TAG 1: FREITAG

Wie leider immer erlaubt es mir die Arbeit nicht, vor 17:30 da zu sein. Wie gottseidank immer habe ich aber meine Informanten vor Ort, die das Notizennehmen bei der ersten Band für mich bewerkstelligen!

EICHHÖRNCHEN IM MOSHPIT

Und zwar handelt es sich bei besagter Band um niemand anderen als die hauseigenen TALES OF RATATÖSK! Während die Musiker in aufwändigen Bühnenoutfits die ersten Töne des Abends anklingen lassen, strömen auch die Besucher und -innen von außen nach innen und treten dem Eichhornkult mit Applaus, Jubel und Kopfgeschraube bei. Gleich nach dem ersten Lied erschallen bereits „Ausziehen!“-Rufe – man fragt sich warum, das riesige Plüscheichhorn ist doch bereits unbekleidet. Lange dauert es jedenfalls nicht, bis dieses im Circle Pit heftigst am Mitmoshen ist – genau wie Dudelsackspieler Tim samt Dudelsack – mit Kleidern aber.

Für viele Zuhörer ein erstes Mal: Bis vor lockdowninduzierter Bühnenpause vor drei Jahren hatten TALES OF RATATÖSK noch ein auffällig anderes Lineup – es sticht vor allem hervor, dass nun statt männlichen Growls und weiblichen Clean Vocals konsequent der Gesang von einer neuen schreienden Dame übernommen wurde. Und das ebenso gekonnt wie überzeugend! Hätten sie sich dem Festival eigentlich im letzten Jahr schon in dieser Form präsentieren sollen, so kam es damals dank vom Basser ausgehender Corona-Infektion der (fast) gesamten Band leider zum Ausfall. Auch schön: In der zweiten Reihe vor der Bühne steht die alte Besatzung und macht ordentlich Party.

Als ich im Resonanzwerk ankomme, schaffe ich es gerade noch, die beiden letzten Songs zu erhaschen, bevor Konzert Nummer eins schon sein Ende findet.

WHISKEY, GEIGEN UND AKKORDEON

Konzert Nummer zwei lässt jedoch nicht lange auf sich warten! Hinter dem Namen PYROLYSIS könnte man üblen norwegischen Black Metal vermuten – doch läge man damit weit daneben. Stattdessen handelt es sich bei dieser musikalischen Darbietung um irisch-keltisch anmutenden Folk aus den Niederlanden. Während der Trupp vor vielen Jahren tatsächlich als Metalband das Licht der Welt erblickte, wurde PYROLYSIS schnell klar, dass sie gar nicht so wütend sind, wie sie anfangs dachten. Prompt wurden die E-Gitarren ausgestöpselt und die Blastbeats durch seichtes Getrommel ersetzt.

Und seicht sind generell die Klänge, die der Stage entspringen – wenngleich auch oft schnell und energiegeladen: PYROLYSIS covern mal altertümliches Musikgut, mal spielen sie eigene Kompositionen, tanzen und klatschen selbst auf der Bühne mit, soweit es ihre Instrumentenführung erlaubt, so lange, bis auch das Publikum die Bewegungswut gepackt hat. Während anfangs nur jene mitmachen, die weder Bier noch Handy in der Hand halten, geht das Ganze recht zügig in einen lustigen Tanzpit über. Seinen Höhepunkt findet das Konzert am Ende, als die Holländer einen Song „about drinking LARGE amounts of Whiskey“ ankündigen. Im Song selbst geht’s dann aber die ganze Zeit um … Met? Egal, Hauptsache Alkohol. Den Song über Whiskey können sie ja dann beim nächsten WHYSKEY & GREED spielen (höhö).

BLACK METAL ZUM TRÄUMEN

Nun ist es an BELORE, den Anschluss zu übernehmen. Und das bedeutet: Die Party ist vorerst mal vorbei. Stattdessen entführt die französische Atmospheric-Black-Metal-Gruppe mit episch-hypnotischen Weisen das Publikum in ferne Fantasiewelten. Narratiert wird die Erfahrung von einer finsteren Erzählerstimme, schwarzmetallischen Growls und mehrstimmigen Gesängen. Man könnte fast von einer Art Real-Life-SUMMONING reden.

BELOREs Lieder sind allesamt ausgedehnte Werke, die mit Repetition und Eingängigkeit spielen – quasi eine Art Black-Metal-Balladen mit schönen flötigen Zwischenspielen und Akustikgeklimper, Synth-Parts und Naturgeräuschen. Die Menschen auf und vor der Bühne lassen sich von der Atmosphäre in eine Trance hineinziehen und zergehen headbangend in der Flut der Klänge. Um meinen Kumpel Konrad zu zitieren: „Voll entspannt, Alter!“. Hundert Ausdauerpunkte gehen übrigens an die Füße des Schlagzeugers, der nicht selten unter fünfminütigen Parts ohne Pause für tragendes Bassdrumgeknüppel sorgt.

Und: Der letzte Song (meine Internetrecherchen sagen: „Moonstone“) ist absolut Liebe pur.

POWER AUS PORTUGAL

Ein paar Tage zuvor nur erblickte ich bei besagtem Kumpel Konrad zuhause im Bücherregal eine Fantasy-Reihe mit dem Namen GWYDION – welcher interessanterweise auch der Name der nun folgenden Musikkapelle ist. Was mich allerdings hier erwartet, darauf hätte mich auch ein Durchlesen der gesamten Quadrologie nicht vorbereiten können.

Aus Portugal angereist ist der energische Trupp scheinbar zu einem einzigen Zweck hier: Um absolut abzureißen. Das Waffenarsenal der Wahl: Barbarischer Pagan Metal mit gelegentlicher finntrolliger Folk-Note – alles trieft vor Männerschweiß und ist in ständiger Bewegung. Da passiert so viel gleichzeitig in der Musik und auf der Bühne – anders kann man es gar nicht ausdrücken: Es ist ein Fest! Neben der rohen musikalischen Power und dem konstanten Gewusel on Stage bringen immer wieder Rhythmus- und Feelingwechsel noch mehr Action ins agitierte Geschehen. Und von erster Sekunde an steigt das Publikum in diesen musikalischen Kraftakt mit ein.

Während der Gitarrist optisch eine 1:1 Wiedergabe des schreienden, fellbehangenen Barbaren des Albumcovers ist und der Keyboarder keine Melodie dem Tonband überlässt, ist es aber der Sänger, der für mich das Highlight dieses Konzertes darstellt. Nahtlos gehen seine Vocals von tiefen Growls, die den Boden unter mir erzittern lassen, in ohrenzerfetzende Fry Screams und dann wieder in stimmhaftes Brüllen über – selten habe ich jemanden so fließend und so sauber drei unterschiedliche Techniken der ungebändigten Rumschreierei nutzen gehört. Auch in der Kunst der Crowdmobilisierung sind GWYDION (und hier wieder vor allem der Sänger) mehr als gewandt – so ungefähr jede andere Band der Welt könnte sich hier noch eine Scheibe abschneiden!

Eine erste Verschnaufpause ist dem Publikum erst nach über einer halben Stunde gegönnt, als die portugiesische Horde zur Abwechslung einen gemütlicheren Song anspielt.

Am meisten in Erinnerung bleibt mir aber der Moment, in dem sich plötzlich alle Zuhörer hinhocken sollen (und dies – bis auf zwei, drei grantige, mittelalte Herren, denen das offensichtlich zu blöd ist – auch tun). Auf einmal taucht der Sänger mitten im Publikum auf und lässt auf sein Kommando zum passenden musikalischen Wechsel alle Anwesenden aufspringen, was zu einem Moshpit mittlerer Größe führt – dem der Frontmann mitsamt Mikrofon prompt beiwohnt, während der Gitarrist sich daneben platziert und ein Solo zum Besten gibt.

Und dergleichen ziehen die über eine Stunde lang durch. Ich kann nur sagen: Richtig geile Show, richtig geile Mucke, richtig geile Vocals – GWYDION sind eine tolle Neuentdeckung. Und eine absolute Live-Band!

DIE REVANCHE

Nachdem FEJD, die Headliner aus Schweden, letztes Jahr nicht spielen konnten, weil die Instrumente scheinbar an einem anderen Flughafen angekommen waren als die Musikanten, sind sie (sowohl Instrumente als auch Musikanten) heute nach Oberhausen zurückgekehrt, um nachzuholen, was ihnen durch die Umstände verwehrt geblieben war. Gleich wird mir auch klar, warum die Band nicht einfach auf den Instrumenten von jemand anderem ihr Konzert hätte spielen können: Moraharpa, Bouzouki und Knochenflöten dürfte sogar auf einem Folk-Metal-Festival nicht einfach mal jeder Zweite im Gepäck haben.

FEJD ist einer der doch recht großen Namen, die man schon des Öfteren gehört hat, aber selten irgendwo zu Gesicht bekommt. So freue ich mich auch auf diese neue Erfahrung. Und ich muss sagen, dass mir, selbst nach fünfzehn Jahren Festivalgängen, ein wenig die Worte fehlen, um den musikalischen Ausdruck der Schweden gebührend beschreiben zu können. Ich bezweifle stark, dass es noch eine Band in diesem Universum gibt, die das Konzept Folk auf diese Art und Weise interpretiert. Während oben genannte Moraharpa und Bouzouki im melodischen und rhythmischen Hauptfokus liegen, sorgt lediglich ein Keyboard für eine Akkord-Untermalung der Szenerie und ein Bass für, ja, den Bass eben. Und obwohl keinerlei verzerrte Gitarren oder wütendes Geschrei in der Musik enthalten sind, tut der Schlagzeuger so, als spielte er in einer Metalband, und ballert munter Double Bass und Uptempo-Beats vor sich her. Der Gesang bleibt dabei immer schön clean – und schwedisch.

Trotz dieser durch und durch folkigen Herangehensweise an das Thema Musik rutscht man nie in fröhliche oder gar lustige Gefilde ab – es ist stets ernst, wenn auch selten wirklich düster. Der Raum ist für dieses Spektakel gefüllt bis zum Eingang, und das mit Recht. Ein ebenso interessanter wie qualitativer Abschluss für diesen ersten Abend des MEAD & GREED 2023.

SAMSTAG

So, 16:00 Uhr, genug geschlafen, weiter geht’s!

ALLER ANFANG IST AKUSTISCH

BAUMBART – der nächste hauseigene Musikantentrupp – eröffnen das Fest am Samstag. Auch hier gab es in letzter Zeit den ein oder anderen Lineup-Wechsel. Erspähe ich da den früheren RATATÖSK-Sänger an der Percussion?

Auch in dieser Besatzung geleiten uns die Akustik-Abenteurer heute nach altbekannter Manier in ihre eigens erschaffene Fantasy-Welt, singen inbrünstig über die Seefahrt und Piraten, über Tavernen und Helden. An vorderster musikalischer Front stehen drei akustische Gitarren, die im Einklang spielen mit gelegentlichen Flöten, Kastagnetten (Flamenco!) und einem, eh, Miniklavier zum Hineinblasen (der Fachbegriff lautet anscheinend „Melodica“). Aber wo ist die Geige? Haben wir noch Geigen? Keine mehr? Schade, das fehlt dem Ganzen ein bisschen.

Gesungen wird aus so ziemlich aller Musiker Kehlen – ich zähle zwischen fünf und sechs Mikrofonen, davon zwei weiblich besetzt und der Rest von Männerkehlen befeuchtet. Ich werde im Verlauf des Nachmittags übrigens zum dritten oder vierten Mal in meiner langhaarigen Existenz gefragt, ob ich nicht der Leadsänger von BAUMBART sei – dabei würde ich mir niemals anmaßen, meine bescheidene Gesichtsbehaarung auch nur ansatzweise mit MARCs prachtvollem Voll(baum)bart zu vergleichen.

NUR DIE HARTEN

Mit MORGARTEN aus der Schweiz steht schon wieder eine Band an, die mir zuvor noch nicht bekannt war. Zuerst aber gibt es einen ungewöhnlichen Soundcheck: Das Schlagzeug spielt – der Rest kommt erstmal vom Tonband. Hat bestimmt seinen Sinn und Zweck.

Auch während des Konzerts ist der Drummer ordentlich gefordert – der epische Old School Viking Metal wird von seiner Double Bass getragen wie ein drachenköpfiges Schiff vom Wellengang einer stürmischen See. Vikingerchöre und pagane Keyboardmelodien sorgen für Farbe und Atmosphäre in der recht ernsten und durchweg eher düsteren Performance. Hinzu gibt es auch in MORGARTENs Klangwelten die ein oder andere epische Spoken-Word-Einlage, was den Gänsehautfaktor um einiges erhöht.

Der Sound hat ordentlich Wumms, was ich einerseits begrüße, mir andererseits aber ordentlich auf den Magen schlägt – seit heute Morgen kämpfe ich mit einer Verstimmung desgleichen, die sich dieser musikalischen Gewalt leider nicht so sehr erfreut wie meine Ohren. Ich verziehe mich erstmal in die geheimen, oberen Gefilde der Halle und setze mich hin.

Besonders der zweitletzte Song („Oath Of Allegiance“ eventuell?) kennt wenig bis keine Gnade und lässt noch einmal alle Mähnen im Hallenwind wehen und viele Oberschenkelmuskeln gemeinsam einen Circle Pit lostreten. Von hier oben sieht das alles schon ziemlich cool aus.

FREUDE AM FOLK

Es folgen AEXYLIUM, die mir (ihr habt es erraten) auch bisher gänzlich unbekannt waren. Während es bei vielen der Acts dieses Festivals eher ernst zuging, fahren die Italiener ihren Folk-Metal-Ferrari auf der exakten Schiene zwischen episch und spaßig – treffen also genau einen, meiner musikalischen Nerven.

Die von weit hergereiste Mann- und Frauschaft liefert einen äußerst energiegeladenen Auftritt und wird bis zum Ende der Spielfreude weder müde noch überdrüssig. Mein Bauch allerdings schon, und so hole ich mir am Essensstand eine kleine Schale weißen Reises, in der Hoffnung, es damit besser – und nicht schlimmer – werden zu lassen. Insgesamt brauche ich nur 40 Minuten, um alles aufzuessen, und bin sehr stolz darauf. Leider kostet mich das alles, wie man sich vielleicht vorstellen kann, recht viel Konzentration, und so fällt mein AEXYLIUM-Bericht trotz Begeisterung für die Sache recht kurz aus.

Zwei Dinge gibt es noch zu erwähnen: Erstens: Der Drummer trägt ein Oberteil, das ich auch besitze! Wie soll ich das finden? Ein Wechselbad der Gefühle. Zweitens: Mein Verdacht, die Gitarristin sei womöglich THALIA, die mit allseits bekanntem GLORYHAMMER-Exilant Angus Mcsix zusammen eine neue Band (Name: ANGUS MCSIX) ins Leben gerufen hat und kurz vor Albumrelease steht, bestätigt sich nach kurzer Internetrecherche.

EIN LEGENDÄRER AUFTRITT

Dass ich trotz sich verschlechterndem gesundheitlichen Zustand nicht einfach ins Hotel abhauen kann, liegt nicht nur an meiner akkreditierungsgebundenen Berichtpflicht, sondern auch daran, dass ich mir das nun anstehende Konzert auf keinsten aller Fälle entgehen lassen konnte.

Denn es spielen KROMLEK – eine Band, die in meinen und den Augen sehr vieler anderer längst zur Legende alter und vergangener Tage geworden war. In den frühen 2000er hatten die Schweinfurter ihren Anfang gefunden und die damalige Folk- und Pagan-Metal-Welle mit einer EP und zwei darauffolgenden Full-Length-Releases geritten, bevor sie im Jahre 2012 ihre Auflösung bekanntgegeben hatten. Mir war es in diesen Jahren leider nie möglich gewesen, einem Live-Auftritt beizuwohnen. Zur Feier des zwanzigjährigen Jubiläums entschieden KROMLEK nun aber, sage und schreibe *zwei* Konzerte zu spielen, bevor man wieder getrennte Wege gehen wird. Und das Erste von beiden ist heute. Jetzt.

Finstere Gesellen, zutiefst behangen mit schwarzen Kapuzen (Ausnahme: Drummer – der muss ja sehen, wo er hinhaut) betreten die Bühne. Und schon geht’s los! Bereits beim ersten grellen Schrei des Sängers wird klar, dass KROMLEK vorhaben, sich an diesem Abend absolut zu verausgaben. Zwei Handsicheln hält er gekreuzt über sich, die im Laufe des Konzerts noch von der Stachelkeule aus dem Bandlogo abgelöst werden, und passend dazu wird durch Songs von allen drei Veröffentlichungen gebrettert. Ich habe mich zugegebenermaßen lange Zeit nicht mehr mit KROMLEK befasst, aber selbst mir kommt die eine oder andere Melodie wieder, als sie mir seitens ihrer Erschaffer entgegendröhnt. Und das erfreut mich.

So ziemlich jeder hier in dem Raum scheint sich zu freuen. Selbst, wer die Gruppe vorher nicht kannte, dürfte der Wichtigkeit des Moments mittlerweile gewahr sein. Vor allem aber jene, die wegen dieses Auftritts hier sind, sieht man inmitten der Masse euphorisch mitmachen und -singen. Der Moshpit wirbelt ordentlich, die Musiker sind in Topform, die Vocals krächzen wie nie zuvor. Lange und standhaft halten KROMLEK die Energielatte hoch, und bis zum Ende werden sie dafür gefeiert.

DIE KLASSIKER

Nach diesem legendären Konzert ist es an BLACK MESSIAH, besagte Latte weiterhin oben zu halten – und niemand könnte sich auf einem Festival wie diesem besser dafür eignen.

Ich jedoch muss der Party, die sich vor der Bühne abspielt, leider schon wieder entsagen weil aua. So langsam geht mir jegliche Kraft flöten, die mein Körper aus einer Schüssel Reis gewinnen konnte. Die Krämpfe werden heftiger und auch der Kamillentee, den mir an der Bar ein unbekannter Metalbruder aus Güte und Mitleid spendiert (wo immer du bist: Du bist der Tollste <3), füllt gerade mal genug KP wieder auf, die Show im sitzenden und abkratzenden Zustand vom oberen Bereich aus wahrnehmen zu können.

Wem es allerdings im Gegensatz dazu so richtig gut geht, ist der Bühnensound: So perfekt klar klang auf diesem Festival noch keine andere Band. Jedes der Instrumente ist gut zu hören, jedes Wort des Sängers deutlich zu verstehen, der Druck ist präsent und dennoch wummert nichts. Laut ja – unangenehm in keinster Hinsicht.

Die Setlist variiert nicht großartig von den meisten BLACK-MESSIAH-Shows, aber ich denke mal, das würde auch niemand hier wollen. Es werden alle tanz- und trinkbaren Klassiker rausgehauen und gebührend betanzt und betrunken, es wird viel seitens der Besucher mitgesungen, -geklatscht und -gegrölt.

Erstes Highlight ist das „Söldnerschwein“ – bei diesem Evergreen eines Musikstücks ziehen sich die Gelsenkirchener alles an Publikumsanimation aus den Ärmeln, was dort vorzufinden ist. Mal lässt man die Besucher den Refrain singen, mal sich die Handinnenflächen wundklatschen. Als Stargast (Söldner?) steht dann im selben Song plötzlich ein Herr namens BIEST (BEAST? Groß und böse jedenfalls), seines Zeichens Sänger von HELGRINDUR und SKELFIR, mit auf den Brettern und wohnt der Feierei bei. An der Gitarre dürfen wir außerdem des Sängers Sohn bestaunen, der bereits beim WOLFSZEIT 2022 mit der Horde seines Vaters die Festivalbühne unsicher machen durfte.

Highlight Nummer zwei ist dann die Zugabe: Das „Trinklied“. Es scheint, als wären mindestens zwei Drittel der Festivalbesucher textsicher. Die ganze Halle verwandelt sich in eine schunkelnde, mitgrölende Methalle (na endlich!), für mich jedoch ist es nun endgültig vorbei.

Während ich mich noch für’s BLACK-MESSIAH-Spektakel gerade so über Wasser halten konnte, gibt mir mein Zustand alle Signale, dass ich das bitte jetzt nicht noch ein weiteres Mal machen sollte. Am Ende finde ich mich damit ab, MÅNEGARM MÅNEGARM sein lassen zu müssen und im Gegenzug noch halbwegs lebendig im Hotelzimmer ankommen zu dürfen.

Doch wenn du denkst, es geht nicht mehr, kommt von irgendwo ein Lichtlein her: Erblicke ich doch dort am Horizont einen Mann, der sowohl des Schreibens mächtig ist, als auch dem MEAD & GREED theoretisch noch eine halbe Review schuldet: Dem großen (bestimmt 1.90m) Micha-El Goehre ist es vor einem Jahr ähnlich ergangen wie mir heute – nur leider schon am ersten Festivaltag, und er musste krankheitsbedingt vorzeitig abreisen. Wenn also jemand Verständnis für meine Situation haben dürfte, dann er. Aus einem kurzen Gespräch ergibt sich, dass ich richtig lag und der freundliche Herr tatsächlich bereit ist, einen MÅNEGARM-Bericht an meiner statt zu schreiben.  

Somit übergebe ich die Feder an Micha-El Goehre – und mich selbst hoffentlich erst, wenn ich im Hotel angekommen bin.

EIN WÜRDIGER ABSCHLUSS

MG: MÅNEGARM sind im engen Rahmen der Themenmöglichkeiten der größtmögliche Kontrast zu BLACK MESSIAH. Streng uniformiert bitten die Schweden zum Festivalabschluss und machen schnell klar, warum sie der Mainact sind. Diese Verbindung aus Professionalität und Huldigung der Black-Metal-Roots einerseits, und Rock’n’Roll und paganer Party andererseits kriegen nicht viele hin. So ist der Zuschauerschwund zur Zugabe auch nur mit dem ÖPNV zu erklären, der nur stündlich fährt. Letzten Endes entlässt die Band alle mit einem seligen Grinsen in die regnerische Nacht.

Und somit sind wir auch schon am Ende angelangt. Wie alle Jahre zuvor schon kann ich das MEAD & GREED in allen Hinsichten loben!

Ich feiere die bunte Mischung aus neuen Entdeckungen und altbekannten Größen der Pagan- und Folk-Metal-Szene! Auch die mittlerweile nicht unbeachtliche, internationale Komponente macht viel her: Vertreten waren in diesem Jahr Deutschland, Frankreich, die Niederlande, Italien, Portugal, die Schweiz und Schweden! Gerade für von fern angereiste Bands bietet ein solches Festival die Möglichkeit, neue Fans dazuzugewinnen, die ansonsten wahrscheinlich nie von ihrer Existenz erfahren hätten. 

Es war mir wie immer ein Fest, wenn auch diesmal leider eines mit kleinen gesundheitlichen Hindernissen. 

Bis zum nächsten Jahr – ich freu mich jetzt schon!

-Mich

Vielen lieben tollen Dank an Matthias von Dark-Art für die Bilder! —> <<Hier klicken für fulminante Fotos und fantastische Festivalberichte>>

Vielen lieben tollen Dank an Micha-El Goehre für das Einspringen in letzter Sekunde! —> <<Hier klicken für brutale Blogs und lustige Lesungen>>

Vielen lieben tollen Dank an den random Dude an der Theke für den Kamillentee. —> <<???>>

Der Beitrag MEAD & GREED 2023 – Der Bericht! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

… sagte der Zauberer, und verschwand in den nebligen Gefilden eines düsteren Verlieses. Wo 90s-Keyboard-Sound, Dungeons And Dragons und rohe Black-Metal-Ästhetik aufeinandertreffen, spricht man heutzutage von Dungeon Synth. Was genau es damit auf sich hat und wieso das Genre seit ein paar Jahren plötzlich mehr Aufsehen erregt als je zuvor, das werde ich in diesem Artikel versuchen zu analysieren und zusammenzufassen.

Die Ursprünge

Als mir zum ersten Mal dieser Begriff zu Ohren kam, erklärte man mir folgendes:

„Du musst dir das ungefähr so vorstellen – Dungeon Synth ist das, was übrig bleibt, wenn man Black Metal nimmt und den Black Metal weglässt.“

Nach ein paar tiefergehenden Ausführungen fing dieser fragwürdige Satz dann auch irgendwann an, Sinn zu ergeben. Man nehme die düsteren, instrumentalen Intros, Outros und Zwischenspiele alter Black-Metal-Werke, und – naja, das ist es auch schon. Das ist Dungeon Synth. Aber das ist natürlich nicht alles.

Hier die Gründungslegende: Norwegen. Anfang der 1990er, inmitten der zweiten Black-Metal-Welle, verließ MORTIIS, der damalige Bassist von EMPEROR, seine Band, und widmete sich fortan seinem Soloprojekt (namens … MORTIIS. Woah!). Hier spielte er nicht mehr Bass, sondern komponierte am Keyboard düster-atmosphärische, lange Songs, die er dann analog auf Tape einspielte – und das ganz ohne Black Metal. Es folgten ihm alsbald einige andere Künstler, wie etwa WONGRAVEN (Nebenprojekt von SATYR), SUMMONING oder DEPRESSIVE SILENCE. Mit diesem Loslösen aus der Rolle reiner Unterstützungsmusik war Dungeon Synth als Genre geboren. MORTIIS gilt somit weitgehend als Vater der Musikrichtung (wenngleich ein gewisser JIM KIRKWOOD schon einige Jahre früher sehr ähnliche Klänge erzeugt hat).

Interessant ist, dass es den Namen Dungeon Synth damals noch überhaupt nicht gab. Er ist eine Schöpfung aus der neueren Ära dieses Musikstils, und maximal so um die fünf Jahre alt (Stand: 2020). Man benutzte zur Klassifizierung in der Anfangszeit eher den Begriff Dark Ambient.

Eine musikalische Analyse

Als Unterkategorie von Ambient-Musik ist Dungeon Synth für gewöhnlich vor allem eins: Atmosphärisch. Träumerisch, aber auch düster, einhüllend, aber auch irgendwie beunruhigend. Es wohnt ihm eine starke Eskapismus-Komponente inne, und so liegt auch der Vergleich zu Film- oder Videospielsoundtracks nahe. Mit dem Unterschied, dass diesmal die Tonkunst selbst im Vordergrund steht.

Das Arrangement kann dabei von „eine Person mit zwei Händen und einem schäbigen Keyboard“ bis hin zu komplexen, vielspurigen, programmierten Orchesterstücken reichen, wobei neben Synthesizern gelegentlich auch Vocals oder Samples zum Einsatz kommen können. Gerade in den Werken der alten Schule wird sich gerne der Repetition als wichtiges Stilmittel bedient. Repetition hilft, eine konstante, hypnotische Atmosphäre zu erschaffen und aufrechtzuerhalten. Darin zeigt sich zudem eine Parallele zum Black Metal, welcher auch gern mal von diesem Effekt Gebrauch macht.

Thematisch orientiert sich die Musik stark an Fantasy-Literatur (Tolkien lässt grüßen), mitteleuropäischer Mythologie und anderem Nerd-Zeug (auch D&D lässt grüßen). Es sind – wieder mal vor allem bei der Oldschool-Fraktion – jedoch auch finsterere Stoffe wie Einsamkeit, Depression und Trauer (Black Metal lässt grüßen) ein häufiger Bestandteil des Gegenstandsrepertoires.

Die Weiterentwicklung des Genres

Nach der anfänglichen Hochphase in den 90ern wurde es dann allerdings erstmal still in den musikalischen Dungeons. Viele der wichtigen Vertreter hatten dem Genre den Rücken zugekehrt und angefangen, andere Musik zu machen. Das Interesse daran, in muffigen Kellerverliesen düstere Akkorde auf verstaubten Synthesizern einspielen, schien nichts mehr als ein Relikt vergangener Tage.

Doch es folgte der Ebbe die Flut. Ab den 2010er Jahren schoss die Beteiligung an der Materie wieder in die Höhe: Neue Künstler hatten scheinbar Interesse an dieser alten Musikart gefunden, und so wurde langsam, aber sicher die moderne Renaissance des Phänomens Dungeon Synth in die Gänge geleitet. Ab ca. 2015 dann (ungefähr zum Zeitpunkt der Namensgebung) erfolgte ein unerwartet massiver Boom, der das Genre in seinen jetzigen Zustand fast täglicher neuen Online-Releases versetzte.

Ich habe im Folgenden eine Datenauswertung aller Veröffentlichungen vorgenommen, die sich auf dem Youtube-Channel „The Dungeon Synth Archives“ befinden (später mehr zum Channel). Mit Sicherheit beinhaltet diese Datenbasis nicht lückenlos alle Releases des Genres, und ich gehe davon aus, dass ich mich das ein oder andere Mal sicherlich um ein paar Ziffern verzählt haben dürfte (außerdem ist 2020 noch nicht vorbei – in diesem Jahr fehlen also noch Releases). Dennoch macht diese Tabelle offensichtliche Tendenzen sehr gut deutlich. Am auffälligsten ist dabei der überdimensionale Berg an neuer Musik ab 2015, falls das noch nicht klar gewesen sein sollte.

Wie kommt es?

Genau festzuhalten, wo dieser neue Hype um dieses (damals doch relativ simple und begrenzte) Genre plötzlich herrührt, ist schwer. Es hat aber mit Sicherheit etwas damit zu tun, dass Elemente wie Eskapismus und Nostalgie etwas sind, das niemals daran scheitern wird, die Menschen immer wieder in seinen Bann zu ziehen. Und als wiedergefundener Schatz aus einer anderen Zeit trägt das frisch getaufte Kind Dungeon Synth eine Art eigene magische Aura mit sich – es entsteht eine Art Meta-Mystik, die die Sache selbst in ähnlich fantastischem Schimmer erleuchten lässt wie es ihr Inhalt und Sound seit jeher anstreben. Dass die gängigste Form physischer Releases Audiokassetten sind, dürfte in der Hinsicht genug aussagen.

In einer Zeit, in der jeder digital die Möglichkeit hat, ohne viel Aufwand und ohne jegliche Ausgaben selbst Synthesizer zu bedienen und Lieder zu erschaffen (sowie mit einem Klick weltweit zu veröffentlichen), wird ein solches Medium für Fantasy-Nerds, Black-Metal-Nostalgiker und Kellerkinder jeglicher Art mit kreativem Samenstau natürlich leicht zu einer Art heiligem Gral eines gefundenen Fressens.

Hinzu kommt, dass es wahrlich nicht viele Regeln gibt, was das Komponieren von Dungeon Synth angeht. Neben den paar typischen (musikalischen wie thematischen) Tropen, auf die ich oben eingegangen bin – und selbst die sind deeehhhnnnbaaaar, wie wir im Folgenden sehen werden – sind hier der kreativen Auslebung kaum Grenzen gesetzt. Ein Grund mehr, die Sache ohne allzu große Angst vor Fehlschlag einfach anzugehen. Jeder kann und darf seine eigenen Gedankengänge, Ideen und Vorstellungen im Rahmen atmosphärischer Synth-Musik nach Lust und Laune umsetzen (mehr dazu unter „Eine mächtige Masse an Mikrogenres“). Ähnlich ist es mit den Album-Covern. Es hat sich hier eine stimmige, wenn doch sehr einfach reproduzierbare Ästhetik herauskristallisiert: Man nehme irgendein passendes Gemälde aus vergangenen Jahrhunderten und füge ein selbst gezeichnetes Logo ein. Alternativ geht auch eine gratis Schriftart aus dem Internet.

Das alles hat leider nicht nur Positives zur Folge. Denn leider führen diese Umstände auch dazu, dass – salopp gesagt – viel uninspiriertes, schmerzhaft schlecht produziertes oder einfach nur belangloses Zeug veröffentlicht wird, und man sich manchmal durch haufenweise Müll wühlen muss, um eventuell die ein oder andere Perle zu entdecken. Sich Mühe geben wird zum optionalen Faktor, wenn die Veröffentlichung weder Zeitaufwand noch finanzielles Risiko birgt. Genauso gut aber könnte morgen schon jemand den neusten modernen Klassiker erschaffen. Die qualitativen Schwankungen sind groß. Jeder Tag in der Dungeon-Synth-Szene ist wie eine Schachtel Pralinen. Man weiß nie, was man kriegt.

Folgendes Album wäre etwa ein gutes Beispiel für einen wohlklingenden, modernen Klassiker:

Eine mächtige Masse an Mikrogenres

Bei so vielen Möglichkeiten und so vielen mitwirkenden Künstlern sind rapide musikalische Entwicklungen als Folge üblich. Was im Metal-Bereich schon lange der Fall ist, passiert hier auf viel kleinerer Ebene in rasantem Tempo: Es bildet sich eine unübersichtliche Masse an neuen Subgenres und Strömungen. Von Fantasy Synth über Forest Synth, Winter Synth und Medieval Synth, Epic Dungeon Synth, Dark Dungeon Synth und mehr bis hin zu Dino Synth (bitte was?) und der neuesten, schnell wachsenden Strömung Comfy Synth (so etwas wie der nette Bruder von Dungeon Synth) – der Mensch hat die Tendenz, alles klassifizieren zu wollen. Und kann man bei den Metal-Genres auch meist relativ klar zwischen „richtigem“, musikalisch distinktem Genre und „random neue Genrebezeichnung weil ich mich verkleide und über xy singe“ unterscheiden, so fiele mir das bei den ganzen vorwiegend instrumentalen und auf Atmosphärenvermittlung basierten Dungeon-Synth-Abkömmlingsbezeichnungen doch relativ schwer. 

Der ironische Aufbruch

Ein Genre, das eine solche Entwicklung mit sich trägt, so leicht für jeden zugänglich ist, so wenig Qualitätskontrolle hat und hinzu noch seine Wurzeln in einer sich so ernst nehmenden Community wie dem Black Metal hat, schreit natürlich mit allen Kräften danach, parodiert zu werden. Und das vor allem aus eigenen Reihen. Wer beim Begriff Dino Synth schon komisch geguckt hat, der darf auch gern mal hier, hier oder *schauder* hier klicken. Des Weiteren kann ich die Facebook-Seite „Dungeon Synthposting“ empfehlen.

Die heutige Szene

Trotz der Wiedergeburt des Genres, trotz dem massiven Boom an Releases, handelt es sich auch heutzutage um eine relativ kleine Underground-Community. Die Dungeon-Synth-Gruppe auf Facebook hat knapp 7000 Mitglieder, der Dungeon-Synth-Archives-Channel hat um die 52.000 Abonnenten. Im Vergleich: EMPEROR allein haben auf Facebook 150.000 Likes.

Die Ratio von Dungeon-Synth-Künstlern zu reinen Fans der Musik scheint mir verhältnismäßig hoch zu sein. Was wiederum damit zusammenhängen könnte, dass die Produktion einer solchen EP (meist sind es nur EPs, keine ganzen Alben) so leicht realisierbar ist. Wenn du dich wirklich für das Thema interessierst, stehen dir alle Möglichkeiten offen, selbst kreativ aktiv zu werden. Außerdem gibt es nur selten so etwas wie Live-Auftritte (das wäre ja wieder mit mehr Aufwand verbunden). Vor allem darf aber nicht vergessen werden, dass es sich immer noch um obskure Nischenmusik handelt. Kommerzielles Potential ist kaum vorhanden.

Wo fange ich an?

Wenn du mir tatsächlich bis hierhin gefolgt bist und dir noch immer nicht die Lust an der Sache vergangen ist, schlage ich vor, diese Grafik zu Hilfe zu ziehen:

>>>Klicke hier für die Info-Grafik!<<<

Als wichtigste Quellen für Dungeon Synth werden außerdem für gewöhnlich zwei genannt: Der Youtube-Channel „Dungeon Synth Archives“, und, schlicht und einfach: Bandcamp. Auf dem Archives-Channel werden fast täglich neue Releases hochgeladen, während ein Großteil der Klassiker dort auch vorzufinden sind (wahrscheinlich alle außer denen, wo es Stress mit dem Label gegeben hätte). Und Bandcamp ist ganz einfach die präferierte Veröffentlichungsplattform für Dungeon-Synth-Künstler.

Mehr Details zur Geschichte des Genres findest du außerdem in diesem äußerst informativen Video (Credits: Krachmucker TV) 

Ich hoffe, ich konnte mit diesem Artikel eine einigermaßen interessante und wahrheitsnahe Einleitung in das Thema bieten. Falls du noch etwas hinzuzufügen, zu verbessern oder zu bemängeln hast, kreative Einwürfe oder Fragen hast – schreib’s in die Comments!

Der Beitrag Was bitte ist eigentlich Dungeon Synth? erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Hier der besagte Beitrag der offiziellen Facebook-Seite der Band:

„And in the glade a light was seen …“

The past years have been a time of troubles, setbacks, disputes – and of resulting frustration.
And then, the summonings faded and silence arose …
Yet, it hasn´t been the end that was dawning.

Der Beitrag SUMMONING kündigen neues Album an! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

„SKOGNATT“ – noch nie davon gehört? Macht nix, ich vorher auch nicht. Umso besser! Neue Musik zu entdecken, ist immer gut, besonders dann, wenn sie gefällt. Aus Augsburg schickt uns Danijel Zambo, das Mastermind hinter dem Solo-Projekt, liebe Grüße per Post. In der Anlage seines netten Briefes finden wir: Ta-Daaaa! Eine Kopie seiner allerersten SKOGNATT-EP mit dem Namen „Landscape of Ice“, die momentan normalerweise nur zum Download auf Bandcamp zur Verfügung steht (für EINEN schlappen Taler).

Wechsel zwischen frostiger Eiseskälte, Finsternis und Ungewissheit, aber auch düsterer Romantik

Das Cover gefällt schon mal sehr. Ich erwarte bei diesem Bild und dem Namen der EP vom Genre her Atmopsheric Black Metal. Uuuuund … Strike! Ich bekomme, was ich erwartet habe. Der erste Track der Platte trägt den Namen „Winter Nights“ – der Name ist Programm. Die Melodien in diesem Song bringen einen reizenden Wechsel zwischen frostiger Eiseskälte, Finsternis und Ungewissheit, aber auch düsterer Romantik. Dafür sorgen vor allem die Synthies im Zusammenspiel mit der Akustikgitarre. Und ich stelle fest: „Winter Nights“ hat mir einen Wurm ins Ohr gesetzt. Gerade der Refrain geht mir nicht mehr aus dem Kopf.

Der zweite Track der EP trägt den gleichen Titel wie die EP selbst und passt von der Stimmung her wie die Faust aufs Auge zum ersten Track. Auch „Landscape of Ice“ strahlt sehr viel Kälte und Dunkelheit aus, aber auch hier trägt die Akustikgitarre, die hin und wieder ertönt, ein klein wenig schwarze Gefühlstiefe in den Raum.

…dadurch geht leider etwas Atmosphäre verloren

Grundsätzlich könnten die Songs noch ein bisschen mehr Reife vertragen. So richtig rund klingen für mich beide Tracks noch nicht ganz – irgendetwas fehlt mir. Auch der Sound des Schlagzeugs klingt recht künstlich, dadurch geht leider etwas von der Atmosphäre verloren, die die Synthies und vor allem die hammergeile Stimme mit sich bringen. Die Vocals sind wahnsinnig stark und lassen keine Wünsche offen. Frostiges, hohes, kreischendes „Geschichtenerzählen“ zu einem langsamen düster-atmosphärischen Instrumental. Perfekt!

Geheimtipp unter den Liebhabern dieses Genres

Mein Fazit: „Landscape of Ice“ ist eine ziemlich gute erste EP. Vocals, Melodien und Synthiesounds in den Songs erschaffen ein tiefes, kaltes Tal, in dem man sich gern verlieren möchte. Man darf also gespannt sein, wo die Reise mit SKOGNATT hingeht. Ich bin nach dieser Scheibe sehr zuversichtlich, dass sich das Projekt zu einem Geheimtipp unter den Liebhabern dieses Genres entwickeln könnte. Für meinen Geschmack könnten die Songs in der Zukunft lediglich noch etwas reifen, Punktabzug gibt es beim Drum-Sound, der sehr unnatürlich klingt. Allerdings sollte jeder hier mal ein Ohr riskieren, der auf tiefe Sounds à la SUMMONING und CALADAN BROOD steht.

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Abigor – Verwüstung/Invoke the dark age

1994 war ein gutes Jahr für den Black Metal, Bands wie Emperor, Mayhem, Master´s Hammer, Samael oder Gehenna legten die Meilensteine der zweiten Black Metal Renaissance. Eine dieser Bands waren die österreichischen Abigor.

Ihr Debüt „Verwüstung/Invoke the dark age“ fiel über Europa wie ein teerschwarzer Pesthauch. Was die drei Österreicher zu dieser Zeit ablieferten, war der Beweis für einen neuen Weg im Black Metal. Die sehr höhenlastige Platte, mit Silenius (Summoning) am Gesang, besticht durch eingängige Melodien gepaart mit reinstem Hass und einer archaistischen Aura. Musik wurde gelebt und begangen, zur schwarzen Kunst gebildet. Heute ist dieser Meilenstein leider in Vergessenheit geraten. Mit Liedern wie „Kingdom of darkness“ oder  „Weeping Midwintertears“ kreierten Abigors düstere Musik, welche bis heute in vielen Genreveröffentlichungen Einzug hält, nur ohne eben dieses grandiose Album zu erwähnen.

Abigor schufen sich ihren eigenen schwarzen Thron und haben ihn bis heute verteidigt, oder wie es im Booklet zum Lied „Universe of Black Divine“ heißt: Wir werden herrschen – wenn nicht jetzt, dann in der Ewigkeit. Vielleicht gewinnt ihr in dieser Welt – aber das Universum des reinen Schwarz bleibt unsterblich.“

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