selbst nicht so genau. Vielleicht liegt es daran, dass sie mir teilweise ein bisschen zu sehr nach THE BLACK DAHLIA MURDER klingen, vielleicht fehlt mir auch der eine, alles überragende Track auf dem Album.

Dennoch: CHRONICLE sind auf einem verdammt guten Weg, wenn ihr mich fragt, und ich hoffe sehr, dass die Dänen demnächst auch mal auf dem ein oder anderen deutschen Festival anzutreffen sein werden!

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Neues Jahr, neue Musik! Herrlich, oder? Ich weiß jetzt schon, was mich dieses Jahr so alles an Alben erwartet, und ich kann euch sagen: Da kommt so einiges für Corefans angewalzt! Ich möchte jetzt bereits jauchzen und frohlocken! Da die ersten Highlights diesbezüglich aber erst nächsten Monat anstehen, hab ich mich für meinen ersten Artikel 2020 für mein zweitliebstes Genre mit Gitarren entschieden: den Melodeath. NEPHYLIM aus dem Land mit Frau Antje und den Hühnerknubbeln versprechen nicht nur diesen, sondern mischen ihn mit vielen Elementen. Ich bin gespannt was mich bei ihrem Erstling „Severance For Serenity“ erwartet. 

HINFALLEN, AUFSTEHEN

Stellt euch vor, ihr habt eine Band, die gerade ihr Debütalbum fertig produziert hat. Bis dahin war es bereits ein wackliger Weg mit Besetzungswechseln und Bandpause. Nun ist aber alles dufte und plötzlich verliert ihr euren Sänger durch einen tragischen Unfall. Genau so ging es NEPHYLIM. Ich möchte mir diese Gefühle nicht ausmalen. Glücklicherweise konnte aber ein ebenbürtiger Nachfolger gefunden werden, und „Severance Of Serenity“ steht nun ein zweites, finales Mal vor der Veröffentlichung. 

Intros sind immer so ’ne Sache. Bei manchen Alben neige ich sogar dazu, diese einfach auszublenden und zu skippen. Das kommt aber auch drauf an, wie sie gestrickt sind. Im Fall von „Reminescence“ hab ich nochmal zurück gedrückt. So sehr gefällt es mir. Das Wort „Spannungsbogen“ ist mehr als treffend. Besagte Spannung entlädt sich dann kraftvoll im folgenden „Forsaken“, und zwar ab der ersten Sekunde. Musikalisch fühle ich mich direkt an die härtere Seite von IN FLAMES erinnert. Besonders das Riffing klingt wohlig vertraut. Auf stimmlicher Seite gibt’s angenehm passende Growls, Klargesang ist nicht vorhanden. Das muss in diesem Gewand aber auch nicht sein. Man könnte sagen, die Niederländer platzieren große Melodien, wo andere eventuell Clean Vocals hinbauen würden. Dieses Muster tritt öfters in Erscheinung und das auch wirklich mitreißend. Ein Paradebeispiel hierfür wäre „Aftermath“. Interessant sind auch die Tempowechsel innerhalb der Stücke. „Fractured Existence“ rüttelt mich erstmal komplett wach, lässt mich dann mit einem ruhigen Teil verschnaufen, scheppert dann wieder und plötzlich ist es akustisch und kaum wieder zu erkennen. Das alles, ohne den Kern des Songs zu verlieren. Das macht wirklich Spaß! 

LIEDCHEN, WECHSEL DICH!

Mit „Reassurance“ gibt es auch eine atmosphärisch-verträumte Pause, die dem Intro in nichts nachsteht. Apropos Atmosphäre, davon können NEPHYLIM reichlich aufbauen. Die Melodien in praktisch jedem Song wissen zu begeistern und zu fesseln. Das alles gepaart mit starken Drums, bei denen mein Fuß eigentlich wie ferngesteuert agiert. Außerdem versprüht das Album diesen ganz bestimmten Sound, den ich an dem Genre so mag. Wisst ihr, was ich meine? Kann ich schwer erklären. Was mich aber am Meisten beeindruckt, ist diese Varianz bzw. Kreativität. Gerade in den längeren Songs kommt dies zum Tragen. „The Bitter Inheritance“ oder „Remembrance“ sind sozusagen musikgewordene Kurzgeschichten. Hier ein Plottwist, da ein neues Element und eine neue Ausrichtung. Vom Überspringen eines Stückes vor dem Ende würde ich dringend abraten! Der einzige, damit verbundene Kritikpunkt, wäre die Stimme, die fast durchgängig auf einer Ebene bleibt. Wer sich daran aber nicht stört, bekommt hier ein wundervolles Melodeath-Album zu Jahresbeginn. 

NEPHYLIM im facebook

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Wir schreiben den 31. Dezember 2019, draußen werden bereits die ersten Böller entzündet. Für all die, denen das Geballer zu Silvester als Start ins neue Jahr zu lasch ist, habe ich heute ein ganz besonderes Zweitwerk im Gepäck, das sich dreifach gewaschen hat. Die Melodic Death Metaller mit Sci-Fi-Attitüde DELIVER THE GALAXY haben sich zusammengefunden und den Nachfolger ihres vielversprechenden Debüts „Project Earth“ produziert, das 2014 erschien. Seitdem war es vergleichsweise still um die Quedlinburger, doch damit soll nun Schluss sein: „The Journey“ erreicht uns am 03. Januar 2020. Und ich sage euch: Wenn 2020 musikalisch so stark bleibt, wie sein Einstand klingt, müssen wir uns dick anziehen! Aber fangen wir vorne an.

Intergalaktische Schlachten und Riff-Feuer aus allen Rohren

Viele bescheinigten den Jungs bereits zu ihrem Debüt eine strahlende Zukunft. Irgendwie mochte daraus bisher aber einfach nichts richtiges werden, weshalb DELIVER THE GALAXY nun die ganz schweren Geschütze aufgefahren haben. 10 Songs umfasst „The Journey“, und eine ganze Menge Überraschungen. Wir starten mit dem Titeltrack „The Journey“, der zunächst mit einem episch angehauchten, dröhnenden Riffgewitter ins Feld zieht. Der Einsatz von Sänger Matze’s Gesang lässt mich allerdings anfangs innehalten. Die Vocals sind, im Gegensatz zu den Instrumenten, die stets on point klingen, von starkem Hall überzogen und schaffen es in meinen Ohren irgendwie noch nicht so ganz, sich ins restliche musikalische Gerüst einzufügen.

Aber vielleicht soll das mit dem Hall auch so? Schließlich dreht sich bei „The Journey“ ja alles um intergalaktische Schlachten des galaktischen Helden Natham mit der bösartigen Alien-Macht „Sularis“ und die unendlichen Weiten des Weltalls. Ansonsten ist der Song von ausgezeichneter Instrumentalarbeit geprägt, was sich später als Leitbild durch das ganze Album ziehen soll.

Hier macht auch die erste vorveröffentlichte Single „Setius“, der zweite Track des Albums, keine Gefangen. Kreatives Riffing mischt sich mit einem runden Einsatz von Hall und Synths in ein packendes und stets finsteres Klangensemble. Hier zeichnet sich eine weitere Qualität der Band ab: Alle Riffs strotzen vor Wiedererkennungswert und die Refrains vor Mitsingpotential, ohne zu poppig zu wirken. „Mind Conflict“, das nächste musikalische Häppchen der Platte, bringt wiederum Drumstrecken ins Spiel, die in Sachen Durchschlagskraft aus der schweren Feuerwaffen-Abteilung stammen könnten. Patatatata! Wie schon in seinem Vorgänger scheint der Gesang nun viel passender und den Song unterstützender eingesetzt. Und auch den Bassläufen gebührt besonderes Lob. Während des gesamten Albums lässt sich der Bass nicht als Rhythmus-Support in den Hintergrund drängen, sondern spielt eine aktive Rolle bei der Entwicklung der Riffs. Und das, ohne sich in dern Vordergrund zu drängen. Herrlich!

Die persönliche Note zählt

„Take Off“ schließt nahtlos an die Qualitäten seiner Vorgänger an. Besonders zu erwähnen seien hier die groovy Songstruktur und das insgesamt runde Songwriting. Jeder Song packt den Hörer beim Kragen und reißt kompromisslos mit, ohne sich in Details oder zu lang gezogene Passagen zu verlieren. Mit „The Picture I Draw“ folgt nun die zweite vorveröffentlichte Single des Albums, die im Gegensatz zu allen anderen vorangegangenen Tracks deutlich emotionaler und schmerzvoller aufwartet. Phasenweise fühle ich mich fast ein wenig an INSOMNIUM-Passagen erinnert – weniger als Kopie, sondern als ebenbürtige Hommage. 

„On Fire“, der sechste Track des Albums, vereint erneut alle spielerischen Finessen der vierköpfigen Truppe in sich. Sehr abwechslungsreiches Riffing und ein ganze individueller, durchweg präziser Sound geben den Ton vor, ohne dass man sich beim bloßen Zuhören abgehängt fühlt. Abwechslungsreichtum ist generell eine besondere Stärke der Band, wie sich auch bei „Illuminati“ zeigt, das plötzlich Clean-Gesang enthält. Und noch dazu richtig, richtig guten und derart gekonnt eingesetzt, sodass man sich eben nicht gleich ins Core-Becken gestoßen fühlt. Hier bin ich besonders gespannt auf eine eventuelle Live-Umsetzung.

Mit Abwechslungsreichtum eine klare Linie vorgeben

So schnell sind wir schon wieder bei den finalen drei Tracks des Albums angekommen. „New Horizons“ zeigt nochmals das geniale Zusammenspiel aus Gitarren und Bass, die gemeinsam starke Motive entwickeln und den einzigartigen Sound von DELIVER THE GALAXY formen. Sein Nachfolger „I Declare War“ startet wiederum mit einer klaren Ansage und baut darauf viele modernere Rhythmen auf, die gemeinsam mit dem gut durchdacht eingesetzten Synth-Elementen auch Core-Fans begeistern dürften. Dafür spricht auch der Einsatz von Shouts und Screams, die gesangstechnisch erneut komplett neue Maßstäbe zum Ende des Albums setzen. Viel Abwechslung in einem einzigen Album unterzubringen, ohne den roten Faden zu verlieren, ist nicht einfach – den Quedlinburgern scheint es aber ziemlich leicht zu fallen.

Wir schließen dieses starke Stück Musik mit „Pathfinder“ ab, der in etwas gemäßigteren Zügen viel Spannung aufbaut und zeigt, wie gut DELIVER THE GALAXY virtuose Melodieführung mit hartem Riffing verknüpfen können, ohne dass eines das andere dominiert. Mit seiner packenden und endgültigen Art schließt der Song die Scheibe gekonnt ab und lässt mich beeindruckt und glücklich zurück. Glücklich darüber, dass ich die Chance habe, für euch in ein so starkes Werk zu rezensieren und auch darüber, dass nun neben DAMNATION DEFACED ein anderes vielversprechendes deutsches Sci-Fi-Melodeath-Projekt den Markt erobert, das allerdings ganz anders klingt als seine Brüder im Geiste.

Meine Kaufempfehlung fürs neue Jahr!

Was bedeutet das genau? Bei DELIVER THE GALAXY erhalten alle Instrumente genug Raum, sich optimal zu entfalten. Das runde Songwriting bringt viele packende Melodien mit Wiedererkennungswert mit sich und beweist in beeindruckender Weise, welch einzigartiges musikalisches Gespür die Quedlinburger mitbringen. „The Journey“ ist durchweg ein starkes musikalisches Erlebnis, das meine Ansprüche an die Scheibe noch um Längen übertroffen hat. Auch dürfte es Fans verschiedener Genres unter sich vereinen und neue Standards auf dem überschwemmten Markt von Melodic Death Metal-Veröffentlichungen setzen. Schlussendlich bleibt nur zu sagen: Ich wünsche den Jungs ein cooles Label, das ihre Qualitäten erkennt und ganz viele starke Live-Auftritte im neuen Jahr! Auf dem einen oder anderen werde ich mit Sicherheit zugegen sein.

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Sie haben es getan! INSOMNIUM, das Maß aller Dinge in Sachen finnischer Melodic Death Metal, haben eine neue Scheibe rausgebracht. Dass die Herren sich in Sachen Songwriting nichts erzählen lassen, ist spätestens seit dem 40-Minuten-Songmonstrum „Winter’s Gate“ bekannt. Nach diesem Meilenstein, der 2016 durchaus positiv eingeschlagen ist, haben sich die Finnen nun aber doch wieder für ein „normales“ Album entschieden – und uns mit 10 Songs und 2 Bonustracks beschenkt. „Heart like a Grave“ heißt das gute Stück, das Coverartwork ist in alter Tradition schön finster gehalten und zeigt außer ein paar Wurzelhölzern nur eine klaffende, schwarze Ödnis. Wenn das kein gutes Omen ist!

Schon in den ersten Sekunden wird allerdings klar, dass die Finnen musikalisch ein paar neue Wege eingeschlagen haben. „Wail Of The North“ ist zwar längentechnisch ein eigenständiger Song, fungiert aber ähnlich wie „The Primevil Dark“ von der 2014er „Shadows Of The Dying Sun“ eher als Albumintro. Hier wird ziemlich schnell und ohne Umschweife losgelegt, statt des gewohnten unbarmherzigen Melodeaths schlägt mir hier aber eher eine fette Welle Epic Metal à la AMON AMARTH in „leichtfüßig“ entgegen. Viele Synths und elektronische Flächen dominieren das Bild, die entweder den Melodielauf prägen oder immer mal wieder aus dem Hintergrund hervorscheinen. Klar, elektronische Flächen ist man von den Finnen schon gewohnt, aber ein so tiefer Griff in die Synth-Kiste ist dann doch eher ungewöhnlich.

Finnen auf dem Synth-Trip

Und die Frage, „ob das denn jetzt so bleibt“, weiß auch schon der 2. Track „Valediction“ zu beantworten: offensichtlich. Während das Intro locker-flockig hereintrabt und direkt die Nackenmuskeln kitzelt, startet die Strophe mit poppigem Cleangesang. Klar, Cleangesang gehört natürlich zum INSOMNIUM-Repertoire, normalerweise bleibt ihm allerdings der Refrain vorbehalten. So dominant, wie er jetzt die Strophe prägt, ist es doch eher etwas gewöhnungsbedüftig für meine Ohren, da ihm derart eingesetzt wiederum die INSOMNIUM-typische Schwere fehlt. Die Bridge klingt dann wieder angenehm groovig-growlig und der Refrain besitzt eine gewisse Macht, vermag mich aber nicht so zu erwischen wie manche Höhepunkte vergangener Alben.

Und dann kommt ein ruhiges Zwischenspiel – das ebenfalls aus der Büchse kommt. Zwar reibt es sich mir nicht so unter die Nase wie die Synths des Openers, aber man fragt sich doch, wieso? Die Power und gewisse Rohheit eines Gitarrensolos hätten es dieser Stelle genauso getan. Außerdem muss man bedenken, dass bei einer Keyboarder-losen Band wie INSOMNIUM immer dann, wenn live dominante Songparts vom Band trällern, auf der Bühne genau eins passiert: nämlich nichts. Die instrumentierten Bandmitglieder, die dann gerade nichts zutun haben, stehen etwas hilflos da, animieren vielleicht zum Mitklatschen – und eigentlich wartet alles wieder auf seinen Einsatz. Uncool für den Flow einer Show, finde ich.

Nichts desto trotz lassen wir uns weitertragen zu „Neverlast“. Das startet sehr groovig und geht schnell in eine Strophe im typischen Epic Metal-Stil über. Ungewohnt, aber okay. Der Refrain besitzt dagegen eine sehr coole, bestimmte Melodieführung, bricht allerdings musikalisch sehr mit der Strophe. Allgemein fühlt man sich in „Neverlast“ eher als Teil eines Abenteurertrips, weniger als einsamer Wanderer in der kalten finnischen Ödnis. Und das Solo… das beinhaltet dieses Mal zwar eine echte E-Gitarre, wagt aber keine klanglichen Experimente und wird im späteren Verlauf völlig mit Effekten überladen. Schade.

Lang, länger, „Pale Morning Star“

Aber wir haben ja noch 7 Häppchen auf dem Plattenteller. Und das nächste hat es mit knapp 9 Minuten Spielzeit durchaus in sich. „Pale Morning Star“ startet mit einem Duett aus Akustikgitarre und einer cleanen E-Gitarre, in das sich dann noch ein effektbeladenes Klavier mischt. Das ist im Hinblick auf die vorangegangenen Titel aber völlig in Ordnung. Darauf startet der Track in episches Geballer, wenngleich die Doublebass nicht genug Luft bekommt, um sich so brutal durch den Song zu dreschen, wie sie es vermutlich könnte. Und auch hier gibt es wieder einen musikalischen Bruch. Plötzlich dominieren neben der sexy verzerrten E-Gitarre noch elektronische Flächen und Chöre das Bild und entwickeln eine ziemlich Dur-lastige Akkordführung, sodass man sich fast an einen neueren EQUILIBRIUM-Song erinnert fühlt.

Im späteren Verlauf orientiert sich der Song allerdings nochmal um und entscheidet sich doch zu einem übermächtigen und emotionalen Abschluss, bevor die Akustikgitarre vom Anfang wieder einsteigt und einen Zwischenspieler ankündigt. Der ist episch-ruhig und von lästigen Effekten verschont geblieben. Der Aufbau zum nächsten Refrain fällt dann wiederum in die Kategorie „sehr geil“, schmückt sich stellenweise mit ernsthaft mächtigem Growling, wie man es von INSOMNIUM-Hits gewohnt ist und sogar die Drums trauen sich, aus dem Hintergrund-Wisch-Wasch hervorzutreten. Es folgen mehrere mächtige und gefühlvolle Gitarrensoli, bevor sich der Song ein letztes Mal richtig aufbäumt und INSOMNIUM eindrucksvoll präsentieren, wie viel Power sich aus einem einzelnen, durchgespielten Akkord rausprügeln lässt. 

Künstlerisch hochwertiges Geballer

Luft zum Durchatmen gibt es hier natürlich nicht. „And Bells They Toll“ startet ebenfalls mit einem Clean-Intro, das mich in ein herrlich tristes Akkord-Quartett einstimmt. Bevor die Strophe aber tatsächlich startet, macht man noch eine dramatische Künstlerpause – unter die leise, elektronische Beats gemixt sind. Wieso? Bevor ich über den Sinn dieser Synthi-Einlage spekulieren kann, setzt allerdings schon die Strophe ein, die den Song in angenehm-getragener Weise dahinerzählt, nichts außergewöhnliches. Bis mit einem Tonartwechsel der Refrain einsetzt – Hui! Hier weiß der an traditioneller Stelle eingesetzte Cleangesang, dem Song ein ernsthaft episches Gewand zu verleihen. 

Gleichermaßen stark geht es mit „The Offering“ weiter, der zu Anfang fast ganz ohne Synthflächen auskommt! Stattdessen gibt’s Kampfgesang und ein cooles Gitarren-Arrangement im Zwischenspiel. Ab und zu versucht sich ein Synth an die Oberfläche zu kämpfen, der bleibt aber zum Glück eher subtil. Insgesamt wirkt der Song ziemlich integrer und bäumt sich nach dem Solo noch ein letztes Mal packend auf, was nicht zuletzt der starken Melodieführung der Gitarre zu verdanken ist.

Auf in den Kampf!

„Mute Is My Sorrow“ startet ebenfalls mit dem bewährten Akustik-Geklimper und geht nach einem episch-kämpferischen Einstieg ziemlich schnell in eine nach AMON AMARTH-Manier vorantreibende Strophe über. Der Refrain könnte zwar ein bisschen mehr ehrwürdig-erwachsene Ruhe gebrauchen, um sich besser zu entfalten. Dann würde er aber womöglich zu krass mit der doch ziemlich fix voranschreitenden Strophe brechen. Gegen Ende bekommen wir noch eine groovige, teils arhythmische Bridge serviert, die ein fettes, tragendes Solo einleitet. Das muss sich allerdings ständig mit den begleitenden Synths messen. 

Jetzt, wo wir schon wieder mit so großen Schritten auf das Ende der Scheibe zusteuern, wirkt ein Kurswechsel ziemlich unwahrscheinlich, oder? Tja, nicht mit INSOMNIUM. „Twilight Trails“ macht sein ganz eigenes Ding und ballert mir mit einer entspannten Melodieführung auf die Ohren. Wir bekommen ein paar INSOMNIUM-typische Einsprecher serviert und dann kommt DAS Solo, noch in der ersten Songhälfte! Heavy, emotional und leichtfüßig, verspielt und leidenschaftlich. Der anschließende Refrain gibt in seiner hoheitlichen Getragenheit auch mal Zeit zum Durchatmen und wird von einem von insgesamt 2 Clean-Einspielern gefolgt. Die geben mir beim Hören ein wenig das Gefühl, als hätte der Song mehrere Spannungsbögen, aber so mächtig, wie „Twilight Trails“ voranschreitet, darf das gerne so sein. Mein klarer Favorit des Albums.

Es besteht Hoffnung!

Voller Hoffnungen stürze ich mich als nächstes in den Titeltrack „Heart Like A Grave“, der mich in den ersten Sekundenbruchteilen an die „Shadows“-Songs „The Primevil Dark“ und „The Promethean Song“ erinnert und sich damit schon einen Platz in meinem Herzen reserviert hat. Und dabei soll es nicht bei der einzigen Assoziation mit der 2014er Scheibe bleiben. „Heart Like A Grave“ startet nach einem Akustik-Einspiel als starkes, getragenes und in sich stimmiges Stück, in dem die Drums immer wieder in INSOMNIUM-typische Pattern à la „Pausen auf die Eins“ übergehen (wenn das zu kryptisch ist, hört euch mal „Lose To Night“ an).

Den Refrain bestreiten Clean-Gesang und Growling gemeinsam und bilden damit eine untrennbare Einheit, in der jeder das tut, was er am besten kann. In der Bridge baut sich dann noch ein starkes Klanggerüst auf, das unbedingt mit guten Kopfhörern genossen werden sollte. Was für ein mächtiges Stück, das uns mit einem schönen cleanen Outro in den letzten Song entlässt.

Einsame Fjorde und ein Song aus der Büchse

Der nennt sich „Karelia“, benannt nach einem an Finnland angrenzenden Streifen Russlands, der vorrangig von Marmorklippen, weiten Fjorden, Wasserfällen und Wäldern und jeder Menge Einsamkeit gezeichnet ist. Mit diesem Wissen lässt sich der abschließende Instrumentaltrack noch ein bisschen besser schätzen, der von ansteigenden und abflachenden Parts geprägt ist, an Fahrt gewinnt und sich wieder zur Ruhe setzt. Nachdem zwischendurch zu meinem Leidwesen kurz ein verzerrtes Keyboard die Melodieführung übernimmt, übernehmen das gegen Ende zum Glück wieder die Gitarren. So bleibt „Karelia“ ein entspannter Track ohne Überraschungen, der „Heart Like A Grave“ würdig abschließt.

Mit „The True Morning Star“ und „Karelia 2049“ gibt es übrigens auf der „Bonus Tracks Version“ von „Heart Like A Grave“ noch eine Akustik-Version von „Pale Morning Star“ und eine reine Synth-Version von „Karelia“. Oha. Die vielen dominanten Synths auf dem Album scheinen also kein Versehen zu sein. INSOMNIUM haben wohl einen Narren an rein elektronischen Sounds gefressen. Und „Karelia 2049“, wohl angelehnt an den beeindruckenden modernen Klassiker-Nachfolger „Bladerunner 2049“, fetzt. Für mich als Synthwave-Fan sowieso. Nur mit der Vermischung der Stilmittel beider Genres tue ich mich nach wie vor schwer.

Mein Fazit

Welches Fazit ziehe ich also aus diesem neuen Werk der Urgesteine des mitsingbaren Melodic Death Metals? Vielleicht gehe ich ein bisschen zu konservativ an „Heart Like A Grave“ heran. Für mich hat die Scheibe nur zwei wirkliche Hits, was im Hinblick auf Dauerbrenner wie „Across The Dark“, „One For Sorrow“ und „Shadows Of The Dying Sun“ doch ein bischen schwach ist. Nichts desto trotz strotzt das Album nur so vor musikalischer Qualität und so gönnt man den INSOMNIUM-Masterminds auch gerne ein paar Ausflüge in neue stilistische Gefilde. Die sind dann wohl unter „Geschmackssache“ zu verbuchen, und ein paar von ihnen gefallen mir wirklich nicht.

Trotzdem hat das Album keinen einzigen Durchhänger. Ich persönlich hoffe, dass sich INSOMNIUM auf der nächsten Scheibe wieder von der Epic-Schiene wegorientieren (Epic Metal-Kapellen gibt es nun wirklich schon genug) und eine bessere Symbiose aus traditionellen und neuen, elektronischen Stilmitteln schaffen. Live gibt’s das Album und die Finnen übrigens auch noch auf die Ohren dieses Jahr! Tickets gibt’s HIER.

Der Beitrag INSOMNIUM – Neues von den Pop-Giganten des Melodeath! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Zwei Jahre nach ihrem eindrucksvollen Debut-Album bringt die moderne Melodeath-Kombo TRINITY SITE nun ihre neueste EP „Xenos“ auf den Markt.

Ich nutze bewusst das Wort modern, denn neben klassischem Göteborg-Feeling sind elektronische Elemente, Djent-Riffs und ein auffällig klarer und geradlinig produzierter Sound wichtige Bestandteile des vorgelegten Silberlings. Die Würzburger erschaffen mit Hilfe von sphärischen Keyboard-Interludes und in hohen Gefilden schwebenden Post-Rock-Gitarren stimmige Weltraum-Scifi-Vibes – wer allerdings jetzt denkt, dass es sich bei  „Xenos“ um einen seichten Atmo-Soundtrack handelt, könnte falscher nicht liegen!

Dagegen sprechen vor allem die äußerst harten und kompromisslosen Rhythmus-Gitarren. Diese stehen mit ebendieser atmosphärisch-verspielteren Seite in geschickt eingesetztem Wechselspiel. Nicht selten kombinieren sich auch beide Gesichter zu einer einzelnen, epischen und zugleich aggressiven musikalischen Mixtur. Das sind die Parts, an denen TRINITY SITE ihren eigenen Stil am intensivsten zur Schau stellen.

Besonders hervorzuheben sind auch die Schlagzeugspuren!

Marc Schumann legt nicht nur ein sehr energetisches und sauberes Trommelspiel an den Tag, sondern nutzt zugleich jede Gelegenheit, den straighten Beats kreative Twists zu verpassen und interessante Elemente einzubauen. Gute Arbeit!

Ein Problem, das ich sehe, ist aber folgendes: Die Musik läuft schnell die Gefahr, einigen Oldschool-Fanatikern unter den Hörern zu modern sein. Gleichzeitig ist sie der Core-Generation wahrscheinlich noch ein Stück zu nah am truen Melodeath verankert. Das ist per se nichts Schlechtes (lasst euch nicht in Schubladen stecken!). Es könnte allerdings zu Schwierigkeiten führen, eine wirkliche Zielgruppe zu finden. Weiterhin sind zwar ausnahmslos alle Songs gut und interessant, so wirklich im Kopf geblieben ist bisher allerdings keiner. Aber auch das ist nicht unbedingt von Nöten, is‘ ja keine Popmusik hier!

Fazit

„Xenos“ ist ein professionell produziertes, musikalisch interessantes Werk, welches die altehrwürdige Spielweise des Genres durchaus ehrt – und es dennoch schafft, mithilfe moderner Einflüsse eine futuristische Stimmung hervorzurufen. In der stark präsenten Kombination von einschlagender Härte und sphärischen Melodien zeigt sich die wahre Stärke von TRINITY SITE.

Mehr Infos zur Band findet ihr unter trinity-site.com oder auf Facebook.

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Dabei habe ich mich allerdings hauptsächlich auf „reine“ Melodeath-Bands beschränkt. Hätte ich Mischungen wie Melodic Death/Black Metal oder Melodic Death Metal/Metalcore mitgenommen, hätte die Playlist jetzt viermal so viele Videos (und es hätte mich nicht 10, sondern 40 Stunden meiner Lebenszeit gekostet). Weiterhin wurden Bands ausgeschlossen, von denen entweder gar keine Songs auf Youtube zu finden sind, oder nur Demos. Man soll das Ganze ja auch genießen können.

Lange Rede, kurzer Sinn! Bitte schön, viel Spaß:

Eure Meinung ist gefragt!

Falls ich eine Band vergessen haben sollte, nur her damit! Schreibt’s in die Kommentare, bestenfalls gleich mit Link zu einem Video.

Es folgen eventuell Playlists zu anderen Ländern und/oder Genres. Vorschläge?

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Kurze Einleitung, warum und wieso…

In unserer Bemusterungsliste las ich bei APHYXION als Genrebezeichnung „Melodic Deathcore“. Gut, Deathcore ist zwar nicht meins, aber Melodic dafür umso mehr. Klang also spannend, musste ich mal lauschen. Auf Youtube bekam ich die Single „Sleepwalkers“ geboten und saß erstmal mit offenem Mund vor dem Schirm. Nicht sabbernd übrigens. Jedenfalls war das definitiv kein Deathcore, nein, das war Melodic Death Metal! Und zwar eben dieser, den ich am liebsten hab. Extrem eingängig, angereichert mit Elektronikhappen und sogar mit cleanen Parts. Tja, was soll ich sagen, ich habe mich instant verliebt und mir die beiden bis dahin existierenden Alben geklickt. Übermittlungsfehler können also auch solch positive Effekte haben. 

Soviel zur Vorgeschichte

Während meiner Recherche stieß ich auf Aussagen wie „Die Retter des Melodeath“. Ok, ich wusste nicht, dass dieser stirbt, aber im Vergleich zu den Bands, die ich in dem Bereich sonst höre, nehmen APHYXION schon eine besondere Stellung ein. Mit dem neuen Longplayer „Void“ soll diese Stellung nun gefestigt werden. 

Wer nun bereits erschrickt, weil ich von Cleans gesprochen hab, diese sind tatsächlich die Ausnahme. Weshalb es ein interessanter Schachzug war, als Albumpromo den besagten Song als erstes zu wählen. Auf den Vorgängern gab es diese Vocals zwar auch zu hören, aber nur vereinzelt als hintergründige Unterstützung. Obendrein ist „Sleepwalkers“ auch noch einer der gemäßigten Tracks des Albums, denn die Dänen wissen genau, wie man melodisch und trotzdem brachial agiert. Solltet ihr bereits den Vorgänger „Aftermath“ kennen, könnte ich mir vorstellen, dass ihr euch um die Entwicklung sorgt. Müsst ihr definitiv nicht! Tracks wie der Titelsong „Void“, „Sedate Myself“ oder „Restless Nights“ schlagen genau in diese Kerbe und können sogar noch mit ausgefeilterem Sound punkten. Mit „Pain“ und „Happily Apathetic“ findet man noch zwei weitere Songs mit deutlicher Klarstimme im Chrous, im Großen und Ganzen war es das dann auch schon. Diese Parts verstehen sich sozusagen als neues Stilmittel, welches aber nicht überstrapaziert wird und dennoch bestens ins Bild passt. 

Was aber macht „Void“ beziehungsweise die Band selbst so besonders? Ich kann es nicht genau definieren, tendiere aber zur Spielweise. Man hört der Band einfach an, dass sie für dieses Genre leben, und es auch genau so zum Ausdruck bringen. Ebenso sind sie sich nicht zu fein, auch mal über den Tellerrand zu schielen und mit neuen Einflüssen zu spielen. Im direkten Vergleich finde ich den Vorgänger zwar besser, aber auf diesem hier ist die Produktion nochmal um einiges stärker. Auf jeden Fall ein super drittes Album und eine durchdachte Weiterentwicklung. 

Offizielle Website

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AKREA hören auf. Als ich diese Nachricht Mitte 2014 las, gerade ein Jahr nach Release ihrer dritten CD, stimmte mich das traurig. Nicht nur war jedes der drei Werke beladen mit richtig guten Tracks – auch die zwei Mal, an denen ich die bayrische Kapelle live miterleben durfte, waren wahrlich großartige Erlebnisse. Für mich galt die Band immer als einer der aufsteigenden Hoffnungsträger der deutschen Melodeath-Szene, und es hätte mich sehr gefreut, ihren Weg zur Spitze weiterhin mitverfolgen zu können.

Aber es hat dann wohl einfach nicht sein sollen.

Heute präsentiere ich euch das Debut-Album Lebenslinie von AKREA, an welches in meinen Ohren selbst die beiden gut gelungenen Nachfolger nur mit Mühe rankommen. Ich kaufte mir die CD 2009 ziemlich direkt zu Release-Zeiten, hatte sie wohl in irgendeinem Metal-Magazin entdeckt. Und wow – was für ein Album! Harter, schwedischer Death-Metal-Sound, brechende Riffs und Uptempo-Feeling treffen auf wunderbar epische Melodienführung mit virtuos anmutenden Gitarrenleads und Solo-Ausbrüchen. Trotz des hohen Melodie-Anteils, zeigt die Musik nur in seltenen Momenten Gnade und hält die Energielatte konstant oben. In dieser Hinsicht steht Lebenslinie mächtigen AMON–AMARTH-Werken wie With Oden On Our Side oder Twilight Of The Thundergod in nichts nach. Mit einem Unterschied: AKREA zeigen auf ihrem Erstlingswerk deutlich mehr Abwechslung in Sachen Dynamik, Feeling und generell Riffkreationen, als es die altbekannten Schweden tun.

Was das Album außerdem besonders macht: Die Vocals. Klassische Death-Metal-Growls (sehr kraftvoll und überzeugend wohlbemerkt!) – was aber für diese Art der Musik eher untypisch ist: Die Lyrics sind in deutscher Sprache verfasst. Oha! Dies hat es meinem neunzehnjährigen Ich natürlich noch etwas leichter gemacht, mich in die Welt der Lebenslinie hineinzuversetzen. Dabei handeln die Texte von epischen Schlachten, Jagd nach riesigen Untieren und anderen eher düster gehaltenen Fantasy-Themen. Das ist an sich ist natürlich schon sehr cool. Bis vor Kurzem war mir allerdings nicht klar, dass es sich hier tatsächlich um ein Konzeptalbum handelt. Das ganze Album ist eine Hommage an den Super-Nintendo-RPG-Klassiker Chrono Trigger. Mitsamt Storyline bis hin zum Endboss-Battle spielt sich die Scheibe einmal durch das ganze Epos. Verdammte Nerds! Seit ich das weiß, habe ich noch etwas mehr Respekt vor (und Freude an) der Scheibe.

All das macht Lebenslinie zu einem meiner absoluten Lieblingswerke in einem meiner absoluten Lieblingsgenres.

Es gibt tatsächlich nichts, das ich mir daran persönlich anders wünschen würde. Die grandiose Melodienführung, die immerpräsente Energie und das stimmige, kraftvolle Storytelling bringen eine selten erlebte Atmosphäre an den Tag. Dabei steht keiner der Tracks irgendwie im Schatten der anderen. Jeder Song glänzt mit eigenem Charakter und Feeling, und jeder Song bringt eine eigene kleine Geschichte mit sich.

Auch nach acht Jahren macht mir jedes Durchhören wieder auf ein Neues richtig viel Spaß. Selten kommt es vor, dass ich mir das Album nicht am Stück anhöre. Ein Meisterwerk einer viel zu wenig bekannten und viel zu früh aufgelösten Band, das seinesgleichen sucht.

HIER kommt ihr zur offiziellen Fan-Webseite.

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