Düster, düsterer, CONCILIVM! Heute gibt’s was auf die Ohren, darauf könnt ihr euch gefasst machen. Feinster Black-Death aus Chile, der nur eine Richtung kennt: Nach vorne.

„A Monument in Darkness“ ist das Debüt-Album der schwarzmetallischen Zwei-Mann-Formation CONCILIVM, die seit 2017 aktiv ist und bis dato nur eine EP und eine Single veröffentlicht hatte. Umso mehr Zeit hatten sie natürlich, nebenher ihr fulminantes full-lenghts-Album fertigzustellen. Und „A Monument in Darkness“ ist definitiv ein hörenswerter Erstling!

CONCILIVM liefern hier in gut 38 Minuten und acht Songs einen schwarzen, brachialen Sound. Düstere Growls paaren sich mit energischen E-Gitarren- und schrammelnden Basstönen. Dazu passend marschiert das Schlagzeug die meiste Zeit einfach durch, ab und an unterbrochen von ruhigeren Passagen, die aber nicht weniger finster daherkommen. Es ist der Sound der frühen 90er, auch wenn die Produktion von „A Monument in Darkness“ definitiv zu gut ist, um nach Garage zu klingen. Aber die Gitarrenriffs und die monotonen Growls, vereinzelt gespickt mit Krächz“gesang“ und heiseren Schreien, lassen keinen Zweifel an den musikalischen Vorbildern.

Copy & Paste? Nö!

Auch wenn sie das Rad nicht neu erfinden, gelingt es CONCILIVM aber trotzdem, eigenständig und nicht recycled zu klingen. „A Monument in Darkness“ strotzt einerseits nur so vor Nostalgie, gleichzeitig ist es aber absolut erfrischend und abwechslungsreich. Verschiedene Rhythmen variieren, jeder Song hat seine individuellen Riffs, und doch fließt alles in ein harmonisches Großes und Ganzes zusammen. Das musikalische Gesamtbild ist eindrücklich und zieht den Hörer – in dem Fall mich – unaufhörlich in seinen Bann.

So sehr, dass ich zu „A Monument in Darkness“ kaum etwas Negatives sagen kann. Für eine 10 von 10 hätte mich das Album vom Stuhl ballern müssen, das hat es nicht ganz geschafft. Aber selten habe ich ein Werk als so stimmig und so wenig redundant empfunden. Kein Song ist mir zu viel oder zu wenig, jeder hat seine Momente. So wie der sechste Track „Moonlight Nigredo“ beispielsweise mit Wolfsgeheul beginnt und sich in „Of Gold and Silver“ eine schöne Gitarrenspur findet, die dem klassische Heavy-Metal nacheifert. Kurzum, ich bin überzeugt. Fürsten der Finsternis, euer akustischer Besuch war meinen Ohren eine Ehre!

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Wenn ich das Wort „Hexerei“ höre, denke ich als zu allererst an Bibi Blocksberg. „Ene mene mei, flieg los, Kartoffelbrei!“ und so. Die aufstrebende Black-Metal Band HEXEREI klingt allerdings, als würde sie Bibi Blocksberg ohne weiteres zum Frühstück verspeisen und parallel ihren Besen zu Kleinholz verarbeiten. Da ist nichts mit „Friede, Freude, Eierkuchen“. Aber geben die Finnen denn auch musikalisch etwas her?

Wir haben es bei HEXEREI und ihrem Debüt Full-Lenght-Album „Ancient Evil Spirits“ mit finsterem, satanistischem Black-Metal zu tun. Es kommt nicht von ungefähr, dass die Bandmitglieder für das Promobild mit einem umgedrehten Kreuz posieren. Die Audio des Albums hat diesen typischen Garagensound, den man vom frühen 90er Jahre Black-Metal gewohnt ist: verrauscht, verwaschen, richtig räudig. Aber das muss so!

Denn HEXEREI haben eindeutige Vorbilder. Da fallen natürlich die großen Namen DARKTHRONE und MAYHEM, aber auch KATHARSIS und BEHEXEN dürften für „Ancient Evil Spirits“ Modell gestanden, pardon, gespielt haben. Der Ton des Albums ist rau und kalt, das Rauschen ein ständiger Begleiter. Auf komplexe Riffs oder eingängie Melodien wurde hier wenig Wert gelegt, die Musik wirkt auf mich ziemlich gleichförmig. Aber dennoch kommt das Böse, das Dämonische zum Zug: in einer nicht enden wollenden Wall-of-Sound, schmirgelnden Gitarren und einem Krächzgesang direkt aus dem Fegefeuer.

Ich möchte die vier Songs gar nicht jeden für sich auseinandernehmen, sie funktionieren weniger einzeln denn als ein großes Ganzes. Erstmal eingeschaltet, wird „Ancient Evil Spirits“ in einem Rutsch durchgehört ohne Rücksicht auf Verluste. In den knapp 35 Minuten räuchern HEXEREI einmal die gesamte Garage aus und hinterlassen uns eine unaufgeregte Black-Metal Scheibe ohne Schnick-Schnack. Das muss man nicht mögen. Aber man kann.

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Kompromisslose Gitarrensounds? Rohe, aggressive Vocals? Schwere, Wucht – und trotzdem treibende Songstrukturen? Bitteschön, all das bieten euch MINDREAPER aus Wetzlar mit ihrem neuen Album „Mirror Construction (…A Disordered World)“.

MINDREAPER nehmen Oldschool Death Metal und würzen ihn gekonnt mit einer Prise Thrash-Attitüde. Dazu hin und wieder die eine oder andere tragende Melodiespur – und nicht selten wird an Griffbrett und Schlagwerk hart abgegrooved.

Teilweise erinnert dabei die Kombination aus stoßartigen Vocaleinsätzen und rhythmischen Riffs auch an ROTTING CHRIST oder ältere DEVIL-DRIVER-Werke. In den melodischeren Parts kristallisieren sich gelegentlich (alte) IN-FLAMES-artige Auswüchse heraus – wenn auch, abgesehen von den extra-melodiösen Soli, Groove und Durchschlag präsenter sind als seichte Melodik. Der verzerrte Bass-Sound spendet der ohnehin schon massiven Gitarrenwand dazu noch ordentlich Tiefe und Kraft.

Unmenschliche Tempoüberschreitungen finden sich auf der Scheibe zwar nicht, doch meines Erachtens nach wird heutzutage (gerade in Death-Metal-Gefilden) sowieso gerne mal vergessen, dass schneller zu sein als alle anderen weder Voraussetzung noch unbedingtes Kriterium für gute Musik ist.

Alles in allem ist „Mirror Construction (…A Disordered World)“ ein Musikerzeugnis mit viel Variation, das sich aber dennoch als ein rundes und gut in sich funktionierendes Gesamtpaket herausstellt. Wenn auch nicht das Ausnahmewerk des Jahrzehnts, hat man hier doch alles richtig gemacht! Eine wahre Freude für meine Gehörgänge – und es war auf jeden Fall nicht das letzte Mal, dass das Album mir aus den Kopfhörern in jene hineinfließt.

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Willkommen in der Gruft! Nichts anderes drückt das Cover von „In A Pitch Black Grave“ von GODS FORSAKEN aus, das eine Katakombe im Feuerschein zeigt. Dazu noch ein oldschooliges Bandlogo im Stile von ENTOMBED oder DESERTED FEAR – so weit, so klassisch! Gegründet wurde die Band jedoch erst 2016, nun erschien ihr erstes Album. Zarte Gehversuche metallischer Grünschnäbel also? Weit gefehlt! 

Schlagzeuger Brynjar Helgetun aka Mr. Harbinger trommelt u.a. bei JOHANSSON & SPECKMANN. Anders Biazzi alias Mr. Schweick, der Mann an den Saiten, zählte (als Anders Hansson) zu den Gründungsmitgliedern einer gewissen Band namens SCUM – später besser bekannt als AMON AMARTH. Und Sänger Dr. Caligari, bürgerlich Jonny Pettersson, keift z.B. auch bei WOMBBATH oder JUST BEFORE DAWN ins Mikro. Das Trio hinter GODS FORSAKEN bringt also reichlich Fronterfahrung mit. Und das hört man!

WER STARK ANFÄNGT …

Mit dem Titeltrack „In A Pitch Black Grave“ markiert die Band direkt ihr Revier. Wer auf VOMITORY, GRAVE und Konsorten steil geht, dürfte auch hier schnell Anschluss finden. Brutale Akkordschläge, ein quietschendes Solo, treibendes Schlagzeuggehämmer und ein Organ aus den modrigsten Tiefen der Gruft – die volle Death-Metal-Bedienung! „By Hate He Comes“ knüpft dann stilistisch so nahtlos an den Opener an, dass ich den Übergang kaum bemerke. Gnadenlos walzt dieses Schwergewicht von einem Song durchs schwedische Gehölz, und überrollt in einem Blastbeat-Anfall auch die letzten Elche.

… KANN SOGAR NOCH STÄRKER NACHLEGEN

Im düsteren Intro von „Born Of Blasphemy“ ist passenderweise ein schreiendes Baby zu hören. Dann packen GODS FORSAKEN direkt wieder den ganz dicken Prügel aus. 1A Moshpit-Material! Zeit zum Durchschnaufen gewährt erst der melodisch getragene Refrain Marke BLOODBATH. Da die Band auch noch genüsslich ein Gitarrensolo zelebriert, entstehen im mit fast sieben Minuten Spielzeit längsten Song der Platte kaum Längen (hier nachzuhören). Von der blasphemischen Geburt springen wir thematisch nun direkt zum anderen Ende des Lebensweges: der Einäscherung nach dem Tod.

IMMER MITTEN IN DIE FRESSE REIN

„Ashes Of The Dead“ groovt brutal los. Headbangen! Los! Keine Widerrede! Mit diesem grandiosen Einstieg kann der Refrain leider nicht konkurrieren, die Spannungskurve fällt etwas ab. Bis das Haupthaar wieder rotiert. Hintenraus verleiht die melodische Gitarre dem Song einen düsteren Anstrich, der für einige Schwächen entschädigt. Ein feiner Abschluss. Und wäre jetzt tatsächlich Schluss, hätten wir hier eine sehr gelungene EP. Doch GODS FORSAKEN wollen mehr. Deswegen treten sie in „Black Winds Of Genocide“ dem Hörer mal eben mit den Springern die komplette Kauleiste ein. Keine Pause, keine Gnade, keine Mätzchen. Nach zwei Minuten lockert die Band den Würgegriff ein wenig. Mit der Betonung auf „wenig“. Und schon feiert der Knüppel wieder Kirmes im Gehörgang. Ein knallharter Satz heißer Ohren!

Na, könnt ihr noch? Dann schnell ab in den Pit und zu „Curse Of The Serpent“ ein paar Schädel spalten! (Natürlich nur metaphorisch…!) Einmal mehr gibt Dr. Caligari am Mikro Vollgas und quetscht jeden Tropfen Bosheit aus seinen Stimmbändern. Zum Ende des Songs entsteht sogar ein hymnenhaftes Gefühl. Doch schon kommt „Souls Torn Apart“ um die Häuserecke gerumpelt. Und reißt diese mal eben mit weg. Immer schön druckvoll nach vorne! Die zarten Melodien im Refrain klingen dabei nach BLOODBATH und DISMEMBER, und der cleane Mittelteil sowie das klagende Solo sorgen für düstermelodische Farbkleckse. Auch dies wäre ein passender Schlusspunkt gewesen. Zwei Geschosse haben GODS FORSAKEN allerdings noch im Lauf.

EIN POTENZIELLER DEATH-METAL-HIT – UND EIN MORD

Wie kreiert man den perfekten Moshpit? Zunächst heizt man die Massen mit einer Melodie an. Dann hetzt man sie mit rasenden Gitarren und hämmerndem Schlagzeug aufeinander. Und dann nennt man die musikalische Begleitung „An Odyssey Of Broken Bones“. Muss ich mehr sagen? Ein potenzieller Death-Metal-Hit! Doch hört selbst:

„Chronicles Of A Maniac“ beschließt das Album mit einem dreiminütigen Sprach-Sample, hinterlegt von getragenen Melodien und cleaner Gitarre. Soweit ich heraushören kann, spricht hier ein wahnsinniger Mörder vor der Tat zu seinem Opfer: „I told you not to go out, didn’t I?“ – creepy! Also keine finale Baller-Orgie, sondern die düstere Rückkehr unter die Erde. Ein extrem gut gewählter Abschluss, wie ich finde. „They won’t take you away from me! Not ever, I swear!“ Dann sticht er das Messer in den Leib. Zurück bleibt nur Grabesstille.

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Als sich 2015 die Truppe mit dem äußerst kryptischen Namen 156/SILENCE zusammenfand, wollten sie ganz anders klingen. Emo und Post Hardcore mit dem Charme der guten alten Zeit war das Ziel. Für die musikalische Zukunft hätte das wohl bedeutet, eine Mischung aus PANIC! AT THE DISCO und UNDEROATH zu spielen. Passend zu unserem Senf der Woche zum Thema „Experimente“ kommt es jetzt ganz anders. In den hier gebotenen 14 Minuten fahren die Jungs aus Pittsburgh eine neue Retro-Schiene. Metallic Hardcore im Stil von THE CHARIOT und NORMA JEAN soll es nun geben. Und wer die Core Classics kennt der weiß, wie sehr ich auf solche Bands abfahre. 

Irgendjemand hätte den Jungs Bescheid geben müssen, dass wir nicht mehr in den 2000ern leben. Metalcore der älteren Schule kann sich in Kombination mit Sludge und Beatdown jedoch sehr gut durchsetzen. Das haben unter anderem CODE ORANGE, KNOCKED LOOSE und NORMA JEAN in den vergangenen Monaten gezeigt. Wer diese drei Bands kennt, findet sie bestimmt in dieser kleinen EP wieder. Doch haben 156/SILENCE auch irgendetwas, was sie von ihren Vorbildern unterscheidet? Wenn ich jetzt schon mein Fazit ziehen müsste, würde die Antwort zwiespältig sein. Doch zum Glück dürft ihr noch meine Beschreibung des Materials über euch ergehen lassen.

Verdammte Nachos

„Kill to Live for You“ lautet der für Crowdkilling-Fans passende erste Song. Der hat es insofern in sich, dass die Breakdowns und schnellen Passagen genauso eingeleitet werden, wie ich es erwartet habe. Einfach etwas langsamer spielen, böse ins Mikrofon brüllen und schon kann der Spaß beginnen. Hier bedienen sie sich Stilmitteln, die es nicht erst seit KNOCKED LOOSE gibt. Viele, die Szene definierende, Alben greifen in die gleiche Trickkiste. Deshalb kriege ich auch das Nostalgiegefühl nicht aus dem Kopf, während „After All We Were Put Through“ seine basslastigen Arme nach mir ausstreckt.

Der Gesang auf „Radically Digitalized“ klingt verdächtig nach NORMA JEAN. Und ich liebe es. Zwar ist deren neues Album noch nicht lang her, aber ich erwarte seitdem schon voller Spannung neue Musik. Mit dieser Hommage lässt sich die Zeit relativ gut überbrücken. Einen Schlenker in Richtung Crust machen sie beim Track „Anger Of Disappointment“. Dieses Lied ist schnell vorbei und erinnert mich an das neue Material von SIBIIR, ANCST und BAIT. Wirklich einzigartig ist der Sound also nicht, aber die Umsetzung und Produktion kann sich sehen lassen. Was sollte aber bei einem Studio mit diesen Referenzen schon schief gehen? Andy Nelson arbeitete schon mit HARMS WAY und den verdammten WEEKEND NACHOS.

Mit all diesen hier genannten Namen haben 156/SILENCE eine Sache gemeinsam: sie machen Mucke, die direkt ins Gesicht und nicht ins Herz geht.

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Lange ist es her, dass ich mir für SILENCE mal ordentliches Geballer auf die Ohren gegeben habe. Zeit wirds also, und CRAVEN IDOL sind dafür genau die richtige Wahl. „The Shackles Of Mammon“ ist der zweite Streich der Briten, und der trieft nur so vor alter Schule. Eine Zeitreise in die Epoche, als Gummistiefel noch aus Holz waren und Bands wie VENOM der 70s-Hochglanz-Gitarrenmusik ihren räudigen Gegenentwurf vor die Füße kotzten.

„WIR SIND OLDSCHOOL, MUAHAHAHAHA!!!“

Dementsprechend halten sich CRAVEN IDOL auch nicht lange mit einem Intro und atmosphärischer Hinführung auf, sondern holzen mit „Pyromancer“ direkt los. Quietschende Gitarren gehen in ein oldschooliges Solo über, während das Schlagzeug gleich mal alles in Grund und Boden blastet. Und dann – ein gewollt fieses Lachen. Muahahaha! Holy shit, mehr Retro geht echt nicht! Gitarrengeschrammel und Uffta-Uffta-Schlagzeugspiel fackeln den ersten Moshpit ab, während sich Sänger Immolator Of Sadistik Wrath (jap, so nennt sich der gute Mann) die Stimmbänder aus dem Hals keift und kreischt. Auch wenn der Song nur 2:33 Minuten dauert, so baut die Band doch einen live-tauglichen Mittelteil ein, der zum Fäuste ballen einlädt. Krasser Einstieg! Doch das war erst der Anfang …

Bei „A Ripping Strike“ fahren die Briten das Tempo dann zunächst etwas herunter und lassen mehr Melodik einfließen. Nach gut einer Minute übernimmt wieder König Blastbeat DCLXVI. das Zepter. Und schwingt es wie einen rostigen Flegel. Im Mittelteil hält schließlich ein unwiderstehlicher Groove Einzug, und auch der Bassist darf seinen Beitrag leisten. Hier beweisen CRAVEN IDOL in Sachen Songwriting ein echt feines Händchen. So vergehen die über 5 Minuten Spieldauer ohne spürbare Längen – well done!

CRAVEN IDOL ZWISCHEN KUNST UND KRACHMASSE

„Black Flame Divination“ startet mit einem lässigen Bass-Part, bevor nun endgültig alles niedergeholzt wird. So stumpfsinnig das klingt, ist es jedoch nicht. Denn die Riffs weisen noch genug Varianz auf, um nicht zu einer schwarzen, undefinierbaren Krachmasse zu verschmelzen. Achja, auch die fiese Lache kehrt zurück. In jedem anderen musikalischen Kontext wäre hier die Grenze zur Albernheit endgültig überschritten, doch bin ich bereits viel zu sehr im Oldschool-Modus, um das nicht abzufeiern.

Nach dieser Ballerorgie schalten CRAVEN IDOL mit „The Trudge“ wieder zwei Gänge zurück. Doch nur in Sachen Tempo. Groove und Melodie bewegen sich weiterhin auf höchstem Niveau. Im Angesicht der choralen Begleitung kriecht erstmals sogar ein wohliger Schauer durch meinen Körper und richtet die Härchen auf meiner Haut auf. Dann heißt es headbangen. Yeah! Im Mittelteil verstummen kurz alle Instrumente und weichen einer kalten Gitarre, die aus den Tiefen einer Höhle emporzuschallen scheint. Nach diesem unerwarteten Akzent regiert wieder der Knüppel, doch genau solche Teile machen „The Shackles Of Mammon“ sehr interessant und vielschichtig. Schließlich findet „The Trudge“ einen melodischen Ausklang. Für mich das absolute Highlight des Albums.

SCHWÄCHEPHASE IN DER ZWEITEN HALBZEIT

„Dashed To Death“ präsentiert sich da eher rifflastig und simpel. Klingt für mich ein bisschen zu sehr nach dem uninspirierten Gebolze Marke DESASTER. Erst als der Sänger mit den Worten „Kill for your God“ den getragenen Mittelteil einleitet, bin ich zeitweise wieder im Boot. So richtig zündet der Track bei mir aber nicht, deswegen springe ich hier direkt weiter zu „Mammon Est“. Dessen Anfangsriff ist zumindest schon mal interessant genug, um meinen Fuß in Bewegung zu versetzen. Ein Blastinferno, ein abwechslungsreiches Solo und ein grooviger Mittelteil halten mich bei der Stange, ohne mich jedoch komplett in Extase zu versetzen. Dennoch ein sehr solider Track.

Dass schneller Metal irgendwann doch zu hektisch werden kann, erfahre ich am Anfang von „Hunger“. Der Song kribbelt eher auf eine ungute Weise. So grandios das Album begonnen hatte, so stark baut es bislang in der zweiten Halbzeit ab. Einmal mehr reißen CRAVEN IDOL jedoch im Mittelteil eines Songs das Ruder herum, so dass „Hunger“ hintenraus doch noch ein wenig für den unangenehmen Anfang entschädigen kann. Gespenstische Synthies leiten zum finalen „Tottering Cities Of Men“ über, mit 8:37 Minuten das längste Stück der Scheibe.

SO ENDET DIE GESCHICHTE

Entsprechend getragen kriecht der Song dann auch daher. Tut nach den vorangegangenen Prügelorgien allerdings auch echt gut. Apropos: Ganz ohne Geschrammel und Blastbeats geht es natürlich trotzdem nicht. Also lässt die Band nach gut zwei Minuten wieder den Hammer kreisen. Zum Glück zertrümmert sie dabei jedoch nicht komplett die Atmosphäre, die sich beim Betrachten des sehr gelungenen Platten-Covers aufbaut. Jenes orientiert sich übrigens am Holzschnitt „Mammon und sein Sklave“ (1896) von Sascha Schneider, zu sehen hier. „Tottering Cities Of Men“ bietet zum Schluss hin noch gesprochene Textteile (z.T. auf Deutsch), viel Melodie, eine gute Portion Groove und bedrohliche Samples. Ein Schlusspunkt nach Maß!

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ZAO – The Funeral Of God
Veröffentlichungsdatum: 12.07.2004
Länge: 47:18 Min.
Label: Roadrunner Records

Konzeptalben liebe ich wie kaum etwas anderes auf dieser Welt. Das sollte aus den vorherigen Teilen dieser Reihe bekannt sein. Und um diesen Fetisch zu befriedigen, habe ich für diese Ausgabe ein besonders schönes Exemplar der Art „Religiöse Geschichten-Erzählung“ herausgekramt. Ich kann mir nicht vollständig erklären, warum religiös motivierte Texte so eine gute Grundlage für lyrische Gesamtwerke bilden, aber es wird wahrscheinlich etwas damit zu tun haben, dass sich religiöse Menschen besser Geschichten ausdenken können, zu sehen an Büchern wie der Bibel. Ich hoffe, alle streng religiösen Leser entschuldigen mir den ein oder anderen Scherz in die Richtung, schließlich bin ich selbst froh, dass es Formationen wie ZAO und OH, SLEEPER so weit gebracht haben.

Da wir es mit einer Band aus den Anfängen des Metalcores zu tun haben, weist „The Funeral Of God“ eine unglaublich düstere und rohe Atmosphäre auf. Die Breakdowns und Songstrukturen erinnern stark an erfolgreiche Bands der zweiten Welle im Metalcore, vor allem weil sich ZAO in diesem Album umorientierten. Mehr Melodie und mehr Metal wurde nun in ihrer Musik verarbeitet. Trotzdem kann man sich schon vorstellen, dass ZAO Einfluss auf spätere Bands hatten. Das betrifft Einfluss-übergreifend die Bands, die sich mehr an die Hardcore-Seite anlehnen und auch die, die mehr Metal-Elemente einfließen lassen. Vom musikalischen Anteil abgesehen, finden wir die bereits angesprochenen verknüpften Texte der Lieder. Sie basieren auf einer fiktiven Geschichte, in welcher Gott die Menschheit verlässt und sich selbst überlässt. Daraufhin verfällt die Welt in Krieg und Zerstörung, nur um letztendlich wieder in einen Zustand zu wechseln, in dem sie auf Gottes Rückkehr wartet. Wurde hier zu dick aufgetragen? Ja. Ist der Ansatz trotzdem verständlich und bringt den Hörer nicht mit Klischees zur Verzweiflung? Nochmal ja, diese Band hat die Balance zwischen Konzept, Klischee und musikalischer Leistung gefunden. Das macht sich auch in den Zahlen bemerkbar, schließlich hatten die Amis mit diesem Album ihren „Durchbruch“, zum Teil auch, weil es nicht so brutal wie die vorherigen sechs Alben ums Eck kommt.

Wenn der Sänger mir so dermaßen in die Ohren schreit, denke ich manchmal auch über die Apokalypse nach. Würde sich so der Weltuntergang anhören? Wahrscheinlich nicht, aber ZAO kommen dem schon sehr nahe. Die Riffs stehen hier im Vordergrund, obwohl der Sound der Gitarren nicht so wuchtig ist, wie man ihn sich erhofft. Die klare Produktion trägt dazu ihren Teil bei. Einerseits kann man dadurch klar heraushören, was gespielt wird, aber auch, was einem nicht gefällt. So zum Beispiel langweilen mich bei diesem Klassiker die Künste des Schlagzeugers, während mich der Bass in „Lesser Lights Of Heaven“ und „Truly, Truly This Is The End“ begeistert. Für die ehrliche und transparente Art sieht man aber gern mal von den negativen Punkten ab. Ich hätte zwar nie gedacht, dass ich eine Meinung des Metal Hammer unterzeichnen könnte, aber der britische Ableger des Magazins bezeichnete ZAO einst als die Meister des extremen Spektrums im Metalcore. Ihnen gegenüber hatte man damals KILLSWITCH ENGAGE als die Könige der melodischen Seite gestellt. An diese Band hat sich ZAO jedoch, mit der Veröffentlichung eben dieses Albums, etwas angenähert.

Denn Clean-Gesang, Riffs und Produktion ähneln stark denen der melodischen Genre-Vetter. Dabei ist der Gesang jedoch nicht vergleichbar mit den Refrain-orientierten Bands, man könnte ihn sogar als lasch bezeichnen. Die Lyrics sind, wie gesagt, nicht so stark von ausschweifenden Rhetorik-Schwülsten geprägt und vergleichsweise dunkel. Hier wird definitiv nicht der allgegenwärtige „Gott hat mich gerettet“-Metalcore gemacht, wie man ihn vielleicht von AUGUST BURNS RED gewohnt ist. Dystopische Weltanschauungen, böse Vorahnungen und blutige Bilder werden hier besungen. Und sowas darf man sich als christliche Band erlauben?

Live from the funeral of God, this is the day you’ve awaited, sponsored and celebrated, he has answered your prayers, corpses have
piled up with your riches, they have spilled over onto the earth, […] Are armies not thirsty for blood? – „Live…From The Funeral Of God“

Wenn so ein gutes Album dabei rauskommt, dann dürfen christliche Bands alles außerhalb der Konventionen der streng Gläubigen. Das gilt auch in anderen Genres meiner Meinung nach, also bitte lasst den Unblack Metal in Ruhe, ihr streng gläubigen Satanisten.

Fazit:

Sehr selten trifft man heute noch solche Bands wie ZAO, die etwas bewegen wollen. Ihre dunklen, religiösen Texte regen vielleicht zum Nachdenken an, aber ihre Musik hat schon immer ein ganzes Genre neu geformt. Dieses Album war ein erneutes Manifest ihrer Stärken und ihrer Fähigkeit, sich zu entwickeln und ich habe es lediglich den vorangegangenen Werken vorgezogen, weil ich 1.) einen Konzeptalbum-Fetisch habe, 2.) durch dieses Album die Band kennenlernen durfte und 3.) es damals den größten kommerziellen Erfolg für die Band seit ihrer Gründung darstellte.
Heute bestehen unsere US-amerikanischen Freunde des metallischen Hardcore aus komplett anderen Mitgliedern, wie auch bei anderen christlichen Wegbereitern der Fall (siehe NORMA JEAN) und identifizieren sich nicht mehr als eine religiöse Band. Trotzdem bin ich nach den neuen Veröffentlichungen gespannt auf das neue Kapitel im Buch ZAO. Die neuen Single-Auskopplungen lassen viel von dem neuen Album erhoffen, welches am 09.12.2016 erscheinen wird.

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Oldschool-Death-Metal aus Deutschland! Natürlich war mir bei diesen Worten sofort klar, dass ich einen grottigen Mix erwarten konnte, aber was sich mir letztendlich bot, übertraf meine Erwartungen. Die gewohnten Schlagzeuge aus Pappe muss ich nicht ertragen. Oben drauf gibt es noch eine Überraschung: Das Gesamtpaket klingt nach viel mehr als dem, was man vom Genre erwartet. So kann man eindeutige Einflüsse aus Thrash und Grindcore nicht abstreiten. Zudem gibt es keine Ausbrecher, was Groove und Songwriting angeht. Man wird also das gesamte Album über bei Laune gehalten. Wie das geht? Fetzige, aber leider sehr bekannt anmutende, Riffs und einen Sänger, der so richtig wütend auf etwas klingt. Ich könnte nicht einmal so wütend klingen, wenn es um meine „Lieblingspartei“ geht. Irgendwas scheint diese relativ frische Truppe also wütend zu machen. Ob sie nun Gottes Fertigkeiten besitzen (God Skill) oder Gottes Mord anprangern (Gods Kill) will ich lieber offen lassen. Laut Flyer stimmt ja die erste Variante, aber die hört sich noch lang nicht so böse an. Außerdem erinnert die zweite Version mich stark an eine andere Band – *hust DEICIDE hust* -, die ich hier nicht nennen möchte.

Der Intro-Track „Silence“, klischeelose Namenswahl, soll mit seiner instrumentalen Ambient-Natur auf die kommende Brutalität einstimmen. Danach greift man noch tiefer in die Klischee-Kiste und holt sich ein paar sehr stumpfe Songtitel heran. Beispiele wie „I’m Your Death“, „Rise Demon Rise“ und „Zombie Bloodnight“ belegen, dass man hier definitiv nichts Neues ausprobieren wollte. Die deutschen Lyrics in „Blut“ sind ein guter Versuch, wenigstens einen Song aus dem Einheitsbrei herausstechen zu lassen, aber das gelingt leider nicht so gut. Die Kohärenz dieses Albums wird bedauerlicherweise nicht durch flüssige Übergänge in einer großen Gesamtkomposition realisiert. Stattdessen hört sich ein Song immer mehr nach dem anderen an, was vor allem an der Geschwindigkeit liegt. Wenn mal die Geschwindigkeit angezogen wird, dann nur, um Highlights zu setzen. Der Rest des Albums bleibt langsam und vermag mich oft zu langweilen.

Es wird im gleichen Kochtopf gerührt, in dem sich schon viele Vorgänger die Suppe versalzen haben.

Obwohl es sich ab und an uninspiriert anhört, wartet man mit Gitarrensoli und saugeilen Riffs auf. „Based On Lies“ und „Blut“ sind meine Favoriten, was dicke Riffs angeht. Soli wie die auf „The Prophecy 3: Agares“ und „Blind Eyes“ zeigen das Potenzial der Heilbronner sehr gut auf. Ich hätte mir nur mehr von diesen Stellen gewünscht. Beim Schlagzeug habe ich nur eine konkrete Auffälligkeit gefunden: Die Blast-Beats werden oft von groovigen Einlagen unterbrochen. Das kann sich auf „Zombie Bloodnight“ sehr gut und erfrischend anhören oder komplett in die Hose gehen. Vor allem, wenn man diese Umbrüche andauernd einsetzt. Damit sollte spärlicher umgegangen werden. Breakdowns gibt es übrigens auch und die haben mich ziemlich überrascht, da ich bei einem Titel wie „Rise Demon Rise“ nie eine so große Hardcore-Spritze erwartet hätte. Nach meinem persönlichen Highlight des Albums „Based On Lies“ beenden die Todesmetaller ihr Erstlingswerk mit einer dreiteiligen Prophezeiung , bestehend aus „The Prophecy 1: Dreams Of Fatima“, „The Prophecy 2: Apocalypse“ und „The Prophecy 3: Agares“. Bei diesem Dreiteiler stimmt der musikalische Zusammenhang in Komposition und Text, ganz im Gegensatz zum restlichen Album. Dort wirkt die Anordnung willkürlich, und gerade deswegen fühlt sich der Drei-Teiler wie eine Mini-EP innerhalb des eigentlichen Albums an. Einen erfolgreichen Abschluss eines Albums – welches viele schwache Lieder in der Mitte verkraften muss – durch stärkere Songs haben unsere deutschen Freunde trotzdem geschaffen.

Wie wir es vom Death Metal gewohnt sind, beschränken sich GODSKILL hauptsächlich auf rohe Growls. Trotz der guten Umsetzung dieser, können die höheren Screams nicht überzeugen. Sie werden, vergleichbar mit den Umbrüchen beim Schlagzeug, zu oft und zu vorhersehbar eingesetzt. Es ist dennoch eine weit verbreitete Praxis und ihnen nicht ernsthaft anzukreiden. Der Sänger klingt nämlich böse und wütend genug, um sich im Metal behaupten zu können. Er überrascht niemanden mit einer Neuerung oder gut gesetzten Höhepunkten im Gesang, aber das ist auch nicht der Anspruch der Band an den Oldschool Death Metal. Bei dem soll man einfach nur Lust auf ein Konzert und Headbangen bekommen. Trotz einiger Mankos präsentiert sich das  Erstlingswerk als eine solide Grundlage für Verfeinerung und technische Finesse.

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Gut, ich gebe zu, in letzter Zeit habe ich mein Wohnzimmer schon sehr vernachlässigt. Die ständig ähnliche, wenn auch qualitativ nicht schlechte Beschallung, hat mich doch etwas ermüdet. Was mich diesmal, seit langer Zeit wieder, in das Hühnermanhattan getrieben hat, war der Umstand, dass tatsächlich mal Metal aufgespielt wurde. Der sonst eher für Psychedelic-, Stoner- oder Postrock bekannte Club wurde von einer doch bunt gemischten Horde langhaariger Metall-Fetischisten heimgesucht. Ich für meinen Teil war schon sehr gespannt, wie denn in Halle und in dieser Location Metal angenommen werden würde. Halle hat beileibe keinen „prädestinierten“ Metal-Club (mehr). Klar, wer mag, kann durchaus zu Hardcore oder Grind-Konzerten aus dem Haus gehen, aber mehr hat sich in den letzten Jahren in Richtung härterer Musik nicht bewegt. Leider. Deswegen für mich ein beobachtbares Experiment, wie sich wohl dieser Abend gestalten soll.

Was geboten wird? Regionale und überregionale Bands verschiedener schwarzer Couleur: Black/Thrash aus der Nachbarstadt, melancholischer Black-Metal aus den eigenen Reihen, Melo-Black-Metal aus dem Süden der Republik und symphonischer Black-Metal aus den Weiten Russlands.

Den Reigen eröffnen mit einiger Verspätung – wegen bislang sehr wenigen Gästen – BITCH HAMMER aus Leipzig. Die drei Jungs versprechen straighten oldschooligen Black-/Thrashmetal. Das halten sie auch definitiv ein. Präzise und rotzig füllen sie den Konzertraum mit ihrem Getöse. Sie haben sichtlich Spaß an dem, was sie da auf der Bühne so tun. Bislang gibt es für mich wirklich wenig an ihrem Tun auszusetzen. Ein knackiges Set spielen sie in nicht mal einer halben Stunde herunter. Leider reißt vor dem letzten Song eine Saite. Gut, Saitenriss passiert. Ersatzgitarre – Fehlanzeige. Ersatzsaite – auch nicht am Start. Dankbarerweise lässt sich einer der anderen Gitarrenhelden des Abends dazu hinreißen, dem armen Tropf sein Instrument zu leihen. Womit das Drama nun erst beginnt. Gitarre hängt zu tief – Stimmung ist zu tief. Es folgt eine Phase des verzweifelten Umstimmens. Aus dem Publikum werden Rufe nach Pausenunterhaltung in Form von Flachwitzen laut. Nach dem dritten Witz à la „Was ist gelb und schießt um die Ecke“ und keiner Gitarrenlösung in Sicht, verlasse ich achselzuckend den Konzertraum und setze mich an die Bar. Hier bin ich Mensch, hier darf ich sein.

Wenige Minuten später, nachdem kein einziger weiterer Ton erklungen ist, strömt das restliche Publikum ebenfalls Richtung Bar. Da ist wohl jemand am Gitarrenwechsel gescheitert. Wirklich schade, denn eigentlich hätte mich noch ein weiterer Song durchaus erheitern können.

Viertel zehn – wütendes Geschrei ruft mich von der Bar zurück in die Konzerthöhle. Als ich durch den schweren Vorhang trete, der die beiden Räume des Clubs von einander trennt, freue ich mich über den sich mir bietenden Anblick. VARGSBLOD haben sich nicht lumpen lassen und mehrere Kerzenleuchter vor der Bühne platziert. Die Atmosphäre, die sich darüber, und wegen des melancholischen als auch wütenden Black-Metal, der dargeboten wird, verbreitet, lädt zum Hinsetzen und Hinwegträumen ein. Tatsächlich lädt der Bassist und Sänger das Publikum zum Verweilen in dieser Position ein. Ich setze mich an den Rand und lasse mich treiben. Auch ein großer Teil des restlichen Publikums folgt dem Angebot. Man kennt das hier. Es ist im Hühnermanhattan nicht unüblich, sich, auf dem Boden sitzend, von der dargebotenen Musik einlullen zu lassen. Dass einem dazu Black-Metal durch die Synapsen gejagt wird, ist schon eher das ungewohnte Element in der ganzen Geschichte. Was die drei da vorn zaubern, hat Hand und Fuß und die Songideen sind mannigfaltig. Von sehr bauchigem Gemeter, unterlegt mit ordentlichen Doublebass-Salven, lasse ich mich in die Wand drücken. Leider fehlt es in meinen Ohren an Tightness im Zusammenspiel. Im Gegensatz zum Gemeter stehen Songs, die ruhig und melodiös sind. Hier tauscht der Sänger seine wütenden Schreie gegen seine sehr volle, tiefe Männerstimme ein, die mich dahinschmelzen lässt. Diese ruhigeren Passagen tragen sich vor allem durch den Bass. Die Gitarre nimmt sich sehr zurück. Nach meinem Empfinden sogar zu sehr. Ein Quäntchen mehr Druck würde dem Sound an dieser Stelle vermutlich nicht zum Nachteil sein.

Bei aller Abwechslung, die VARGSBLOD vortragen, ein bisschen fehlt mir da die einheitliche Linie. Ich möchte nicht sagen, dass der Bruch zwischen beiden Stilistiken zu groß ist – denn ich mag den Mix aus beiden Stimmungen.

Nach dem Black-Metal ist vor dem Black-Metal. WOLVES DEN wurden mir von mehreren Seiten als Leckerchen angetragen. Dementsprechend blicke ich vorfreudig dem Auftritt der Münchner entgegen. Mit einer ordentlichen Verspätung betreten sie die Bühne. Die Kerzenleuchter wurden weggestellt, WOLVES DEN fahren mit Licht- und Nebelmaschinen auf. Auch nicht schlecht. Macht optisch auf jeden Fall schon mal was her. Doch nicht nur optisch, sondern auch von dem, was sie an Musik im Gepäck haben, bin ich sehr erfreut. Leider zeigt sich an dieser Stelle ein Manko des Hühnermanhattans: Die Musik setzt sich auf allen Ebenen durch, aber differenziert ist es hier leider nur sehr selten. Denn das, was die doch sehr sehenswerte Hirschfelder-Anlage hauptsächlich kann, ist: laut sein. Vor allem fällt mir dieser Umstand auf, weil ich zwar die Gitarristen in ihrer durchaus feinfingerigen Arbeit beobachten kann, aber wenig von den, zum Teil parallelen, Gitarrenläufen gut hörbar bei mir ankommt.

Dieser kleine Wermutstropfen hält mich aber nicht davon ab, nun doch mal den Kopf kreisen zu lassen. Denn wann bekomme ich schon mal ein Metal-quasi-Wohnzimmerkonzert geboten? Ich habe meinen Spaß an den zum Teil mitgröhl-tauglichen Songs der Münchner.

Viel zu schnell ist der letzte Song gespielt. Dankbarerweise (es ist inzwischen sehr, sehr spät…) entern WELICORUSS zeitnah die Bühne. Sie sehen aus, wie der Name sich anhört – in Pelz und Leder gekleidet, Warpaint angelegt und finstere Blicke. Irgendwie, als wären sie direkt aus der Tundra hierher gebeamt worden. Passenderweise legt der Sänger auch den Gesang auf Russisch hin, was dem Ganzen noch eine rauere Note verpasst.

Mit epischem Black-Metal, der dank eingesampelten Intros eine ausreichende Ladung symphonic-Anteil verpasst bekommt, wird der Konzertraum geflutet. Heroisch, wie die Musik daherkommt, betun sich die Jungs auch auf der Bühne. Show, Show, Show! Das wirkt leider etwas deplatziert im kleinen, schmuddeligen Hühnermanhattan. Auch die Aufrufe zur Publikumsbeteiligung bleiben ungehört. So wirklich will – jedenfalls bei mir – keine Stimmung aufkommen. Zweifelsohne verstehen die vier aus Prag ihr Handwerk: Das Songwriting ist ausgefeilt, Gitarrensoli konsequent zu Ende gedacht, der Melodiegesang des Sängers sauber und der Schlagzeuger mit seinen gerade mal 17 Jahren bereits eine wahre Ohrenweide. Und dennoch, mag es an der Location, dem Pagan-Anteil in ihrer Musik oder meiner inneren Skepsis gegenüber überzogenen Shows liegen, ich komm nicht so ganz ran.

Ein langer Abend neigt sich dem Ende zu. Die unzähligen alten Sitzmöbel des Hühnermanhattans laden zum ewigen Festsetzen und Abhängen ein. Demnach verlasse ich den Club erst ziemlich spät und mache mich auf den Heimweg. Was bleibt zum Abend zu sagen? Die Bands waren sehenswert, wenn auch nicht durchweg mein Fall. Schade, dass der Club nur mäßig gefüllt gewesen ist. Mag es am Termin – einem Sonntagabend – gelegen haben, zu wenig Werbung in der Stadt oder schlicht der fehlenden Zielgruppe – das wage ich nicht zu entscheiden. Für mich ist der Laden immer wieder einen abendlichen Ausflug wert. Wenn sich in Zukunft Metal-Konzerte dort etablieren könnten, würde mich das sehr freuen. Die Anlage ist dick, die Atmosphäre super gemütlich. Warum also nicht?

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In schöner Regelmäßigkeit kann man auf dem Black Metal-Markt ein atemberaubendes Phänomen beobachten. 2 kolumbianische Typen bringen ein Album raus, bei dem man wohl länger braucht den Titel auswendig zu lernen, als das ganze Album ein Mal durchzuhören. Natürlich ist hier die Rede von INQUISITION. Auf „Bloodshed Across The Empyrean Altar Beyond The Celestial Zenith“, ihrem mittlerweile 7. Full-Length-Album, beweist das Duo mal wieder, dass die Band völlig zu Recht eine der beliebtesten Bands in ihrem Genre ist.

Schon nach dem kurzen Intro fällt mir auf, dass sich INQUISITION auch auf ihrem neuesten Werk auf keinerlei Experimente einlassen und dort weitermachen, wo sie auf ihrer letzten Scheibe aufgehört haben. „From Chaos They Came“ wird genauso solide runtergehämmert, wie altbekannte Songs aus der Bandvergangenheit. Was außerdem auffällt: Sänger Dagon und Drummer Incubus doktorieren nicht sinnlos an ihrem Sound rum, sondern bleiben sich treu und behalten den klirrend-kalten Gitarrensound und die feurigen Drums bei.
Auch „Wings Of Anu“ bietet keine wirkliche Überraschung, wobei hier schon deutlich langsamer agiert wird als noch beim Opener. Das schmälert die Geilheit dieses Songs aber keinesfalls. Vor allem die unglaubliche Atmosphäre macht diesen Song unverkennbar. Der eisige Gitarrenklang lässt so ziemlich alles gefrieren, was sich in unmittelbarer Nähe der Boxen befindet. Zum Teil erinnert mich das Gitarrenspiel an IMMORTALs Meisterwerk „Sons Of Northern Darkness“.

Hier werden wahre Gebirgszüge voll Eis und Kälte errichtet!

„Vortex From The Celestial Flying Throne Of Storms“ (boah, was für ein Titel) zeigt das ganze Repertoire der Band deutlich auf. Hier wird rasender Black Metal mit Atmosphäre steigernden Midtempo-Parts perfekt kombiniert. Dieser Song ist für mich stellvertretend für die Variabilität, die die Band unverkennbar hat.
An dieser Stelle möchte ich sagen, dass ich jetzt hier nicht jeden Song auseinanderpflücken werde. Das würde einfach viel zu weit führen, da die Songs ziemlich komplex sind. Nur so viel sei gesagt: es gibt keinen wirklichen Ausreißer nach unten! Einzig vom namensgebenden Titelsong des Albums hätte ich mir ein wenig mehr erwartet. Zwar zeigen die Jungs aus der Heimat von Pablo Escobar hier ihr ganzes spielerisches Können, doch auf Dagons knurrigen Gesang warte ich vergebens. Ich sehe den Song allerdings nur als Einleitung des darauffolgenden „Power From The Center Of The Cosmic Black Spiral“ (die beiden machen es einem echt nicht leicht). Mit gewohntem INQUISITION-Gehämmer wird hier gestartet, ehe der Mittelpart bei mir alle Dämme brechen lässt. Ich lehne mich nicht weit aus dem Fenster, wenn ich sage, dass dieser Song das absolute Meisterstück des neuen Silberlings ist.
Mit Ziegenmeckern und Klängen, die mich sofort an ein schamanistisches Ritual erinnern, findet das Album nach einer knappen Stunde schließlich ein Ende. Denkste: nach dem eigentlichen Outro wird noch ein Track hinterhergeworfen. Böse, mystische Klänge beschließen nun endgültig das Album, welches nun die nächsten Jahre bis zur Veröffentlichung einer neuen INQUISITION-Platte in gepflegter Regelmäßigkeit meinen Plattenteller beehren wird.

Im Großen und Ganzen ist Dagon und Incubus hier wieder eine saustarke Veröffentlichung gelungen, welche mich hauptsächlich durch den Gesang überrascht. Natürlich knurrt Dagon immer noch kräftig, aber dieses Mal fallen die Vocals deutlich dunkler und böser aus. Das macht dieses Album zu einem Unikat in der Geschichte der Band und für mich umso interessanter. INQUISITION sind für mich weiterhin eine der wenigen Speerspitzen im Black Metal von denen ich mir weiterhin bedenkenlos Platten kaufen werde!

Und nun die große Preisfrage: Wer erinnert sich noch an den Namen der Platte??? Wahrscheinlich niemand! Also hörts euch die nächsten Tage fleißig an!

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