Immer wenn man denkt, jetzt hat man alles gehört, kommt plötzlich doch wieder etwas völlig Neues um die Ecke. Exakt so ging es mir mit SNØGG. Sie veröffentlichen bereits ihr drittes Album und trotzdem hatte ich bis dato noch nie etwas von dieser Band gehört. Aber das hat sich dank ihrer neuesten Erscheinung geändert! Seit 2013 sind die Slowenen musikalisch aktiv, und nun präsentieren sie uns mit „Dan, ko je Vrag vzel šalo“ ein Konzeptalbum der etwas anderen Art.

Es besteht aus einem einzigen, gut 20 Minuten langen Song, der die Geschichte „Deseti brat“ (zu Deutsch: „Der zehnte Bruder“) erzählt – angeblich die erste Novelle in slowenischer Sprache. Sie basiert auf einer alten slawischen Tradition: Wenn in einer Familie zehn Kinder mit dem selben Geschlecht geboren wurden, so musste das zehnte Kind – egal, ob Junge oder Mädchen – die Familie verlassen und in die Welt hinaus ziehen, da ihm übernatürliche Kräfte nachgesagt wurden.

Soo. Jetzt singen, oder besser, erzählen SNØGG die Geschichte aber natürlich auf Slowenisch. Heißt, ich verstehe kein Wort. Und das ist wirklich schade, denn ich habe das Gefühl, der Text ist mindestens genauso wichtig für das Album wie die Musik. Es scheint geradezu, als würde die Musik den Geschehnissen der Geschichte folgen.

Und sie ist dabei ganz schön abwechslungsreich und experimentell. Von groovigem Avantgarde-/Post-Black-Metal über folkroristische Elemente bishin zu Noise ist wirklich alles dabei. Teilweise laufen die verschiedenen Passagen nahtlos ineinander über, manchmal sind mir die Brüche aber ein wenig zu hart, zu unmotiviert. Es passiert extrem viel, langweilig wird es also definitiv nicht. Der Song springt von einem musikalischen Motiv zum nächsten. Er ist, genau wie eine Geschichte, in verschiedene Abschnitte unterteilt, die sich zu einem Großen Ganzen ergänzen. Aber so richtig angenehm zu hören ist es für meine Ohren leider nicht.

Als „abstrakt“ ließe sich das Album wohl am besten beschreiben. Es zeichnet ein düsteres, unruhiges Bild und nimmt den Hörer mit auf eine Reise ins Ungewisse. Aber diese Ungewissheit ist für mich leider bis zum Ende geblieben, sie hat sich nie aufgeklärt. Ohne den Inhalt des Songs zu verstehen, war die Musik für mich in großen Teilen einfach nicht greifbar. Sie war mir nicht zuwider, aber ihre Intention blieb mir fast gänzlich verborgen. Sie funktioniert für mich letztlich nicht ohne Text. Schade.

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Was uns erwartet? Hör’n wir doch mal rein…

Atmospheric/Avantgarde Black Metal liefert das Trio von HERBSTNEBEL, das erst im vergangenen Jahr ihr Doppelalbum „Inner Catharsis I + II“ und damit ihr erstes Full Length Album seit Gründung 2005 veröffentlichte. Was lange währt wird … na? Selten mal schnell so hingerotzt. Und, ja, mir begegnet ein Album, welches sowohl tragend und langsam als auch hektisch und knüppelnd eine gute Mischung für die Liveshow verspricht. Da der Sound der Aufnahmen in meinen Ohren noch deutlich Luft nach oben hat, denke ich, dass sie mir live noch etwas besser gefallen werden.

IFFERNET haben ebenfalls in 2019 ihr Debut herausgebracht. Sie sind allerdings mit nur zwei Mitgliedern noch dünner besetzt als die Thüringer. Wie sie so auf der Bühne Atmospheric Black Metal erzeugen wollen, lässt mich noch rätseln. Ja, gut, auch aus einer Gitarre kann man viel rausholen, wenn ausreichend Brüllwürfel und Effekte hinten dran hängen. Oder bringen sie sich vielleicht noch einen Gastmusiker für die Liveshows mit?! Zumindest scheinen sich beide am Gesang zu betätigen, was schöne Effekte verspricht. Straight und ohne große Schnörkeleien schrotet die 2019er Release vor sich hin und wiegt mich recht schnell in das allseits beliebte Weltenschmerz-Gefühl. Ja, das kann gut werden!

Headliner des Gespanns stellen TURIA, deren neuestes Werk „Degen van Licht“ erst vor wenigen Tagen den Weg in die Öffentlichkeit gefunden hat. Und sie sind nicht umsonst Headliner. So auf den ersten gefällt mir das neue Album schon außerordentlich gut. Ihr solltet auch unbedingt mal reinhören, wenngleich ihr es vielleicht nicht zum Konzert schaffen solltet. Es wirkt insgesamt ausgewogen und verspricht eine vereinnahmende Liveshow, wenn sich der Sound in der Location dementsprechend gestaltet. Aber dahingehend war ich bisher selten vom Hühnermanhattan enttäuscht.

Glückwunsch, wenn ihr bis hierher durchgehalten habt! Zum Lohn gibt es die Chance auf freien Eintritt zu besagter Show in Halle (Saale) am 07.03.2020. Kommentiert, um in den Lostopf zu gelangen – hier oder unter dem Post auf Facebook und teilt den Beitrag öffentlich.

Viel Glück – und wir sehen uns!

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Als ich das letzte Mal die Briten von HAKEN in Dresden bewundern durfte, hatten diese THE ALGORITHM und NEXT TO NONE im Gepäck (Luc berichtete aus Luxemburg von selbiger Tour). 2017 war das. Inzwischen haben sie ihre Fans mit einem Live-Album und kurz darauf mit „Vector“ versorgt. Letzteres hat mich nicht so richtig begeistern können. Aber vielleicht funkt es ja am Montag im Conne Island. Die Venue habe ich ja nun endlich mal kennengelernt, als ich kürzlich OBSCURA und FALLUJAH dort sehen konnte.

Ich bin wirklich gespannt, wie sie sich in einem kleineren Club machen. Das Beatpol ist um einiges geräumiger und hatte die Band etwas distanziert wirken lassen. Im Conne hingegen kann der Gast dem Künstler ja quasi aus den hinteren Reihen noch ins Nasenloch schauen. Und auch auf die beiden Vorbands bin ich mindestens neugierig. Mit denen der vergangenen Tour konnte ich nicht so viel anfangen. Diesmal sind VOLA und BENT KNEE dabei. Beide auf ihre Art echte Leckerchen, die ich noch nicht live bewundern konnte.

VOLA wurden mir nach der 2016er Tour von KATATONIA, wo sie als Vorband neben AGENT FRESCO spielten (KATATONIA haben irgendwie immer so Knaller-Vorbands am Start, deucht mir?!), von verschiedenen Seiten empfohlen. Die Dänen haben sich mir vor allem durch ihre sentimentale, schwermütige und zugleich träumerische Musik ins Herz gespielt. Wir hatten unsere Anfangsschwierigkeiten, weil sie zwar sehr eingängige Melodien bringen, aber zeitweise zugleich Keyboardsounds einbauen, die so abstrakt-modern sind, dass sie nicht ganz mein Fall sind. Nun hat es mit „Applause Of A Distant Crowd“ aus dem vergangenen Jahr besser funktioniert. Ein Interview, das ich zwischenzeitlich übersetzen durfte, tat sein übriges.

Selten sympathisch und offen gibt sich der Vierer.

Weiter zu BENT KNEE. Vermutlich eher unbekannt, kann ich sagen: Egal, ob es dein Fall ist, was die Bostoner da machen – musikalisch sind sie der Oberknaller! Das wage ich zu behaupten, obwohl ich sie weder live gesehen, noch ihre Alben gehört habe. Ich bin über den Inside Out Rec. Videokanal auf die Kapelle aufmerksam geworden. Thumbnail sei dank. Direkt Video-Addicted sozusagen.

Groovy wie Sau spielen sie sich ins Ohr. Nicht wuchtig-brutal, nicht vordergründig-verschwurbelt. Nein, schon fast seicht. Flächig, verträumt und poppig. Aber – wie gesagt – verdammt groovig und knackig. Das, was sie sich da erdenken, setzt eine unheimliche Tightness im Spiel voraus, damit die Sachen auch wirklich funktionieren können. Eine echte Herausforderung, die mich sehr neugierig macht. Ich bin außerdem gespannt, wie die sowieso schon eher jaulige Stimme von Sängerin Courtney Swain live auszuhalten ist.

Was HAKEN so fabrizieren, ist hierzulande wohl kaum noch ein Geheimnis. Seit einigen Jahren wissen sie die Prog-Szene mit ihren Veröffentlichungen zu unterhalten, zu beschäftigen und zu spalten. Ihre Diskographie zeigt eine interessante Entwicklung von großrahmigen, schweren Strukturen bis hin zu komplexeren, modernen Sounds. Jedes ist auf seine Art – oder in seinem Stil – vollkommen. Nun, nur bei „Vector“ kann ich das noch nicht so bestätigen, dafür habe ich es einfach zu selten in Gänze gehört. Aber einige Songs sind doch hängengeblieben, auf die ich auch live sehr gespannt bin. „Nil by Mouth“ beispielsweise, das deutlich härter als der Rest der Platte losrumpelt.

Hier geht es zu den Webseiten der Bands: HAKEN, VOLA, BENT KNEE

Die kommenden Tourdates und der Tourtrailer:

04.03.2019, Leipzig – Conne Island
06.03.2019, Stuttgart – Im Wizemann
07.03.2019, München – Backstage Halle

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Musikjournalismus wirkt oft wie eine Schatzsuche am Strand. Ihr wisst schon, mit diesen Metalldetektoren, die man aus Amifilmen kennt. Meistens entpuppt sich die vermeintliche Entdeckung als vergammelter Schrott. Manchmal aber ist einem das Glück gewogen und man fördert ein richtiges kleines Prunkstückchen zutage. Und genau so eines stell ich euch heute vor.

SCIENCE OF LOGIC heißen die Urheber des Kurzspielers, den ich heute unter die Lupe nehme. Die Jungs aus Schwerin haben es sich zur Aufgabe gemacht, sich dem szeneaktuellen Mainstream mit nur allzu trven Vertretern entgegenzustellen. Entstanden ist daraus „Catharsis“, eine EP, die es mehr als erstaunlich macht, dass sich das Quartett erst Anfang 2017 zusammengefunden hat, aber bereits jetzt mit einem mehr als ins sich geschlossenen und hochwertigen Ergebnis aufwartet.

Mal reingeschnuppert…

4 Songs geben die Jungs zum Besten und ich muss sagen: Ich habe Blut geleckt! Was sich etwas sperrig mit „Avant-Garde Groove Metal“ betiteln lässt, hat noch deutlich mehr Wumms, als der Name erwarten lässt. Mit dem ersten Song „Xenolith“ zeigen SCIENCE OF LOGIC gleich, worauf wir uns wohl in der (hoffentlich) blühenden Zukunft der Band einstellen können. Es gibt sofort fette Riffs auf die Ohren, Bass und Gitarre sind im absoluten Einklang. Erinnert mich irgendwie leicht an DIABLO BLVD, was bei dem Genre nicht überrascht. Nur eines haben die Schweriner den Belgiern voraus: SCIENCE OF LOGIC sind einfach fetter.

Man hat viele Elemente aus Death und Thrash einfließen lassen, die der EP ihren ganz eigenen, gewaltigen Sound verpassen. Damit überkommt man mit Leichtigkeit die häufig im Avant-Garde Metal präsente, weichgespülte Monokultur. Sänger Bellamy präsentiert uns seine gesamte stimmliche Bandbreite: Von stimmigem Cleangesang bis zu kräftigen Growls und Screams ist alles dabei. Props hierbei außerdem an das Mixing. Das hat die nicht ganz einfache Aufgabe, die Tongewalt der Band weder plattzumixen, noch einen Soundbrei zu erzeugen, spielerisch gemeistert. Die verbleibenden Songs der Scheibe, „Archives of Retrogression“, „Monostable“ und „Integer“, zeigen vermutlich nur einen kleinen Teil des musikalischen Entfaltungspotentials, das SCIENCE OF LOGIC noch für uns bereithalten. Ich bin auf jeden Fall gespannt, was mich da noch erwartet. Wie findet ihr den Starter der Schweriner Jungs? Lasst es uns wissen!

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Ihre EP „Catharsis“ ist auf Amazon Prime Music, Spotify, Deezer und itunes zu finden.

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LOCH VOSTOK hört man ihre Herkunft definitiv an. Spätestens mit Song Nummer zwei wird es unleugbar, dass hier schwedischer Death-Metal vorliegt. Abgemischt von David Castillo und gemastert von Jens Bogren (Wer hier noch keine feuchten Schlüpper hat, dem sei mit Namen wie KATATONIA, OPETH und DARK TRANQUILLITY auf die Sprünge geholfen) schallt der siebte Langspieler der Band mit einem fantastischen Sound durch mein Wohnzimmer. Es groovt und singt gekonnt, das Kopfnicken wird möglich. Es kann aber auch knüppeln, schreien und wütend werden, dass sich die Hände unvermeidbar ballen. Zumeist ist es aber nachdenklich und schwer, die Ausrastmomente halten sich in Grenzen. Es wird kein Feuerwerk der Instumentalfrickelage abgefeuert, was die rar gesäten Soli besonders hervortreten lässt.

Mich erfreut, dass „Strife“ so abwechslungsreich mit dem einen oder anderen songinternen Kniff und rhythmischen Verschwurbelungen gespickt ist. Auch über die Songs hinweg sind Brücken gebaut, so wie die Fortführung von Motiven, die die Durchdachtheit belegen und mich damit absolut überzeugen können. Vom bandeigenen Labelling als „Avantgarde“ war ich zunächst abgeschreckt, als übermäßig cheesy ist das Album aber keinesfalls einzuordnen! Welcher Melo-Death oder Progressive-Fan LOCH VOSTOK bislang nicht auf dem Schirm gehabt haben sollte, dem sei an dieser Stelle ans Herz gelegt, sich mit ihnen zu befassen.

Anspieltipps: „Yurei“ und „Summer“

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Es gab mal eine Zeit, in der man mit Gitarren, die mehr als 6 bzw. Bässen, die mehr als 4 Saiten hatten, noch zu einer echten Exotenspezies gehörte. Einer dieser Exoten ist Chaoth, der mit seinem 9 saitigen Bass bereits 2005 für Aufsehen sorgte, da er das Instrument nicht einfach nur besaß, sondern es auch entsprechend spielen konnte – und zwar noch, bevor es cool war.

Zwölf Jahre später ist seine vorherige Hauptband UNEXPECT Geschichte und der Kanadier mit seinem neuen Projekt wieder auf der Bildfläche aufgetaucht.
Schon im Sommer 2015, ungefähr zu der Zeit, in der sich das Avantgardegespann auflöste, wurden Fragmente des neuen Schaffens im Netz gestreut und die Erwartungen geschürt.

Doch was kann die vier Track EP wirklich?

Ein bisschen Djent, ein bisschen Dub Step, ein Vocoder, der an Paul Masvidal und CYNIC-Großtaten denken lässt, ein bisschen Prog Metal, und hier und da Synthwave. Die Grundzutaten des Projekts VVON DOGMA I sind schnell ausgemacht. Allerdings sind diese nur vereinzelt so logisch und organisch ineinander verwoben, als dass die Mischung wirklich revolutionär wirken würde. Andererseits weisen die einzelnen Parts auch keine so abrupten und wahnwitzigen Breaks auf, wie es bei UNEXPECT der Fall war und dort genau aus diesem Grund faszinierte und funktionierte.

Retrospektiv betrachtet kann man Chaoths Anteil an den Songs seiner Vorband nun recht präzise heraushören, muss aber auch zugeben, dass der gute Mann im (fast) Alleingang nicht im gleichen Maße dazu imstande ist, Qualität zu liefern, obwohl ich mir sicher bin, dass es an Potential nicht mangeln dürfte. Beweis dafür ist zum Beispiel das schöne „The Mask“ und auch der Titeltrack weist durchaus geile Passagen auf. Aber eben nicht über die gesamte Länge, was bei einer knappen Viertelstunde schon bedenklich ist.

So bietet die erste VVON DOGMA I-EP zwar ein paar nette Häppchen, allerdings nichts wirklich Neues, was zahlreiche andere Djent/Prog/Experimental Bands nicht schon so oder so ähnlich gemacht hätten. Nur halt nicht mit einem 9Saiter Bass.

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Ja leck mich doch am Hinterausgang! Ich muss ja gestehen, dass ich dieses Jahr ziemlich viele Platten hoch bewertet habe (und dazu bis heute stehe). Aber bei BLUT AUS NORD bleibt mir ein weiteres Mal die Spucke weg. Das ist eines der finstersten Alben, die ich die letzten Jahre gehört habe. So eine Boshaftigkeit konnte ich bis jetzt nur bei DEATHSPELL OMEGA, S.V.E.S.T. (beide ebenfalls aus Frankreich) und KATHARSIS (Deutschland) erleben. Doch die Franzosen stehen; genau wie die genannten Beispiele; komplett für sich.

Keine Erlösung

Mit „Deus Salutis Meae“ („Gott Meiner Erlösung“) haben Mastermind Vindsval (Instrumente) und sein Gastsänger Taysiah (auf dem 2003 Album „The Work Which Transforms God“ zu hören) einen unhörbaren und zugleich suchterzeugenden Moloch geschaffen, der durch seine kranke Stimmung und die sakralen Gesänge einen abartigen Sog erzeugt. BLUT AUS NORD (seit 23 Jahren übrigens aktiv) stachen seit dem Debüt durch ihren einzigartigen Stil hervor, welcher ab den 2000er Jahren durch eine bestialische Frischzellenkur in Form von Industrial und Avantgarde seinen letzten Schliff erhielt.

Bewusst wurde auf den neuen Werken (außer den „Memoria Vetusta“-Werken) das Schlagzeug verfremdet und die Dissonanz hielt auf den Saiteninstrumenten ihren Einzug. Das Setting wurde extrem kalt und unbequem gestaltet. Auf „Deus Salutis Meae“ gipfelt diese Manie nun endgültig. BLUT AUS NORD doomen sich im gemäßigten Tempo mit ultrafettem Sound in völlige Ekstase und brechen nur ab und an mit Geschwindigkeitsdelikten aus diesem üblen Miasma aus.

Hier findet ihr keine lieblichen Momente, hier scheint keine Sonne. Was auf diesem Album zelebriert wird, ist pure Ernsthaftigkeit, welche durch philosophische Texte (u.a. die Vergöttlichung des Menschen) veredelt wird.

Blut Aus Nord sind unbeschreiblich und intensiv

Vor allem aber definieren sie den (Black) Metal neu. Anspruch ist das Zauberwort. Auch das gelungene Artwork von Anna Levytska spiegelt perfekt den faszinierenden Kosmos des Künstlers wieder. Fakt ist aber auch, dass BLUT AUS NORD nie den kommerziellen Anschluss gesucht haben und mit ihrem düsterem Auftreten es zum Glück auch nie schaffen werden. „Deus Salutis Meae“ zerrt euch in eine so unverkennbare Realität und malträtiert eure Sinne selbst in den Interludien mit verstörenden Collagen, die man wohl am ehesten dem Dark Ambient zuordnen kann.

Ich weiß, ich weiß. Seit knapp 400 Wörtern schwärme ich hier unablässig von der Platte und kann nur schwer verdeutlichen, was „Deus Salutis Meae“ mit mir anstellt.

Eins steht allerdings fest: Das Hörerlebnis ist wahrhaft magisch und hinterlässt beeindruckende Szenarien. Stellt euch der Herausforderung. Erlebt etwas völlig Neues.

Dein Trip beginnt HIER

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Musik-gewordenes … Etwas.

Prinzipiell kann ich mich recht gut mit den Kollegen von Powermetal.de identifizieren, entsprechend durchstöbere ich auch immer deren monatlichen Soundcheck. Etwas verwundert habe ich dann jedoch festgestellt, dass auf dem vorletzten Platz eine Band namens IGORRR mit einem Schnitt von knapp über vier Punkten gelandet ist. Das verwunderte mich deshalb, weil mir ebenjene Truppe gerade noch vom eigenen Gitarristen empfohlen wurde. Neugierde geweckt! Kann das Ding dann wirklich so schlecht sein? Aufmachung und Name lassen schon einmal auf Mucke abseits der Norm schließen, eine schöne Abwechslung also zum eher schematischen Alltagsmetal, so die eigene Erwartungshaltung.

Der sympathisch betitelte Opener „Viande“ haut, als derber Death Metal getarnt gut in die Kauleiste, hält sich aber vergleichsweise zurück. Ausgeflippt ist das Ding durchaus, mit seinen eingeworfenen Trip-Hop-Elementen und dem schmerzhaft wahnsinnigen Gesang. Das ist im Vergleich zum Kommenden aber noch sehr zahm. „ieuD“ zeigt dann, was sich hinter IGORRR tatsächlich verbirgt: reiner Wahnwitz! Auf der einen Seite kleidet sich der Song sehr barock, offeriert eine hervorragende klassische Sängerin und pendelt von einem zum nächsten Moment zwischen den Gegensätzen, wie sie selbst im extremsten Metal rar sind. Es ist anstrengend, ja, sogar sehr anstrengend. Als Hörer lechzt man nach Halt und freut sich, wenn dann einmal „nur“ Blastbeats über einen hereinbrechen. Ausflüge in Bereiche jenseits des Metal, vor allem in klassische Gefilde, sind eher die Regel als die Ausnahme.

Problème de compréhension

IGORRR dekonstruieren und polarisieren, so viel ist klar. Man könnte eigentlich behaupten, „Savage Sinusoid“ lebe das Tabu, so weit abseits gängiger Songstrukturen operiert das Album. Gleichzeitig lässt sich aber auch immer ein roter Faden erahnen, und sei es nur durch das bewusste Zerschnippeln eines solchen. Da kommen wir auch schon zum wichtigsten Punkt: Zu keinem Zeitpunkt hat man den Eindruck, hier sei willkürlich Chaos ausgelegt worden. Das Album mag hohe Ansprüche an den Hörer stellen, untermauert diese aber mit den Fähigkeiten der einzelnen Protagonisten – die Truppe um Mastermind Gautier Serre beherrscht ihr Handwerk wirklich hervorragend.

Insgesamt lässt sich feststellen, dass IGORRR anecken. Den meisten wird dieses Album schlicht zu anstrengend sein, setzt es doch auf totale Reizüberflutung. Selbst ein kauziger Eigenbrötler wie IHSAHN wirkt im Vergleich gemäßigt, wenn nicht gar massentauglich verglichen mit diesem „Ding“. Es ist also durchaus verständlich, warum es bei den Kollegen von Powermetal.de einen so schlechten Schnitt eingefahren hat. Als Gegenentwurf zum üblichen Metal ist das Ding aber nicht nur auf eine verquere Art erfrischend, sondern durchaus wertvoll. Entgegen der chaotischen Natur von „Savage Sinusoid“ entsteht nämlich ein einzigartiger Hörfluss, und es macht irgendwo auch Spaß. Der Preis hierfür ist natürlich, dass die Songs auf sich allein gestellt nicht alle funktionieren – was sie offensichtlich aber auch nicht sollen. Daher wohl die wirren Titel wie „Spaghetti Forever“, „Problème d’émotion“ oder „Robert“. In Zeiten, wo nur die Single und der große Hit zählen, eine angenehme Abwechslung. 

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 Mögt ihr euren Metal bunt, facettenreich und Gegensätze vereinend? Wenn ja, dann bietet all das die Bonner Band KLABAUTAMANN auf ihrem nunmehr fünften Langspieler, der auf den überaus passenden Namen „Smaragd“ getauft wurde. Und ähnlich dem vor Tiefseewesen nur so wimmelnden Coverartwork, will dieser Edelstein in Form von zehn überaus akzentuierten Songs erst einmal geborgen werden. Doch eins nach dem anderen.

KLABAUTAMANN lernte ich vor wenigen Jahren durch ihr großartiges Album „Merkur“ kennen, welches folkloristischen Black Metal mit bluesig und jazzig angehauchten Elementen verknüpfte. Eine Mischung, die ich in dieser Form so noch nicht gehört hatte und welche mir bis zum heutigen Tag überaus gut gefällt. Und obwohl die Musik von Florian Toyka – der zuletzt mit dem Album „Endstrand“ seiner anderen Band VALBORG überzeugen konnte – und Tim Steffens ihre Wurzeln klar im norwegischen Black Metal der 90er-Jahre hat, so haben diese sich Stück für Stück und Album für Album von diesem Soundgerüst entfernt. Ausgenommen sei hier das 2011er Werk „The old chamber“, welches bewusst metallisch und traditionell daherkam. „Smaragd“ hingegen ist die logische Weiterentwicklung des „merkurischen“ Sounds und stellte mich in der gesamten Reviewzeit vor große Aufgaben.

Vom großen Klangkosmos

In einer knappen Stunde präsentiert sich „Smaragd“ in vielen Facetten, von blastigem Geballer hin zu elegischen und gar leicht funkigen Klanglandschaften. Der Opener „Into Depression“ eignet sich hervorragend als Paradebeispiel dieses Klangkosmos und pendelt ausgewogen zwischen Härte und frohlockender Verspieltheit hin und her, auch wenn die Grundstimmung stets düster und melancholisch bleibt. Im überaus schön gemachten Video zum Lied lässt sich dies in Form einer bebilderten Geschichte hervorragend nachverfolgen. „Into Depression“ stellt einen verdammt starken Beginn des Albums dar und sorgt für ein erstes, wenn nicht sogar das Highlight des Albums.

Im Folgenden zeigt „My terrifying mirror“ die metallischere Seite der Band auf und erinnert mich speziell durch Tim Steffens Gesang so einige Male an ENSLAVED zu Zeiten von „Ruun“ und „Below the Lights“. Doch auch in diesen härteren Stücken wird das Geschehen immer wieder durch herrlich verspielte Intermezzis aufgelockert, die für mich dem Metal definitiv den Rang ablaufen. Dies mündet teilweise in komplett entmetallisierten Stücken wie etwa „In my shadow“ oder den Rausschmeißer „Frozen in time“, welcher gesanglich von Anna Murphy (LETHE, Ex-ELUVEITIE) veredelt wurde. An diesen Stellen werden sich durchaus die Geister scheiden, zumindest wenn man als eher traditionell veranlagter Metalhörer an das Songmaterial herangeht.

Anfangs fiel es mir persönlich schwer, einen roten Faden im Albumverlauf zu erkennen und mich zu orientieren. Nach vielen (!) Hördurchläufen ist das Material jedoch deutlich gewachsen, definitiv näher zusammengerückt und wirkt insgesamt homogener. Was auf dem Quasivorgänger „Merkur“ noch stete Auflockerung war, übernimmt somit auf „Smaragd“ das Zepter. Der Metal verkommt somit streckenweise zum Beiwerk.

 Kontrastprogramm

So sehr jedoch die Abwechslung regiert, KLABAUTAMANN vergessen auch ihre Ursprünge nicht. Das Dreierpack „The murderes“, „Enemies blood“ und das deutschsprachige „Saturn“ (mit nicht nur namensgebender Reminiszenz zum Quasivorgänger „Merkur“) stellt die metallischen Stärken in den Vordergrund. Hier wird auch mal gegrowlt und gedoppelter Gesang von hohen Schreien und tiefem Gurgeln ausgepackt, der die Musik deutlich düsterer gestaltet. Bei „Enemies blood“ wirkt diese Stilistik für meinen Geschmack ein wenig zu aufgesetzt, kann jedoch in den anderen Stücken vollends überzeugen. Es ist jedoch erstaunlich, wie viel Klargesang im Kontrast zu den harten Schreien und Growls auf dem Album zu finden ist. Dafür holte sich die Band ebenfalls Unterstützung in Form der beiden Sänger Chester Gerritse und Ingo Kerstjens, welche normalerweise außerhalb des Metals musizieren.

Gitarrist und Songschreiber Florian betonte im Promoschreiben explizit das Mitwirken der Gastsänger/-musiker, da diese sehr viel Motivation mitbrachten und eine fokussiertere Fertigstellung des Albums ermöglichten. Zu diesen gehört auch der Session-Drummer Patrick Schroeder, welcher jedoch seit vielen Jahren die Drums bei KLABAUTAMANN einspielt, sozusagen im „On/Off“ Status inoffizielles Bandmitgleid ist und wieder einen exzellenten Job abliefert. Wenn man die Bandbreite der Einflüsse und die teils recht vertrackten Songstrukturen bedenkt, kann ich dieses Argument nur unterstreichen. Denn obwohl nicht jede Note komplett überzeugt, stellt das Gesamtergebnis mehr als zufrieden und ist ein Kraftakt, der speziell von einem Duo nur schwer zu stemmen ist.

Passend dazu wartet „Smaragd“ mit einer wohlig warmen, organischen Produktion auf, die vor allem den ruhigen Stellen des Albums zugute kommt. Das Schlagzeug scheppert authentisch und die vielen kleinen Details, welche vor allem im Gitarrenspiel vorhanden sind, kommen gut zur Geltung. Die Dynamik der Songs wird gut verpackt und von angenehm tieftönigen Bassspuren kontrastiert. Der Gesang ist für meinen Geschmack etwas zu weit im Vordergrund, bekommt jedoch dadurch gerade im Wechselspiel aus harten und cleanen Parts die nötige Aufmerksamkeit. Alles in allem geben sich auch hier KLABAUTAMANN keine Blöße.

Was bleibt am Ende zu sagen? „Smaragd“ hat mir einiges an Arbeit abverlangt und so könnte es eventuell vielen Hörern gehen. Wenn man jedoch dazu bereit ist, sich in ein Album einzuarbeiten, bekommt man mit dem neuesten Streich der Bonner ein absolut facettenreiches Werk, welches viel Langzeitmotivation bietet und bei dem man sich zudem die Frage stellen kann, wohin der Weg in Zukunft für KLABAUTAMANN noch gehen könnte. Von diesem Punkt aus stehen ihnen alle musikalischen Türen offen.

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Boah, was für ein Brocken.
Hier ist es nun, das zweite Album der irren CZAR. Nachdem im Jahre 2011 ihr erstes Full Length „Old Haunts“ erschien, wurde es über Jahre ruhig um die Jungs aus Tacoma, Washington.
Der Schlag mit dem sie sich jetzt jedoch zurückmelden, könnte kompromissloser nicht sein.

Unter dem wunderschönen und bedeutungsschwangeren Titel „Life Is No Way To Treat An Animal“ wurden ganze 19 Portionen schwerverdaulicher Krachkost zusammengeführt, die sogar mir einiges abverlangen.

So wird das Album von dem jazzig anmutenden Stück „Owls, etc.“ eröffnet, welches mit Elektrobeats, Störgeräuschen und einem Rhodes Piano aufwartet. Alle Klarheiten beseitigt? Zu dem bereits kompliziert zu sezierendem Sound gesellen sich später noch Post Rock-Linien und eine wirre Sologitarre, bevor der abrupte Übergang zu „Too Many Yetis“ erfolgt und man sich auf einem DILLINGER ESCAPE PLAN-Stück wähnt. Von diesem Eindruck hält eigentlich nur die fehlende Stimme von Greg Puciato ab.

Nach knapp neun Minuten Spielzeit werde ich ohne Vorwarnung fallen gelassen, gerade, als ich mich in diesem klangkaleidoskopischen Orkan zurecht zufinden meinte. Denn in „Beware The Flies, Orestes“ setzt ein wunderschönes Piano ein. Dass wüst gegen dieses angeschrien wird, hatte ich schon erwartet, wodurch mich das Ganze an MY OWN PRIVATE ALASKA erinnert. Doch die „Ruhe“ währt natürlich nicht lange, sodass man wenig später wieder in DILLINGER-Gefilde ausbricht. Wer THE HIRSCH EFFEKT mag, der dürfte über das entsprechende Nervenkostüm verfügen, um sich auch an CZAR zu wagen. Für alle anderen würde ich den Warnhinweis aussprechen, vorher Arzt und Apotheker zu konsultieren, da für physische und psychische Schäden keine Haftung übernommen werden kann.

Sodomie am Cerebrum

Ein weiterer Punkt, den ich bei „Life Is No Way To Treat An Animal“ herausheben muss, sind die wahnwitzigen Texte, die zum einen ellenlang sind und zum anderen auf der Bandcampseite der Band nachgelesen werden können. Hier stoßen Tiermetaphern und Fabelähnliche Geschichten auf die absurde Komik, die vor allem TOM WAITS in seinen Songs domestiziert hat.

Den krassesten Ausbruch in dieser Hinsicht bietet das Spoken Word (!) Stück „Canine: No Eyes. Just Teeth.“, das mit Noise und manischen Gitarren begleitet wird. Wer „A Wild Hare“ von SPASTIC INK kennt, der kann sich vielleicht vorstellen, was hier abgeht. Und dabei befinden wir uns hier immernoch im ersten Drittel des Gesamtwerkes! Mike Patton würde höchstwahrscheinlich vor Freude implodieren, wenn er CZAR zu hören bekäme.

Wo wir gerade bei dem FAITH NO MORE-Frontmann sind: dieser bietet eigentlich einen guten Referenzpunkt, da sich CZAR zuweilen nicht sehr weit von den Stilübergriffen der genannten Hauptband befinden, andererseits aber auch Erinnerungen an „Irony Is A Dead Scene“ wach werden lassen.

„Mister Reindeer“, das längste Stück des Albums, stellt sich mir als undurchsichtiger und vertrackter Bastard dar, dessen Zeugung unter mysteriösesten Umständen stattgefunden haben müsste. Hier treffen Jazz, Math und Zirkusmusik aufeinander. Doch um den gerade erlittenen Schock wieder etwas zu mildern, folgt im unmittelbaren Anschluss das versöhnlich stimmende Akustikgitarrenstück „Domesticated Wolves“, welches allerdings nur kurz währt.

Schade, endlich zu Ende

Bis zum Ende des Albums soll die kunterbunte Achterbahnfahrt so weitergehen, wobei sich Synthielandschaften, Noiseattacken, FAITH NO MORE-Reminiszenzen, Math- und Tech-Elemente die Klinke in die Hand geben sollen. Das Abschlussstück „Taking Roadkill To The Vet“ setzt dann nochmal alles daran, die letzten Sekunden des Albums so unerträglich wie möglich zu machen, wozu ein nerviger Handyklingelton über drei Minuten erklingt, während HAL 9000 aus „2001: A Space Odysse“ seine letzten Worte spricht und man förmlich darum bettelt, dass das Album endet. Beunruhigend und verstörend. Wenn der „Song“ bzw. das Album jedoch die Bedeutung haben soll, die ich vermute, dann könnte es passender nicht konstruiert sein.

„CZAR Is No Way To Treat A Listener?“

Trotzdem muss ich erstmal tief durchatmen. 
Das Stil- und Klanggemisch, das CZAR hier präsentieren, weißt zwar keine Ausfälle auf, ist aber dennoch nur schwer zu ertragen. Denn „Life Is No Way To Treat An Animal“ ist nicht nur ein Alb-um, sondern auch ein Alb-traum und zwar ein solcher, der die Stille, die ihm folgt, anders klingen lässt.

So kann ich auch nach mehreren Durchläufen immernoch nicht wirklich sagen, wo welcher Song aufhört und der nächste beginnt, da diese direkt und nahtlos ineinander übergehen und von 23 Sekunden bis 6 Minuten Spielzeit reichen können. Und dennoch: „LINWTTAA“ muss als Gesamtwerk wahrgenommen werden. Eines, das seinem Titel gerecht wird und somit eine gelungene Parabel zu seinem eigenen Inhalt darstellt. Zumindest wenn man das so interpretieren will. Auch wenn ich immer noch nicht über den Punkt hinweg gekommen bin, an dem ich nach einem Plattendurchlauf froh darüber bin, dass es endlich zu Ende ist, muss ich dem CZAR-Zweitling höchsten Respekt zollen. Denn trotz, oder wegen, der Unhörbarkeit ist „LINWTTAA“ ein Album, das lange nachhallt.

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