An den sonnigen Küsten Kaliforniens, im Schatten der Metropole San Francisco wurde die Band DELIRIA im Jahr 2017 von David Scanlon (DAWN OF OUROBOROS) gegründet. Der Klang, der so gar nicht an die sonnendurchflutete Landschaft des US-amerikanischen Westens erinnert begeisterte Sänger Adam Rupp (KILL THE MESSENGER) einzusteigen. Noch im Gründungsjahr wurde zusammen mit Schlagzeuger Jared Klein (RIVERS OF NIHIL) das Debutalbum „Nausea“ aufgenommen und veröffentlicht. Im darauffolgenden Jahr wuchs die Band weiter, sodass sich DELIRIA immer weiter von vorgefertigten Arrangements verabschieden konnten. Als neue Mitglieder stießen Gitarrist Brent Rockwell (THE UNDYING) und Bassist Jade Forsythe (ARCANE EXISTENCE9 sowie Schlagzeuger Andrew Baird (FALLUJAH) hinzu. Letzterer war noch an den Aufnahmen zum Album „Phantasm“ beteiligt, ist inzwischen jedoch nicht mehr Teil der Band. Durch den jüngsten Wechsel im Line-Up sitzt nun Brandon Clevenstine (SYMBOLIK) am Schlagzeug.

Konflikte im Inneren

In acht Liedern widmen sich DELIRIA erbitterten Kämpfen. Doch finden diese Schlachten nicht auf blutigen Feldern, in feindseligen Eiswüsten, infernalen Feuern oder massiven Festungen statt. Stattdessen geht es auf „Phantasm“ um Kämpfe, die in den Sphären von Seele, Unterbewusstsein und emotionaler Realität ausgefochten werden. Verführerische Trugbilder und besitzergreifende Dämonen lullen den Protagonisten ein und versuchen, ihn in tiefe Abgründe zu reißen. Zwischen depressiven Schüben, spirituellen Erleuchtungen, gefährlichen Sinnestäuschungen und selbstmächtigen Phasen ringt die geschundene Seele mit den Dämonen und mit sich selbst. Stets nah am Abgrund der Vergessenheit zieht sich der ewige Kampf um den Aufstieg aus der Dunkelheit.

Atmosphärische Parabel

Der erste Track „Smoke & Mirrors“ beginnt unerwartet melodisch und mag in den ersten neunzig Sekunden eher an Metalcore oder Post Hardcore erinnern. Dann aber eröffnet sich mit dem Einsatz des Gesangs ein tiefer Strudel in die Untiefen des Post Black Metal. Mit rasender Geschwindigkeit werden die Hörenden in eisig kalte Gefilde torpediert, denen man auch Bezeichnungen wie Atmospheric Black Metal, Depressive (Suicidal) Black Metal, und sogar Doom Metal andichten kann. Melodische Stellen wie die frostige Leadgitarre in „Gemini“ gehören fortan zu einer seltenen Art, bis erst im abschließenden Longtrack „Oblivion“ wieder farbenfrohere Klänge Einzug erhalten.

DELIRIA präsentieren solide und souverän ein Album, das weder thematisch noch musikalisch mit großen Überraschungen aufwartet. Von der Aufmachung bis zur Performance ist „Phantasm“ frei von Mäkeln. Gleichzeitig fehlt es weitestgehend an Aha-Momenten, die für ein nachhaltiges Wiedererkennungspotenzial sorgen. Da DELIRIA aber dermaßen souverän performen, stört das beim Hörvergnügen keineswegs.

Homepage von DELIRIA

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C-Squared Music zur Verfügung gestellt.

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In ihrer inzwischen fünfzehnjährigen Bandhistorie präsentieren DEFYING aus Olsztyn ihr drittes Album „Wadera“. Hierbei handelt es sich um ein Konzeptalbum, dessen Inspirationsquellen zum Einen die gleichnamige Kurzgeschichte von Jerzy Gierałtowski aus dem Jahr 1977, und zum anderen der Horrorfilm „The Wolf“ von 1988 waren. Der Albumname ist vom Begriff für Wölfin im Jagdjargon abgeleitet. In der dazugehörigen Geschichte spielt die Wölfin jedoch eher eine symbolische Rolle. Nämlich geht es hier um Rache, deren Reichweite weit über die Welt der Lebenden hinausgeht. Es ist eine romantische und gleichzeitig zutiefst düstere Geschichte von Vergeltung, die weder vor den Lebenden noch vor den Toten Halt macht.

Horror von der alten Schule

Handwerklich wollten DEFYING das Konzeptalbum von der rachesuchenden Wölfin möglichst authentisch umsetzen. Das Ziel war es, die Atmosphäre von den Pionieren der Horrorthematik einzufangen und zu vertonen. Mithilfe von Instrumenten, die schon über ein Jahrhundert alt sind wurde das Album eingespielt, um ebendiesen Vintage-Effekt möglichst stark umzusetzen. Hierbei wurde gänzlich auf moderne Plugins oder Samples verzichtet. Zur Untermalung der Atmosphäre hat Sänger und Gitarrist Piotr Stěpiński einige eigene Gedichte eingesprochen. Außerdem sind in den gesprochenen Passagen neben einem Auszug mehrere Texte vom Urvater des Horrors Edgar Allan Poe zu hören.

Der lange Weg zur Vergeltung

DEFYING erzählen die Geschichte von „Wadera“ ausführlich und verzichten weder musikalisch noch inhaltlich auf Details. Doch durch genau diese Eigenschaft ist das Album sehr lang geworden. Gigantische Konstrukte aus Post und Black Metal türmen sich in all ihrer Finsternis und Kälte auf, auf dass sie dann in progressiv-komplexer Umsetzung wieder dekonstruiert werden. Hier ist seitens der Zuhörenden ein langer Atem gefragt. Durch manche Passagen muss man sich wirklich etwas durchbeißen, um dann im nächsten Part wieder von der umfangreichen Eloquenz des Storytelling verwöhnt zu werden.

Und so ist „Wadera“ ein sehr anspruchsvolles Album, das sich durchzuhören lohnt, weil DEFYING hier wirklich mit Liebe zum Detail gearbeitet haben. Trotz aller musikalischer Finesse leidet vor allem der Spannungsbogen unter diesem Fokus auf Feinheiten.

Homepage von DEFYING

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Solid Rock PR zur Verfügung gestellt.

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Neues aus den deutschen Post-Black-Metal-Gefilden: DOWNFALL OF GAIA haben mit „Silhouttes of Disgust“ ihr mittlerweile sechstes Album am Start. Was uns da wohl erwartet? Riskieren wir doch mal ein Ohr!

„Silhouttes Of Disgust“ wartet mit insgesamt acht Tracks auf, die eine Spielzeit von gut vier bis sieben Minuten aufweisen. Da bin ich von atmosphärischem (Post-)Black-Metal doch deutlich zeitintensivere Songs gewöhnt. Aber die verhältnismäßig überschaubare Zeit wird von DOWNFALL OF GAIA selbstverständlich gut gefüllt – vor allem mit Hall und Blast Beats. Diese beiden Charakteristika sind ausnahmslos in jedem Song zu finden. Und was sonst noch?

Song für Song

Gehen wir doch einfach der Reihe nach. „Existence Of Awe“ heißt der erste Track, der bereits am 22. Februar als Single-Auskopplung veröffentlicht wurde. Und der geht schonmal tongewaltig los. Von einem stampfenden geht es zügig in einen treibenden Rhythmus über, dem dann sogleich die Blast Beats folgen. Sehnsuchtsvolle Melodien stimmen im Hintergrund mit ein und begleiten den intensiven Schreigesang.  Ein Break nach etwa der Hälfte der Spielzeit leitet zu minimalistischem Geschrammel über, welches sich Schritt für Schritt – erst die Gitarre, dann der Gesang, schließlich die Blast Beats – zu einer beklemmenden Soundwand auswächst.

Der zweite Track „The Whir Of Flies“ stimmt sich mit einem klappernden Schlagzeug und noch mehr Hall auf der Stimme vom Sänger ein. Wobei es „den“ einen Sänger bei DOWNFALL OF GAIA gar nicht gibt – die zwei Gitarristen und der Bassist sind laut Band Bio alle mit von der Partie. Aber zurück zum Song. Der birgt nämlich noch ein längeres, ruhiges Instrumental in sich, dem aber – wie sollte es anders sein – schließlich auch wieder Blast Beats folgen.

Das scheint generell das Konzept von DOWNFALL OF GAIA zu sein, und somit wagen sie bei „Silhouttes Of Disgust“ keine größeren Experimente. „While Bloodsprings Become Rivers“, der dritte Track, setzt unvermittelt und heftig ein, der Hörer wird beinahe weggefegt von den durchdringenden, aber ebenso melodischen Klängen. Mit dem vierten Track „Bodies As Driftwood“ will nochmal eine Vorab-Veröffentlichung genannt sein. Der Song lebt von vielen Rhythmuswechseln, die Blast Beats wechseln sich ab mit langsameren, aber ebenso eindringlichen Passagen.

Der nächste Track „Eyes To Burning Skies“ empfängt den geneigten Hörer mit einem ruhigen, (be)drückenden Anfang, und: Mit Frauengesang! Damit hat er definitiv ein Alleinstellungsmerkmal gegenüber den anderen Songs auf „Silhouttes Of Disgust“. Die klirrende Gitarre stellt dazu die reduzierte Begleitung. Nachdem so fast die Hälfte des Songs mit ungewohnt zarten Klängen ausgestattet wurde, setzen dann unvermittelt aber doch wieder das Schlagzeug und der hallversetzte Schreigesang ein.

Mit dem sechsten der insgesamt acht Tracks neigen wir uns bereits langsam dem Ende entgegen. „Final Vows“ beginnt… abgehackt. Also wirklich: 2 Sekunden Geschrammel – Stille – 2 Sekunden Geschrammel – Stille. In puncto Variation eine gute Sache, aber nicht besonders angenehm zum Hören. „Unredeemable“ ist mir da schon lieber mit seinem langen Instrumental-Intro. Am allerbesten finde ich aber den letzten Track: „Optograms Of Disgust“.

Auch hier haben wir wieder ein ruhiges Gitarrenintro, aber dann setzen für meine Ohren besonders verzweifelt klingende Schreie à la LIVELOVER ein, gepaart mit treibendem Schlagzeugspiel. Dem folgt ein beklemmendes Gitarrenzwischenspiel, begleitet von einem regelmäßigen Pochen. Der Sound schwillt an und dann kommen – richtig – wieder die Blast Beats. Diesmal aber begleitet von besonders schrille Tönen. Es folgen ein abrupter Abbruch und ein leises, sirrendes Ausklingen. „Optograms Of Disgust“ hat mich zum Abschluss nochmal überrascht und ist für mich der ergreifendste Song des ganzen Albums.

Was lange währt, wird endlich gut!

So könnte ich es sagen, wo doch der letzte Track mein Favorit ist. Aber ich möchte betonen, dass sich DOWNFALL OF GAIA über die gesamte Länge von „Silhouttes Of Disgust“ hinweg auf einem sehr hohen musikalischen Niveau bewegen. Da kann man wirklich nicht meckern. Es finden sich auch etliche Variationen in den verschiedenen Songs, nur der O-Ton bleibt (fast) immer derselbe.

Für mich hat das Album eher das Problem, dass mich – bis auf den letzten – keiner der Tracks wirklich emotional erreicht. Ich kann nicht genau greifen, woran das liegt, und es ist ja auch eine sehr individuelle Sache. Dennoch würde ich jedem Freund des atmosphärischen Black-Metal ans Herz legen, dem Album eine oder auch zwei Chancen zu geben, denn Atmosphäre wird hier definitiv geboten. Und wer weiß – vielleicht kriegt es euch ja zusätzlich auf dieser speziellen, eigenen Ebene!

DOWNFALL OF GAIA

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Auf dem Weg zum Immerhin stellte ich fest, dass ich gerade alle drei Gs erfüllte: seit Anfang des Jahres dreimal geimpft, seit Mitte April genesen, und tagesaktuell negativ getestet. Einem erfolgreichen Konzertabend ohne Ansteckungsgefahr sollte also nichts im Wege stehen. Der Jugendkulturtreff Immerhin hatte seine Besucher*innen bis Ende April sogar noch um das Durchführen von Schnelltests gebeten, um wirklich sicherzugehen, dass die Veranstaltungen dort nicht das Infektionsgeschehen vorantreiben.

Das Tor zu den zwei Welten

Bereits um kurz vor 21 Uhr hatte sich vor dem Eingangsbereich der Venue eine nicht allzu kleine Anzahl an Gruppen eingefunden, die offensichtlich voller Freude auf das Konzert warteten. Während sich hier in vorrangig dunkler Kleidung auf die Auftritte der Post Metal Bands PRAISE THE PLAGUE und A SECRET REVEALED gefreut wurde, fand eine Etage höher in der Posthalle ein Gig der Italo Pop Band ROY BIANCO & DIE ABBRUNZATI BOYS statt. Der Ort an dem sich die Eingänge zu Posthalle und Immerhin trennten, war auch die Weggabelung an welcher sich farbenfrohe Kleidungsstücke vorrangig in die eine, und schwarze Gewänder in die andere Richtung bewegten. Verirrt hat sich wohl niemand.

Doppelter Heimvorteil

Die wartende Menge stand zwischen Bildern einer Ausstellung des Fotografen Daniel Peter als Veranstalter Sven die Tür öffnete und freudig verdutzt „Was ist denn hier los?“ fragte. Durch die geöffnete Pforte bewegte sich die dunkel gekleidete Karawane im gemächlich-vorfreudigen Gang in die wohl schönsten Katakomben Würzburgs.

Unten angekommen zeigte sich auch das Thekenpersonal positiv begeistert über die große Anzahl an Gästen zu dieser Tageszeit. Es war eindeutig: die Leute waren heiß auf das erste Metalkonzert im Immerhin seit der pandemiebedingten Pause. Außerdem feierten heute die Local Heroes A SECRET REVEALED die verspätete Release Show ihres letzten Albums „When the Day yearns for Light„. Und auch PRAISE THE PLAGUE, die ihre neue Platte „The Obsidian Gate“ im Gepäck hatten, kommen zwar zum Großteil aus Berlin, haben auch aber zwei Bandmitglieder, die im Würzburger Umland leben. Es war nahezu ein doppeltes Heimspiel.

Vor lauter Freude fiel auch direkt der Strom an der Theke aus. Doch schon kurz darauf ging es mit lautem, groovenden Death Metal aus den Boxen und kalten Getränken weiter. Indes verlagerte sich das Geschehen graduell in Richtung Bühne. Hier gab es auch noch Musik aus der Dose – allerdings stimmen hier bereits melancholische Post Metal Töne auf den späteren Abend ein. Eine scharfkantig laute Ruhe vor dem Sturm stellte sich ein, als PRAISE THE PLAGUE sich auf der Bühne formierten.

Praise the Plague

Um 22.40 Uhr legt das Quintett aus der Hauptstadt los. PRAISE THE PLAGUE wirken äußerst selbstbewusst auf ihrem zweiten Konzert nach der Corona-Pause. Später habe ich erfahren, dass durchaus einiges an Aufregung bei Mitgliedern beider Bands vorhanden war. Anzumerken war den Musizierenden davon aber nichts. Zunächst stand die Band noch nur zu viert auf der Bühne. Sänger Rob hat sich erst zu seinem ersten Gesangspart aus dem Dunkel des Backstageraumes nach vorne bewegt. Auch bei einer längeren Passage ohne Gesang zog er sich zwischendurch zurück, wodurch sein imposanter Auftritt noch mehr Atmosphäre verliehen wurde. Dunkelheit und Atmosphäre waren nicht nur Teil des Bühnenbilds, denn auch die Musik vereinte Eiseskälte, gewaltige Brachialkraft und die tiefsten Abgründe der menschlichen Psyche. Wie gigantische Wellen eines Eismeers die an einer massiven Felswand brechen bewegt sich der Post Black Metal von PRAISE THE PLAGUE durch den Konzertraum des Immerhin.

Von Abstieg und Aufstieg

Der Saal ist inzwischen gut gefüllt. Das Publikum nimmt die Wechsel aus rasanten Stakkato Attacken und schwermütiger Bewegung gut auf, während die Band vor allem durch ihre stoische Ruhe auffällt. Einzig zu Anfang ließen die Fünf sich kurz aus diesem Modus bringen. Dies war der typische Übergangsmoment nach dem ersten Song, die letzten Feinjustierungen vollzogen werden. Als alle Instrumente nachgestimmt waren, der Sound auf Bühne und im Saal nachgebessert wurde, ging es routiniert weiter. Der Sound, mit dem PRAISE THE PLAGUE den Abend eröffneten, lässt sich in den Bereichen Atmospheric Black Metal, Post Metal, Post Black Metal, oder artverwandten Richtungen verorten. Auch Einflüsse aus Doom Metal oder Blackened Doom Metal lassen sich erkennen. Letzteres hat auch viel mit den Drones zu tun, die oft als Einleitung zu den Songs oder als Übergang zwischen den Liedern fungieren.

PRAISE THE PLAGUE präsentierten an diesem Abend ihr neues Album „The Obsidian Gate“, welches letzten Sommer bei Lifeforce Records erschien. Das Konzeptalbum begleitet einen namenlosen Protagonisten auf seinem Weg in eine schwerwiegende emotionale Starre. Vom Einstieg „The Descent“ bewegt sich das Narrativ immer weiter nach unten bis zum „Obsidian Gate“ – Rock Bottom. Hier ist nur noch Leere und Taubheit. Doch der letzte Drone endet mit einem Herzschlag. Der Protagonist kehrt um, geht wieder auf das Leben zu, und so endet das Album mit „The Ascent“. Die genauen Inhalte dieser melancholischen Reise durch die tiefsten Täler und Abgründe der mentalen Gesundheit mögen ohne Textkenntnis nicht im Detail wahrgenommen werden. Dennoch war dem Publikum anzumerken, dass es bei der Musik von PRAISE THE PLAGUE um Schmerz, Verlust und Ängste geht. Ernst und gleichzeitig zufrieden mit der starken Darbietung zeigten sich die Zuschauenden. Und mit der Flüchtigkeit eines Traumes am Morgen verklang auch der letzte Ton nach etwa einer Dreiviertelstunde.

Pause mit Bruce Lee

Wer das Immerhin kennt, weiß dass hier auch neben oder zwischen den Shows einiges an Unterhaltung geboten ist. Damit ist nicht nur das großartige Publikum gemeint, das bei Veranstaltungen hierzuorts zwischen Merch-Tisch, Theke, Rauchbereich und Tischfußball für viel Spaß zuständig ist. Ein weiterer Aspekt ist auch die liebevoll gestaltete Dekoration, an der sich Erstbesucher*innen satt sehen können. Ein besonders schönes Feature ist die Kombination aus Hummer und Sichel an der Thekenwand. Aber auch die schönsten Ausgaben des Schweinfurter Fanzines Der Kosmische Penis sind immer wieder ein guter Blickfang. Außerdem ist eine Wand frei von Konzertpostern oder anderen Verzierungen, denn hier hängt eine Leinwand, die von einem Beamer bestrahlt wird.

Mal werden hier Fotos von vergangenen Konzerten und Parties gezeigt. Oft laufen hier auch großartige Filme ohne Ton. Ein gerne gezeigter Film im Immerhin ist der Kunstfilm La Montaña Sagrada. An diesem Abend wiederum sorgte Enter The Dragon (deutscher Titel: Der Mann mit der Todeskralle) für Unterhaltung in der Pause. Hier waren die Angestellten der Security, das Thekenpersonal, sowie die Musizierenden vor allem in Einem vereint: alle hatten große Freude.

Lange ging die Pause nicht; da war schon auf dem Bildschirm hinter der Theke zu sehen, dass sich A SECRET REVEALED auf der Bühne eingefunden haben.

A Secret Revealed

Lange mussten A SECRET REVEALED auf die Release Party ihrer neuen Platte warten, und jetzt war es soweit. Die Freude war den fünf Musikern deutlich anzumerken und auch sie konnten ihre Aufregung gut dahinter verbergen. Wie auch PRAISE THE PLAGUE haben A SECRET REVEALED ihr letztes Album bei Lifeforce Records veröffentlicht. Außerdem verbindet die Band mehr als nur das gemeinsame Label. Freundschaftliche Bande sowie musikalische Ausrichtungen, die in die gleichen Gefilde passen, sorgen für ein harmonisches Zusammensein. Das Konzert steht ganz im Zeichen der Vorstellung des neuen Albums „When the Day yearns for Light“ und das Publikum ist voller Enthusiasmus dabei, das Release zu zelebrieren. Wenngleich ähnlich in der stilistischen Ausrichtung lassen sich bei der Musik von A SECRET REVEALED doch andere Finessen erkennen als bei PRAISE THE PLAGUE. Das Element Black Metal ist nur in Nuancen im Sound der Mainfranken vorhanden. Statt frostiger Stakkati gibt es hier mehr Fokus auf massig schwere Riffs. Wie Kometeneinschläge landen die harten Brocken beim Publikum, wo sie dankbar und freudig entgegen genommen werden.

Ein Fest im Licht des Stroboskops

Ein weiterer Unterschied ist bei der Beleuchtung zu erkennen. Wie auch schon beim ersten Konzert des Abends ist die primäre Beleuchtung durch einige rote Lichter gegeben. Allerdings gibt es bei A SECRET REVEALED zusätzlich noch hell flackerndes Strobolicht, das gelegentlich für optische Abwechslung sorgt. Im Scheine dieser Lampen und auch vor allem in der ganzen Dunkelheit dazwischen feiern die Zuschauenden ihre lokalen Helden voller Inbrunst. Jede atmosphärische Passage, jedes melancholische Zwischenspiel, und natürlich auch jede brutale Riffattacke werden voller Begeisterung entgegengenommen. Und das hat sicherlich nicht mit der langen Auszeit von Live Musik zu tun, denn hier haben beide Bands wirklich großartig abgeliefert. Der Heimvorteil – beziehungsweise der etwas größere Heimvorteil – mag A SECRET REVEALED zu Gunsten gekommen sein. Eventuell bietet der Post Metal der Unterfranken auch etwas mehr Potential zum Headbangen als der Sound von PRAISE THE PLAGUE. Und zu guter Letzt darf man nicht den Faktor vergessen, dass einige Zuschauer*innen beim zweiten Konzert auch schon ein weiteres Getränk zu sich genommen haben und dadurch lockerer wurden. Wie auch immer es ist, es war ein Fest, und das Publikum feierte A SECRET REVEALED vom ersten Song bis zum Ende der Zugabe knapp eine Stunde später durch.

Die Sehnsucht nach dem Licht

Auch das neue Album von A SECRET REVEALED – „When the Day yearns for Light“ ist nicht unbedingt durch seine einfache oder fröhliche Thematik geprägt. Die Sehnsucht nach dem Licht, die im Titel steckt, ist ebenfalls ein Verweis auf psychische Krankheit oder mentales Unwohlsein. Wie auch ihre Labelpartner und Freunde von PRAISE THE PLAGUE befassen sich A SECRET REVEALED in ihrer Musik mit Themen wie Depressionen, Angststörungen und dem Verlangen nach einem besseren Leben. Ebendies ist die Sehnsucht nach dem Licht, die zum Leitmotiv des Albums wurde. So wirken die schweren Riffs, die massigen Breaks und die brutalen Growls wie Befreiungsschläge, um aus den Fängen der Dunkelheit zu gelangen.

Ein gelungener Abend braucht einen guten Abschluss

Eine weitere Eigenschaft, die das Immerhin Würzburg zu einem besonders schönen Ort macht, ist dass der Keller in Bahnhofsnähe keine Nachbarn hat. Nach Ende der Konzerte trafen also Musiker und Fans erneut im Thekenbereich aufeinander und ließen gemeinsam den Samstag ausklingen. Wo manche schon zum Tee übergangen sind, öffneten andere erst den Chardonnay. Einig waren sich aber alle in der Frage, dass an diesem Abend beide Bands massiv abgerissen haben. Zwei fantastische Post Metal Gigs haben aus diesem 07. Mai alles rausgeholt, was ging. Man mag sich am Ende in kleinen Stilfragen uneins sein, wenn die Eine lieber TESA, der andere eher FALL OF EFRAFA, oder jemand drittes doch TOTALSELFHATRED hört. Zusammengefunden haben heute dennoch alle, um gemeinsam diesen großartigen Abend zu feiern.

Bandcamp Profil von PRAISE THE PLAGUE

Bandcamp Profil von A SECRET REVEALED

Homepage vom Immerhin

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Das Gedicht „Einde“ (niederländisch: „Ende“) des Schriftsteller Hendrik Marsman beginnt mit der Zeile „Terzij de Horde“ („Neben der Horde“). Der Künstler ist neben anderen Schriftsteller*innen und Philosoph*innen eine der wichtigsten Quellen, aus der TERZIJ DE HORDE aus Utrecht ihre Inspiration beziehen. Gedanken und Texte über das Leben und Fragen nach dessen Sinnhaftigkeit treiben das niederländische Quintett um. Aus diesen theoretischen Beschäftigungen mit dem Sein entstehen Klänge, Stücke, und letztendlich auch Alben. Im Jahr 2015 befassten sich TERZIJ DE HORDE mit der komplizierten Frage nach dem Selbst; in diesem Jahr reflektiert die Vitalistic Black Metal Band über den Begriff der Wahrheit.

Der Kampf der Realitäten

Voneinander abweichende Perzeptionen des gleichen Sachverhaltes sind seit je her ein beliebtes Thema in den Künsten. Eines der bekanntesten Bilder der jüngeren Popkultur ist wohl das von zwei Personen, die an den jeweiligen Enden einer Zahl stehen, welche einmal als Sechs und einmal als Neun wahrgenommen wird. Neben solchen netten Darstellungen, die uns zum Schmunzeln bringen, kann die Frage nach der Wahrheit auch ganz andere Züge annehmen. Nicht ohne Grund wurde der Begriff Fake News in den USA im Jahr 2017 zum „Word of the Year“ gekürt. Es ist ebendieser Kampf um die Wahrheit, mit dem sich TERZIJ DE HORDE auf ihrem neuen Album „In one of these, I am your Enemy“ befassen. Es geht um konkurrierende Weltbilder und um Dogmatik. Ein konkretes Beispiel ist der sogenannte Heatbeat Act, der im Jahr 2021 im Bundestaat Texas eingeführt wurde und bestimmt hat, ab wann ein Fötus als Mensch wahrgenommen werden soll.

Wut und Schmerz

Betrachtet man das Geschehen auf der Erde, wo das Aufeinanderprallen unterschiedlicher Wahrheiten täglich für Leid und Schmerz sorgt, so mag man manchmal verzweifeln. TERZIJ DE HORDE haben ihre Gefühle und ihre Gedanken vertont. Es mag nicht verwunderlich sein, dass Wut ein zentrales Element des dabei entstandenen Albums ist. Starre und bitterkalte melancholische Post Black Metal Themen reiben sich an zutiefst emotionalen und befreienden Screamo Gesangspassagen. Verzweiflung und Unglauben über das, was den  Umgang unserer Spezies miteinander ausmacht werden zu schrillen Wutschreien und rasenden Blast Beats.

Schritt für Schritt dem Abgrund entgegen

Gerade einmal drei Stücke sind auf „In one of these, I am your Enemy“ zu hören. Deren erstes und kürzestes Lied ist das vierminütige „Cherion“, das nach Zeus‚ Halbbruder, dem Lehrer aus der griechischen Mythologie benannt ist. Mit der Frage nach der Lehre und der Vermittlung des Zugangs zur Wahrheit wird der Gedankengang von TERZIJ DE HORDE eingeleitet. Dieser erreicht seine nächste Stufe im fast zwölfminütigen Titeltrack. Hier wird der Kampf zur Wahrheit intensiviert und an den Rande des Eskalation gebracht. Das finstere Ende wird im vierzehn Minuten dauernden „Precipice“ erreicht, in welchem die Konflikte über die Wahrnehmung buchstäblich am Schlund der Hölle enden.

TERZIJ DE HORDE versorgen uns mit hartem Tobak – sowohl musikalisch als auch inhaltlich. Das Album „In one of these, I am your Enemy“ ist wahrhaftig anspruchsvoll, gedankenanregend, und in seiner musikalischen Umsetzung von befreiender Natur. Der Langspieler mag nicht zu jeder Situation passen, ist an sich aber großartig.

BANDCAMP PROFIL VON TERZIJ DE HORDE

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Immer wenn man denkt, jetzt hat man alles gehört, kommt plötzlich doch wieder etwas völlig Neues um die Ecke. Exakt so ging es mir mit SNØGG. Sie veröffentlichen bereits ihr drittes Album und trotzdem hatte ich bis dato noch nie etwas von dieser Band gehört. Aber das hat sich dank ihrer neuesten Erscheinung geändert! Seit 2013 sind die Slowenen musikalisch aktiv, und nun präsentieren sie uns mit „Dan, ko je Vrag vzel šalo“ ein Konzeptalbum der etwas anderen Art.

Es besteht aus einem einzigen, gut 20 Minuten langen Song, der die Geschichte „Deseti brat“ (zu Deutsch: „Der zehnte Bruder“) erzählt – angeblich die erste Novelle in slowenischer Sprache. Sie basiert auf einer alten slawischen Tradition: Wenn in einer Familie zehn Kinder mit dem selben Geschlecht geboren wurden, so musste das zehnte Kind – egal, ob Junge oder Mädchen – die Familie verlassen und in die Welt hinaus ziehen, da ihm übernatürliche Kräfte nachgesagt wurden.

Soo. Jetzt singen, oder besser, erzählen SNØGG die Geschichte aber natürlich auf Slowenisch. Heißt, ich verstehe kein Wort. Und das ist wirklich schade, denn ich habe das Gefühl, der Text ist mindestens genauso wichtig für das Album wie die Musik. Es scheint geradezu, als würde die Musik den Geschehnissen der Geschichte folgen.

Und sie ist dabei ganz schön abwechslungsreich und experimentell. Von groovigem Avantgarde-/Post-Black-Metal über folkroristische Elemente bishin zu Noise ist wirklich alles dabei. Teilweise laufen die verschiedenen Passagen nahtlos ineinander über, manchmal sind mir die Brüche aber ein wenig zu hart, zu unmotiviert. Es passiert extrem viel, langweilig wird es also definitiv nicht. Der Song springt von einem musikalischen Motiv zum nächsten. Er ist, genau wie eine Geschichte, in verschiedene Abschnitte unterteilt, die sich zu einem Großen Ganzen ergänzen. Aber so richtig angenehm zu hören ist es für meine Ohren leider nicht.

Als „abstrakt“ ließe sich das Album wohl am besten beschreiben. Es zeichnet ein düsteres, unruhiges Bild und nimmt den Hörer mit auf eine Reise ins Ungewisse. Aber diese Ungewissheit ist für mich leider bis zum Ende geblieben, sie hat sich nie aufgeklärt. Ohne den Inhalt des Songs zu verstehen, war die Musik für mich in großen Teilen einfach nicht greifbar. Sie war mir nicht zuwider, aber ihre Intention blieb mir fast gänzlich verborgen. Sie funktioniert für mich letztlich nicht ohne Text. Schade.

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Merlin: Eigentlich geht’s ja um euer neues Album, aber natürlich kommen wir um das Thema Corona nicht herum. Ihr musstet ja schon den Release-Termin verschieben, größere Veranstaltungen sind auch in Österreich erstmal tabu, wie schaut’s da aus – habt ihr irgendeine Perspektive?

J.J.: Nah… net wirklich. Also zur Zeit… ich glaub, bis auf Neuseeland und Australien liegt überall alles auf Eis zur Zeit. Die Bayern wollen ja jetzt auch erstmal die Grenzen zu Österreich dicht machen, weil wir hier unseren Lockdown lockern. Mit vorsichtigem Optimismus traue ich uns irgendwelche minimalistischen Abstandsfestivals im Sommer zu, so wie 2020 das WOLFSZEIT (hier geht’s zum Festivalbericht). Halt mit Masken und Abstand für 2500 Leute statt für 10.000 oder so. Sowas trau ich uns zu, aber auch eher so im regionalen Umfeld. Nix, was großartig mit Fliegen oder sonstigwas verbunden ist. Das wär dann glaub ich alles schon wieder ein bisschen zu kompliziert…

Keine Ahnung, wer weiß, ob die ganzen Herbsttouren funktionieren! Bei der Impfbereitschaft, wie langsam das momentan weitergeht… da haben wir vielleicht schon wieder ein anderes Virus, bevor wir das hier unter Kontrolle haben. In Österreich ist die Impfbereitschaft gerade viel zu gering für eine baldige Herdenimmunität.

Da brauch ich mir glaub ich die Welt nicht schöner reden, als sie ist

Alex: Im Backstage in München zum Beispiel gab es ja in 2020 ein paar Abstandskonzerte…

J.J.: Ja, da hab ich mit meiner anderen Band gespielt, mit KARG. Und das hat, finde ich, ganz gut funktioniert. Dadurch, dass nicht nur vier Leute an einem kleinen Tisch gesessen sind, sondern doch glaube ich bis zu zehn, hatte man so ein bisschen das Feeling, wie am Anfang, wenn du mit einer Band startest und du hast nur das erste Album und dann sind halt, wenn du unter der Woche in Wien spielst, nur deine Freunde da, weil sich sonst halt keiner dafür interessiert. Und so kommt einem das halt vor, wie ein Kuschelkonzert, nur mit den engsten Freunden, da ein paar, da ein paar, da ein paar. Also ich hab’s gut gefunden.

Es war auf jeden Fall besser, als gar nichts zu machen. Die Leute haben sich ja auch gefreut, also da hat’s keine schlechten Resonanzen gegeben. Die haben auch fleißig Shirts und Platten gekauft, weil sie froh waren, endlich mal wieder face to face Kohle für Merchandise ausgeben und auch ein bisschen quatschen zu können. Vielleicht bekommen wir sowas wieder hin bis zum Herbst. Aber so Festivals wie die, wo wir unsere Jugend verbracht haben… davon sind wir glaub ich noch mindestens anderthalb Jahre entfernt, also mindestens bis Sommer 2022. Da brauch ich mir glaub ich die Welt nicht schöner reden, als sie ist.

Merlin: Wie habt ihr denn die Festivals unter Corona-Bedingungen erlebt? Du hast ja das WOLFSZEIT schon angesprochen und auf dem FIMBUL habt ihr ja auch gespielt, wie war das für euch?

J.J.: Ich hab’s nicht als so schlimm empfunden. Ich hätt’s lästig gefunden, wenn wir als Band beim Soundcheck Masken hätten tragen müssen, weil das ist ja dann auch nicht wenig anstrengend, auch wenn’s nur ein Soundcheck ist. Und vorher trägst du das ganze Zeug rauf und hin und her.

Ich hab mich in das ganze Corona-Thema generell nicht so reingesteigert. Ohne das Virus verharmlosen zu wollen, aber es ist schon lustig, wenn wir mal zwei Tage lang miteinander gesoffen haben, was mit 30 Jahren auch nicht mehr so ohne ist, und dann fühl ich mich am dritten Tag krank und sie kommen gleich so, „mach doch n‘ Corona-Test“. Ich bin schon wieder die ganze Zeit im Winter draußen gestanden und hab geraucht, ohne Jacke, aber du darfst einfach nicht mehr normal verkühlt sein, weil sofort… naja. Aber wir halten uns in der Band natürlich alle an die Vorgaben, also da gibt’s keine Diskussion!

Wie ein Kuschelkonzert, nur mit den engsten Freunden

Merlin: Kommen wir zu eurem neuen Album: Wir seid ihr auf den Namen gekommen, wie seid ihr auf das Cover gekommen und wie geht das zusammen?

J.J.: Also „Mære“ kommt ja von Albtraum. Und im Endeffekt ist das Cover eine Metapher, auch für die heutige Zeit… die Freiheit wird einem genommen, nicht nur wegen Corona, sondern alles wird überwacht… und wenn man 30 wird, da merkt man so, die Freundschaften lassen nach, man trifft nicht mehr so viele Leute, der social-media-Effekt, man hat 1000 Freunde, aber nur drei richtige… Und das mit dem „die Haut überziehen“ ist ja für ein Tier auch etwas Albtraumartiges. Das ist uns auch aufgefallen, dass wir noch kein Cover ohne Tier veröffentlicht haben. Das ist so ein bisschen Band-policy, dass da ein Tier drauf muss. Also jetzt im Normalfall nicht ein Elefant oder so, sondern ein Tier – jetzt nicht nur wegen dem Black-Metal – das mit dem, wo wir herkommen, etwas zu tun hat, mit Österreich. Also das ist jetzt nichts Lokalpatriotisches, aber zu diesen Tieren hat man halt einen Bezug.

Und joa, wir haben da erst lange rumgesucht und Matthias ist dann zufällig bei Instagram über diese Zeichnung gestolpert. Die ist von einer jungen holländischen Künstlerin. Mit der haben wir dann geschrieben und sie gefragt, ob sie das Bild noch leicht verändern würde, mit anderen Farben, weil wir uns diesmal auf rot-schwarz geeinigt hatten. Dieses gold-schwarz wie bei „Arson“, das ist Matthias Ding gewesen. Da ist er mir vier Alben lang in den Ohren gelegen, dass er das unbedingt haben möchte. Deshalb hab ich damals gesagt, okay, dieses Album machen wir es so, wie du willst, aber dafür nehmen wir dann schwarz-rot beim nächsten.

Und der Titel „Mære“ spielt auf eine Art Guhl an, der des nachts auf deiner Brust sitzt und dich vom Schlafen abhält. Und das ist für uns oder vor allem für mich eine Metapher für die Gedanken, die sich auch in den Songtexten widerspiegeln und die mich nachts vom Schlafen abhalten.

Alex: Wie kamen denn die Features auf dem Album zustande, vor allem das mit Neige von ALCEST? Der hat ja auch so eine Tendenz, andere Bands zu fragen, auch solche, die stilistisch erstmal gar nichts mit ALCEST gemein haben, und dann einfach zu sagen „hey, ich mag eure Musik, lass mal ne Tour machen!“

J.J.: Ja, und Neige ist so gescheit, dass er weiß, dass es viel mehr Sinn ergibt, mit Bands zu touren, die alle ein bisschen in ne andere Schiene gehen, und nicht drei Bands zu nehmen, die alle aus demselben Genre kommen. Ich würde zwar nicht sagen, HARAKIRI und ALCEST könnten nicht zusammen auf Tour gehen, weil das zu ähnlich ist, aber dann müsste zumindest die dritte Band komplett in eine andere Richtung gehen, damit das irgendwie heraussticht.

Also Matthias schreibt schon lange mit Neige bei Facebook, die haben einen recht ähnlichen Musikgeschmack. Und da haben die zwei eben auch Musikideen hin und her geschickt. Und dann trifft man sich irgendwann persönlich, was halt passiert, wenn man auf ähnlichen Festivals spielt. Dass man dann zuerst im selben Backstage abhängt, dann spielt HARAKIRI vor ALCEST und dann gehen die auf die Bühne, wenn wir von der Bühne gehen. Da kennt man sich dann ein bisschen zumindest. Jedenfalls sind wir dann zusammengesessen, sollen wir uns trauen, dass wir Neige fragen? Dann haben wir ein bisschen was getrunken und irgendwann hatten wir dann genug Mut zusammen und haben ihm geschrieben, ob er beim nächsten Album bock auf ein Feature hätte. *lacht*

Und wir haben eigentlich geglaubt, nee, wir sind ihm sicher zu unbekannt, oder vielleicht auch zu ähnlich wie ALCEST oder was auch immer, aber er hat sofort ja gesagt! Es hat dann ein bisschen gedauert, da konnte er aber nichts für, sondern weil die das in Paris mit dem ersten Lockdown ja noch viel ernster genommen haben. Da hat er etwas gebraucht, bis er ein Studio gefunden hat. Das war glaube ich wirklich erst Anfang Mai. Und sonst hat das aber super funktioniert! Ich find’s auch gut, dass er etwas Cleanes singt und nicht nur schreit. Obwohl er gar nicht so viel älter ist als Matthias und ich, ist er halt doch so eine Art Jugend-hero. Und an seiner Musik orientieren wir uns natürlich auch zu einem gewissen Grad, auch wenn mittlerweile auch viel andere Einflüsse drin sind. Aber wo wir herkommen, das ist wahrscheinlich fast unüberhörbar.

„nostalgia“ klingt eigentlich scheiße von der Aussprache her

Alex: Apropos Cleangesang, auf eurem zweiten Album „Aokigahara“ gab’s ja auch in einem Song eine Passage auf Deutsch…

J.J.: Ja, die war nicht von mir, sondern wir wollten Ben von FÄULNIS für das Feature haben und er hat sich nicht drauf eingelassen, einen englischen Text zu singen. *schmunzelt* Da hab ich dann im Endeffekt einfach n Vierzeiler rausgestrichen und gesagt „mach was du willst“. Ich selbst bin nie so hundertprozentig hinter gemischtsprachigen Songs gestanden, weil entweder so oder so. Also ich hab kein Problem mit Bands, die ein paar englischsprachige Songs auf ihrem Album haben und ein paar deutsche oder französische oder norwegische, aber im selben Song war das für mich jetzt nie so das Wahre. Aber ja, ich wollte Ben auf dem Album haben, weil er ein super cooler Typ ist und halt auch super coole Vocals macht – mir wär halt lieber gewesen, er hätte meinen Text gesungen in Englisch. *lacht* Aber das passt schon so für mich.

Alex: Und wie ist das mit Stimmvarianz bei dir?

J.J.: Es ist so… je älter du wirst, desto schwieriger wird das Hohe. Auf den ganz alten KARG Sachen zum Beispiel habe ich um Welten höher geschrien als jetzt. Das hat sich dann geändert, vielleicht auch durch die musikalischen Einflüsse, dass ich dann ab 2011 viel mehr Modern Hardcore und so gehört hab. Vielleicht hab ich dadurch auch automatisch hardcore-mäßiger gesungen. Aber es ist natürlich auch mit dem Alter gekommen. Auf „Aokigahara“ war ich auch noch sehr hoch eigentlich. Ich weiß auch, dass meine Stimme auf 80 Minuten verteilt dann doch ein bisschen eintönig ist. Ich probier’s halt dann doch wieder mal, etwas höher zu shouten, aber das ist auch was, das man als Außenstehender oft ein bisschen unterschätzt. Dass die Aussprache von gewissen Wörtern oder Silben in gewissen Tonlagen manchmal nicht so gut funktioniert.

Matthias hat zum Beispiel auf unserem neuen Album das Wort „nostalgia“ sehr gestört. „Nostalgie“ klingt ja im Deutschen ganz cool, aber „nostalgia“ klingt eigentlich scheiße von der Aussprache her. Also, es ist nicht immer alles so leicht, wie die Leute es auf YouTube gerne kommentieren. Oder wenn du schonmal 25 Konzerte hintereinander gespielt hast, ohne einen day off, dann quatsch nochmal mit mir drüber, wie das ist mit Stimmfarbe und jedes Mal reinschreien, was die Stimme hergibt. Da ist dann manches einfach nicht mehr möglich. Man probiert natürlich immer einen Kompromiss zu finden, dass es live doch nicht so viel schlechter als auf dem Album klingt. Weil natürlich hat man beim Album so viele Möglichkeiten, wie man will, und ich kann meinetwegen jedes Wort siebzehn mal einsingen, aber… naja. 

Merlin: Welche Bands sind denn momentan eure musikalische Inspiration? Du hattest ja schon ALCEST genannt…

J.J.: Also das ist unterschiedlich. Matthias hört gerne auch so Indie-Zeug und die neuen Sachen von DEFTONES und so… Bei mir ist es eben viel Modern Hardcore, zum Beispiel BIRDS IN ROW. Aber auch Sachen wie LUSTRE, TAAKE, von LANTLOS die „.neon“… „Spiritual Instinct“ von ALCEST höre ich mir fast jeden Tag an. Witzigerweise war „Protection“ am Anfang nicht mal mein Lieblingslied, sondern der erste Song „Les jardins de minuit“. Aber mittlerweile hat sich „Protection“ so gemausert bei mir… Und ja, LIFELOVER und APATHIE hab ich auch gehört am Wochenende. 

Vielen Dank für deine Zeit und das Interview!

Der Beitrag HARAKIRI FOR THE SKY im Interview erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Neun Jahre ist es mittlerweile her, dass HARAKIRI FOR THE SKY mit ihrem selbstbetitelten Album debütierten. Seitdem haben uns die Österreicher in regelmäßigen Abständen immer wieder mit neuem Material beglückt, und nun steht ihr bereits fünftes Werk in den Startlöchern: „Mære“.

Und das ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Full-length Album. Knappe 85 Minuten beträgt die Spielzeit. Das ist ja schonmal eine Ansage. Ob HARAKIRI auch über so lange Zeit ihr gewohnt hohes Niveau halten können?

Cause the more I sleep, the less I dream

Eröffnet wird das Album mit dem Song „I, Pallbearer“. Mit 7 Minuten einer der kürzeren. Wer „Arson“, den Vorgänger von „Mære“ kennt, weiß, dass dort mit „Fire Walk With Me“ ein unfassbar starker opener vertreten war. Da kommt „I, Pallbearer“ zwar nicht ran, aber trotzdem eröffnet er nach einem kurzen Intro den typischen HARAKIRI sound: Melancholisch und melodiestark, während der Text schmerzhafte Abgründe offenbart. Abgerundet wird der Song schließlich von einem ruhigen Klavier-Outro.

Sing for the damage we’ve done
And the worse things yet to come

Der zweite Track „Sing For The Damage We’ve Done“ fällt mir gleich beim ersten Hören auf. Nach einer sich immer weiter aufbauenden Gitarren-Einleitung legen plötzlich die Drums richtig los und die Kombination aus eingängiger Melodie und eindrücklichem Gesang entwickelt eine beinahe furchteinflößende Anziehungskraft. Man kann nicht mehr weghören. Und dann, nachdem die ersten 5 Minuten eh wie im Flug vergangen sind, setzt auch noch kein geringerer als Neige von ALCEST ein! Bei „Sing For The Damage We’ve Done“ stimmt einfach alles. Definitiv auf der Favoriten-Liste ganz weit oben!

Carry me forever in your heart

Mit „Us Against December Skies“ sind wir nun beim dritten Track, und auch dieser ist wieder ganz besonders gelungen. Hier möchte ich vor allem hervorheben, wie gut sich Text und Musik verblenden! Obwohl beides aus unterschiedlichen Federn stammt, wirkt es doch wie aus einem Guss. Der Song glänzt außerdem durch Sehnsuchtsmelodien. Folk-Ansätze, die an SKYFOREST oder gegen Ende an NIGHTWISHs „The Islander“ erinnern, nehmen den Hörer mit auf eine Reise voll Fernweh und Weltschmerz.

Überhaupt könnte man zu jedem einzelnen Track auf „Mære“ viel Positives sagen. Jeder hat seine eigenen einprägsamen Melodien und Rhythmen, die Songs funktionieren einzeln, aber ebenso so gut aneinandergereiht als ein großes Ganzes. Natürlich habe ich trotzdem meine Lieblinge. Auf „Sing For The Damage We’ve Done“ und „Us Against December Skies“ habe ich ja schon meine Lobeshymne gesungen, aber auch der siebte Track „And Oceans Between Us“ soll an dieser Stelle unbedingt erwähnt sein – ein Song, der mich vom ersten Takt an mitgerissen und nicht mehr losgelassen hat. Achtung, Ohrwurm incoming!

Erwähnt seien außerdem das Feature der anonymen Stimme von GAEREA in „Silver Needle // Golden Dawn“, das schwermütige Gitarren-Intro in „Time Is A Ghost“ und last but not least das in meinen Ohren großartige PLACEBO-cover „Song To Say Goodbye“. HARAKIRI FOR THE SKY haben sich mit ihren Alben stets weiterentwickelt. Der Sound wurde immer vielschichtiger, die Produktion klarer. „Mære“ ist im Gegensatz zu früheren Alben eher harmonisch als beklemmend, nur die frustrierten Texte halten sich beständig.

Auch in der Ausführlichkeit ihrer Songs bleiben sich HARAKIRI treu, und hier schließt sich mein größter Kritikpunkt an: Das Album ist sehr, sehr lang. Und dabei wird es ja nicht mal in seinem Verlauf schwächer – bei keinem der zehn Tracks würde ich sagen, gerade der ist der „Track zu viel“. Im Gegenteil, jeder Song hat nach meinem Empfinden einen gerechtfertigten Platz auf dem Album. Aber sie alle in einem Stück zu genießen, das fordert doch sehr viel Zeit und Entspanntheit. Geduld ist hier die Tugend der Wahl.

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Finnland – wenn es um Metal geht, kommt man um dieses Land nicht herum. Und auch in Corona-Zeiten bleibt es nicht still. KIOVA heißt meine neueste Entdeckung, eine Post-Black-Metal Band aus der gut 200.000 Einwohner starken Stadt Oulu. Mit ihrer neuen EP „Empty Fields and Smoke-Filled Skies“ haben sie es geschafft, mein Interesse zu wecken.

Nichts, vor dem man sich fürchten müsste

Das gute Stück hat eine Spielzeit von nur 24 Minuten, diese werden aber gut genutzt. Schon der erste Track „The Great Famine“ begeistert mit einem eingängigen Einstiegsriff, mit angenehmen growls und einem rockig-melodischen Sound. Das Motiv des zweiten Songs „From Man of God to Voracious Beast“ gefällt mir aber fast noch besser: Es ist simple, aber ich werde ihm trotz mehrfacher Wiederholung nicht müde. Auch wenn ich alle drei Tracks der EP gerne mag, dieser ist doch mein Favorit und ich möchte ihn euch als Kostprobe nicht vorenthalten.

Der dritte und leider schon letzte Track trägt den Titel „A Glimpse Beyond„ und führt den Stil der beiden vorangegangenen Songs ohne große Überraschungen fort. Auch hier haben wir ein eingängiges, wiederkehrendes Riff, growls, aber auch wieder diese Art verzweifelten, „gesprochenen“ Gesang, der mich an TOUCHÉ AMORÉ denken lässt. Soundtechnisch erinnern KIOVA dagegen stark an Bands wie OATHBREAKER oder FALL OF EFRAFA.

Abschließend kann ich nicht viel mehr sagen, als das mich die EP zwar nicht vom Hocker gerissen, aber mir durchaus gut gefallen hat. KIOVA erfinden zwar das Rad nicht neu. Sie klingen aber eben auch trotz bekannter Elemente nicht wie eine Kopie. „Empty Fields and Smoke-Filled Skies“ ist eine schöne, runde Komposition, die ihren Platz in meiner persönlichen Playlist gefunden hat.

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In ihrer eigenen Beschreibung sagen THE HOLY FLESH, die Leere sei voll, die Stille spräche und die Dunkelheit leuchte. Mehr Auskunft möchte uns die britische Band allerdings nicht mitteilen, womit sie im Prinzip schon sehr viel gesagt hat. Es sind die krassen Gegensätze, durch die das Wirken von THE HOLY FLESH sich manifestiert. Abgesehen davon wird sich in jeder möglichen Hinsicht sehr bedeckt gehalten. Namen, genaue Herkunft oder weiteres über die Band und ihre Mitglieder sind nicht bekannt. Es scheint wohl, als wolle die Gruppe mit der Welt außerhalb ihres Proberaums wenig zu tun haben. Oder aber sie verzichten bewusst auf Gimmicks, um den Fokus ausschließlich auf ihre Musik zu legen.

Atmosphäre, Psychedelik und Dunkelheit

Der erste Teaser „Emissary I“ zum Ende März 2020 erscheinenden Debut Album wurde kurz nach Weihnachten veröffentlicht. Der Track ließ schon erahnen, was die Hörenden vom kommenden Album zu erwarten haben. Es handelt sich dabei übrigens um den Opener des Albums. Die Tracklist ist aufgeteilt in „Emissary I-IV“ und „Vessel I-IV“. THE HOLY FLESH spielen auf „Emissary & Vessel“ ihre ganz eigene Variante des Post Black Metal, der vor Einzigartigkeit nur so strotzt. Schleppende Black Metal Passagen ziehen sich atmosphärisch und düster über wunderschöne Disharmonien. Währenddessen zieht sich psychedelischer Post Rock stetig durch Rhythmik und Stimmung. Hier und da sind leichte Einflüsse aus Blackgaze zu hören, wobei diese sich eher im Hintergrund halten.

Die hohe Kunst des Untergrunds

Die bittersüße Symphonie aus eiskalter Disharmonie wird ab dem 27. März 2020 über das kleine Underground Label Caligari Records vertrieben. Hier wird ebenso wie bei der Band der strenge Fokus auf das Musikalische sehr ernst genommen. Neben der digitalen Version zum Download wird „Emissary & Vessel“ auf Musikkassette zum Kauf bereit stehen, womit der Underground Faktor nur noch mehr hervorgehoben wird. Das auf 150 Stück limitierte Tape ist in einem edlen Cover Artwork verpackt. Die Hülle erinnert sehr an die Ursprünge des okkulten Rock und Metal und ist sonst bar weiterer Informationen. Das erste Release von THE HOLY FLESH ist von vorne bis hinten Underground. Dabei werden neben der Musik weder Form noch Erscheinung ausgelassen.

Minimalistisch und kalt

Was den einzigartigen Sound von THE HOLY FLESH auf ihrem ersten Album ausmacht, ist vor allem ihre grenzenlose Ausbreitung, die sich nicht um imaginäre Tellerränder kümmert. Während das Hintergrundbild der Klanglandschaft sehr nach Black Metal aussieht, sprechen die darin vorhandenen Charaktere eine ganz andere Zunge. Mal gehen die Gitarrenriffs in Richtung Alternative Rock. Andere Male wiederum fühlt man sich beim Zuhören ins Universum des 80er Post Rock versetzt. Und selbstverständlich bleibt bei all dem die düstere und eiskalte Impression des Atmospheric Black Metal nicht auf der Strecke. Gelegentlich kommt es vor, dass der Klang an DSBM wie TOTALSELFHATRED erinnert.

THE HOLY FLESH präsentieren sich auf ihrem ersten Release eigenständig und innovativ. Black Metal und Post Rock werden hier zu einem eigenen Stil vermischt, ohne Vorreiter zu kopieren. Mittels einzigartiger Atmosphäre und minimalistischer Ausführung gelingt der Band ein ausgezeichneter Einstand.

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