Im Jahr 2006 gründeten sich ALUNA in Birmingham. Drei Jahre, zwei Demos und eine EP („Fall To Earth“) später ergänzten sie ihren Namen durch ein H, und veröffentlichten als ALUNAH eine Split mit QUEEN ELEPHANTINE. Es folgten vier Alben („Call of Avernus“ 2010, „White Hoarhound“ 2012, „Awakening The Forest“ 2014, und „Solennial“ 2017), bevor es zur nächsten großen Veränderung in der Bandgeschichte kam. Nach dem Weggang von Sängerin Sophie Day stieg Sîan Greenaway am Gesang ein, und sie ist seit der EP „Amber & Gold“ (2018) fest dabei. Im darauffolgenden Jahr unterschrieben ALUNAH einen Plattenvertrag beim italienischen Label Heavy Psych Sounds. Seitdem gab es auch keine weiteren Besetzungswechsel mehr, und das Quartett bestehend aus Jake Mason (Schlagzeug und letztes verbleibendes Gründungsmitglied), Daniel Burchmore (Bass), Matt Noble (Gitarre), und Sîan Greenaway (Gesang) veröffentlichen mit „Fever Dream“ ihr drittes Album bei Heavy Psych Sounds. Das insgesamt siebte Album der Band folgt auf „Violet Hour“ (2019) und „Strange Machine“ (2022).

Direkt aus dem Proberaum

Das letzte Album „Strange Machine“ war noch nicht lange da, als ALUNAH schon wieder an neuen Ideen feilten. Es war die Zeit kurz nach den Lockdowns, als sich die Releases wie in Sturzbächen über den Hörenden ergossen. Ob „Strange Machine“ zu einer anderen Zeit mehr Aufmerksamkeit erhalten hätte, lässt sich nur vermuten. Nichtsdestotrotz machten ALUNAH beherzt mit dem weiter, was sie am liebsten machen. Die Band setzte sich zusammen, jammte, schrieb gemeinsam an neuen Liedern, und verfeinerte jedes Detail, bis sie zufrieden waren. Anfang 2024 begannen die Aufnahmesessions im zweitältesten Studio der Welt (Foel Studio), und nun erblickt das glorreiche siebente Album „Fever Dream“ das Licht der Welt.

Triumphal, Dunkel, Imposant

Direkt mit den ersten beiden Stücken „Never Too Late“ und „Trickster Of Time“ sorgen ALUNAH für ein mächtiges Heavy Rock-Gewitter. Der darauffolgende Titeltrack kombiniert Psychedelic Rock mit Doom Metal und einer kleinen BLACK SABBATH Hommage, und auf „Hazy Jane“ werden gewisse Desert Rock-Ideen wach. Auch „Sacred Grooves“ erinnert stark an die frühen Tage des Doom Metal, bevor es auf „Celestial“ in Richtung Folk geht. Nach den beiden Hard Rock Hymnen „The Odyssey“ und „Far From Reality“ schließt das äußerst vielschichtige Heavy Rock-Lied „I’ve Paid The Price“ das Album gebührend ab.

Vor allem in der ersten Hälfte und im letzten Stück präsentieren sich ALUNAH auf „Fever Dream“ sehr stark. Im zweiten Drittel knickt der Spannungsbogen leicht ab, bevor es zum Ende nochmal zur Sache geht. Was aber hauptsächlich im Ohr bleibt sind die dunklen Harmonien aus Sîan Greenaways überragender Stimme und den mächtigen Riffs, die sich über das schwergewichtige Uhrwerk des Schlagzeugs ziehen. Es mag kleine Aussetzer geben, aber letzten Endes ist „Fever Dream“ ein großartiges und spannendes Album.

bandcamp Profil von ALUNAH

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Purple Sage PR zur Verfügung gestellt.

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PURSUIT?

…hä? Wer ist das denn? Antwort: eine neu gegründete Band aus Leipzig! Die Mitglieder – bisher musikalisch eher im Hardcore unterwegs – hatten offenbar Bock auf was Neues, etwas leichter Verdauliches, Fetziges. Zudem liegt „retro“ ja irgendwie auch immer im Trend – sei es in der Mode oder in der Musik.

Immer mehr Leute scheinen zu realisieren, dass die Blütezeit (unter anderem) des Rock wohl unbestritten die 80er bzw. End-70er bis Anfang-90er sein dürften. Szenegrößen wie MÖTLEY CRÜE, ALICE COOPER, IRON MAIDEN, SAXON, DANZIG, BLACK SABBATH… deren Songs, deren Stil scheint ein magischer zeitloser Charakter inne zu wohnen. Genau diesen musikalischen Zeitgeist, dieses Flair, fangen PURSUIT auf, fassen es zusammen, beleben es wieder – und zwar nicht mit unsäglichen Remixes von Titeln anderer Künstler, sondern mit eigenen, neuen Songs, die aber trotzdem das Feeling von damals vermitteln!

Ab auf die Reise und los geht die Verfolgungsjagd!

Also zieht euch am besten eine Jeans- oder Lederjacke an, Schlaghosen und Boots, steigt in ein Cabrio mit eurer Langhaarfrisur mit Pony, Oberlippenbart und Pilotenbrille und lasst „Loose Lips“ am besten in Dauerschleife durchlaufen.

 Bereits am 15. September diesen Jahres legten PURSUIT  mit der Veröffentlichung von „hate your darlings“ inklusive Visualizer auf YouTube einen überzeugenden Start hin:

Düster-zwielichtig: „In the veil of the night we are safe“

Nicht lange danach darauf folgte am 20.10. bereits der eingängige Album-Titeltrack „Loose Lips“ inklusive Musikvideo.

Hieran erkennt jeder schnell, dass die fünf Jungs alles andere als Anfänger sind, was sowohl die Beherrschung ihrer Instrumente als auch Musikvideos betrifft. Nichtsdestotrotz unterstreicht auch das in der Handlung simple, klassisch aufgebaute, authentische Musikvideo zusätzlich den Sound und beamt einen direkt in die Musikwelt der 80er zurück – nur eben mit coolem Video in guter Qualität: ein win-win!

Typen in Schlaghosen mit langen Haaren und Oberlippenbärten

…die ihre Instrumente neben Verstärkertürmen in einer verlassenen düsteren Lagerhalle spielen, durchdrungen von Aufnahmen aus spärlich beleuchteten, zwielichtigen Gassen, in denen sich eine junge Frau herumtreibt, die von der Dunkelheit der Nacht verängstigt, verfolgt und verführt wird. Aah – das ist also diese „Pursuit“!

Ein Blick auf die übrigen Songtitel lässt erahnen, dass die Thematik ähnlich gelagert bleibt: Egal, ob leicht anrüchig/sexy: „lovers have their price“, „your last kiss“, „hate your darlings“ oder düster-zweideutig mit „coins on your eyes“, „roadreaper“, „beast with two backs“, „porcelain“ – die Songliste liest sich also in sich stimmig und passt in das Image, das Musik und Band vermitteln.

Wie klingt’s denn nun?

Tja, und wie klingen die Jungs nun? Wer sich nicht schon nach den eingangs erwähnten Szenegrößen etwas vorstellen kann oder unter „Sound der 80s“, dem sei die Musik PURSUITs kurz beschrieben mit: treibende Rhythmen, vielseitiges Riffing mit jeder Menge „Soli der alten Schule“ und mitreißender, inbrünstiger Gesang, der mich manchmal (wenn tief) an Danzig und manchmal (wenn sehr hoch) an Iron Maiden erinnert. Dazwischen – ganz vereinzelt und gezielt – ein paar Synthie Keyboards, die sich passend zum Zeitgeist dazugesellen und stimmige Passagen elegant ein bisschen schöner machen.

Tracklist:

01 – Lovers Have Their Price
02 – Loose Lips
03 – Coins On Your Eyes
04 – Your Last Kiss
05 – Roadreaper
06 – Porcelain
07 – Hate Your Darlings
08 – Beast With Two Backs

Den heißen Scheiß von PURSUIT findet ihr ab sofort bei bandcamp!

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Zwischen den malerisch schönen Dünen von Capo Comino auf Sardinien wurde einst von Sänger und Gitarrist Athos Cherchi zusammen mit Bassist Marco „Buzz“ Murru ein Projekt ins Leben gerufen. Dass diese musikalische Zusammenarbeit ernster wurde, manifestierte sich spätestens durch den Beitritt von Schlagzeuger Keko Magrini und Gitarrist Kiko De Santis. Im Jahr 2019 war es dann soweit, dass MANO DE MONO ihre offizielle Bandgründung bekannt geben konnten. Der Name des Quartetts bezieht sich auf den gleichnamigen Song der amerikanischen Alternative Rock Band CORROSION OF CONFORMITY. Als weiteren Einfluss nennen die vier Sarden die Kurzgeschichte „The Monkey’s Paw“ des britischen Horror-Autors William Wymark Jacobs.

Der Punk der Dünen

In ihrer Musik vereinen MANO DE MONO den staubig-trockenen Klang des Desert Rock mit den durstigen Noten des Southern Rock, der Energie des Punk, und der Schwermut des Alternative Rock und Grunge. Dabei verbinden sie die dünig-sandige Umgebung ihrer Heimatinsel mit Texten über soziale Ungerechtigkeit, während sie ein brennend heißes Klangbild erzeugen. Die eingängige Beschäftigung mit sozialen Fragen geht auf dem Album „Chameleon Tongue“ über die Texte und den aufbegehrenden Charakter der Musik hinaus. So haben MANO DE MONO die beiden Seiten ihrer Platte nicht „A“ und „B“ sondern „Inside“ und „Outside“ genannt. Damit stellt das Quartett die komplexen sozialen Strukturen dar, in denen sich Menschen einem Doppelleben unterwerfen, das einerseits aus Ängsten und Nöten besteht, und andererseits von Selbstoptimierung und Erfolgsdruck geprägt ist. Auch das Cover Artwork von Jo Riou zeigt den Kampf des Individuums gegen die Fesseln von Gesellschaft und Kapitalismus.

Gefangen im Hamsterrad

Die acht Lieder des Debütalbums begleiten namenlose Person, welche nur am Rande dem gesellschaftlichen Treiben teilhat, und versucht sich den oppressiven Mechanismen zu entziehen. Dabei entwickelt die Hauptperson zunehmende Abneigung gegen jene, die sich scheinbar gedankenlos in den Spiralen der modernen Welt umherdrehen. Doch auch mit sich selbst ist sie am Hadern. Die Betrachtung des sozialen Geschehens versetzt sie in einen immer wiederkehrenden Strudel aus Eskapismus, Selbstzweifeln und Unzufriedenheit. Motivation und Aktivismus wechseln sich mit Verzweiflung und Desillusionierung ab.

Staubtrocken und siedend heiß

Auf musikalischer Ebene fahren MANO DE MONO schwere Geschütze auf. Das Album „Chameleon Tongue“ ist geprägt von massig schweren Riffs, die sich mittels schwerem Fuzz durch die Prärie wälzen. Das eingängige und energetische Gemisch aus Desert, Heavy, Southern, Punk und Alternative Rock geht sehr gut ins Ohren und setzt sich dort fest wie feiner Wüstensand. Parallelen zu MOS GENERATOR, GREENLEAF oder den SPIRITUAL BEGGARS sind nicht von der Hand zu weisen. Das stört die Freude am Hören allerdings keineswegs. Stattdessen klingt „Chameleon Tongue“ äußerst erfrischend, denn MANO DE MONO schaffen es, frischen Wind in das Subgenre zu bringen. Es ist ein Album ohne Aussetzer und Tiefpunkte.

Bandcamp Profil von MANO DE MONO

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Arbeiten an einem Album können dauern. Zwei Jahre haben sich ASTRAL DOORS für „Black Eyed Children“ genommen. Als welche der „ganz Großen des klassischen Heavy Rocks“ gepriesen, haben sie bereits viel geleistet und hauen nun ihr 8. Album raus.

Würde man mich nur nach dem Hören des ersten Songs nach dessen Titel fragen, würde ich wahrscheinlich „Into the night“ sagen. Fast. „We cry out“ heißt er. Schön. Sehr Refrain-betont, einfache Strukturen, verständlicher Text. So muss klassischer Stoff. Schlager auch. Nur, dass die Stimmfarbe des Sängers (Patrik Johansson) ein wenig an die von Chris Boltendahl (GRAVE DIGGER) erinnert. Der Song ist kein Hit, taugt aber was als Einstieg. Auch wenn die Aussage sowohl musikalisch als auch textlich etwas auf der Strecke bleibt.

„Walls“ klingt schon deeper. Der Song bringt mehr Abwechslung, mehr Stimmung. Die klassischen, traditionellen Elemente scheinen hier deutlicher hervor. Trotzdem scheint sich der Song nicht ganz entscheiden zu können, ob er eine Ballade sein will oder doch etwas trashig-treibender. Eine klarere Linie wäre da gut gewesen. Trotzdem, clubtauglich ist er. Auch wenn die Boxen nicht auf Stufe 10 stehen.

Dann zeigen die Herren aus Schweden, wie flach auch heutzutage noch die Wortwahl der Titel sein kann. „God is the Devil“ leutet eine neue Runde von „wozu experimentieren, wenn es alte, wahrscheinlich bewährtere Themen gibt“. Wen kümmern schon Wiederholungen. Dass die Nomen ihre Position in der Satzstellung noch ein bisschen ändern und bedeutungsgleich mit Jesus und Satan tauschen dürfen, bedarf kaum einer Erwähnung. Langweilig, sorry. Dieser Gaul ist echt ausgeritten. Nächster Song, bitte!

„Die on Stage“ hat zum ersten Mal auch etwas Groove. Schön, um sein Bier im Takt mit zu schwenken und ein wenig zu grölen. Gebts zu, eine gute Band braucht solche Songs. Hier habt ihr ihn. Der würde wahrscheinlich auch Lemmy gefallen. Hoch die Tassen!

Beim Weiterhören zeigt sich, dass die Band im Laufe des Albums etwas wacher geworden ist. Das ist schön, war der Anfang doch etwas hölzern. Die Songs sind homogen, und gerade die Stimme des Sängers entfaltet ihren vollen Wiedererkennungswert. Soli kommen allerdings leider immer etwas kurz, dem Gesang wird in der Regel ein großer Posten eingeräumt. Eine Verschiebung an dieser Stelle würde zumindest keinem weh tun.

Besonderer Augenmerk wird in der CD-Beschreibung auf den Titelsong gelegt. Als düsterer und etwas härter. Ok, „härter“ ist bei der bisherigen Ausrichtung leicht gemacht. Zudem wurde das Tempo etwas runtergefahren. Sujet sind Kinder und Jugendliche, blass, schwarze Augen (oho) ohne Pupillen und nicht von dieser Welt. Aha. Aliens. Die vermutet man zwar eher in Nevada und nicht in Schweden, aber ok. Trotzdem, ich frage mich, ob sich die Band dessen bewusst ist, dass der Song in der Melodie und (phonetisch gesehen) in kleinen Parts des Texts an „Wheel in the Sky“ von JOURNEY erinnert … Aber das nur am Rande.

Letzten Endes kann man sagen: das Album ist in Ordnung. Man schmeißt es nicht vor lauter Begeisterung an die Wand, weil es einen nicht mehr auf dem Stuhl hält. Aber man schläft auch nicht ganz weg. Wobei langjährige Fans bestimmt nicht enttäuscht sein können.

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Mit ihrem ersten Album  konnten DEMON INCARNATE  für Aufmerksamkeit sorgen. Jetzt folgt mit „Darvaza“  das gerne genutzte Mini-Album, bevor das zweite reguläre Album erscheint.

DEMON INCARNATE machen ihre Sache ganz gut, handfester 70´s Rock mit okkulter Grundnote und doomigen Einflüssen.

Das von Charles Greywolf produzierte Album kommt mit einem bleischweren Sound, der es einem einfach macht, sämtliche Instrumente klar rauszuhören.

Der Opener „Darvaza“ kämpft sich seine Weg ins Licht, der weibliche Gesang erinnert dabei alte THE GATHERING oder an die Norweger von GREEN CARNATION, das treibende Schlagzeug hämmert fröhlich, rockig vor sich hin und die Gitarren spielen so, wie man es erwartet.

Und genau das ist das Problem des Albums, die 6 Songs sind gute Rock/Stoner Lieder, mehr aber leider auch nicht. Für mich klingt es wie jede zweite 70´s Retroband. Das Rad wird hier nicht neu erfunden und die Welt auch nicht erklärt.

Wie schon mein Lieblingskollege Don Promillo bei der neuen BLOODY HAMMERS Platte festgestellt hat, fehlt es auch hier an Inovation. DEMON INCARNATE haben ein gutes Album gemacht, jedoch ist es mir zu langweilig und der Gesang wirkt irgendwie nicht düster oder okkult, sondern erinnert mich an den Soundtrack für die RTL II Serie „X-Factor“

Wer auf Okkultrock steh sollte lieber vorher in das Album reinhören, mein Fall ist es leider nicht.

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