Jon: On stage not so much, but I definitely prefer indoor shows. Outside is cool, if it is nighttime. The only times we have played at night it has been spectacular – Hells Pleasure in 2014 was amazing, going on stage late after HAWKWIND and then at Psycho Las Vegas 2017 we played as the sun was setting, right next to the swimming pool. That was a lot of fun too. On stage sound can very so much, it doesn’t really depend on inside or outside.
Auf der Bühne nicht so sehr, aber ich beforzuge definitiv Auftritte drinnen. Draußen zu Spielen ist besonders nachts cool. Das einzige Mal, dass wir nachts gespielt haben, war spektakulär – das Hells Pleasure 2014 war toll, wir gingen spät auf die Bühne, nach HAWKWIND. Und auf dem Psycho Las Vegas 2017 haben wir gespielt, als gerade die Sonne unterging, direkt neben dem Pool. Das hat auch sehr Spaß gemacht. Auf der Bühne kann der Sound so gewaltig sein, egal ob drinnen oder draußen.

 

Wolltet ihr euch irgendwann mal ausprobieren, oder etwas ganz anderes in euren Sound einfließen lassen?

M: On a final note, can you give us a glimpse of your current work, do you have anything in mind for a new album already?
Kannst du uns abschließend einen Einblick in eure aktuelle Arbeit geben, habt ihr schon irgendetwas für ein neues Album im Kopf?

Der Beitrag Die Barbaren des Doom-Metal – CONAN im Interview erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Der Weg ist das Ziel

Zu Beginn des Festivals steht bei mir aber, es wird schon fast zur Tradition, der Stau. Der laut Google ungefähr sechsstündige Weg nach Balve wird zu einem Neun-Stunden-Spektakel, und so verpasse ich gekonnt gleich die ersten drei Bands. Pünktlich zu KATLA kreuzen wir auf dem Parkplatz vor der Höhle auf, und merken: Das könnte jetzt länger dauern. Das gesamte Gelände ist zugetackert mit Autos und Zelten, jetzt gilt es, sich irgendwo noch möglichst elegant dazwischen zu quetschen. Als das gemeistert ist, zuckeln wir los, um die selbst ausgedruckten Eintrittskarten in Festivalbändchen umzutauschen. Dann schlängeln wir uns zwischen Fressbuden und Metalheads hindurch den eigentlich sehr kurzen Weg entlang zum Eingang der Höhle. Er ist mit überdimensionalen Vorhängen verhangen, vermutlich, um sowohl die Musik drinnen als auch das Licht draußen zu halten.

Gerade spielen DISILLUSION, die ich aber nur mit halbem Ohr wahrnehme und so kaum was dazu sagen kann. Stattdessen muss ich erstmal die Höhle auf mich wirken lassen. Die Balver Höhle ist die größte Kulturhöhle Europas, und als ich mich drinnen umsehe, fällt mir auch als erstes der beeindruckende Umfang des Gewölbes auf. Hier ist nicht nur genug Platz für eine Bühne + Technik, sondern auch für eine riesige Merchtheke und eine Bar sowie diverse Holzbänke zum gemütlichen Pommes-Essen und Biertrinken.

Hoffnungslos verträumt

Meine erste Band für dieses Festival, und gleichzeitig die, auf die ich mich am meisten gefreut hatte, ist ALCEST. Auch wenn es beim Prophecy Fest keinen expliziten Headliner gibt, die Franzosen hätten zumindest vom Bekanntheitsgrad her das Zeug dazu. Auch die Spielzeit um 22:30 Uhr Abends ist mit Sicherheit nicht ganz zufällig gewählt – dementsprechend voll ist die Höhle. Und dann tritt er auf die Bühne: Neige. Sänger, Lyriker und buchstäblich das Gesicht von ALCEST. Seine langen Haare sind das einzige, was von seinem Äußeren irgendwie in das Metal-Klischee passt. Und dann beginnt er zu singen und die Band zu spielen. Für alle, die ALCEST nicht kennen: Sie spielen Post-Metal mit poetischen Texten. Es ist romantisch, aber nicht kitschig. Der Hall in der Höhle lässt vor allem den Gesang sehr atmosphärisch wirken, und mein sehr geschätztes „Percees de Lumiere“ klingt bei dieser Akustik beinahe schon nach Rock n‘ Roll. Das Publikum ist durch und durch begeistert. Auch ich kann dem Auftritt sehr viel abgewinnen, und so wird sich nach der Show gleich mal was Neues zum Anziehen gekauft. Man kann nie genug Bandshirts haben.

Im Zeichen der Dunkelheit

STRID sind die letzte Band des heutigen Tages. Sie fangen um Mitternacht an zu spielen und die späte Stunde fügt sich sehr gut mit ihrem Auftreten zusammen. STRID sind heute vermutlich manchen kein Begriff mehr, zählen aber zu den Allerersten im Genre des Depressive Suicidal Black Metal, was sich nicht zuletzt an ihren Texten gut erkennen lässt. Düster ist die Musik, welche die Norweger spielen, eher simpel, aber deshalb nicht weniger eindringlich. Es ist ein unaufgeregter und vielleicht gerade deshalb sehr eindrucksvoller Auftritt. Ohne ein Wort an das Publikum gerichtet zu haben, verschwinden sie schließlich eben so plötzlich wieder von der Bühne, wie sie sie betreten hatten.  

Ausschlafen auf einem Festival?

Am Samstag bin ich als allererstes erstaunt, wie lange man morgens in seinem Schlafgemach bleiben kann, prügelt einen doch auf den meisten Festivals spätestens um 9 Uhr die Sonne aus dem gefühlt 50 Grad heißen Zelt. Aber der höher gelegene Wald hinter der Balver Höhle fängt die Sonne ab, und so genieße ich die angenehm schattigen Temperaturen ganz ohne Pavillon. Auf dem Festivalgelände gibt es für ein paar Euro ein ordentliches Frühstücks-Buffet, wobei natürlich gilt: Wer als als erstes kommt, hat die meiste Auswahl. Vor der ersten Band nehme ich mir dann nochmal Zeit, mich ausführlich beim Merch umzusehen. Da hat das PROPHECY FEST etwas Besonderes zu bieten: Für jede Band hat der Künstler David Thiérrée eigens ein Bild gestaltet, das es für 20 Euro als Poster (limitiert auf 20 Stück je Band), oder für einen mittleren dreistelligen Betrag als Druck auf Leinwand (immerhin ein Einzelstück) zu kaufen gibt.

Neuer Tag, neue Bands

Als Opener des zweiten Tages treten die Niederländer von LASTER in der Balver Höhle auf. Alle Bandmitglieder tragen Masken, die wohl Vogelschädel darstellen sollen. Zusammen mit ihrer schwarzen Kluft erinnern die Musiker etwas an die Pestdoktoren des Mittelalters. Der Gesang wechselt zwischen hellen Schreien und Klargesang. Mit letzterem komme ich irgendwie nicht so zurecht, er ist mir zu flach und es kommt nichts rüber, da finde ich die Schreie wesentlich eindringlicher. Musikalisch können LASTER aber überzeugen, und ich höre sogar jemanden neben mir im Publikum sagen: „Das ist meine neue Lieblingsband!“.  

Bei der nächsten Band fällt es mir schon schwer, den Namen auszusprechen. Ich will immer Tschernobog sagen… Aber mit kollabierten Atomkraftwerken hat diese Band nichts zu tun, dafür umso mehr mit harter Musik. Wenn man die Augen zu macht, würde man nicht denken, dass da eine zierliche Frau am Bass steht (übrigens wie der Sänger mit verbundenen Augen). Allerdings ist mir das Ganze insgesamt zu unmelodisch, und so packen mich TCHORNOBOG (so der richtige Name der Band) nicht wirklich. Beim Publikum allerdings finden die dämonischen Töne der Black-Doom-Mischung mehr anklang, zumindest steht bis zuletzt doch eine recht große Menschenmenge vor der Bühne.

Aber vielleicht warten die auch alle schon auf die nächste Band? Das sind in diesem Fall die Briten FEN. Mit denen wird es nämlich wieder ein ganzer Stück atmosphärischer, so wie man es von Post-Black-Metal kennt. Da steht dann auch wieder die Melodie im Vordergrund und es kommt eine beinahe verwunschene Stimmung auf. Trotzdem sind sie irgendwo aggressiv und düster, aber bei dem vorherrschenden Hall kann man sich von FEN in den Gewölben der Balver Höhle dennoch regelrecht verzaubern lassen.

We love Rock n‘ Roll

Mit YEAR OF THE COBRA steht nun eine Band auf der Bühne, die sich gleich auf mehreren Ebenen von den anderen Bands des Festivals abhebt. Die erste Eigenheit fällt gleich auf den ersten Blick auf: Da sind ja nur zwei Leute auf der Bühne! Ein kahlköpfiger Mann hinterm Schlagzeug und eine asiatisch anmutende Frau an Mikrophon und Bass. Ja, ganz genau: Keine Gitarre! Die wird von YEAR OF THE COBRA offensichtlich nicht benötigt, die Melodien erklingen allein durch den Gesang. Der von den zwei Amerikanern zum besten gegebene Stoner-Doom erweist sich als groovig und viel kraftvoller, als man es bei der sparsamen Instrumentierung vielleicht gedacht hätte. Gefällt mir!  

Da ich nach vier Bands auch erstmal eine Pause brauche, werfe ich bei VEMOD nur einen kurzen Blick auf die Bühne. Dort springt mir als erstes die akkurateste Hipster-Frisur eines Black-Metal Sängers ins Auge, die ich je gesehen habe. Verwirrt von diesem Anblick, verlasse ich die Höhle, um mir bei einer der Fressbuden etwas Essbares zu organisieren.  

DARKHER höre ich nur mit halbem Ohr, Pommes essend auf einer der Bänke hinter der Bühne sitzend. Insgesamt spielen heute drei Bands mit einer Frontfrau, und DARKHER ist eine davon. Der Gesang ist sehr mächtig und erhaben, er dringt auch bis zu den mampfenden Gestalten in den hintersten Winkeln der Höhle vor. Als ich mit essen fertig bin, erklingen aber auch bereits die letzen Töne und mit dem ausgiebigen Applaus beginnt sich die Menschentraube vor der Bühne Richtung Höhlenausgang in Bewegung zu setzen.

Einmal Natur pur, bitte

Bei EMPYRIUM stehe ich tatsächlich mal ganz vorne vor der Bühne. Nicht, weil ich so gehyped auf die Band bin, sondern weil ich gewissermaßen als seelische Unterstützung gebraucht werde. Meine Freundin holt jedenfalls schon mal provisorisch die Taschentücher raus, um Falle des Falles die Tränen der Rührung wegwischen zu können. Und EMPYRIUM sind in der Tat ein guter Anwärter dafür, bewegende Emotionen hervorzurufen. Das Ensemble beinhaltet neben Schlagzeug, Bass, Keyboard und Gitarren nämlich auch eine Geige. Und die passt auch wunderbar zum musikalischen Thema: Natur.

Hier geht nichts ohne verzauberte Klänge und mystische Melodien. Das klingt alles sehr schön, aber zugegebenermaßen wird es mir nach der Hälfte des Konzerts bereits langweilig. Nicht so dem augenscheinlich schon gut angetrunkenen Typen, der sich plötzlich von der Seite nach ganz vorne drängt, um vor der Bühne überschwänglich beide Arme in die Luft zu recken. Vermutlich, um die Musik zu würdigen, vielleicht hofft er auch, dass Frontman Markus geradewegs in seine Arme stolpert. Leider passiert nichts dergleichen, und so geht der Auftritt der wohl romantischsten deutschen Metalband ohne größere Aufregung zuende.  

Schweißgebadet

Wenn man von Frontfrauen auf dem PROPHECY FEST spricht, so ist die nächste Formation des heutigen Abends definitiv die beeindruckenste: BETHLEHEM. Die Technik und die Kraft in der Stimme von Sängerin Onielar sind schlichtweg sondergleichen. Und auch wenn ich mich beharrlich weigere, das, was sie da von sich gibt, als „Gesang“ zu bezeichnen: Ich muss ihr in jedem Fall Respekt zollen. Wenn man die Augen zu macht, glaubt man, weder Mann noch Frau zu hören. Dieses abartige Gekreische ist wie eine Roomtour durch eine schwarz-weiße Horrorfilm-Psychiatrie.

Dazu passen auch die im Hintergrund eingeblendeten Filmschnipsel, die ich mir nach wenigen Minuten schon nicht mehr anschauen mag. Ich verziehe mich in den hinteren Teil der Höhle und drehe der Bühne den Rücken zu. Denn musikalisch gibt es hier absolut nichts zu meckern, neben der perfektionierten Schweineschlachtung am Mikrophon bieten BETHLEHEM auch noch raffinierte Melodien und einen gleichzeitig beklemmenden und eindrücklichen Sound. Doch auch wenn, oder gerade weil man der Band ihre Einzigartigkeit nicht absprechen kann: Meins ist es nicht. Und deshalb verlasse ich dann auch vorzeitig die Höhle.

Eigentlich bin ich hundemüde, aber MORTIIS will ich mir dann doch nicht entgehen lassen. Wo anders, als in einer echten Höhle, sollte man sich sonst mit Dungeon Synth zudrönen lassen? Wem MORTIIS nichts sagt: Kennt ihr noch Vond? Die Selvmord? Genau, das ist der Typ. Nur um knapp 20 Jahre gealtert. Ach ja, und eine Hakennase hat er sich auch zugelegt. Sein gesamtes Erscheinungsbild hat etwas von einem Goblin, was das Zusammenspiel von Höhle und Musik nochmal perfekt abrundet. Ich muss gestehen, in den ersten 15 Minuten schlafe ich fast ein. Das Intro ist sehr unaufgeregt und wiederholt, zumindest fühlt es sich so an, einfach nur stumpf immer wieder dieselbe Tonfolge. Aber mit der Zeit wird es richtig episch, und am Ende weiß ich, wofür ich wach geblieben bin. MORTIIS bildet einen perfekten Abschluss für ein durch und durch atmosphärisches Festival.  

Huch! Schon vorbei?

Das PROPHECY FEST 2019 war definitiv eine Erfahrung wert und ich fahre mit vielen neuen Eindrücken sowie einem frisch gekauften ALCEST-T-Shirt nach Hause. Leider gehört das Festival mit lediglich zwei Tagen zu den kürzeren seiner Zunft, und wenn man dann auch noch verspätet ankommt, ist die Freude natürlich von noch kürzerer Dauer. Und auch wenn die Balver Höhle wirklich beeindruckend ist, an meine Lieblings-Festivallocation kommt sie nicht heran. Dennoch bin ich froh, dem diesjährigen PROPHECY FEST beigewohnt zu haben. Nicht zuletzt, weil ich euch davon berichten und vielleicht den einen oder anderen dafür begeistern kann! In die Balver Höhle kehrt das PROPHECY FEST leider erst 2021 wieder zurück, bis dahin heißt es: Abwarten und Bier trinken!

Ein großer Dank geht in diesem Zuge raus an Carsten Brand, dessen fantastische Fotos diesen Festivalbericht mit Bild und Farbe schmücken. Schaut euch hier mehr seiner tollen Arbeiten an:
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Mit ihrem vierten Studio-Album machen UNCLE ACID & THE DEADBEATS keine Gefangenen. „Wasteland“ soll nicht nur die konsequente Weiterentwicklung des etablierten „Melodic-Stoner“-Sounds, sondern auch einen Schritt in neue Songwriting-Gefilde darstellen. Das ist insofern nötig, als dass sich beim Sound der Engländer seit der Bandgründung 2009, abgesehen von einigen Änderungen in der Bandaufstellung, nicht herausstechend viel entwickelt hat. 

Mit Konzept und einer Menge Fuzz ins dystopische Wasteland

Im Vordergrund steht dabei im Falle von „Wasteland“ erneut eine Vision von Namensgeber und Bandkopf Kevin „Uncle Acid“ Starrs. In gewohnt hoher Tonlage besingt er durch die Wand an vorgeschalteter Verzerrung den Untergang des freien Willens in einer fiktionalen dystopischen Zukunft. Die Menschen des Wastelands sind alle gleich und haben keine Erinnerungen an das, was einmal war. Einzig im Untergrund scheint sich ein Widerstand aufzubauen.

UNCLE ACID reihen sich mit diesem Release in die Riege ambitionierter Metal-Konzeptalben ein und enttäuschen gerade auf textlicher Ebene kein Stück. Das Gefühl einer kohärenten Science-Fiction Geschichte wird durch die Texte erst erweckt, vom dynamischen und abwechslungsreichen Songwriting vorangetrieben und durch Kevin Starrs authentische Inszenierung abgerundet.

Wer sich im Stoner- und Doom-Metal zuhause fühlt, der weiß: Produktion und Sound sind alles. Und auch hier enttäuscht „Wasteland“ nicht. Wie bereits auf den vorangegangenen Platten setzen die Jungs auf Produktionstechnik der alten Schule. Das gesamte Album wurde „live and straight to tape“ aufgenommen, so Kevin Starrs. Am meisten profitieren davon Atmosphäre und Authentizität. Denn ein dystopisches Science-Fiction Konzeptalbum im Stile einer 70er Psychedelic-Rock-Band mit Metal-Einschub glaubwürdig rüberzubringen, ist nicht die einfachste Aufgabe.

Die acht Songs der Platte lassen sich dabei grob in zwei Kategorien einordnen. Auf der einen Seite stehen energetische, kontinuierlich „rollende“ und allgemein recht zugängliche Stoner-Rock Songs der Marke „I See Through You„, „Stranger Tonight2 und „Shockwave City“. Letzterer weiß mit einigen der spaßigsten Parts des gesamten Albums zu überzeugen. Dadurch hat er sich zu einem meiner Lieblingssongs der Scheibe gemausert. Dieser Track, wie auch der Rest des Albums, vermitteln durch die Kombination aller Produktions- und Songwriting-Elemente ein sehr theatralisches, „filmisches“ Gefühl. Das ruft Gedanken an Filmklassiker wie „Die Körperfresser kommen!“, aber auch „Mad Max“ wach.

Auf der anderen Seite stehen die ruhigeren und langatmigeren Songs wie „No Return“, die vermehrt Doom-Elemente einbinden und deutlich „heavier“ daherkommen. Ein ganzes Album in diesem Stil wäre auf die Dauer sehr eintönig. Aber wie schon erwähnt, sorgt die Kombination all dieser verschiedenen Einflüsse und Stile für die Abwechslung, durch die „Wasteland“ schlussendlich so viel Spaß macht.

Trotz alledem gibt es eine Art Wermutstropfen: „Wasteland“ bedarf bei den meisten Hörern wahrscheinlich zunächst einiger Kompromisse. So ist es nicht nur der gezielt rückständige Sound, sondern auch die generelle „Weirdness“ des Gesangs und die beabsichtigte Wiederholung vieler Parts, die im ersten Moment abschrecken könnten. Gerade bezüglich der Vocals ist das auch gut nachvollziehbar. Schließlich können sie in einzelnen Akzenten doch arg vordergründig und fast aufdringlich wirken. Aber das alles ist Kritik auf einem sehr hohen Niveau.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von Niklas Krohn

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Was mich besonders dazu bewogen hat, mir „Rift“ von FORMING THE VOID anzuhören? Das Artwork! Ich meine, ein durchs Weltall fliegendes Mammut? Wie cool ist das denn bitte?!

Zugegebenermaßen klingt das vierte Studioalbum der Heavy Rocker aus Lafayette, Louisiana beim ersten Hören wie ein einziger doomiger Einheitsbrei. Lässt man das Album nur im Hintergrund dudeln, klingt jedes Lied von der ersten bis zur letzten Note irgendwie gleich. Gefühlskalte Taubheit regiert hier. Erst bei genauerem Hinhören merke ich, dass doch mehr Facettenreichtum darin steckt als anfangs gedacht.

Die Scheibe ist zwar vordergründig langsam und schwer, hinter den donnernden tief gestimmten Gitarren und der monoton schallenden Stimme verbirgt sich aber hier und da auch mal ganz zartes Saitengeklimper oder der behutsame Einsatz eines Keyboards.

Gesangliche Vielfalt? Fehlanzeige! 

Eins müsst ihr wissen: Als Fan von Heavy und Power Metal steht für mich der Gesang häufig im Mittelpunkt und spielt eine essentielle Rolle für das Gelingen eines Werkes. Es bedarf einer tollen Stimme, die mal hoch, mal tief sein kann, mal ganz leise und sanft ist, mal in wilde Schreie ausbricht – Hauptsache eindringlich! Von all dem spüre ich bei „Rift“ nichts. Wirklich nichts. Der Sänger James Marshall mag eine besondere Stimmfarbe haben, die mich stark an Glenn Danzig erinnert. Doch seine Art zu singen, hat mit der Danzigs rein gar nichts zu tun. Keine großen Emotionen, sondern seichte Monotonie – als fielen dem Sänger im Tonstudio ständig die Augen zu.      

Es ist verrückt!

Einige Titel fangen mit vielversprechend mystischem Sound an, aber sobald der monotone Gesang einsetzt, beginne ich, mich zu langweilen. Automatisch sind die Songs für mich versaut. Ich klammere mich krampfhaft an jedem kleinen Fitzelchen Abwechslung fest.

FORMING THE VOID auf Bandcamp: https://formingthevoid.bandcamp.com/
FORMING THE VOID auf Facebook: https://www.facebook.com/formingthevoid/

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Mittwoch, 30.05.2018

Zum ersten Mal in seiner Geschichte beginnt das Freak Valley in diesem Jahr schon am Mittwoch auf einem separaten Gelände, unweit vom auf einem Hügel gelegenen Zeltplatz. Da meine Mitfahrer schon „Freak-Valley-Erfahrung“ besitzen, machen wir uns bereits Dienstag Abend auf die gut 400 km lange Reise gen Westen. Tatsächlich kann ich diese Taktik überhaupt nicht verstehen, doch wie sich später herausstellt, haben wir alles richtig gemacht. Allein der Ausblick, als wir um 5.30 Uhr morgens den Campingplatz erreichen, war die nächtliche Tortur wert! Sanfter Morgennebel legt sich in die Täler des Rothaargebirges, ehe sich die Sonne den Weg durch den Dunst bahnt. Genug für die Sinne getan – erstmal eine Mütze Schlaf gönnen!

Der Tag der Synthesizer

Wettervorhersage: warm und trocken! Realität: heiß und trocken! Naja, besser als strömender Regen (den der Deutsche Wetterdienst für die darauffolgenden Tage ankündigt), denke ich mir und begebe mich auf den Weg Richtung Bühne. Auf dem Freak Valley nützt dir Geld allein überhaupt nichts. Nein, bevor du es ausgeben kannst, musst du damit einen am Festivalbändchen befestigten Chip aufladen. Das erspart den Damen und Herren an Bier- und Essensständen einen Haufen Rechnerei – wenn es denn funktioniert. Kurz nach Einlass auf das Gelände erfolgt die Nachricht, dass es mit dem Chipsystem Probleme gibt und sie sich nicht aufladen lassen. Kurzerhand erfolgt seitens der Veranstalter, die Rockfreaks, die Entscheidung, dass bis zur Lösung des Problems Freigetränke ausgeschänkt werden. Freibier zum Festivalstart hatte ich bis jetzt auch noch nicht, aber ich könnte mich durchaus daran gewöhnen. Nun aber zum Wichtigsten, der Musik!

Den Startschuss machen die Thüringer Newcomer von MOTOROWL. Nach kürzlichen Touren mit unter anderem HIGH ON FIRE und GRAVE PLAEASURES merkt man den Jungs die Liveerfahrung schon deutlich an. Auch wenn die Truppe bei mir gleich aus der Ecke kommt, sehe ich sie zum ersten Mal und bin ziemlich überrascht, was ich da zu hören bekomme. Ihr psychedelischer Doomrock bietet den perfekten Festivaleinstieg. Besonders Max´ Gesang hätte ich so nicht erwartet. Er könnte genauso gut in einer Symphonic-Metal-Band mitwirken, auch wenn das dann vermutlich gar nicht meine Baustelle wäre. Trotzdem passt seine Stimme zu dem musikalischen Konstrukt wie die Faust aufs Auge.

Neben RADAR MEN FROM THE MOON sind MOUNTAIN DUST mein größtes Highlight des ersten Tages. Schon im Vorfeld des Festivals fand ich den sehr orgellastigen Bluesrock der Kanadier recht ansprechend und auch auf der Bühne wissen die Jungs absolut zu überzeugen. Ich nehme es vorweg: kein Sänger auf dem gesamten Freak Valley Festival leidet so schön wie Brendan Mainville! Gepaart mit der Instrumentenfraktion, die immer wieder einen Hauch von Wilden Westen versprüht, reißt mich das einfach nur mit.

Nicht ganz so mitreißend finde ich NO MAN`S VALLEY. Ich kann nicht mal genau sagen, weshalb ich nicht in Stimmung komme, aber der zwischendrin auftretende Stromausfall trägt auch nicht gerade zu übermäßiger Euphorie bei. Trotzdem ist die Überbrückung der Zeit ohne Strom doch schon recht amüsant, als einfach mit dem Publikum interagiert und gesungen wird.

Hä?! Was ist hier denn los?

So, was nun folgt hätte ich niemals erwartet. Vor 6 Jahren habe ich RADAR MEN FROM THE MOON das letzte mal gesehen und die Niederländer haben mich einfach nur weggeblasen. Schon während der Umbaupause sehe ich vor der Bühne haufenweise fragende Blicke, denn statt die Gitarren auszutauschen, verlassen nur die Spielgeräte von NO MAN`S VALLEY die Bühne. Auf der Bühne werden mehrere Synthesizer positioniert. Was dann passiert, lässt mir die Kauleiste offenstehen. Statt instrumentalen Rock gibt es einen Mix aus Electro und Noise auf die Ohren. Das schockt mich schon im ersten Moment und jemand, der mit elektronischen Klängen überhaupt nichts anfangen kann, verlässt vermutlich fluchtartig das Gelände. Ich muss dennoch zugeben, dass das Dargebotene nicht schlecht gemacht ist, auch wenn es in meinen Augen eben nicht RADAR MEN FROM THE MOON ist. Von Leuten, die die Band vorher nicht kannten, höre ich tatsächlich fast nur positives. Ich bin echt hin und hergerissen, was ich vom Headliner des ersten Abends halten soll und muss erstmal eine Nacht drüber schlafen.

Donnerstag, 31.05.2018

Ja, auch ich bin lernfähig und deswegen hab ich mir zum ersten Mal nach unzähligen Festivalbesuchen Ohropax eingesteckt, die dafür sorgen, dass ich auf dem Freak Valley so gut, wie auf noch keinem anderen Festival schlafe.

Und so geht es ausgeruht Richtung Festivalgelände. Heute sollen die Bands auf dem Gelände der AWO spielen, wo bis gestern noch ca. 500 behinderte Menschen ihrer Arbeit nachkamen. Den Anfang am Donnerstag machen die Kölner GALACTIC SUPERLORDS, die kurzfristig auf der großen Bühne und nicht wie anfangs bekanntgegeben auf der kleineren „Wake & Bake Stage“ spielen werden. Grund dafür ist ihr heute veröffentlichtes Debütalbum. Ihr Heavy Rock strotzt nur so vor Energie und Sängerin Katharina Held scheint ein ganzes Nest voller Hummeln im Hintern zu haben. Mit ihrem Glitzerfummel ist sie pausenlos unterwegs und avanciert so zu einer wahren Rampensau!

RAGE OF SAMEDI prügeln noch eine Nummer härter auf das Publikum ein, doch mir ist das schon irgendwie zu heftig. Ihr sludgiger Southern Rock kommt mir zu sehr gepielt rüber, als dass es wirklich ernst gemeint ist. Hier ist mir einfach zu viel Gepose und Prahlerei im Spiel, als dass ich mich wirklich mit den Pfälzern anfreunden könnte.

Anders sieht es da schon bei den Italienern HUMULUS aus. Die Jungs wurden von den Kollegen vom rockblogbluesspot gebucht, welche den Rockfreaks sehr nahestehen. Das Trio aus Bergamo ist eine wahre Riffmaschinerie (ich sage nur „Distant Deeps Or Skies“). Ihr knackiger Mix aus Stoner, Doom und Psych ist eine wahre Bereicherung für das ohnehin schon grandiose Billing des Festivals und ein absolutes Highlight des Wochenendes.

Oha, da habe ich doch glatt eine der wichtigsten Personen des Freak Valley vergessen zu erwähnen. Wie jedes Jahr wird auch in diesem Jahr jede einzelne Band (bis auf eine Ausnahme) von Volker angesagt. Bis jetzt lief alles nach Plan, doch bei RUFF MAJIK vergisst er plötzlich den Bandnamen. Kann jedem mal passieren und lockert die ohnehin schon gelassene Stimmung im Publikum noch einmal um Längen auf. Für die Südafrikaner ist es die erste Deutschland-Tour überhaupt und statt sich einen Transporter zu mieten, reisen die Jungs zu jedem einzelnen Auftritt mit dem Zug an. Verrückte Typen! Irgendwie ist ihr Sludge ´n Roll etwas ziemlich besonderes. Selbst wenn ich nicht gewusst hätte, dass sie aus Pretoria kommen, hätte ich auf eine exotische Herkunft getippt. Ihr Stil ist einfach komplett anders als das 0815-Geklimpere, was du sonst geboten bekommst. Natürlich ist da auch geiles Zeug dabei, aber RUFF MAJIK halten durch ihren abgefahrenen Mix die Spannung über den gesamten Gig hoch!

Zeit für vertraute Hymnen

…denn als nächstes stehen die Sachsen MOTHER ENGINE auf den Brettern. Eine Band, die alles bietet, was ich mir nur erträumen kann. Verträumte Rifflandschaften, genügend Härte und eine gewisse Kauzigkeit, die ihre Musik wirklich einmalig macht. Mit der Veröffentlichung ihres letzten Albums „Hangar“ (Review hier) sind die Plauener nochmal eine ganze Schippe progressiver, aber nicht weniger zugänglich geworden. Nachdem sie hier im letzten Jahr „nur“ einen Slot auf der kleinen Bühne bekommen haben, beweisen die Jungs, dass das es richtig war, sie in diesem Jahr nochmal einzuladen und auf der großen Bühne ranzulassen. Vor der Bühne ist es gut gefüllt und es herrscht Stille, denn jeder fiebert mit den Instrumentalhymnen des Trios mit. Später am Abend erfahre ich von Drummer Cornelius noch, dass er die komplette zweite Hälfte des Sets nahezu nichts mehr auf den Boxen gehört hat. Davon habe ich nichts gemerkt, denn vor der Bühne war der Sound die gesamte Zeit über perfekt.

War es bei MOTHER ENGINE noch ziemlich voll, so leeren sich die Reihen jetzt sichtlich. Unverständlich, denn mit SUMAC steht eine echt interessante Band auf dem Programm. Im Nachhinein denke ich mir, dass die US-Amerikaner um ex-ISIS-Sänger Aaron Turner vermutlich eine Nummer zu hart für das Festival war. Auf der anderen Seite kam ihr Post Metal bei den Verbliebenen vor der Stage, auch bei mir, richtig gut an.

BUSHFIRE gehören zum Freak Valley wie Ansager Volker. Abgesehen von 2017 traten die Darmstädter bisher jedes Jahr hier auf. So wundert es auch nicht, dass es nun wieder deutlich voller vor der Bühne wird. Ihr Heavy Rock der Marke ORANGE GOBLIN klingt zwar recht lässig, doch ist in meinen Ohren nichts besonderes. Vermutlich fehlt mir auch irgendwie die Verbundenheit zu der Band, da ich ja zum ersten Mal vor Ort bin. Besonders ist der Auftritt für die Band heute trotzdem, denn sie nehmen ihr erstes Livealbum auf. Für mich die perfekte Gelegenheit mich ein wenig abseits zu setzen und nochmal kurz Kraft zu tanken für das, was der restliche Abend noch bereithält.

Erst dancen, dann trancen…

MY BABY sind ein echtes Phänomen. Nachdem sie für das Freak Valley zugesagt haben, habe ich mich in diese Band so richtig verliebt. Warum? Weil es einfach mal komplett was anderes ist. Vor dem Festival ging mir eine Frage ziemlich oft durch den Kopf: Wie wird die Stimmung bei MY BABY sein? Sie war grandios! Sie selbst bezeichnen ihre Musik als „Voodoo Trance„, doch ihr Stil ist so facettenreich, dass 2 Wörter da nicht ausreichen, um das zu beschreiben. Sängerin Cato van Dyck gibt Schreie von sich, bei denen ich mich frage, wo sie die Luft nur hernimmt, Gitarrist Daniel Johnston spielt bluesige Riffs, die aber zwischendrin ganz weit in andere Sphären abdriften und Drummer Sheik van Dyck zieht seine Beats das komplette 1-stündige Set über abgeklärt und durch. Einziges Manko: auf der linken Bühnenseite ist immer wieder ein heftiges Knacken und Knistern aus den Boxen zu hören, doch spätestens als „Sunflower Sutra“ ertönt, bin ich selig.

In einer ganz anderen Abteilung arbeiten OM. Die Band um SLEEP-Bassist Al Cisneros zelebriert überhaupt keine Tanzmusik, sondern setzt auf Monotonie, die einen in einen tranceartigen Zustand versetzt. Ja, Trance ist das richtige Wort, denn durch Cisneros´ monotonen, sich der Tonlage seines Basses anpassenden Gesanges driftet man ganz schnell vom Wirklichen ab und befindet sich in einer Zwischenwelt. Robert A. A. Lowe bringt mit seinen Synthie-Effekten, Gitarrenspiel und Tamburin noch einmal eine ganze Schippe mehr Mystik in Songs wie „State Of Non-Return“, „Meditation Is The Practice Of Death“ oder das abschließende „Bhimas Theme“ ein.
Ein wahrlich magischer Auftritt von OM beschließt also den Festival-Donnerstag, der dann am Ende doch ganz schön lang wurde. Gegen 2 Uhr mache ich mich auf den Weg Richtung Zeltplatz und habe das große Glück, auf andere lauffaule Besucher zu treffen, mit denen ich mir letztendlich ein Taxi teile.

Freitag, 01.06.2018

Tja, was haben die besten Ohropax für einen Nutzen, wenn morgens um 8 Uhr direkt vor deinem Zelt mehrere Kinder ein Tauzieh-Turnier veranstalten? Richtig, keinen! Also wieder was gelernt: versuche immer möglichst weit weg von Familien mit Kindern zu zelten.
So anstrengend der Start in den Tag war, so gemütlich startet der musikalische Teil des Tages. NAP aus Oldenburg musizieren ziemlich leicht verdaulichen Heavy Psych, der mit nur relativ wenig Gesang ausgestattet ist. Wenn dann allerdings mal Gesang kommt, dann genau an der richtigen Stelle.

Mit klassischem Stoner geht es weiter. STEAK aus Großbritannien fand ich auf dem letztjährigen Stoned From The Underground schon mehr als passabel und so sorgen sie auch hier dafür, dass ich trotz schwerer Augen langsam Fahrt aufnehme. Eigentlich hebt sich ihr Sound nicht mal wirklich von anderen Stoner-Bands ab, aber die Fleischfreunde (?) wissen einfach, wie sie ihre Energie von der Bühne auf das Publikum übertragen können.

Es wird wieder exotisch

Was am Vortag RUFF MAJIK waren, sind heute OUZO BAZOOKA. Die Combo aus Tel-Aviv spielt eine Mischung aus Surf- und Psychrock und doch können sie es nicht vertuschen, dass sie aus dem Mittleren Osten kommen. Nahezu in jedem Lied kommt ein Part vor, bei dem ich denke, dass eine Geschichte aus 1001 Nacht vertont wurde. Besonderer Hingucker ist ohne Frage die Tänzerin auf der Bühne, die auch zwischendurch zum Mikro greift. Doch nicht nur sie ist ein Blickfang. Auch der Rest der Band in ihren Gewändern macht einiges her und wenn Sänger und Gitarrist Uri Brauner Kinrot zu springen beginnt, brechen nicht nur auf der Bühne alle Dämme.

Sein Festival Freak Valley zu nennen, aber als nächstes stehen wahre Freaks auf der Bühne. THE FREEKS aus Los Angeles zocken einen ganz abgefahrenen Mix aus 70s Rock, Blues, Punk, Funk und was weiß ich nicht alles. Am Mikro schreit sich kein geringerer als Ruben Romano (ex-FU MANCHU und NEBULA) die Lunge aus dem Hals. Zwischendrin denke ich mir, dass das durchaus ein gutes Playback sein könnte und eigentlich Arthur Brown hinter der Bühne steht und singt.  Mit Jonathan Hall steht ein Mann an der Gitarre, der zwar schon gut in die Jahre gekommen ist und zusätzlich zum Gitarrenspiel wahnsinnig gute Backing Vocals vorträgt.

Zeit, die Wiese abzufackeln

Nachdem BLACK BOMBAIM mir nicht so sehr zusagen, entschließe ich mich, mir erstmal was in die Backen zu klemmen, denn ich will ja gut gestärkt bei DŸSE wieder vor der Bühne stehen, denn ansonsten haut es dich bei den beiden Dresdnern zu Boden. Ihr „New Wave Of German (B)Noisrock“ verwandelt die Wiese vor der Bühne, wie auch nicht anders zu erwarten, in ein riesiges Schlachtfeld. Ob dieses Festival das jemals so heftig erlebt hat? Ihr Set besteht (verdient) zum Großteil aus Stücken von ihrem letzten Longplayer „Das Nation“. Songs wie „Schildkrötenthomas“, „Sie Ist Maschin“ oder „Hans“ sorgen bei jeder Ansage für ein Schmunzeln, ehe beim ersten Takt die wilde „Schubberei“ losgeht. Allerdings gibt es auch hier wieder Probleme mit den Boxen auf der linken Bühnenseite, doch das Knistern und Knacken bügelt ein freundlicher Gruß an unsere blau-braunen Freunde der AfD und der „Nackenöffner“ locker wieder weg.

Nach dem wilden Ritt folgt der wilde Trip. YURI GAGARIN war nicht nur der erste Mensch im Weltall, sondern die gleichnamige schwedische Spacerock-Band ist der einzige Vertreter dieses Genres auf dem Freak Valley. Selbst Ansager Volker, bei dem eigentlich jede Gruppe mit den gleichen Worten angekündigt wird, fügt noch einen „schönen Flug“ an. Vor 3 Jahren hatte ich schon einmal die Möglichkeit, diese Ausnahmeband vor einem 15-köpfigen Publikum zu sehen und war in ganz anderen Sphären unterwegs. Dass es mir hier bei der hundertfachen Menge an Zuhörern und am helligten Tage genauso geht, spricht absolut für die Band. Wie mir Bassist Leif Göransson nach dem Auftritt erzählt, bin ich ein wahrer Glückspilz und habe die 2 stärksten Gigs der Band überhaupt miterlebt. Alle guten Dinge sind 3, würde ich sagen!

Irgendetwas scheint das Raumschiff von YURI GAGARIN dort oben im Himmel gerade zerstört zu haben. Bis jetzt war das Wetter zwar trüb, aber trocken. Gerade als WOLF PEOPLE die Bühne betreten, beginnt es in Strömen, zu schütten. Eine dünne Jeansjacke ist da nicht unbedingt das beste Kleidungsstück, um trocken aus der Affäre zu kommen. Nachdem ich ja nun schon Ohropax dabei habe, wird sich auf dem nächsten Festival sicher noch eine Regenjacke in meinem Rucksack wiederfinden. Aus wettertechnischen Gründen verpasse ich deshalb WOLF PEOPLE und kehre erst zu MARS RED SKY wieder in Bühnennähe zurück.

Kleiner Mann, große Gitarre (nein, das ist nicht versaut gemeint!), hohe Stimme – so lässt sich Julien Pras am besten beschreiben. Und an ihm und seiner Stimme scheiden sich die Geister. Ich für meinen Teil finde seine Gesangsleistung ganz große Klasse und vor allem wenn er im Duett mit Bassist Jimmy Kinast das Publikum beglückt, empfinde ich einfach nur Wärme in meinem Körper. Dadurch, dass gleich zu Beginn des Sets meine 2 absoluten Lieblingssongs „Marble Sky“ und „Strong Reflection“ gespielt werden, bin ich sowieso verzaubert und lasse jede „Stimmendiskussion“ an mir abprallen.

Die nächste Band wurde 1986 gegründet. Etliche Musiker, die hier auftreten, waren in diesem Jahr vermutlich noch flüssig und doch wurden sie maßgeblich von CANDLEMASS beeinflusst. Nach 2 Auflösungen und Neugründungen steht mittlerweile Mats Levén an vorderster Front und kann hier genauso wie auf dem letztjährigen Party.San Open Air durchweg überzeugen. Das Wetter passt sich der schaurigen Musik mit Sprühregen an, weshalb ich mir den Auftritt von weiter hinten im Trockenen anschaue, doch auch hier ist es pure Magie, die einem entgegenfliegt.

Jetzt reicht´s mit den Gesangskontroversen

…denn der Headliner des dritten Abends besitzt keinen Sänger! MY SLEEPING KARMA aus Aschaffenburg sind die absolute Speerspitze des deutschen Psychedelic Rocks. Ich habe die 4-köpfige Truppe jetzt schon oft gesehen, doch dieser Auftritt ist irgendwie etwas ganz besonderes. Irgendwie wirkt heute alles tiefgründiger als bei den vorherigen Malen. Wenn ihr eine geschlossene Einheit auf der Bühne sehen wollt, müsst ihr euch die Unterfranken unbedingt ansehen. Hier spielt sich keiner in den Vordergrund, denn nur gemeinsam schaffen sie es, die vielschichtigen Songs emotional an die Fans zu bringen. Nicht wenige Leute um mich herum haben Tränen in den Augen und sogar Volker, der alte Hase, bestätigt mir am nächsten Morgen, dass er einen Kloß im Hals hatte. Das sind doch aber die schönsten Momente auf einem Festival, wenn einen die Musik wirklich berührt und nicht nur an einem vorbeirauscht.

Samstag, 02.06.2018

Es scheint, als sollte ich stummer Erzieher werden. Wurde ich am gestern Morgen noch unsanft aus meinen Träumen gerissen, ließen es Nachbarskinder heute gemütlich angehen und ich konnte bis 10 Uhr ausschlafen. Unglaublich, so lange hab ich noch nie in nem Zelt genächtigt.
Käffchen, Kippchen und dann gehts auch schon wieder ins Tal, denn TOKE aus North Carolina soll dem Publikum den nötigen Kickstart verpassen. Und wie sie das mit ihrer Musik tun. Ich betone absichtlich Musik, denn scheinbar gibt es Probleme mit dem Mikro von Sänger Bronco. Auch wenn man die Stimme stellenweise nur erahnen kann, groovt ihr sludgiger Rock extrem und auch fürs Auge wird einiges geboten. Die Saitenfront ist von oben bis unten zutätowiert, wobei Broncos riesiger Gorilla auf dem Rücken das Highlight ist. Fettes Teil!

Der Preis für den schönsten Pony des Festivals geht ohne wenn und aber an Marco Menestrina, seines Zeichens Bassist von KALEIDOBOLT. Durch den Wechsel von verträumten und explosiven Parts, treffen die Finnen mit ihrem progressiven Psychedelic Rock genau meinen Nerv. Und nicht nur mir gefällts, denn nach dem Auftritt wird der Merchstand der Skandinavier ordentlich belagert.

Weil wir gerade bei Preisverleihungen sind: Den Titel für den wohl energischsten Drummer des Festivals bekommt Johanes Barrysmith von YEAR OF THE COBRA. Der Typ hat mal richtig Feuer in den Tentakeln. Unterstützt wird er von (seiner Herzdame) Bassistin und Sängerin Amy Tung Barrysmith. Wer braucht schon eine Gitarre, wenn einem so ein brachialer Basssound um die Ohren gefeuert wird. Neben einer guten Portion Doom wird hier auch ordentlich Geschwindigkeit serviert, die hier und da auch schon mal etwas punkig klingt. Ihrem 2016er Debüt „…In The Shadows Below“ soll noch in diesem Jahr der Nachfolger folgen und ich weiß jetzt schon, dass ich mir das gute Stück Vinyl in die Sammlung stellen werde, denn Songs wie „Burn Your Dead“ lassen den Geldschein bei mir ganz locker sitzen.

Dem Old-School-Doom haben sich PURPLE HILL WITCH aus Oslo verschrieben. Nachdem ich ihr im letzten November veröffentlichtes Album „Celestial Cemetary“  (Review hier) als „grundsolide, aber nichts für die Geschichtsbücher“ beschrieben habe, bestätigt sich auch heute meine Meinung. Trotzdem macht das, was die Jungs auf der Bühne zelebrieren, wahnsinnig Spaß, denn die neuen Songs sind immer noch tief in meinen Gehörgängen eingemeißelt. Ob „Queen Of The Hill“, „Around The Universe“ oder das abschließende kongeniale „Ghouls In Leather“ machen den 45-minütigen Auftritt der Skandinvavier zu einem sehr kurzweiligen Trip durch die wilden 70er.

Etwa im selben Jahrzehnt sind LUCIFER angesiedelt. Die deutsch-schwedische Band kann man durchaus als Allstar-Combo bezeichnen. Neben Sängerin Johanna Sadonis (THE OATH) stehen Martin Nordin (DEAD LORD) und Robin Tidebrink (SATURN) an der Gitarre und an den Drums sitzt niemand geringeres als THE HELLACOPTERS– Fronter Nicke Andersson. Ohne Frage, musikalisch und gesanglich ist alles auf den Punkt, doch irgendwie fehlt mir bei LUCIFER schon immer das gewisse „i-Tüpfelchen“, dass ihre Musik in meinem Kopf längerfristig verankert. Und als ob Johanna, die nicht nur optische Ähnlichkeiten zu Jinx Dawson von COVEN aufweist, irgendetwas Böses heraufbeschört hat, fängt es während dem Auftritt an zu schütten, als ob die Welt untergehen wird. Glücklicherweise bleibe ich dieses Mal trocken, denn ich stehe gerade in der Schlange vor der Toilette (die übrigens immer tip top sauber war!).

Eine der größten Überraschungen des Festivals sind für mich SACRI MONTI aus San Diego. Der sympathische Fünfer rund um RADIO MOSCOW-Bassist Anthony Meier spielt klassischen Psychedelic Rock, unterlegt von schummrigen Orgelsounds. Dabei kommt die kaifornische Leichtigkeit aber nicht zu kurz. Da wird hier mal ein Kippchen geraucht und dort mal ein Foto von den Fans geschossen, ohne aber dabei an Ernsthaftigkeit zu verlieren. Gerade vom starken Sound bin ich so geflasht, dass ich nicht anders kann als erstmal den Merchtisch der Truppe zu plündern und mit einem fetten Grinsen und Platte unter dem Arm zu meiner Truppe zurückzukehren.

Zeit für das große Finale

Doch erstmal ist Platte sichern angesagt! Durch den beschwerlichen Weg Richtung Camp verpasse ich leider die norwegischen Boogie-Rocker BRUTUS und kehre erst zu ASTEROID vor die Bühne zurück. Vor exakt einem Jahr wurde ASTEROID aus gesundheitlichen Gründen auf Eis gelegt, doch heute präsentieren sie sich stärker als ich sie je gesehen habe. Mit einem perfekten Set, bestehend aus Songs von allen 3 Alben, und superbem Sound haben sie sich den relativ späten Slot in der Running Order redlich verdient. Vor allem die neuen Songs von „III“ (Review hier) lassen mich aufhorchen, denn bis jetzt kam ich noch nicht in den Genuss, diese live zu hören. Die größten Knaller kommen aber vom zweiten Album der Schweden und so ist auch nur logisch, dass das Set von „Garden“ abgerundet wird. Von mir aus hätten sie nochmal von vorn beginnen können.

Wer meinen Bericht vom letztjährigen Stoned From The Underground gelesen hat, weiß, dass ich nicht unbedingt der größte Fanboy von den Amerikanern KARMA TO BURN bin. Auch nach dem heutigen Gig werde ich das wahrscheinlich nicht werden. Ihre Musik hat zwar Hand und Fuß, aber trotzdem finde ich sie nicht experimentell genug für eine Instrumentalband.

Das Freak Valley ist eigentlich ein Ort voller Fröhlichkeit und doch stand schon vor dem Festival fest, dass ein nicht so schönes Ereignis geben wird. THE FLYING EYES spielen heute ihr allerletztes Konzert überhaupt. Ok, das haben sie auch schon letztes Jahr in Leipzig behauptet, aber ich denke, dass es dieses Mal wirklich endgültig ist. Von Anfang merkt man, dass der heutige Auftritt etwas ganz besonderes werden wird, denn noch nie habe ich die Jungs so engagiert und bewegungsfreudig erlebt. Auch bei ihnen sind es die Songs der aktuellen Platte „Burning Of The Season“ die, die am meisten zünden, allen voran „Fade Away“, bei dem ich ab der ersten Sekunde auf das grandiose Riff im Refrain hinfiebere. Aber auch „Don´t Point Your God At Me“, was nicht ohne Grund an THE DOORS erinnert, wird frenetisch abgefeiert. Beim letzten Song heißt es Abschied nehmen und „Danke sagen“. Nicht nur die Band verabschiedet sich, auch der harte Kern der Rockfreaks kommt deshalb zu „Lay With Me“ auf die Bühne und feiert ein letztes Mal gemeinsam mit den Jungs aus Baltimore. Schon ein wenig schade um die Jungs, doch wie Volker bei seiner Ankündigung schon meinte: „Schade, aber isso“

Der Höhepunkt auf allen Ebenen sind RUSSIAN CIRCLES. Sowohl Ton- und vor allem Lichttechniker erleben zum Abschluss des Festivals eine wahre Sternstunde. Es ist auf jeden Fall eine clevere Entscheidung, die Band zum krönenden Abschluss spielen zu lassen, denn mit ihrem Post Rock wären sie vermutlich woanders im Billing untergegangen. So haben quasi alle anderen Bands auf RUSSIAN CIRCLES „hingespielt“ und die dürfen nun die aufgebaute Stimmung nutzen, um ihre monumentalen Songs über die Köpfe hinweg zu fegen. Ich gebe zu, dass ich mit der Truppe nicht mal so sehr vertraut bin und zu Hause eigentlich nur das „Empros“-Album hoch und runter läuft, doch du musst die Songs nicht mal kennen, um von ihnen mitgerissen zu werden. Jeder einzelne Song hat seinen eigenen Charme und baut eine ungeheure Atmosphäre auf. Als dann als Höhepunkt noch „Mladek“ erklingt, bin ich vollkommen erfüllt und gewappnet für die Aftershowparty.
Diese fällt kürzer als gedacht aus, denn 4 Tage Festival nagen schon ganz schön an meinen Kräften. Trotzdem reichts noch für ein Bier. Den Jungs von THE FLYING EYES reicht es scheinbar noch nicht und wie mir im Nachhinein berichtet wurde, glänzten sie vor allem durch überraschend gute Tanzmoves.

Fazit

Tja, das war es auch schon wieder mit meinem ersten, aber garantiert nicht letzten Freak Valley. Ich habe echt nur ganz selten ein solch familiäres und zugleich hochprofessionelles Festival wie dieses erlebt. Dieser Aspekt zusammen mit der wahnsinnig guten Bandauswahl macht es in meinen Augen zu etwas ganz Besonderem. Kaum ein Festival mit „nur“ 2500 Besuchern kann mit einem derart hochkarätigen Line Up mit Bands aus Stoner, Doom und Psych mithalten.
Die Preise auf dem Gelände sind absolut angemessen und die Essensauswahl ist angenehm groß (ich habe nur Falafel gespeißt!) und kostengünstig.

Also dann, bis (hoffentlich) nächstes Jahr, ihr FREAKS!

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Schon seit Monaten verfolgt mich nun das Cover von „Celestial Cemetery“ und selten hat mich ein Artwork so zum Hören der Musik animiert. Schon ihr Debüt konnte mich durchweg überzeugen, auch wenn es keine Begeisterungsstürme in mir auslöste. Und exakt dort machen die 3 Jungs aus Oslo nun weiter.

Gruß und Kuss von Ozzy

„Celestial Cemetery“ ist die logische Fortsetzung von „Purple Hill Witch“ – nicht mehr und nicht weniger, und dennoch gibt es ein paar kleine, aber feine Veränderungen. War auf ihrem Erstling noch vermehrt an manchen Stellen ein leicht verräucherter Stonerhauch zu spüren, geht die norwegische Schlaghosenfraktion nun bewusst noch tiefer in die Geschichte des Doom. Das gelingt auch wunderbar, dennoch ist das alles nichts Neues, was mir die Kinnlade herunterklappen lassen würde. Was aber bleibt, sind unfassbar eingängige Gitarrenriffs, Gesangslinien, die immer für eine Überraschung gut sind, Bassspuren, die einfach nur grooven und ein sehr greifbarer und ehrlicher Drumsound.
Richtig gehört! Die Texte werden nicht nur einfach so runtergeleiert, sondern mit ordentlich Feuer vorgetragen (da darf das typische, von Ozzy Osbourne geprägte „Alright“ nicht fehlen). Abgekupfert wirkt es trotzdem nicht, da PURPLE HILL WITCH zwar alt klingen, aber dennoch eine gute Portion Eigenständigkeit auf die Platte bringen.

Anspieltipps: „Ghouls In Leather“ und „The First Encounter“

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Es ist für mich mal wieder ein stinknormaler Tag als Silence-Mitarbeiter. Die Suche nach Promos gestaltet sich dieses Mal schwerer als gedacht. Irgendwie häuft sich Geknüppel ganz schön an. Nicht unbedingt das, was ich mir den ganzen Tag reinziehen muss. Und dann stoßen mir doch diese 4 Buchstaben sofort in die Augen. „Bong“ ist eigentlich in jedem Bandnamen der Garant für ordentlichen Doom. BELZEBONG, BONGRIPPER, BONGZILLA – alles wahre Hochkaräter auf ihrem Gebiet. BONGCAULDRON allerdings wollen sich da nicht so wirklich einreihen. Und das nicht mal, weil sie nichts draufhaben, sondern viel mehr, weil sie sich nicht straight einem Stil widmen, sondern irgendwie ein riesiges Chaos hinterlassen.

Einfach alles mal in den Kessel werfen

Obwohl ich regelmäßig diese sagenumwobenen Bong-Bands höre, waren mir bis vor kurzem BONGCAULDRON kein Begriff. Das mag vielleicht daran liegen, dass „Binge“ ihr Debüt darstellt. Seit der Bandgründung 2011 kamen lediglich ein paar Singles und EPs auf den Markt. Diese scheinen aber auch nicht gänzlich eingeschlagen zu sein, sonst hätte ich doch von dieser Kapelle sicher schon mal etwas zu hören bekommen. Aber gut, so ist der Überraschungseffekt halt größer. Und wie er das ist! Immer wenn das Wort „Bong“ irgendwo auftaucht, muss ich automatisch an dieses eine Zitat denken:

„Slow Riffs – Bong Hits“

Dieses wird hier mit Füßen getreten! Zwar sind manche Songs durchaus langsam, doch das Hitpotential ist total abhanden gekommen. Schon beim Opener „Devil“ weiß ich nicht so recht, was hier auf mich zukommt. Einerseits brachiale Sludge-Riffs, auf der anderen Seite ein 08/15-Geschrei und ganz zum Schluss wird das Tempo angezogen, wodurch ich einfach nur noch Fragezeichen in den Augen hab. Ok, jetzt weiß ich schon mal, dass die Struktur darin besteht, dass es keine Struktur gibt. Denkste, denn „Bury Your Axe In The Crania Of Lesser Men“ wird durchzogen von einem ziemlich groovigem Beat und brachialem Riff, was wenigstens ansatzweise Wiedererkennungswert vorweist. „68“ allerdings wirft diese wunderschöne Kontinuität über den Haufen. Jetzt ballern mir die 3 Jungs aus Leeds auch noch Double-Bass-Passagen in die Ohrmuscheln. Denkt nicht, dass ich etwas gegen Blastbeats und wohldosierte Double-Bass-Einsätze habe, aber bei BONGCAULDRON ist es einfach reinste Reizüberflutung.

Hoffnung auf bessere Zeiten

… und diese kommen tatsächlich mit dem Titeltrack „Binge“, denn hier wird nicht einfach nur wild drauf losmusiziert, sondern sich auch mal vom Flow des Songs treiben gelassen. Sogar ein ziemlich ausgiebiges fuzziges Solo findet seinen Weg in den Song.
Ende mit der Besserung: „Bigfoot Reigns“ walzt mit voll durchgedrücktem Gaspedal alles weg. Dieses Auf und Ab zieht sich nahtlos bis zum Ende der Platte durch, wobei mir die flotten, fast schon hardcore-punkigen Stellen der Songs am meisten Freude bereiten.

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Plauen – eine Stadt im Vogtland, die eigentlich nichts mit dem großen weiten Weltall zu tun hat. Dennoch haben es sich 3 Jungs aus der Gemeinde auf die Fahne geschrieben, ein wenig außerirdische Energie in der sonst doch recht kargen Kreisstadt freizusetzen. Nachdem ihr letztes Album „Absturz“ mit dem Titel „Hangar“ endete, haben es sich die Burschen leicht gemacht und ihr neuestes Werk ebenfalls auf „Hangar“ getauft. Dass das nicht irgendwelcher zusammenhangsloser Stuss ist, beweist schon der Opener „Prototyp“. Hier wird nahtlos an das Vorgängeralbum angeschlossen, welches die MOTHER ENGINE auf dem Wüstenplaneten „X Alpha Wolf 538“ abstürzen ließ.

Was ich erwarte …

Mittlerweile sind Alben mit einer Spielzeit von über einer Stunde eine wirkliche Rarität geworden. Kaum ein Album überschreitet mehr die magische 50 Minuten-Marke. Als ich sah, dass „Hangar“ sich weit über eine Stunde zieht, war ich mir nicht sicher, ob ich diese Klangreise ohne Gliederschmerzen überstehe. Ich meine schon, dass überlange Songs ihren ganz besonderen Reiz haben, aber 4 Songs in 77 Minuten sind schon harter Tobak. Noch dazu, weil die Vogtländer gänzlich auf Gesang verzichten und lediglich ihr Können an den Instrumenten sprechen lassen.

Was ich bekomme …

MOTHER ENGINE schaffen es, dass ich in den 77 Minuten die verschiedensten Weltraumlandschaften durchreise. Es braucht keine Worte, um zu verstehen, was jeder einzelne Song ausdrücken soll. Allein die Riffs, Takte und Effekte lassen erahnen, dass das neue Mutterschiff schon kurz nach der Fertigstellung mindestens genauso rund läuft wie die alte Kiste, die es ja zerlegt hat. Aber warum sollen wir alten Sachen nachtrauern, wenngleich das neue Werk doch viel stabiler und mächtiger wirkt.

Musik für Maschinenbaustudenten

Natürlich ist die Planung eines neuen Raumschiffes nichts für Unwissende. „Prototyp“ eröffnet „Hangar“. Im Hangar herrscht ein wildes Treiben und man hört die Mitarbeiter, wie sie gestresst die Außenhülle des neuen Spacetaxi in Form bringen. Das Gehäuse steht, also geht es ab in den Windkanal. Schnittig, dynamisch und doch tonnenschwer präsentiert sich der Opener. Auch wenn es noch Ecken und Kanten gibt, steht für mich fest, dass das neue Fluggerät deutlich leistungsstärker durch die Sphären schwebt. Schon jetzt wird mir klar, dass diese Reise niemals langweilig werden kann, denn die Jungs setzen innerhalb kürzester Abstände Akzente, die einen dicken Stempel auf meinem Trommelfell hinterlassen. Auch unter starker Belastung zeigt die neue MOTHER ENGINE keine Schwächen. Die Plauener wissen, wie sie mich mit greifbaren Stoner-Riffs und bluesigen Parts erreichen können!
Ohne Treibstoff geht natürlich nichts! „Biosprit“ nennt sich der nächste Titel. Ich spüre, wie jeder Tropfen des durchaus flüchtigen C2H6O durch die Leitungen des Schiffs fließt und es flugtauglich macht. Langsame, atmosphärische Riffs verdeutlichen mir dieses Szenario, ehe klirrende Gitarrensaiten das Luftgefährt zum ersten mal zum Leben erwecken. Jetzt wird es deutlich ruppiger. „Biosprit„ ist schon deutlich dynamischer als noch der Opener, was vor allem durch postrockige Passagen zustande kommt. Auch während dieser 18 Minuten kommt keine Langeweile, sondern eher Schrauberlaune, auf.

Jetzt, wo alle Leitungen befüllt sind und die Maschinen auf Hochtouren laufen, wird mit „Tokamak“ das unterstützende Bauteil zugeschaltet. Tokamak? Ohne Wikipedia hätte ich auch nicht gewusst, was das sein soll. Es handelt sich dabei um einen Fusionsreaktor. Die Jungs gehen also auch mit der Zeit und setzen umweltschonende Alternativen ein. Nicht übel! „Tokamak“ glänzt mit fuzzig-bluesigen Riffs, die flüssig und einleuchtend sind. Von Minute zu Minute steigert sich dieser Song schon fast zu einem Doom-Hit, ehe das Konstrukt eingerissen und von Blasinstrumenten ein hymnischer Psychedelic-Part eröffnet wird. Richtig wild wird der Titel nochmal zum Ende hin. Spätestens jetzt wird auch jeder Physikstreber passen müssen. Der Song endet mit einem Part namens „Lawson Kriterium“. Mindestens genauso wild wie der Part ist auch die Definition des Lawson Kriteriums. Zieht es euch bei Wikipedia einfach mal rein.
Mit „Weihe/Leerlauf“ geht „Hangar“ dann auch „schon“ wieder zu Ende. Anders als bei den vorherigen Songs, ist dieses Stück nicht noch einmal in Untertitel gegliedert und benötigt überhaupt keine Anlaufphase. Das technische Konstrukt ist mittlerweile eingelaufen und schwebt durch das All. Zum Abschluss wird nochmal alles an Einflüssen zusammengekehrt. Space, Psych, Prog, Post, Stoner – alles darf hinein. Die neue MOTHER ENGINE läuft rund und setzt ihre Reise in die Unendlichkeit fort. Ich bin sehr gespannt, was mich auf dem nächsten Album der Jungs erwarten wird!

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FREITAG

Für ein Festival untypisch, wurde der Start auf 22 Uhr festgelegt. Allerdings stellt das nur teilweise ein Problem dar (Bands müssen bis spät Nachts auf ihren Auftritt warten), schließlich treten heute nur 3 Bands auf. Den Anfang machen die Leipziger GOAT EXPLOSION, welche durch diverse Zweitbands und das Leipziger Kollektiv INTO ENDLESS CHAOS einen guten Ruf in Szenekreisen genießen. Das erste Mal habe ich die Formation im Turm (Halle/Saale) mit MANILLA ROAD erleben dürfen. Für mich gab es damals noch Kritik am Gesang zu verkünden und umso mehr bin jetzt auf das nächste Erlebnis gespannt.

Bei halbvollem Konzertsaal legen GOAT EXPLOSION mit einer recht eigenen Mischung aus Doom und Heavy Metal zu wuchtigem Sound gut vor.
Jedes Instrument ist über die gesamte Spielzeit gut zu hören und wird durch die kraftvolle Spielweise des Schlagzeugers ergänzt. Zu Beginn ihres Sets sind die Gäste noch ein wenig verhalten, aber schließlich handelt es sich um die erste Band am Abend. Und je mehr sich GOAT EXPLOSION durch ihr Set ackern, desto mehr Köpfe nicken selig zu dem melodiösen Gesang und den knarzigen Gitarren. Zwischendurch wird es auch ruhig, als Sänger Basti in Begleitung seiner Gitarre die Hälfte eines Songs intoniert. Den krönenden Abschluss bieten dann die Sachsen in Form eines Songs, der deutlich von COLOUR HAZE beeinflusst wurde.

Die Ziehsöhne von Electric Wizard

45 Minuten später folgt die erste Umbaupause. Die meisten Leute sitzen gemütlich am Feuer, während drinnen einige ihrer Lust nach Kicker oder einem gemütlichen Plausch frönen. Was dann folgt, hätte ich durch das vorherige reinhören der nächsten Band nicht geglaubt. CONFUSION MASTER legen mit klatschfetten Riffs los und sofort werden die Kenner des härteren Dooms bedient. Die simple, aber äußerst effektive Bedienung der Instrumente zündet schnell und auch der leidende Gesang findet regen Zuspruch. Dieser wird zwischendurch in Growling abgewandelt, was zum Gesamtpaket von CONFUSION MASTER gut passt.

Das Ganze wirkt so gut, dass die Rostocker erstaunlich nahe nach dem Überalbum „Dopethrone“ von ELECTRIC WIZARD tönen. Für manchen vielleicht zu nahe, aber ich finde, dass es sich hier mitnichten um einen billigen Klon handelt. Erst recht nicht, wenn eine Band nach einem Demo schon so gut klingt. Dafür sorgen unter anderem auch die leichten Einflüsse von CHURCH OF MISERY. Mittlerweile ist der Konzertraum gut gefüllt und lässt sich von den zähflüssigen, durchaus einlullenden Riffs überzeugen. Insgesamt eine starke Vorstellung und eine Darbietung aus dem Bilderbuch, wie Doom zu klingen hat: sumpfig und versifft.

Ohne Gitarre

Zeit sich ein Getränk zu holen, denn die Kehle dörrt bei dem ganzen Rauch und den Temperaturen ja doch schnell aus. Und während sich einige Gäste
das Demotape von CONFUSION MASTER für läppische 5 Euro unter den Nagel reißen, verpasse ich doch fast den Beginn vom Headliner. BEEHOOVER spielen aber zum Glück erst seit circa 30 Sekunden, also noch alles im Lot. Das Duo aus Stuttgart lässt sich für einen Neuling gar nicht so recht kategorisieren. Irgendwo zwischen progressiver Schrägheit, wütendem Sludge und Noise-Ausbrüchen könnte man BEEHOOVER verzeichnen. Wäre aber zu einfach. Die Kerle legen mit ihrer Performance alles auseinander. Ohne Gitarre, denn es braucht lediglich einen Viersaiterbass und ein Schlagzeug.

Dazu wechseln sich Ingmar und Claus mit dem Gesang ab, der an kauziger Darbietung und wüstem Geschrei nicht zu überbieten ist. Die Spielzeit wird mit Material von allen Alben gefüllt und schnell entsteht Bewegung vor der Bühne. Dabei ist es auch optisch sehr ansprechend, wenn man den Blick auf das seitlich positionierte Schlagzeug und die vielen Effektgeräte vom Bass wirft. Circa 75 Minuten lang wird eine Abrissbirne vor den Latz gezimmert und zum Schluss gibt es noch eine Zugabe („The Sun Behind The Dustbin“). Mit den Worten „Und danach gehen alle ins Bett“ verabschieden sich BEEHOOVER gegen 2 Uhr nachts.

Feierabend. Ich ergattere noch ein Buch, dass der Schlagzeuger von BEEHOOVER verkauft (lesenswerte Anekdoten aus dem Tourleben) und
dann geht es noch an den Tresen.

SAMSTAG

Der zweite Tag steht ganz im Zeichen der bewusstseinserweiternden Musik aus der Hippiära. Dachte ich zumindest. 20:30 Uhr spielen PARADISE CHAUFFEUR SERVICE vor (immerhin) 40 Leuten. Dieser Umstand freut mich sehr. Ist heute ja nicht mehr Standard, dass so viele Menschen sich um diese Uhrzeit vor eine Bühne bequemen. Jedenfalls gefallen mir die (ab und an) schwermütigen Songs sehr. Selbst bei den dröhnenden Eruptionen an Gitarre und Bass, die frappierend an COLOUR HAZE erinnern, wirkt das Gespielte in sich ruhend. Da braucht es auch keine Ansagen zwischendurch.

Gegen halb zehn betreten ZEMENT die Bühne und zocken eine krude Mixtur aus angenehm monotonen Tönen, die durch eine Loop-Station zu einem großen Puzzle zusammengefügt werden. Ist zwar kein Metal oder Rock, aber doch ziemlich interessant. Auch bei ZEMENT wird bewusst auf
Musikerüberschuss verzichtet. Drums, Gitarre und Synthesizer reichen da vollkommen aus. Das zieht natürlich viele Gäste an, die tiefenentspannt zu den Liedern tanzen. Schmunzeln muss ich auf jeden Fall bei den Titelnamen ihrer Setlist (unter anderem „Gips“, „Kalkstein“).

Tja und gegen 23 Uhr kommt dann mein persönliches Highlight. GIÖBIA aus Italien sind für viele Anwesende der klare Headliner. Zu dickem Geblubber aus dem Rickenbacker-Bass gesellen sich herrlich verdrogte Riffs und völlig verhallter Gesang. Auch das Synthesizer wird wieder bedient und Frauengesang gibt es zwischendurch auch noch.

Zeitverlust im Nebel

Optisch ist aber nach kurzer Zeit nichts mehr zu erkennen. Die Musiker werden von einer alles verschluckenden Nebelwand verschleiert, sodass sich nur erahnen lässt, wer auf der Bühne steht. Naja, dann sieht man eben nur Nebel, der sich durch die Scheinwerfer verfärbt. Ich für meinen Teil genieße, wie alle anderen auch, die bockstarke Performance aus 60er Psychedelic und drückendem Stoner. Da braucht es noch ein paar Minuten, als die GIÖBIA ihren Gig beenden und ich durch völligen Zeitverlust realisiere, wie schnell der Auftritt vergeht. In der Tat berauschend.

Durch eine ausgedehnte Umbaupause ist es spät geworden. VIBRAVOID legen sehr spät los (0:50) und verzichten auf einen Bassisten. Dafür treten sie mit Hammondorgel auf. Das Trio bespielt zum zweiten Mal die Bühne des DEEP SOUND CITY Festivals und auch dieses Mal haben die Musiker richtig Lust auf den Gig. Fast 2 Stunden lang bieten sie eine schweißtreibende Reise in die Vergangenheit und beweisen, dass Psychedelic Rock auch heute noch lebendiger ist als zuvor. Ich bin mir sicher, dass sie damals schon den Leuten gefallen hätten.

Fazit

Laut eigenen Angaben haben am Freitag circa 160 Leute und am Samstag 250 Gäste das DEEP SOUND CITY Festival besucht. Das ist ein großer Zuspruch für diese Art von Musik und hoffentlich wird es beim nächsten Mal genauso schön und entspannt. Ich bedanke mich herzlich bei Halleluja Stoner, Mez, ohne den es keine Bilder für Samstag gegeben hätte, dem Hühnermanhattan und allen Leuten, die dafür gesorgt haben, dass diese 2 Tage so reibungslos und großartig gelaufen sind.

Deep Sound City Festival Homepage

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Der Versuch, GET YOUR GUN in eine Genreschublade zu packen, scheitert kläglich. Die Band beschreibt ihre Musik selbst wie folgt: „A blend between the weight and aggressive nature of stoner-rock, the nordic melancholy, and the darkest tales of country- and folkmusic.“ (Quelle) Ein paar Parallelen zu anderen Künstlern lassen sich allerdings ziehen. So denke ich an mancher Stelle an CHELSEA WOLFE, EMMA RUTH RUNDLE, manchmal sogar an HEXVESSEL oder NICK CAVE.

Minimalprinzip?

Eins kann ich definitiv festhalten: Trotz eher minimalistischer Musik erzeugen die beiden Dänen maximale Wirkung. Trotz einem weiten Raum und viel Hall habe ich das Empfinden, beengt zu werden, sogar jeden Moment nach Luft ringen zu müssen. Unfassbar!

Die Erfahrungen kannst du allerdings selbst sammeln, denn SILENCE hält für dich hier die exklusive Videopremiere zum Titel „You’re Nothing“ vom kommenden zweiten Album „Doubt Is My Rope Back To You“ bereit. Der Silberling ist ab dem 13. Oktober diesen Jahres erhältlich (Preorder).

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Webseite

Bild mit freundlicher Genehmigung von GET YOUR GUN und Jonas Bang

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