Die Retro-Welle im gegenwärtigen Heavy Metal ist seit gut zwei Jahrzehnten ungebremst am Wüten, und weltweit floriert das NWOTHM Genre. Und auch in Raleigh, North Carolina finden Menschen Begeisterung an der neuen Welle des traditionellen Schwermetalls. Hier haben sich im Jahr 2022 vier erfahrene Musiker zusammengetan, um lautstark ihre Liebe zu dem blühenden Genre kundzutun. Will Adkins (Schlagzeug und Hintergrundgesang), Joel McGee (Bass und Gesang), David Ryan (Gitarre und Hintergrundgesang), und Tina Langevin (Gesang) sind CRIMSON STEEL. Und nun erscheint vier Jahre nach ihrer offiziellen Gründung beim Heavy Metal Label Heaven and Hell Records ihre erste Langspielplatte „Show No Fear“.

Gestern, Heute, Morgen

Genre-typisch schlagen CRIMSON STEEL auf „Show No Fear“ einen musikalischen Bogen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Die Orientierung an den Klassikern der Heavy Metal Geschichte ist von Anfang bis Ende des Albums höchst offensichtlich. Garniert mit melodischen Anleihen aus den Sphären des Power Metal und der Kraft des Speed Metal prägt ein dynamischer Sound die sieben Lieder. Besonders atmosphärisch ist außerdem das Intro „As Above, So Below“ sowie das instrumentale Zwischenspiel „Prelude To The Blade“. Doch auch moderne Strukturen, die aus dem traditonellen Klang herausbrechen, haben ihren Weg in die Klanglandschaft von „Show No Fear“ gefunden. Und nimmt man die Inhalte und Themen etwas näher unter die Lupe, erkennt man eine Ausrichtung einer noch ungeschriebenen Zukunft. Bedrohliche Szenarien sind hier zu erkennen. Doch auch Mut und Hoffnung sind zentrale Punkte von CRIMSON STEELs Debutalbum.

Der Kampf um die Erneuerung

„Show No Fear“ ist ein technisch gut umgesetztes Album ohne Längen. CRIMSON STEEL erzeugen Atmosphäre, sorgen für Unterhaltung, und performen selbstbewusst. Auf der anderen Seite sind auch die Höhepunkte rar gesät. Der zweite Titel „Dark Rider“ und die atmosphärische Ballade „Bleed Into One“ stechen hier noch am meisten raus. Dennoch fehlen die markanten Spitzen mit Wiedererkennungswert. So hallt „Show No Fear“ trotz aller guter Handwerkskunst kaum im Kopf nach.

Homepage von CRIMSON STEEL

Abbildungen und Pressematerial: C Squared Music

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Der Name TANTRUM kann viele Assoziationen aufrufen. Viele denken sicherlich an das gleichnamige Getränk aus der Serie HOW I MET YOUR MOTHER, und auch in den Sphären der Musik taucht der Name oft auf. Es geht hier allerdings weder um die Post Hardcore Band aus Montpellier, noch um die japanische Hardcore Punk Band, und auch nicht um die Thrash Metal Band aus Sri Lanka. Es geht um TANTRUM aus Glasgow, um Mark Riches (Schlagzeug), Chris Horne (Bass), Micah Snow (Gitarre), Baz Fitzsimmons (Gitarre), und Mark Reid (Gesang). Nach „Melt It Down“ (2018) und „Another Life“ (2023) veröffentlicht die schottische Band mit „No Place For The Damned“.

Dreifaltigkeit und Zerstörung

Schon auf ihren vorigen Releases haben TANTRUM gerne lyrische Themen eingebaut, die sich über mehrere Lieder erstrecken. Im Falle des vorliegenden Albums ist das die Trinity Trilogie, die in den Stücken „Manifest Destiny“, „Hellbound Planet“ und „Traveller“ erzählt wird. Um dieses Narrativ herum handeln acht weitere Stücke von düsteren Zeiten, sowohl im Kleinen als auch im ganz Großen. Es geht um depressive Episoden und Suizidalität, um die Zerstörung unseres Heimatplaneten, um Gewalt, Krieg und Zerstörung. Wahrlich sind das keine Gute-Nacht-Geschichten, die uns TANTRUM hier präsentieren. Stattdessen zeigt das Quintett nüchtern und kompromisslos auf viele Dinge, die auf unserem Planeten und in der menschlichen Gesellschaft schief läuft.

Tradition und Nostalgie

Auf musikalischer Ebene bewegen sich TANTRUM in den Gefilden des Heavy Metal mit gewissen Ausflügen in Richtung Power Metal. Eine genauere Eingrenzung führt in Regionen wie New Wave of British Heavy Metal oder New Wave of Traditional Heavy Metal. Wer also musikalisch vor allem den britischen Sound der 1970er und 80er liebt, wird hier sicherlich frohlocken, den VoKuHiLa bürsten und die Jeansweste mit den IRON MAIDEN– und JUDAS PRIEST-Patches aus der Kammer holen (oder natürlich mich für diese hart vereinfachte Stereotypisierung rügen).

Das soll heißen „No Place For The Damned“ bereitet auf weiten Strecken wirklich viel Freude, und lädt zum Headbanging und zum Feiern einer unsterblichen Musikkultur ein. Allerdings bleibt in der Nachlese wenig hängen. Mit „Manifest Destiny“, „The Darkest of Times“ und „The Judge“ hat „No Place For The Damned“ wahrlich einige Highlights vorzuweisen. Originalität oder Alleinstellungsmerkmale sucht man jedoch vergeblich. So ist das dritte Album von TANTRUM für lange Strecken im Fortbewegungsmittel der Wahl sicherlich eine gute Hintergrundbeschallung, und taugt auch garantiert prima als musikalische Untermalung für einen Abend in der Bar. Abgesehen davon klingt „No Place For The Damned“ nach einem generischen Heavy Metal Album, einem lauwarmen Aufguss von unzähligen Releases der letzten 50 Jahre.

Homepage von TANTRUM

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Metal Devastation Radio zur Verfügung gestellt.

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Seit ihrer Gründung vor zehn Jahren haben LUTHARO aus Hamilton, Ontario zwei EPs und ein Album in Eigenregie veröffentlicht. Zwischen dem Release des Debutalbums „Hiraeth“ und jetzt gab es noch ein paar kleine Änderungen in der Besetzung, und jetzt präsentieren sich LUTHARO stolz und kraftvoll auf ihrem zweiten Langspieler „Chasing Euphoria“. Beim deutschen Label Atomic Fire Records gibt es das Release auf Schallplatte, auf CD sowie zum Download. Die Band wiederum macht sich direkt nach dem Release zusammen mit WICKED, VICIOUS RUMORS, und RAVEN auf eine mehrwöchige Tournee durch die USA und Kanada.

Ein bunter Cocktail

„Chasing Euphoria“ ist ein äußerst abwechslungsreiches Album. Die Rhythmus-Sektion treibt sich zumeist in den Gebieten von Heavy Metal und Thrash Metal herum, während viele Gitarrenriffs in Richtung Melodic Death Metal reisen. Hier kommt der Gesang von Krista Shipperbottom sehr gut zum Einsatz, denn die Sängerin ist vom melodischen Klargesang bis zum giftigen Guttural-Schrei vielseitig fähig. So wechseln sich harmonische Hooklines, die zum Mitsingen und Feiern einladen gerne mit halsbrecherischen Headbanging-Passagen ab. Fließende Übergänge, die wie ein warmes Messer durch Butter gleiten kommen hier ebenso vor wie scharfkantige Themenwechsel, die für kleine Überraschungen sorgen.

Goodbye, Subkultur!

Mit „Chasing Euphoria“ haben LUTHARO ein Album zusammengestellt, dessen Musik für die großen Bühnen, für Feiern, und für ein breit aufgestelltes Publikum gemacht ist. LUTHARO treten selbstbewusst aus den Katakomben der Subkultur heraus und beweisen einmal mehr, dass Genres wie Melodic Death und Heavy Metal sehr wohl Menschen im popkulturellen Bereich bewegen können. Großartige Produktion trifft auf ausgefeiltes Songwriting und auf eine vielfältige Klanglandschaft, die ein weites Feld inner- und außerhalb der Genregrenzen des Heavy Metal abdeckt.

Vielleicht zu viel? Viellicht ja. Es ist sehr wahrscheinlich, dass LUTHARO mit „Chasing Euphoria“ einen entscheidenden Durchbruch schaffen, und womöglich wird sich der Stil danach auch wieder verfeinern. Derzeit wirkt es fast, als würden sie versuchen, auf zu vielen Hochzeiten gleichzeitig zu tanzen. Starke Unterhaltung bieten sie allemal.

Homepage von LUTHARO

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C Squared Music zur Verfügung gestellt.

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Obwohl sich einige Bands in den letzten zwei Jahren aufgelöst haben, sind drei Hamburger mutig genug, den Versuch zu starten, sich einen Namen zu machen. VOLDT nennen sich die Jungs und haben am 08.04. ihr Debütalbum „Vandalism“ veröffentlicht. Ganz neu sind sie allerdings nicht, denn 2019 hatten sie bereits eine EP mit dem Namen „Voken“ veröffentlicht.

Die Fakten

VOLDT besteht aus den drei Musikern Alexander ’Al‘ Shirazi, Johannes Horas und Wanja Gröger. Die Band durchlief einige Phasen der Veränderung, bis sich schlussendlich das heutige Projekt VOLDT herausbildete. Ihr Debütalbum umfasst 8 Songs, läuft ca. 42 Min. und stellt ihre Interpretation des Modern Heavy Metals dar.

Ein wilder Ritt durch gesellschaftliche Themen

Der erste Track der Platte heißt „The great command“ und hat sogar schon ein zugehöriges Video. Das Intro legt direkt los und bestimmt gleich, wo es für den Song lang gehen soll – und das ist direkt nach vorne. Sehr prägnant ist auch die Stimme des Sängers Alexander. Textlich behandelt man hier einen größenwahnsinnigen Machthaber, der seine Macht ausnutzt und sich darüber erfreut, seine Soldaten immer wieder in den sinnlosen Tod zu schicken. Ein Song, der nicht aktueller sein könnte.

Beim zweiten Song „Headless haunting hound“ gefallen mir die Gitarrenparts echt gut. Das geht klanglich für mich stellenweise vom Heavy Metal in den Power Metal über. An ein oder zwei Stellen wirkt das gesamte Soundpaket etwas chaotisch überladen, aber ich glaube, dass es sich hierbei um ein Stilmittel handelt. Denn in dem Track geht es darum, was passiert, wenn man dem eigenen Schweinehund in sich erliegt, und wie befreiend und gleichzeitig verdammend es sich anfühlen kann. Dieses Stilmittel sorgt aber auch dafür, dass man den Song nicht einfach nebenbei, sondern bewusst hören muss, womit VOLDT ihre Zuhörer direkt an die Musik binden.

„Killing at the speed of light“ hat passenderweise ein paar Gesangsparts, die deutlich in Richtung Screams gehen. Passend deswegen, weil hier die Bereitschaft zu grenzenloser Gewalt unter dem Vorwand übergeordneter Ideologien besungen wird. Meines Empfindens nach hebt sich der Song auch rhythmisch vom Rest der Tracks ab. „Symphony of suicide“ hingegen spricht ein sehr heikles Thema an. Das Wesen in diesem Song ist eine Metapher für eine Angst, die den Protagonisten letztendlich in den Selbstmord treibt. Ich finde, das Thema wird sehr gut beschrieben und auch musikalisch gut umgesetzt. Passend zum Schluss verklingt der Song in ausgedehntem Hall. Gefällt mir gut.

Weiter gehts…

„Monsters of the sea“ ist die dritte Videoveröffentlichung von VOLDT. Auch wenn es ein sehr seltsames Video ist, das sich nicht wirklich verändert – aber seht lieber selbst. Hier haben VOLDT eine Art Ballade mit viel Raum für die Melodie geschaffen. Der Song selbst verlegt die Echsenmenschen-Story unters Meer. Ein interessanter Ansatz, der mir als Lovecraft-Fan natürlich gefällt. 

In „Teachings“ wird dafür wieder sehr viel Fahrt aufgenommen, aber auch hier kommt die Melodie nicht zu kurz. Auch die Gesangsstimme ist nicht ganz so prägnant und omnipräsent wie in den meisten anderen Songs, was dem Track aber gut tut. Und auch hier befasst man sich verschnörkelt doch irgendwie mit aktuellen Themen, denn hier geht es um die kryptische Eingebung eines apokalyptischen Vorboten. Solcherlei Personen laufen derzeit ja mehrfach durch die Gesellschaft.

Bei „Servant“ wird die Geschwindigkeit stellenweise wieder runtergefahren und mehr auf Melodie denn auf Rhythmus gesetzt. Das bedeutet allerdings nicht, dass es dem Song an Kraft fehlt, denn auch hier gibt es genug Platz, um Bass und Schlagzeug gezielt einzusetzen. „Shame or Glory“ wiederum thematisiert den Kreislauf des Lebens und fasst das Album damit noch einmal zusammen. Auch werden hier Melodien aus vorherigen Songs des Albums aufgegriffen, was das Album sehr gut abrundet.

Zur Bandcamp-Seite von VOLDT geht es hier.

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Wie oft muss es vorgekommen sein, dass eine Metalband vor dem großen Fragzeichen der Namensfindung steht?! Was gibt es noch nicht, was klingt nicht zu verfrikkelt, was macht einfach Sinn? Im Falle von OVERSENSE weiß ich zwar nicht, wie lange dieser Prozess im Jahre 2012 gedauert hat, aber Sinn macht der Name durchaus, denn die Band kommt aus Obersinn in Bayern. Es kann manchmal so herrlich naheliegend sein. Jedenfalls tauchte die sympathische Kombo in den letzten Wochen bereits mehrfach in unserem Musicfriday auf und nun steht das neue Album „Egomania“ in den Startlöchern, dem ich mich freundlicherweise schon vorher annehmen darf. So denn… 

TO BE OR NOT… 

Als ich das erste mal die Single „Be“ (welche auch der erste Vorbote zum Album war) gehört hab, dacht ich mir schon: „Ja, das ist zwar wiedermal überhaupt nicht mein normaler Dunstkreis, aber macht verdammt viel Spaß!“. Einige Zeit später folgte dann „The Longing“, womit mich die Band noch weiter für sich gewinnen konnte. Irgendwas war da, was mich einfach begeistern konnte. Die dritte und frischeste Single „Love“ vereint beide Songs und mixt das Beste daraus zusammen. Alles eigentlich gute Vorzeichen für „Egomania“ in fulltime. 

Zu Beginn des Albums spricht die Band zunächst mal einen Toast aus. Undzwar an den Leibhaftigen himself. „Toast To The Devil“ ebnet herrlich eingängig und melodisch den Weg für alles, was den Hörer in den nächsten 11 Songs mit knapp einer Stunde erwarten wird. Sänger Danny überzeugt sofort mit seiner cleanen Stimme. Diese möchte ich auch direkt mal hervorheben, denn sie verleiht dem modernen Metal von OVERSENSE nicht nur den letzten und runden Schliff, sondern verfügt auch über reichlich Wiedererkennungswert. Heutzutage finde ich eines der wichtigsten Merkmale überhaupt. Direkt im Anschluss folgt „The Longing“, welches ich ja oben schon erwähnte, für mich aber eines der absoluten Highlights des Albums darstellt. Der Song bietet in sich soviel Abwechslung, dass es praktisch nicht möglich ist, diesen zu skippen. Geschwindigkeit, bretternde Gitarren und eine traumhaft-ruhige Passage, klickt dazu gern nochmal hier. 

OVERSENSE schaffen es auf Albumlänge diese Abwechslung aber durchaus auch weiter zu halten. Es fließen ständig verschiedene Elemente in die einzelnen Songs ein, dass man überall neues erspähen kann, wenn man sich darauf einlässt. Klassischer Heavy Metal („My Eden“) findet da ebenso Platz, wie eine Prise Hard Rock („Rave In Hell“). Auch ein Blegh! hat sich irgendwo versteckt, könnt ihr es finden? Für die romantischen Seelen unter euch ist ebenfalls gesorgt, denn mit „Memories“ bekommt ihr eine mitreißende Ballade. Erwähnen möchte ich auch noch die beiden weiblichen Features, die „Be“ (Herma / SICK ‚N BEAUTIFUL) und „Faith“ (Ulli / SNOW WHITE BLOOD) nochmal auf ganz andere Level heben. An letzter Stelle der Tracklist steht da noch „Extinction“, welches auf 7 Minuten nochmal richtig Gas gibt und das Album wunderbar abrundet. Von Seiten der Produktion gibt es in meinen Ohren auch nix zu meckern, das klingt alles, wie es soll würde ich sagen. Alles in allem kann ich an „Egomania“ eigentlich kein schlechtes Haar lassen. Es macht in Gänze einfach zu viel Spaß und bietet viel zu entdecken. Sicherlich sind hier und da Parts verbaut, die vielleicht nicht jeden Geschmack treffen, aber eine klare Empfehlung muss ich dennoch aussprechen. Oder einen Toast. Wie ihr wollt. Cheers. 

www.OVERSENSE.de

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Mittlerweile dürfte es wohl jeder kapiert haben. 70s-Rock ist – wie diverse Metal-Spielarten ebenfalls, nur Hauptsache konservativ – wieder cool. Und wenn der angegraute Heldenstoff der Genreikonen, der derzeit zuhauf in Biopics verwurstet wird, nicht ausreicht, dann treten eben junge Bands auf den Plan, um die entsprechenden Lücken zu füllen. So könnte man jedenfalls meinen. Lückenfüller sind OLD MOON MADNESS aber bei Weitem nicht. Auf ihrer selbst betitelten Debütscheibe taumeln die Retrofanatiker zwischen Classic Rock der härteren Gangart und jugendlichem Charme – und klingen weder altbacken noch milchbärtig.

Aus alt mach neu… oder irgendetwas dazwischen?

Ein schriller Schrei durchdringt die Stille. Ist es Rob Halford? Vielleicht King Diamond? Oder doch Tim Baker? Schwer zu sagen. Es klingt ein bisschen wie alle drei auf einmal. Auf dem wortwörtlich höllischen Opener „Road To Hell“ spielen OLD MOON MADNESS mit Erwartungen, nur um letztlich keine davon zu erfüllen. Das gelingt ihnen – mehr als nur gut. Prompt verirrt sich der Song in ausufernden Instrumentalpassagen der Marke Rainbow – auch wenn sich für das Eingangsriff wohl etwas zu sehr an die die Trivium-Vorlage „Down From The Sky“ gehalten wurde. Das ist aber meckern auf hohem Niveau. Und abgesehen davon, dass die Truppe um Matt Heafy angesichts des Stils wohl eher ein unkonventioneller Einfluss sein dürfte: OLD MOON MADNESS können auch eigenständig und greifen dabei tief in die hauseigene Trickkiste.

Selten wirkt ein gewollter Retroaufguss so organisch: „Empire Of Pain“ und „Into Fire“ versprühen den lässig-lockeren 70s-Blues-Rock-Charme von Gitarrenhelden wie Rory Gallagher. Mit „Night Demon“ wagt die Truppe sogar den Grenzgang Richtung Proto-Heavy-Metal. „Rich Man’s Daughter“ klingt so als würde Jon Lord auch vom Jenseits aus noch kräftig in die Tasten seines Instruments hauen und die obligatorische Ballade „Drifting“ darf selbstverständlich auch nicht fehlen. „Old Moon Madness“ wirkt streckenweise wie ein Album aus einer anderen, längst vergangenen Zeit. Und dann wieder doch nicht, denn die juvenile Selbstdarstellung wirkt wahre Wunder. OLD MOON MADNESS sind fast schon penibel klassisch, ohne dabei auch nur eine Sekunde lang ein müder Aufguss zu sein. Bewährte Zutaten treffen auf moderne Präsentation. Und die beißen sich nicht, sondern harmonieren so perfekt miteinander, dass wohl jeder wahre Rock-Purist in Freudentränen ausbrechen dürfte.

OLD MOON MADNESS sind zwei Seiten einer Medaille: Das Metall mag zwar angelaufen sein und die Prägung etwas verwittert, ein paar Kratzer und Schönheitsfehler sind auch vorhanden. Adäquat behandelt, mit moderner Produktion aufpoliert, feinfühliger Huldigung der goldenen Rock-Ära und einer kräftigen Prise Wiedererkennungswert der eigenen Trademarks wird aber aus „Old Moon Madness“ ein Erstlingswerk, das an genau den richtigen Stellen seine Kanten hat. Statt blinder Ahnenverehrung gibt’s hier zwar frischen, aber immer noch dreckigen Rock – ganz so wie er sein sollte!

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Das Thrash Metal Trio ACROYLYSIS ist mir im November 2019 das erste Mal aufgefallen, als ich eine Review zu ihrem zweiten Album „Black Dog’s Serenade“ geschrieben habe. Damals hat mich die pure Wucht aus Thrash Metal und Hardcore Punk richtig umgehauen. Mit diesem Album lässt es sich auf jeden Fall in die Revolution ziehen.
REAVER wiederum waren mir bisher noch gänzlich unbekannt. Allerdings ist Konstantine Ana – Sänger und Gitarrist von ACROLYSIS – hier am Bass. Auf diesem Wege kamen die beiden Bands bereits im Jahr 2018 auf die Idee, eine gemeinsame EP aufzunehmen, was dann Ende 2020 auch finalisiert wurde. Das Ergebnis ist eine 4-Tack EP mit zwanzig Minuten Thrash Metal aus Sydney.

A-Seite: Das A steht für ACROLYSIS

Die Einteilung in A- und B-Seite mag bei einem rein digitalen Release etwas fehl am Platze wirken. Letzten Endes bin ich als Vinyl-Nerd daran gewöhnt, diese Unterteilung vorzunehmen. ACROLYSIS legen mit „A Message to You“ los. Der Song ist eine deftige Kampfansage. Das Trio setzt nahtlos an der rauen Urgewalt ihres letzten Albums an. Doch mit dem zweiten Titel „Vision“ verlassen sie den Pfad des Thrash Metal Punk und legen eine Art Groove Metal ein. Die Mischung aus kratzigen Strophenriffs und dem viel zu melodischen Refrain will bei mir einfach nicht ankommen. Fans von Melodic Death Metal mit viel Groove wiederum könnten hieran ihren Gefallen finden.

B-Seite: Das B steht für brachiale Riffs

Ich habe mich oft verlesen und war zwischendurch wirklich mal der Überzeung, die Band hieße BEAVER. Aber nein, es geht hier nicht um im Wasser lebende Nager sondern um einen archaischen Begriff für Räuber. REAVER legen nach einem etwas zu langen Intro mit „Broken Smoker“ los. Und wie die loslegen! Vollgas Thrash Metal mit kunstvollen Zwischenspielen und wütender Stimme wird hier geboten. Das erinnert mich doch sehr an den Einstieg der ersten Band auf dieser Split, was natürlich eine gewisse Erwartungshaltung vorprogrammiert. Glücklicherweise wird diese Annahme nicht erfüllt. Denn im Gegensatz zu ACROLYSIS knicken REAVER auf ihrem zweiten Track nicht ganz so sehr ein. Der Titeltrack geht stärker in Richtung Heavy Metal und weist gewisse Spuren Accept und Judas Priest auf. Alles in allem geht das Ganze gut ins Ohr und motiviert zu schnellen Bewegungen mit Kopf, Hüfte und Ellenbogen.

ACROLYSIS auf Bandcamp

REAVER auf Bandcamp

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Schon wieder Montag, schon wieder Belgien. Nachdem mich zuletzt das zweite Album von BÜTCHER dezent vom Hocker gehauen hat, erwische ich schon wieder Belgier und habe das erste Album von TERRIFIANT auf dem Ohr!

Die Band hatte 2019 schon ein Demo, aber kommt jetzt mit dem ebenfalls „Terrifiant“ genannten ersten Album raus. Viel mehr konnte ich als Background nicht herausfinden, außer den wunderbar schrulligen Künstlernamen der Bandmitglieder.

Mit Power und Überzeugung statt großer Finesse

Der Start ins Album gefällt mir, da es ein eigenständiges Intro gibt, was ich grundsätzlich mag. Ein Intro führt oftmals einfach gut in ein Album ein, oder macht neugierig was danach passiert. In diesem Fall weckte es bei mir die Neugier auf die Stimme.

Und die kommt im zweiten Titel „Devil in Transport“ dann auch zum Einsatz. Und beschäftigt mich auch über das ganze Album hinweg. Ich kann mich hier einfach nicht entscheiden, ob sie mir wirklich gefällt! Oder ob der schöne klassische Heavy Metal den die Bandkollegen abliefern dadurch nicht ein wenig zu sehr unverdient in den Hintergrund gerät. Auf jeden Fall kann ich dem Sänger den für Metal notwendigen Einsatz, die Power und auch die nötige Leidenschaft attestieren. Eine wirklich großartige Stimme ist es aber einfach nicht! Es klingt ein wenig zu erzwungen und gequält um bei dieser Art des Gesangs in den oberen Ligen mitzuspielen. Salopp gesagt ein wenig nach der im Schritt zu engen Jeans.

Back to the roots

Trotzdem ist das Album gut zu hören, und macht Spaß! Es erinnert mich ein wenig an Werke der NWoBHM, wobei es teilweise schon ein wenig bissiger zur Sache geht. Dabei werden aber auch wie bei „Just because i can“ neuere Einflüsse mit eingebracht. Außerdem punktet das Album mit schönen Gitarrensoli und einem omnipräsenten Schlagzeug, das sich sehr engagiert durch die Tracks arbeitet. 

Besonders hervorheben würde ich die Titel „Metal and More“ und „Iron Mountain“. Ersterer hat die schönsten Tempowechsel im Album und ein sehr ruhigen Part zwischendrin, der das Lied im Vergleich auf jeden Fall hevorhebt. Dazu gefallen mir die schrillen Gitarrentöne hier auch sehr gut!

„Iron Mountain“ ist der längste Titel und einfach ein schönes 7 Minuten langes Stück Metal! Und hier ist auch noch genug Raum, in dem sich alle Bandmitglieder an ihren Instrumenten austoben können, bevor der Titel gegen Ende hin langsam zum Outro wird. 

Fazit

Ein kurzer Bericht zum kurzen Album. Gerade einmal 31 Minuten ist das Erstlingswerk der Belgier lang, was ich persönlich immer recht schade finde. Davon abgesehen ist es ein schönes Stück Heavy Metal, das es fast schafft wie ein Relikt aus dem England der 80er Jahre zu klingen. Die Gesangsparts werden einige begeistern, und andere erschauern lassen. Ich bin mir immer noch nicht richtig schlüssig wie ich diese finde. Schlussendlich ist es ein Album, von dem ich niemandem abraten würde, aber bei dem ich auch sagen muss, dass ein gewisser Wiedererkennungswert fehlt. Es gibt keinen Titel der so ins Ohr geht, das er im Gedächtnis bleibt. Das Album insgesamt ist eben gut, aber kein aufgehender Stern im Metaluniversum.

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Heavy Metal steht aktuell wieder hoch im Kurs: In den vergangenen Jahren zogen eine Reihe noch junger Bands in die Schlacht, um den guten alten Sound der 80er-Jahre zu verteidigen und zu neuer Blüte zu führen. SMOULDER, TRAVELER und RIOT CITY oder auch VISIGOTH gelang dies nicht mit Bravour. Auch WAR DOGS wollen es nun wissen und liefern mit „Die By My Sword“ ein Debüt im klassischen „Heavy Metal“-Stil ab, welches nur allzu gern in Richtung der britischen Genreanfänge schielt. Aber wie gut ist es tatsächlich um die spanische Truppe im Vergleich mit der starken, ambitionierten und jungen Konkurrenz bestellt?

Von Schwertern und Schlachten

Dass die Jungs von WAR DOGS ihr Handwerk beherrschen, beweisen sie schon gleich zu Beginn: Bereits der Opener und Titeltrack „Die By My Sword“ weiß vollends zu überzeugen und lässt den klassischen Schwermetaller nach mehr Songs dieser Art gieren, die nicht nur dem Titel nach an das lyrische Pathos von CIRITH UNGOL und SAXON erinnert. An der Klampfenfront sieht es ebenso gut bestellt aus.  Eduardo Antón (Leadgitarre) und Enrique Mas (Rhythmusgitarre) feuern eine Riffsalve nach der anderen aus ihren Waffen. Unterstützung bekommen die beiden von José V. Aldeguer (Schlagzeug), der hinter den Kesseln furiose – und vor allem metalwürdige – Schlagzeuggewitter vom Stapel lässt. Was kann da also noch schiefgehen, um mit „Die By My Sword“ an die herausragenden „Heavy Metal“-Debüts des vergangenen Jahres anzuknüpfen?

Keine Gnade – jedenfalls nicht für WAR DOGS

Antwort: Eine ganze Menge. Gesanglich hisst Alberto Rodriguez (Vocals) zwar nicht unbedingt die weiße Flagge, bereit zum Gefecht wirkt der Sänger aber auch nicht, zumindest auf einem Großteil des Albums. Weiß noch das Eröffnungslied durchaus zu überzeugen, wird merklich schnell deutlich, dass der „WAR DOGS„-Fronter nicht unbedingt über ein Ausnahmeorgan verfügt, was noch verschmerzbar wäre, darüber hinaus aber auch zu äußerst repetitiven Songstrukturen greift. Und zwar nicht in einer sympathischen AC/DC-Monotonie, sondern eher in einer frustrierenden Art, die nicht wenige Zuhörer dazu bewegen könnte, nach den ersten Songs „Die By My Sword“ wieder beiseite zu legen.

Knapp daneben ist auch vorbei

WAR DOGS bekleckern sich mit „Die By My Sword“ keinesfalls mit Ruhm. Viel Repetitives, wenig Abwechslung – keine guten Voraussetzungen also für eine Dauerrotation im heimischen CD-Player. Statt heroischer und mit Lorbeeren auszeichnenswerter Schlachtgesänge, liefern die Spanier ein Album ab, das gerade über genug Klasse verfügt, um noch im Schatten der hochbegabten Newcomer zu stehen. Das Debüt geht zwar nicht vollends in die Hose – dafür hat die Scheibe mit Songs wie „The Shark“, das dem verstorbenen MANILA ROAD-Gitarristen Mark Shelton gewidmet ist, dann doch ein Fünkchen zu viel Qualität zu bieten. „Die By My Sword“ ist aber über weite Strecken ein qualitativer Grabenkampf auf dem Terrain des Heavy Metal. Bleibt nur zu hoffen, dass der Nachfolger musikalisch ausgefeilter sein wird. Das nötige Potential ist jedenfalls vorhanden….

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Markiert man die sogenannte New Wave Of British Heavy Metal als Startschuss für eine Bewegung in der Musikgeschichte, welche erstmals nicht nur einen nennenswerten, sondern beträchtlichen Output an „Heavy Metal“-Scheiben aus der Taufe hob, dann waren BLITZKRIEG von Anbeginn des Genres mit dabei. In der ersten Reihe rockten die Engländer – trotz der damals britischen Hegemonie metallischer Musik – nie und bildeten hinter IRON MAIDEN, JUDAS PRIEST, SAXON und Co. neben RAVEN die B-Mannschaften des damaligen UK-Metals. Unzählige Besetzungsrotationen später liefert die kultige Band auch heute noch in regelmäßigen Abständen neue Platten ab. „Loud And Proud“ heißt die neuste EP aus dem Hause BLITZKRIEG – und die klingt nicht nur dem Titel nach so, als ob sie ein aufpoliertes Relikt der glanzvollen 80er sein könnte!

NWOBHM 2.0 – Ein Hoch auf die 80er-Jahre

Unbekannt sind die Stücke von „Loud And Proud“ aber keinesfalls. Die ersten drei Songs erschienen zuvor auf dem letztjährigen BLITZKRIEG-Album „Not Judge“ bereits in der selben oder ähnlicher Form. Das macht die EP zwar um ein vielfaches weniger einfallsreich und innovativ, schlecht ist das alte/neue Material aber auch nicht.

Und mit „Loud and Proud“ macht auch direkt der Titeltrack den Anfang: eine pure Hommage an die 1980er Jahre. Nicht ganz glattproduziert und ein leicht verwaschener Klang, ähnlich dem der frühen SAXON, verpassen dem Opener eine charmante Ruppigkeit, die man bei der jüngeren Heavy Metal-Garde oft schmerzlich vermisst. Aber BLITZKRIEG stampften die britische Schwermetallära eben auch mit aus dem Boden. Auch die alternative Version von „Without You“ kann durchaus punkten: Während das Original aus dem vergangenen Jahr noch vom Klampfer der Band Alan Ross eingesungen wurde, gibt hier sein Nachnamensvetter und gleichzeitig Leadsänger von BLITZKRIEG Brian Ross am Mikrofon die Lyrics zum Besten.

„Falling Into Darkness“ wartet dagegen in der EP-Version mit orchestraler Untermalung auf. Leider ist diese ziemlich spärlich und dezent gesät. Wirklich zur Geltung kommt das bombastische Klangpotential bei dem Siebenminüter nicht. Immerhin wissen BLITZKRIEG diesen Fauxpas wieder gut zu machen, indem sie in den Folgetracks „Together (We Are Strong)“ und „After Dark“ wieder kräftig an den Stellschrauben ihrer eigenen Vergangenheit drehen. Besonders letzteres dürfte beinharte Schwermetaller mit fulminantem Gitarrengeheule und exzessiven Doublebass-Passagen mehr als zufriedenstellen. Den Abschluss bildet, wenig überraschend, ein Klassiker, der in dieser Interpretation schon seit längerem zu hören ist: die Coverversion von Alice Cooper’s „School’s Out“ – wenig experimentierfreudig, zwischen Cover und Original passt kaum ein Blatt Papier. Wer schon immer Mal die Hymne des Schockrock-Pioniers aus der Kehle von Brian Ross hören wollte, ist damit aber dennoch gut bedient.

Ein bloßes Wiederkäuen der eigenen Hochphase? Auf keinen Fall!

BLITZKRIEG verstehen es auf erstaunliche Weise, sich nicht an Idealen der Heavy Metal-Anfänge zu klammern und diese gebetsmühlenartig zu wiederholen – eine Falle, in die nicht wenige Grünschnäbel der Szene treten, vor der aber auch regelrechte Veteranen nicht gefeit sind. Umso schöner ist es, dass die Briten ihrer musikalischen Rückbesinnung eine ordentliche Portion Moderne verpassen, ohne ihren charakteristischen Sound gleich vollends über Bord zu werfen. Ein bisschen traurig ist es aber dennoch, dass so viel Material der EP bereits bekannt war. Das nimmt zwar etwas die Spannung beim Hören raus, mindert aber auch nicht die Qualität. „Loud And Proud“ ist – trotz hier und da mangelnder Innovationsfreude der Musiker – eine Heavy Metal-Platte, wie es sich für 2019 gehört. 

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