DYSTERSOL wurden im Jahr 2014 im steirischen Aflenz gegründet und sind noch immer in der ländlichen Steiermark zwischen Mur und Mürz beheimatet. Noch im Gründungsjahr erschien mit „Welcome The Dark Sun“ das Debutalbum und im Jahr 2018 folgte „The Fifth Age Of Man„. Mit ihrer modernen Herangehensweise an Death Metal erlangten DYSTERSOL schnell Aufmerksamkeit und wurden in den österreichischen, wie den deutschen Metalsphären zu einem Geheimtipp. Bevor das zehnjährige Bandjubiläum gefeiert wird, hat das Quintett seinen dritten Langspieler fertig gestellt und veröffentlicht. Black Sunset – das Sublabel von MDD Records aus Nordhausen in Baden-Württemberg – beschert uns auf Jewel Case CD das Album „Anaemic“.

Making a Murderer

Bei „Anaemic“ handelt es sich um ein Konzeptalbum, auf welchem DYSTERSOL die fiktive Geschichte eines Serienmörders erzählen. Hierbei greifen die Musiker aus Österreich vor allem bei den äußeren Umständen an. Dementsprechend erzählt „Anaemic“ von einem Menschen, der durch negative, äußere Einflüsse, sowie gesellschaftliche Zurückweisung immer tiefer in eine Spirale aus Selbstzweifel und daraus resultierendem Hass hinabgestoßen wird. So ist er isoliert vom gesunden Austausch mit anderen Menschen und gefangen im ewig erfolglosen Versuch, sich hieraus zu befreien. Von hier an driftet der Protagonist letzten Endes in Wahnsinn und Wut ab. Ohne weitere Hindernisse werden aus Rachegelüsten blutige Taten.

Frisches Blut

Zwischen dem Intro „Things To Come“ und dem Outro „Into The Void“, welche beide von einem Klavierthema getragen werden, erstreckt sich über zehn Kapitel das besagte Narrativ. Wie schon auf den beiden vorigen Alben präsentieren DYSTERSOL hierbei eine innovative Spielart des Death Metal. Den MeloDeath haben sie wiederum nahezu komplett zurückgefahren und stattdessen brachiale Riffs, rasende Blast Beats sowie scharfkantige Hardcore-Breakdowns eingesetzt. Es ist ein wütender Klang, der die Geschichte auf „Anaemic“ nach vorne treibt.

Insgesamt wirken die zehn Songs auf dem dritten DYSTERSOL-Album sehr durchdacht und sind auch technisch alles Andere als stumpf oder einfallslos. Abzüge müssen dennoch verteilt werden, denn der Sound erscheint etwas unausgewogen. Hierdurch und durch die Flüchtigkeit der vielen unterschiedlichen Motive ist „Anaemic“ leider nicht sehr einprägsam. So wird aus den mächtigen Flammen dieser Präsentation schnell wieder dünner Rauch.

bandcamp Profil von DYSTERSOL

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von The Metallist PR zur Verfügung gestellt.

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In weniger als einem halben Jahrzehnt hat sich die Grazer Band ANNA ABSOLUT erfolgreich ihren Legendenstatus erarbeitet. Der Song „Kreuzberg“ ist zur inoffiziellen Hymne der Heimatstadt des Quartetts geworden, und die beiden ersten Alben „Zebra“ und „2×3“ erweckten auf allen Seiten der Alpen positive Rückmeldungen. Zum Erfolgsrezept von ANNA ABSOLUT gehören neben der stabil antifaschistischen Haltung der Sinn für Humor und pure Lebensfreude. Nun haben die vier Steirer mit „Ultramarin“ schon ihren dritten Langspieler herausgebracht, auf dem sie ihre Linie treu verfolgen.

Überrasch ungen und Erwartetes

Direkt zum Auftakt warten ANNA ABSOLUT mit der ersten Überraschung des Albums auf. Wenngleich auf den vorigen Veröffentlichungen immer wieder eine Spur Indie Rock beigemischt wurde, ist der volltönende Gitarrensound in „Wieder wider“ doch neu für die Band. Der atmosphärische Klang hat gewisse Anleihen von skandinavischem Indie Rock à la I WALK THE LINE oder frühen MANDO DIAO, was eine erfrischende Abwechslung in den Punk Rock Sound wirft. Weiter geht es allerdings mit der aktivierenden Kaputtmach-Hymne „Alte Bank“. Bei dem Song handelt es sich keineswegs um eine Fortsetzung des Workout Songs „Hantelpunk“ vom zweiten Album. Stattdessen geht es in diesem Punk Rock Kracher um eine Bank und einen Zaun, die an eine vergangene Liebe erinnern, weshalb ebenjene Objekte im Sinne der Vergangenheitsbewältigung Bekanntschaft mit der Axt machen.

Schema Ultramarin

Die Mitsingballade „Schwestern im Geiste“ führt dann wieder stärker zurück in Richtung Indie, indem sie als Ode an Liebe und Freundschaft zum Mitschunkeln einlädt. Direkt danach wird wieder Tempo aufgenommen, wenn ANNA ABSOLUT mit „Kanonen & Violinen“ den wohl stärksten Punk Rock Track auf „Ultramarin“ spielen – melodisch und doch rasant pflügt sich der Song nach vorne, um danach Platz für die Ballade „Karl Drews“ zu lassen. Dieses sehr berührende Lied ist dem Widerstandskämpfer Karl Drews gewidmet, der 1941 inhaftiert und 1942 gewidmet wurde.

Von Lust und Unsterblichkeit

In der zweiten Hälfte der Platte durchbrechen ANNA ABSOLUT das bisherige Schema aus abwechselnd ruhigen und flotten Songs. Zuerst geht es in „Mythos Scholmer“ voller Wollust zur Sache, bevor in „Adenochrom“ die wirren Verschwörungstheorien über eine Neue Weltordnung aufs Korn genommen werden. Klanglich wird es sonorer, wenn ANNA ABSOLUT singen „Liebe kann man so nicht schreiben“. Dieser sehr eigene Breakup-Song geht sehr leicht ins Ohr und erinnert bis auf die Offbeat-Coda am ehesten an den Klang der Alben vor „Ultramarin“.

Im vorletzten Stück „Tanzen geh’n“ erinnert der textliche Aufbau ganz kurz an „Do you wanna?“ von THE STRANGLERS, bevor daraus eine die Freiheit umarmende Hymne wird. Zum Abschluss wird noch einmal mit leichtem Augenzwinkern die Prokrastination besungen. Mit dem Kehrreim „Denk nicht mehr daran“ zählen ANNA ABSOLUT in der ersten Strophe Ängste der Rechten und Konservativen auf. In der zweiten Strophe werden dann wirkliche Probleme wie Gewalt, Sexismus, Rassismus oder Islamismus genannt. Im Sinne der Prokrastination und der eigenen psychischen Gesundheit empfiehlt die Band, auch mal einen Tag blau zu machen. Zwischendurch muss man mal nicht darüber nachdenken.

Keine Party mit Nazis

ANNA ABSOLUT stellen mit ihrem bisher besten Album unter Beweis, dass sie für eine neue Art im deutschsprachigen Punk Rock stehen. Man mag hier und da Parallelen zu Bands wie PASCOW, WIZO, NORMAHL oder NI JU SAN erkennen. Gleichzeitig greift keiner dieser Vergleiche richtig, denn ANNA ABSOLUT klingen auf „Ultramarin“ mehr nach ANNA ABSOLUT denn je zuvor. Hinter der bewegten Musik versteckt sich ein sympathisches Quartett, das für Spaß und gegen Diskriminierung steht. Auch mit Sexismus innerhalb wie außerhalb ihres Umfelds können Georg, Joschi, Felix und Moritz überhaupt nichts anfangen. Wer glaubte, eine gender-gerechte Sprache in Punk Rock Texten könne nicht umgesetzt werden, wird hier erfolgreich eines Besseren belehrt.

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Die Bilder von Harald Leitner wurden uns freundlicherweise von 30 Kilo Fieber Records zur Verfügung gestellt.

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Merlin: Eigentlich geht’s ja um euer neues Album, aber natürlich kommen wir um das Thema Corona nicht herum. Ihr musstet ja schon den Release-Termin verschieben, größere Veranstaltungen sind auch in Österreich erstmal tabu, wie schaut’s da aus – habt ihr irgendeine Perspektive?

J.J.: Nah… net wirklich. Also zur Zeit… ich glaub, bis auf Neuseeland und Australien liegt überall alles auf Eis zur Zeit. Die Bayern wollen ja jetzt auch erstmal die Grenzen zu Österreich dicht machen, weil wir hier unseren Lockdown lockern. Mit vorsichtigem Optimismus traue ich uns irgendwelche minimalistischen Abstandsfestivals im Sommer zu, so wie 2020 das WOLFSZEIT (hier geht’s zum Festivalbericht). Halt mit Masken und Abstand für 2500 Leute statt für 10.000 oder so. Sowas trau ich uns zu, aber auch eher so im regionalen Umfeld. Nix, was großartig mit Fliegen oder sonstigwas verbunden ist. Das wär dann glaub ich alles schon wieder ein bisschen zu kompliziert…

Keine Ahnung, wer weiß, ob die ganzen Herbsttouren funktionieren! Bei der Impfbereitschaft, wie langsam das momentan weitergeht… da haben wir vielleicht schon wieder ein anderes Virus, bevor wir das hier unter Kontrolle haben. In Österreich ist die Impfbereitschaft gerade viel zu gering für eine baldige Herdenimmunität.

Da brauch ich mir glaub ich die Welt nicht schöner reden, als sie ist

Alex: Im Backstage in München zum Beispiel gab es ja in 2020 ein paar Abstandskonzerte…

J.J.: Ja, da hab ich mit meiner anderen Band gespielt, mit KARG. Und das hat, finde ich, ganz gut funktioniert. Dadurch, dass nicht nur vier Leute an einem kleinen Tisch gesessen sind, sondern doch glaube ich bis zu zehn, hatte man so ein bisschen das Feeling, wie am Anfang, wenn du mit einer Band startest und du hast nur das erste Album und dann sind halt, wenn du unter der Woche in Wien spielst, nur deine Freunde da, weil sich sonst halt keiner dafür interessiert. Und so kommt einem das halt vor, wie ein Kuschelkonzert, nur mit den engsten Freunden, da ein paar, da ein paar, da ein paar. Also ich hab’s gut gefunden.

Es war auf jeden Fall besser, als gar nichts zu machen. Die Leute haben sich ja auch gefreut, also da hat’s keine schlechten Resonanzen gegeben. Die haben auch fleißig Shirts und Platten gekauft, weil sie froh waren, endlich mal wieder face to face Kohle für Merchandise ausgeben und auch ein bisschen quatschen zu können. Vielleicht bekommen wir sowas wieder hin bis zum Herbst. Aber so Festivals wie die, wo wir unsere Jugend verbracht haben… davon sind wir glaub ich noch mindestens anderthalb Jahre entfernt, also mindestens bis Sommer 2022. Da brauch ich mir glaub ich die Welt nicht schöner reden, als sie ist.

Merlin: Wie habt ihr denn die Festivals unter Corona-Bedingungen erlebt? Du hast ja das WOLFSZEIT schon angesprochen und auf dem FIMBUL habt ihr ja auch gespielt, wie war das für euch?

J.J.: Ich hab’s nicht als so schlimm empfunden. Ich hätt’s lästig gefunden, wenn wir als Band beim Soundcheck Masken hätten tragen müssen, weil das ist ja dann auch nicht wenig anstrengend, auch wenn’s nur ein Soundcheck ist. Und vorher trägst du das ganze Zeug rauf und hin und her.

Ich hab mich in das ganze Corona-Thema generell nicht so reingesteigert. Ohne das Virus verharmlosen zu wollen, aber es ist schon lustig, wenn wir mal zwei Tage lang miteinander gesoffen haben, was mit 30 Jahren auch nicht mehr so ohne ist, und dann fühl ich mich am dritten Tag krank und sie kommen gleich so, „mach doch n‘ Corona-Test“. Ich bin schon wieder die ganze Zeit im Winter draußen gestanden und hab geraucht, ohne Jacke, aber du darfst einfach nicht mehr normal verkühlt sein, weil sofort… naja. Aber wir halten uns in der Band natürlich alle an die Vorgaben, also da gibt’s keine Diskussion!

Wie ein Kuschelkonzert, nur mit den engsten Freunden

Merlin: Kommen wir zu eurem neuen Album: Wir seid ihr auf den Namen gekommen, wie seid ihr auf das Cover gekommen und wie geht das zusammen?

J.J.: Also „Mære“ kommt ja von Albtraum. Und im Endeffekt ist das Cover eine Metapher, auch für die heutige Zeit… die Freiheit wird einem genommen, nicht nur wegen Corona, sondern alles wird überwacht… und wenn man 30 wird, da merkt man so, die Freundschaften lassen nach, man trifft nicht mehr so viele Leute, der social-media-Effekt, man hat 1000 Freunde, aber nur drei richtige… Und das mit dem „die Haut überziehen“ ist ja für ein Tier auch etwas Albtraumartiges. Das ist uns auch aufgefallen, dass wir noch kein Cover ohne Tier veröffentlicht haben. Das ist so ein bisschen Band-policy, dass da ein Tier drauf muss. Also jetzt im Normalfall nicht ein Elefant oder so, sondern ein Tier – jetzt nicht nur wegen dem Black-Metal – das mit dem, wo wir herkommen, etwas zu tun hat, mit Österreich. Also das ist jetzt nichts Lokalpatriotisches, aber zu diesen Tieren hat man halt einen Bezug.

Und joa, wir haben da erst lange rumgesucht und Matthias ist dann zufällig bei Instagram über diese Zeichnung gestolpert. Die ist von einer jungen holländischen Künstlerin. Mit der haben wir dann geschrieben und sie gefragt, ob sie das Bild noch leicht verändern würde, mit anderen Farben, weil wir uns diesmal auf rot-schwarz geeinigt hatten. Dieses gold-schwarz wie bei „Arson“, das ist Matthias Ding gewesen. Da ist er mir vier Alben lang in den Ohren gelegen, dass er das unbedingt haben möchte. Deshalb hab ich damals gesagt, okay, dieses Album machen wir es so, wie du willst, aber dafür nehmen wir dann schwarz-rot beim nächsten.

Und der Titel „Mære“ spielt auf eine Art Guhl an, der des nachts auf deiner Brust sitzt und dich vom Schlafen abhält. Und das ist für uns oder vor allem für mich eine Metapher für die Gedanken, die sich auch in den Songtexten widerspiegeln und die mich nachts vom Schlafen abhalten.

Alex: Wie kamen denn die Features auf dem Album zustande, vor allem das mit Neige von ALCEST? Der hat ja auch so eine Tendenz, andere Bands zu fragen, auch solche, die stilistisch erstmal gar nichts mit ALCEST gemein haben, und dann einfach zu sagen „hey, ich mag eure Musik, lass mal ne Tour machen!“

J.J.: Ja, und Neige ist so gescheit, dass er weiß, dass es viel mehr Sinn ergibt, mit Bands zu touren, die alle ein bisschen in ne andere Schiene gehen, und nicht drei Bands zu nehmen, die alle aus demselben Genre kommen. Ich würde zwar nicht sagen, HARAKIRI und ALCEST könnten nicht zusammen auf Tour gehen, weil das zu ähnlich ist, aber dann müsste zumindest die dritte Band komplett in eine andere Richtung gehen, damit das irgendwie heraussticht.

Also Matthias schreibt schon lange mit Neige bei Facebook, die haben einen recht ähnlichen Musikgeschmack. Und da haben die zwei eben auch Musikideen hin und her geschickt. Und dann trifft man sich irgendwann persönlich, was halt passiert, wenn man auf ähnlichen Festivals spielt. Dass man dann zuerst im selben Backstage abhängt, dann spielt HARAKIRI vor ALCEST und dann gehen die auf die Bühne, wenn wir von der Bühne gehen. Da kennt man sich dann ein bisschen zumindest. Jedenfalls sind wir dann zusammengesessen, sollen wir uns trauen, dass wir Neige fragen? Dann haben wir ein bisschen was getrunken und irgendwann hatten wir dann genug Mut zusammen und haben ihm geschrieben, ob er beim nächsten Album bock auf ein Feature hätte. *lacht*

Und wir haben eigentlich geglaubt, nee, wir sind ihm sicher zu unbekannt, oder vielleicht auch zu ähnlich wie ALCEST oder was auch immer, aber er hat sofort ja gesagt! Es hat dann ein bisschen gedauert, da konnte er aber nichts für, sondern weil die das in Paris mit dem ersten Lockdown ja noch viel ernster genommen haben. Da hat er etwas gebraucht, bis er ein Studio gefunden hat. Das war glaube ich wirklich erst Anfang Mai. Und sonst hat das aber super funktioniert! Ich find’s auch gut, dass er etwas Cleanes singt und nicht nur schreit. Obwohl er gar nicht so viel älter ist als Matthias und ich, ist er halt doch so eine Art Jugend-hero. Und an seiner Musik orientieren wir uns natürlich auch zu einem gewissen Grad, auch wenn mittlerweile auch viel andere Einflüsse drin sind. Aber wo wir herkommen, das ist wahrscheinlich fast unüberhörbar.

„nostalgia“ klingt eigentlich scheiße von der Aussprache her

Alex: Apropos Cleangesang, auf eurem zweiten Album „Aokigahara“ gab’s ja auch in einem Song eine Passage auf Deutsch…

J.J.: Ja, die war nicht von mir, sondern wir wollten Ben von FÄULNIS für das Feature haben und er hat sich nicht drauf eingelassen, einen englischen Text zu singen. *schmunzelt* Da hab ich dann im Endeffekt einfach n Vierzeiler rausgestrichen und gesagt „mach was du willst“. Ich selbst bin nie so hundertprozentig hinter gemischtsprachigen Songs gestanden, weil entweder so oder so. Also ich hab kein Problem mit Bands, die ein paar englischsprachige Songs auf ihrem Album haben und ein paar deutsche oder französische oder norwegische, aber im selben Song war das für mich jetzt nie so das Wahre. Aber ja, ich wollte Ben auf dem Album haben, weil er ein super cooler Typ ist und halt auch super coole Vocals macht – mir wär halt lieber gewesen, er hätte meinen Text gesungen in Englisch. *lacht* Aber das passt schon so für mich.

Alex: Und wie ist das mit Stimmvarianz bei dir?

J.J.: Es ist so… je älter du wirst, desto schwieriger wird das Hohe. Auf den ganz alten KARG Sachen zum Beispiel habe ich um Welten höher geschrien als jetzt. Das hat sich dann geändert, vielleicht auch durch die musikalischen Einflüsse, dass ich dann ab 2011 viel mehr Modern Hardcore und so gehört hab. Vielleicht hab ich dadurch auch automatisch hardcore-mäßiger gesungen. Aber es ist natürlich auch mit dem Alter gekommen. Auf „Aokigahara“ war ich auch noch sehr hoch eigentlich. Ich weiß auch, dass meine Stimme auf 80 Minuten verteilt dann doch ein bisschen eintönig ist. Ich probier’s halt dann doch wieder mal, etwas höher zu shouten, aber das ist auch was, das man als Außenstehender oft ein bisschen unterschätzt. Dass die Aussprache von gewissen Wörtern oder Silben in gewissen Tonlagen manchmal nicht so gut funktioniert.

Matthias hat zum Beispiel auf unserem neuen Album das Wort „nostalgia“ sehr gestört. „Nostalgie“ klingt ja im Deutschen ganz cool, aber „nostalgia“ klingt eigentlich scheiße von der Aussprache her. Also, es ist nicht immer alles so leicht, wie die Leute es auf YouTube gerne kommentieren. Oder wenn du schonmal 25 Konzerte hintereinander gespielt hast, ohne einen day off, dann quatsch nochmal mit mir drüber, wie das ist mit Stimmfarbe und jedes Mal reinschreien, was die Stimme hergibt. Da ist dann manches einfach nicht mehr möglich. Man probiert natürlich immer einen Kompromiss zu finden, dass es live doch nicht so viel schlechter als auf dem Album klingt. Weil natürlich hat man beim Album so viele Möglichkeiten, wie man will, und ich kann meinetwegen jedes Wort siebzehn mal einsingen, aber… naja. 

Merlin: Welche Bands sind denn momentan eure musikalische Inspiration? Du hattest ja schon ALCEST genannt…

J.J.: Also das ist unterschiedlich. Matthias hört gerne auch so Indie-Zeug und die neuen Sachen von DEFTONES und so… Bei mir ist es eben viel Modern Hardcore, zum Beispiel BIRDS IN ROW. Aber auch Sachen wie LUSTRE, TAAKE, von LANTLOS die „.neon“… „Spiritual Instinct“ von ALCEST höre ich mir fast jeden Tag an. Witzigerweise war „Protection“ am Anfang nicht mal mein Lieblingslied, sondern der erste Song „Les jardins de minuit“. Aber mittlerweile hat sich „Protection“ so gemausert bei mir… Und ja, LIFELOVER und APATHIE hab ich auch gehört am Wochenende. 

Vielen Dank für deine Zeit und das Interview!

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Neun Jahre ist es mittlerweile her, dass HARAKIRI FOR THE SKY mit ihrem selbstbetitelten Album debütierten. Seitdem haben uns die Österreicher in regelmäßigen Abständen immer wieder mit neuem Material beglückt, und nun steht ihr bereits fünftes Werk in den Startlöchern: „Mære“.

Und das ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Full-length Album. Knappe 85 Minuten beträgt die Spielzeit. Das ist ja schonmal eine Ansage. Ob HARAKIRI auch über so lange Zeit ihr gewohnt hohes Niveau halten können?

Cause the more I sleep, the less I dream

Eröffnet wird das Album mit dem Song „I, Pallbearer“. Mit 7 Minuten einer der kürzeren. Wer „Arson“, den Vorgänger von „Mære“ kennt, weiß, dass dort mit „Fire Walk With Me“ ein unfassbar starker opener vertreten war. Da kommt „I, Pallbearer“ zwar nicht ran, aber trotzdem eröffnet er nach einem kurzen Intro den typischen HARAKIRI sound: Melancholisch und melodiestark, während der Text schmerzhafte Abgründe offenbart. Abgerundet wird der Song schließlich von einem ruhigen Klavier-Outro.

Sing for the damage we’ve done
And the worse things yet to come

Der zweite Track „Sing For The Damage We’ve Done“ fällt mir gleich beim ersten Hören auf. Nach einer sich immer weiter aufbauenden Gitarren-Einleitung legen plötzlich die Drums richtig los und die Kombination aus eingängiger Melodie und eindrücklichem Gesang entwickelt eine beinahe furchteinflößende Anziehungskraft. Man kann nicht mehr weghören. Und dann, nachdem die ersten 5 Minuten eh wie im Flug vergangen sind, setzt auch noch kein geringerer als Neige von ALCEST ein! Bei „Sing For The Damage We’ve Done“ stimmt einfach alles. Definitiv auf der Favoriten-Liste ganz weit oben!

Carry me forever in your heart

Mit „Us Against December Skies“ sind wir nun beim dritten Track, und auch dieser ist wieder ganz besonders gelungen. Hier möchte ich vor allem hervorheben, wie gut sich Text und Musik verblenden! Obwohl beides aus unterschiedlichen Federn stammt, wirkt es doch wie aus einem Guss. Der Song glänzt außerdem durch Sehnsuchtsmelodien. Folk-Ansätze, die an SKYFOREST oder gegen Ende an NIGHTWISHs „The Islander“ erinnern, nehmen den Hörer mit auf eine Reise voll Fernweh und Weltschmerz.

Überhaupt könnte man zu jedem einzelnen Track auf „Mære“ viel Positives sagen. Jeder hat seine eigenen einprägsamen Melodien und Rhythmen, die Songs funktionieren einzeln, aber ebenso so gut aneinandergereiht als ein großes Ganzes. Natürlich habe ich trotzdem meine Lieblinge. Auf „Sing For The Damage We’ve Done“ und „Us Against December Skies“ habe ich ja schon meine Lobeshymne gesungen, aber auch der siebte Track „And Oceans Between Us“ soll an dieser Stelle unbedingt erwähnt sein – ein Song, der mich vom ersten Takt an mitgerissen und nicht mehr losgelassen hat. Achtung, Ohrwurm incoming!

Erwähnt seien außerdem das Feature der anonymen Stimme von GAEREA in „Silver Needle // Golden Dawn“, das schwermütige Gitarren-Intro in „Time Is A Ghost“ und last but not least das in meinen Ohren großartige PLACEBO-cover „Song To Say Goodbye“. HARAKIRI FOR THE SKY haben sich mit ihren Alben stets weiterentwickelt. Der Sound wurde immer vielschichtiger, die Produktion klarer. „Mære“ ist im Gegensatz zu früheren Alben eher harmonisch als beklemmend, nur die frustrierten Texte halten sich beständig.

Auch in der Ausführlichkeit ihrer Songs bleiben sich HARAKIRI treu, und hier schließt sich mein größter Kritikpunkt an: Das Album ist sehr, sehr lang. Und dabei wird es ja nicht mal in seinem Verlauf schwächer – bei keinem der zehn Tracks würde ich sagen, gerade der ist der „Track zu viel“. Im Gegenteil, jeder Song hat nach meinem Empfinden einen gerechtfertigten Platz auf dem Album. Aber sie alle in einem Stück zu genießen, das fordert doch sehr viel Zeit und Entspanntheit. Geduld ist hier die Tugend der Wahl.

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Nachdem meine letzten Artikel sich hauptsächlich um einige Core-Granaten aus Japan drehten, zieht es mich im heutigen Artikel etwas näher in Richtung Heimat – nämlich nach Österreich! Genauer gesagt nach Vöcklabruck, dem Heimatort der 2014 gegründeten Metalcore-Kapelle WE BLAME THE EMPIRE. „Aero“ ist das mittlerweile zweite Album der Band und bewegt sich thematisch in ähnlichen Bereichen wie das Erstlingswerk der Jungs. Umweltschutz, Gesellschaftskritik aber auch persönliche Erfahrungen bilden die zentralen Themen der Platte. 

Kein laues Lüftchen

Eröffnet wird „Aero“ durch den Song„Updraft“, der bereits als Musikvideo veröffentlicht wurde. Damit ist direkt klar, dass es sich bei dem Album eher um einen Hurrikan als ein laues Lüftchen handelt! Der Song überzeugt direkt durch seine technische und mitreißende Melodie und erinnert mich ein wenig an ARCHITECTS. Ein äußerst gelungener erster Eindruck!  
Dieser setzt sich mit „Revelations“ fort. Vor allem der cleane Gesang ist besonders eingängig und lädt quasi zum mitsingen ein. „Decisions“ ist alles in allem etwas ruhiger, wird von einer Klaviermelodie eröffnet und zeigt, dass es „Aero“ nicht an Abwechslung mangelt. WE BLAME THE EMPIRE spielen oft mit dem Tempo der Songs, was für mich gerade beim wiederholten Hören des Albums spannend ist. 

„Distress Call“  wurde neben „Revelations“ bereits als Lyric Video veröffentlicht und schlägt wieder deutlich härtere Klänge an. Neben den starken Screams fallen aber durchweg die cleanen Parts auf, die wunderbar mit den eingängigen Gitarrenmelodien harmonieren. Wie bereits in der Einleitung erwähnt, sprechen WE BLAME THE EMPIRE in ihren Lyrics ernste und relevante Themen an, die sehr gut vom Klanggerüst untermalt werden und dadurch umso ausdrucksstarker wirken. 

Moshpit-Potenzial? Check!

„Showdown“ ist mit seinen Synth-Einflüssen eine absolute Überraschung. Ein sehr schneller Song, der direkt nach vorne prescht und den Zuhörer von Anfang bis Ende mitreißt. „Stay With Me“ tritt dagegen wieder aufs Bremspedal und ist einer der etwas ruhigeren Momente der Platte. Persönlich erinnert mich der Song fast an eine Post-Hardcore Ballade, was durchaus Geschmackssache ist. Mir gefällt „Stay With Me“ jedoch sehr. 
„Innervision“ ist mein Favorit. Obwohl das Metalcore-Rad hier nicht neu erfunden wird, ist der Song schnell und eingängig und birgt viel Potenzial für Live Shows – sowohl zum mitgröhlen als auch zum moshen. 

Das Intro von „Pathways“ lässt das Herz eines jeden höher schlagen, der elektronische Einflüsse im Metalcore mag. Diese verlieren sich allerdings im Laufe des Songs und werden durch brachialere Gitarren ersetzt, welche wiederum mit ruhigeren Momenten abwechseln. Eine perfekte Vorbereitung auf den ruhigen Ausklang von „Aero“: den Akkustiksong „Silent Throne“, der nach diesem musikalischen Wirbelsturm einen runden Abschluss bildet. 

Fazit

Mit „Aero“ veröffentlichen WE BLAME THE EMPIRE ein Album, welches in der Tat so mitreißend ist wie ein Wirbelsturm. Wie ich bereits erwähnte, selbstverständlich erfindet die Band das Genre hier nicht neu, aber das müssen sie auch nicht. Mit den eingängigen Vocals und den abwechslungsreichen Melodien machen die Jungs aus Österreich alles richtig und bieten damit viel Potenzial für aufregende Konzerte. Einen persönlichen Bonuspunkt gibt es noch für die Lyrics, die allesamt bedeutsam sind und eine Botschaft vermitteln. In der Kurzform also: absolute Empfehlung! 

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Über 70 Minuten Albumlänge. Das ist mal ne Ansage. Wenn auch in manchen Genres die 10-Minuten-Songs praktisch schon zum guten Ton gehören, so ist es doch eine Kunst für sich, dieselben auch dauerhaft spannend zu gestalten. Ein Spagat, der KARG in seinem neuen Album „Traktat“ mehr als gut gelingt.

Wem der Name KARG nichts sagt: So heißt das Soloprojekt des Sängers von HARAKIRI FOR THE SKY, auch bekannt unter seinem Pseudonym J.J. Wir haben es hier also mit österreichischem Black-Metal zu tun. Im Gegensatz zu HARAKIRI, die 2012 mit ihrem selbstbetitelten Album debütierten, erschien KARGs erstes full-length-Album „Von den Winden der Sehnsucht“ bereits im Jahre 2008. Seitdem sind viele tolle Werke hinzugekommen, aber mit „Traktat“ werden noch einmal neue Maßstäbe in Sachen Emotionen, Melancholie und Sehnsucht gesetzt.

„Irgendjemand wartet immer“.

Hätte ich einen Lieblingssongtitel, wäre es vermutlich dieser. Der erste Track des Albums überzeugt aber abgesehen vom Titel auch noch mit Inhalt. Neben eindrücklichem, emotionsgeladenem Gesang und schwermütigen Gitarrenklängen beinhaltet „Irgendjemand wartet immer“ unter anderem auch ein Zitat aus einem meiner Lieblingsfilme – mal sehen, ob ihr es erratet!

Mein absoluter und beinahe unangefochtener Favorit auf dem Album ist aber der zweite Track, „Jahr ohne Sommer“. Ein Song, den man schwer in Worte fassen kann. Besonders das letzte Drittel ist in meinen Ohren einfach perfekt. Die Melodie ist sowieso ein unerschütterlicher Ohrwurm, aber vor allem erzeugt dieser Part eine Gänsehautstimmung, die intensiver kaum sein könnte.

Und wenn diesem Wunderwerk doch ein anderer Song wenigstens ansatzweise gefährlich werden könnte, so wäre das „Stolperkenotaphe“. Er soll euch als Hörbeispiel dienen – wobei ihr natürlich auch herzlich eingeladen seid, euch einfach gleich das ganze Album zu Gemüte zu führen… Die Geige beschert diesem Song eine melodisch-melancholische Note, die beinahe als kitschig durchgehen könnte – so oder so, das Motiv bleibt genial.

Kritik, irgendjemand?

Ich würde einfach mal behaupten, objektiv gibt es an diesem Album absolut nichts zu meckern. Songwriting, Kreativität und Produktion sind auf einem unbestritten hohen Niveau. Man kommt nicht umhin, dieses Machwerk als bittersüßen Hörgenuss zu empfehlen.

Wenn ich dennoch etwas zu meckern habe, so ist das rein persönlicher Natur. Mit einem Track will ich nämlich auch nach mehrmaligem Hören nicht so richtig warm werden. Bezeichnender Weise trägt er den Namen „Alaska“… Ich weiß gar nicht so genau, woran es liegt. Vermutlich ist die Melodieführung in diesem Song ausnahmsweise mal einfach nicht meins. Das ändert aber nichts daran, dass ich den Rest des Albums für großartig befinde!

Wer in Schwermut möchte schwelgen…

…der möge dies mit „Traktat“ nur zu gerne tun. Mit „Abgrunddialektik“ und „Grabcholerik“ seien noch zwei weitere Schmankerl des Albums genannt (unter anderem kommt hier auch wieder die Geige zum Einsatz). In Musik gegossene Gefühle nehmen den Hörer mit auf eine Reise voller Höhen und Tiefen. „Traktat“ ist ein beständiger Fels inmitten strudelnder Gedankenströme.

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Nachdem ich letztes Jahr Wacken und das Hellfest besucht habe, bekamen wir dieses Jahr leider keine Tickets, da beides innerhalb weniger Stunden ausverkauft war.sprach mich das Line Up des Nova Rock Festivals entsprechend an – kurz gesagt: wir kauften Karten!

Österreich war sowieso in den letzten Jahren öfter Ziel unserer Reisen, zuletzt auch, um in Wien METALLICA live zu sehen. Außerdem hält sich abgesehen von Proviantkäufen der Vorbereitungsaufwand für das deutschsprachige Ausland relativ gering.

Ich werde den Festivalüberblick ähnlich strukturieren wie meinem Artikel „Wacken vs Hellfest“ aus dem letzten Jahr, allerdings muss ich gleich vorweg nehmen, dass ich das Nova Rock NICHT in einem Atemzug mit den beiden Schwergewichten nennen würde!

Die Tickets und der Preis:

Der Preis für das Nova Rock belief sich bei unseren Karten auf ca. 180 Euro. Dazu kommt obendrauf allerdings noch eine Gebühr für den Caravanbereich (für unseren Wohnwagen), die sich auf schlappe 80 Euro (!) beläuft. Warum genau das so eine Frechheit ist? Dazu komme ich später noch.

Preislich ist das ganze also auf jeden Fall kein Billig-Vergnügen, allerdings sprachen uns im Line Up genügend Programmpunkte an, um die Reise in Angriff zu nehmen! Die Tickets sind im Ausland auch nur als Print-at-home-Variante verfügbar, was zwar praktisch ist, aber eben leider nichts fürs Auge.

Der Vorverkauf

Hier war keine Eile geboten, bis zum Schluss gab es noch 3-Tages-Pässe zu kaufen. Allerdings sollte man eher zuschlagen, wenn man eben Caravantickets benötigt oder Sonderbereiche wie das Girls-Camp oder das Silent&Clean nutzen möchte.

Die Anreise

Wie immer natürlich subjektiv, aber von Leipzig aus ist die Strecke über Dresden, Prag, Brünn und Wien eine Folter. Hinzu haben wir direkt 10 Stunden gebraucht, rückwärts ging es durch die Nacht immerhin in 8 Stunden. Es ist also etwas Geduld notwendig. Einfacher ist das sicherlich, wenn man in Bayern wohnt.

Wie ich hinterher noch gelesen habe: Wer plant, Sonntags nach der letzten Band noch abzureisen, sollte das gut vorbereiten. Wir hatten Glück und gut geplant und kamen schnell vom Gelände. Später gab es Wartezeiten von 2-3 Stunden, nur um wieder auf eine öffentliche Straße zu kommen! Das ist ein Kritikpunkt, der uns zwar glücklicherweise nicht betraf, aber dringend besser organisiert werden muss!

Das Campinggelände

Wie bereits erwähnt hatten wir ja nun Caravantickets und durften uns auf den Caravanplatz 2 begeben. Drei sind es insgesamt. Und hier beginnt dann das Vergnügen: Nach ein wenig Stop-and-go Verkehr bekommen wir unsere Plakette und fahren zum mittleren Caravanplatz.  Dort gibt es keine Einweisungen, keine Markierungen und kein System. So rollen wir durch wummernde Bässe und unzählige Stromgeneratoren, was meine Laune schon senkt. Irgendwo zwischen 2 anderen Wohnmobilen und möglichst weit entfernt von anderen Partypavillons parken wir und hoffen einfach das beste.

Festzuhalten ist hier ein Abzocke-Konzept, das sich auf vielen Festivals breit macht: Für den Caravanplatz bezahlt man 80 Euro. Einfach so. Und hat davon folgende Vorteile: …keine! Dafür hat man folgende Nachteile: Der Fußweg ist doppelt so lang wie vom Zeltplatz aus. Es gibt keine besseren Bedingungen, keine Wasserstelle, keine Duschen, keine Toiletten, von einem (möglichen) Stromanschluss ganz zu schweigen. Man zahlt also einfach nur 80 Euro fürs Parken auf einem ungünstig gelegenen Parkplatz!

Außerdem gibt es keine Mülleimer in dem Bereich. Und dadurch, dass Generatoren erlaubt sind, laufen die Sch***dinger rund um die Uhr, was enorm nervig ist – und für ein erhöhtes Brandrisiko sorgt, was ich bei den Temperaturen vor Ort nicht so lustig finde.

Das Bändchen und der Bändchentausch

Der Bändchentausch passiert in einem Zelt auf dem Weg zum Infield. Das ganze geht schnell und ohne größere Wartezeiten. Hier wird man auch direkt gebeten, 10 Euro Müllpfand abzugeben. Den bekommt man mit einem mindestens halb gefüllten Müllsack dann wieder zurück… denkt man, denn zurück gibt es nur 5 Euro, der Rest wird einbehalten als „Müllkosten“. Das Bändchen wird sympatischerweise mit den „alten“ Metallklammern verschlossen und nicht mit den neuen Plasteverschlüssen, die sich teilweise immer fester ziehen.

Außer dem Bändchen muss man sich auch noch eine Cashless-Karte besorgen, wofür man sich ebenfalls anstellen und diese ausfüllen muss. Praktischerweise gibt es eine Hauptstelle, an der alle anstehen und einige kleine, die deutlich weniger besucht sind. Somit kann das auch schnell erledigt werden. Bezahlt werden kann ausschließlich mit diesem System. Bargeld ist nicht möglich.

Das Infield-Gelände und das „Drumherum“

Bereits vor dem Einlassbereich kommt man an mehreren Fressbuden vorbei, biegt dann an einer kleinen Songwriterstage ab und geht auf den Eingang zu. Schon hier sind verschiedenste Stände, vom Handyaufladen über Schmuck- und Essbuden bis hin zur Dosensammelstation. Auch ein Stand, wo man eigenes Essen in bereitgestellten Mikrowellen aufgewärmt werden kann, ist vorhanden. Im Infield gibt es unzählige Bierstände und dazu ebenso zahlreiche Futterbuden. Im „Hauptgang“ nach dem Eingang finden sich dann auch mehrere Merchandisestände, wobei das Angebot hier sehr überschaubar ist.

Negativ fällt auf jeden Fall auf, dass bei diesen Temperaturen viel zu wenig Wasserstellen vorhanden sind. Es gibt welche an den festen Toiletten, die aber sehr ungünstig platziert sind, wodurch es zwangsläufig zu Gedränge (selbst bei wenigen Menschen) kommt. Außerdem gibt es eine Wasserausgabestelle, wo man Wasser in Bechern bekommen kann. Geile Idee? Ja, wäre es, wenn vielleicht 5-10 Leute dort drinnen hantieren und sich um die Massen an dieser Stelle (Eingang zu den ersten Wellenbrechern) kümmern würden. Aber es sind genau 2 Personen in der Mini-Hütte, die mit einem Gartenschlauch die Becher auffüllen – und einer der beiden ist nur damit beschäftigt, den Becherpfand von den Karten abzuziehen. Es gibt auch noch eine Art Dusche, unter die man sich stellen kann, um abzukühlen. Allerdings sind die Rinnsale, die dort aus der Decke kommen, so dünn, dass man darunter ausufernd tanzen muss, um halbwegs Wasser abzubekommen.

Essen, Trinken und die Preise:

Es gibt wie gesagt unzählige Ess- und Trinkstände. Das Bier ist für 5 Euro plus Becherpfand zu haben, schmeckt mir allerdings leider überhaupt nicht – oder es war einfach schon schal. Bei den Essständen kann man sich wirklich nicht über mangelnde Vielfalt beklagen. Von Spanferkel bis Pommes und von Crepes bis Hummus ist eigentlich alles vorhanden. Aber die Preise sind dafür auch saftig! Es gibtleider keine Low-Budget-Varianten. Und so fangen alle Essen (außer einer kleinen Portion Pommes) bei 8 Euro an. Das finde ich schon ziemlich heftig, zumal ich mir vorstellen kann, dass einige mit Öffis angereist sind und dann zelten. Die sind also auf die Buden angewiesen, und das wird dann schnell echt teuer! Ich war froh, dass wir uns zum Großteil selbst versorgen konnten.

Die Bühnen, die Leinwände und der Sound

Insgesamt gibt es 3 Bühnen mit den simplen Namen: Red Stage, Blue Stage und Red Bull Stage. Die beiden großen Hauptbühnen sind zumeist parallel bespielt und sind dahingehend gut aufgestellt, sodass keine soundtechnischen Überlagerungen auftreten.  Das ist ein sehr positiver Aspekt, führt aber direkt zu einem Nachteil. Denn wenn man nicht gerade Zugang zum VIP-Bereich hat, dann muss man in einem großen Bogen von ganz links nach ganz rechts das gesamte Infield durchqueren, um von einer Bühne zur anderen zu gelangen. Bei den Headlinern zu später Stunde ist man hier gebremst durch ein schwankendes Heer aus Gestalten, die problemlos Statisten bei The Walking Dead spielen könnten. Demzufolge braucht man hier gut und gerne 10-15 Minuten für diesen Weg, und das könnte man auch deutlich beschleunigen, wenn man den direkten Weg eben nicht nur für die VIP zugänglich macht.

Die dritte Bühne liegt direkt neben dem Eingang und ist größtenteils von Core-Bands bespielt. Unglücklicherweise ist es hier etwas schwierig: Steht man zu weit rechts, dann hört man unweigerlich die Blue Stage. Steht man mittig, aber etwas weiter hinten, dann hört man zwangsläufig das enorm laute Partyzelt. Und gerade das finde ich unmöglich, denn warum muss das Partyzelt volles Ballett dröhnen, wenn niemand drin ist und auf den Bühnen noch Konzerte sind? Ansonsten ist die Red Bull Stage optisch mit einigen Flammenwerfern und Feuerchen ganz nett verziert und bietet optisch noch am meisten. Nur der Aspekt, dass man den Namen unbedingt an einen Brausehersteller verkaufen muss, stört mich, aber das ist sicherlich eine persönliche Sache.

Beide Hauptbühnen bieten große Leinwände rechts und links und daneben noch weitere kleinere Leinwände, die bei manchen Bands als eine Art „Ambilight“ genutzt werden und bei anderen einfach aus sind. Ansonsten sind die Bühnen recht schmucklos und eben einfach Bühnen.

Der Sound ist gerade am ersten Tag ein unheimliches Problem. Besonders bei SLIPKNOT, auf die wir uns sehr gefreut hatten, ist es beinahe unerträglich. Es kommt einfach nur Brei an, Corey Taylors Stimme ist so gut wie gar nicht zu hören – obwohl man über die Leinwände sehen kann, dass er richtig einen abgerissen hat. Auch gibt es ausgerechnet bei SLIPKNOT noch kurze Ausfälle des gesamten Sounds und der Leinwand. Besonders, weil wir 4 Tage später in Leipzig den direkten Vergleich hatten – der Sound beim Nova war grausam! Es ist am ersten Tag nahezu alles  sehr schwierig zu hören: GODSMACK, LAMB OF GOD, SLIPKNOT. Einzig AMON AMARTH und SABATON zu später Stunde sind in Ordnung und auch die Stimmen vernehmbar. Allerdings singen SABATON in den Refrains auch mit 4 Leuten…

Auf der Red Stage ist der Sound insgesamt dann deutlich besser, dort haben wir mehr Vergnügen. Auf der Blue Stage wird der Sound auch besser, aber auch unangenehm schrill in den Höhen. Und das ist natürlich auf die Dauer sehr sehr schade!

Das Line-Up

Das ist natürlich Geschmackssache! Aber ich muss sagen, dass das Nova Rock eine ziemlich gute Mischung zusammengestellt hat. Und wenn man einen so breiten Musikgeschmack hat wie wir, dann waren viele gute Acts dabei. SLIPKNOT, ANTHRAX, SLAYER, AMON AMARTH, POWERWOLF, LAMB OF GOD und SABATON sind natürlich auch für reine Metalheads durchaus reizvoll.

Aber wir haben uns natürlich auch DIE ÄRZTE angesehen. Auch DIE TOTEN HOSEN sind für mich Pflicht, da ich seit jeher ein großer Fan bin. FEINE SAHNE FISCHFILET lockt uns dann auch zur Mittagszeit mal in die Gluthitze. Und andere noch nicht gesehene, aber lange gewünschte Bands wie ROB ZOMBIE, MINISTRY oder eben die erwähnten SABATON und AMON AMARTH können wir auch besuchen. Insofern habe ich hier nichts gegen eine bunte Mischung im Line-Up einzuwenden. Wenn ich keinen Rap mag, dann schaue ich ihn mir nicht an. Auch in den Jahren zuvor hatte das Nova Rock schon immer recht gute Bands da, ich denke, hier kann man wirklich nicht meckern.

Die Besucher / Das Publikum

Tja, was soll man sagen. Im Endeffekt stammen leider viele Besucher aus einem ähnlichen Klientel, wie wir es auch bei Rock im Park schon erlebt haben. Eventpublikum, das im besten Fall einige Bands kennt, in vielen Fällen allerdings nicht einmal den Campingbereich verlässt. Campingplatz-Partyspezialisten, die von Flunky-Ball bis hin zu gigantischen Boxentürmen alles auffahren, um sich vom eigentlichen Festival abzulenken, und dabei ihre Umgebung mit Hard-Tekk, „deutschem“ Liedgut von HELENE FISCHER bis FREIWILD oder österreichischer Blasmusik terrorisieren. Dazu gibt es auch haufenweise Alkoholopfer und sonstige Auswüchse.

Mag der eine oder andere jetzt denken: „Partyschranke, dann fahr doch an den See und nicht aufs Festival“. Ich fahre zum Festival, um geballt den ganzen Tag geile Bands zu sehen und Musik zu genießen. Das, was viele andere dort veranstalten, hat genau gar keinen Bezug zu der Musik oder den Bands, das kann ich an jedem Dorfsee oder auf jedem Stadtfest machen. Wahrscheinlich werde ich dazu mal noch einen extra Artikel schreiben…

FAZIT:

Tja, was soll ich sagen. Natürlich war es rückblickend schön und ich freue mich über die gesehenen Konzerte und die Bands, die wir endlich mal sehen konnten. Auch über das Ausspannen beim Festival und das Bierchen zum Frühstück. Aber es gibt viele verbesserungswürdige Dinge, wie die Sauberkeit der Toiletten, die viel zu wenigen Wasserstellen, die Preisgestaltung der kulinarischen Genüsse, der Sound (!!!), die Aufstellung von ausreichend Müllgefäßen, die Abreiseorganisation, und und und.

Es gibt aber natürlich auch sehr geile Ansätze, die besser durchdacht viel ausmachen würden. Als Beispiel sei hier die Dosensammelstation genannt. Für 15 gesammelte Dosen gibt es 1 frisch gezapfter Bier oder 1 Red Bull gratis. Megageile Idee, könnte den ganzen Müll drastisch reduzieren und Festivalbesucher sind mit einem Bier am besten zu motivieren. Aber dann die Realität: An der Station stehen die ganzen 4 Tage lang die gleichen 2-3 Leute, die schon am ersten Tag völlig überfordert sind. Dazu geht dann bereits Samstag früh das Bier aus. Wenn man hier einfach 3 Leute mehr reinstellt, den Leuten einen Coupon gibt mit dem man sich dann beim Konzert im Infield ein gratis Getränk holen kann, wäre es PERFEKT! Die Idee ist klasse, nur an der Ausführung hapert es leider. Und so war es an einigen Stellen.

Und es wirkt auch leider vieles sehr darauf angelegt, an das wichtigste des Publikums zu kommen: das Geld! Ob das die Caravan-Gebühren sind, der Müll-Pfand, der nur zur Hälfte zurückerstattet wird oder eben auch die Tatsache, dass alle unangenehmen Jobs offensichtlich von Personal aus dem nahegelegenen Ungarn ausgeführt wurden. Damit möchte ich nichts unterstellen, aber es hinterließ dennoch einen faden Beigeschmack, dass die „Drecksarbeit“ anscheinend kostengünstig outgesourced wurde.

Ein Fazit wollte ich finden, ich versuche es: Wem das Line-Up gefällt, der kann den Ausflug wagen und sich ein Bild machen. Es ist kein schlechtes Festival, aber eben an vielen Stellen verbesserungsfähig. Von der gesamten Art und Aufmachung würde ich es mit Festen wie Rock im Park oder Highfield vergleichen, die eben einfach nicht in der gleichen Liga wie das Hellfest oder das Wacken spielen, aber auch nicht mehr den Charme kleiner Festivals haben. Für uns ist ein zweiter Besuch eher unwahrscheinlich, genauso wie es uns beim Rock im Park ging. Das allerdings ist und bleibt für mich immer noch unangefochten das am schlechtesten organisierte Festival ever.  

Der Beitrag „Nova Rock“ oder Nova Flop? Ein Festival südlich des Weißwurstäquators erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Der Promotext sagt mir, dass es sich bei BURY ME ALIVE um eine 2018 gegründete Metalcore Band aus Österreich handelt, welche stylische Synth-Elemente in ihren Stil einflassen lassen. Tja, was soll ich da anderes machen, als mir den Erstling „Unexpected Miseries“ mal genauer anzuschauen? Das Cover macht schon recht deutlich, worum es geht: den Untergang der Erde bzw. deren Bewohnern. Ist das aber wirklich so „unexpected“? Hören wir mal… 

DAVON GEHT DIE WELT NICHT UNTER

Das Intro stimmt mich schon mal wohlgesonnen auf „Falling Apart“ ein. Kennt ihr das, ihr startet ein neues Album und bereits beim ersten Song wird euch ungefähr klar: „Och nee, das wird jetzt bestimmt anstrengend“, oder aber: „Das könnte was werden“? Zum Glück trifft hier letzteres zu. Das ist wirklich eine richtig geile Nummer! Besonders gelungen ist nicht nur der Wechselgesang, nein, ein großartiger Melodiebrocken beschert mir kurz vor Ende noch eine Gänsehaut. Ja, so muss das! Obendrein bin ich vom Sound sehr angetan. An der Produktion wurde hier definitiv nicht gespart. Drums, Gitarren, Bassläufe – alles da, wo es in meinen Ohren sein soll. All dies zieht sich so durch das gesamte Album. Die besagten Synths könnten hier und da für meine Begriffe noch etwas stärker herausgearbeitet sein, aber das liegt nur daran, dass ich eben auch viel mit Electro zu tun habe. So wie sie platziert sind, ist das schon sehr stimmig. 

Textlich schneidet man in der Tat größtenteils die oben genannten Themen an. „Humanity“ ist dafür wohl eins der Paradebeispiele und gleichzeitig auch eins der Highlights. Das gerade erst veröffentlichte „New World“ reiht sich da nahtlos ein. Abwechslung gibt’s auch reichlich. Bei „No Regrets“ bleistiftsweise fühle ich mich rein von der Instrumentierung zu Beginn auch ein wenig an Industrial Metal erinnert. Mein absoluter Favorit ist allerdings von ganz anderem Schlag, denn mit „Forever“ legen BMA hier eine Coreballade (gibt’s diesen Begriff? Wenn nicht, hier habt ihr’s zuerst gelesen!) vor, die es in sich hat. Textlich ganz anders, aber mit- und herzzerreißend schön. 

RAUS AUS MEINEM OHR, DU WURM!

Alles in allem lässt sich eins sagen: Ich habe momentan einen Lauf, was meine ausgesuchten Alben angeht. „Das wird jetzt anstrengend!“ hatte ich bei allen vergangenen Hörproben absolut nicht, und mit „Unexpected Miseries“ sogar eine Veröffentlichung, die sich durchaus in meiner Jahres-Best Of wiederfinden könnte. Abwechslungsreich, thematisch interessant und gespickt mit starken Melodien und Ohrwürmern. Und da ich als einzig nennenswerten Kritikpunkt sagen kann, dass – zieht man das „Intro“ und „22“ als Instrumentals ab – eine halbe Stunde Spielzeit leider schnell vorbei ist, bleibt nur noch: Corefans unbedingt mal reinlauschen! 

BURY ME ALIVE im FB.

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HARAKIRI FOR THE SKY haben in den letzten 3 – 4 Jahren einen Wahnsinns-Sprung nach vorn gemacht. Meiner Meinung nach sehr verdient! Die beiden letzten Alben „Aokigahara“ und „III: Trauma“ waren fantastisch! Nun flattert der nächste Long-Player der Österreicher in die Plattenläden.

Mit „Arson“ hat sich ein weiteres Mal die Soundqualität der Aufnahmen verbessert, die Drums klingen knackig und haben Eier (nebenbei bemerkt wurden die auf diesem Album von Kerim Lechner von SCEPTIC FLESH eingezimmert), die Klampfen sind klar, alles ist wunderbar aufeinander abgestimmt. Auch die Vocals von J.J. klingen mittlerweile stark danach, als ob er wüsste, was er da tut. Das war auf den ersten HARAKIRI FOR THE SKY-Records noch nicht so wirklich der Fall. Handwerklich ist also alles super!

Was das Songwriting, bzw. die Wirkung der Songs betrifft, bin ich geteilter Meinung. Die beiden Vorgänger haben auf mich eher den Eindruck eines Gesamtwerkes gemacht. Die laufen deshalb auch am Stück und nur selten suche ich mir einzelne Songs heraus, die ich gerade hören möchte. Bei „Arson“ sieht das anders aus. Die Songs sind zwar alle recht stark und bringen die gewohnte Mischung aus einem donnernden Schlagzeug und somit einem regelrechten Energieschub, während die Gitarren gleichzeitig sehr melancholisch und emotional sind. Allerdings fehlt mir bei dieser Aufnahme in einigen Songs das gewisse Etwas. Es ist eben, ich sage mal, gewohnt gut, aber so richtig hängen bleibt bei ner Hand voll Songs des Albums diesmal nichts – leider. Welche Lieder bei mir richtig zünden, sind „Fire, Walk with Me“, „The Graves We’ve Dug“ und „Stillborn“. Letzteres fällt aus der „Gewohnheitsserie“ sogar am ehesten raus und klingt trotz seiner Verspieltheit und seinen Up-Tempo-Drumpassagen sehr nach HARAKIRI FOR THE SKY. Der Song zeigt Ecken und Kanten, ohne dabei zu vernachlässigen, von welcher Band er stammt.

Alles in Allem ist „Arson“ ein gutes Album, allerdings mit wenig Überraschungen. Die Songs dürfen auf dem nächsten Record gerne mehr Überraschungen bereithalten und weniger nach „gewohnt gut“ klingen. Ecken und Kanten machen eine Scheibe erst einzigartig. Einzelne Songs machen süchtig, andere werden nach mehrmaligem Checken geskippt.

HARAKIRI FOR THE SKY auf Facebook

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Hier der besagte Beitrag der offiziellen Facebook-Seite der Band:

„And in the glade a light was seen …“

The past years have been a time of troubles, setbacks, disputes – and of resulting frustration.
And then, the summonings faded and silence arose …
Yet, it hasn´t been the end that was dawning.

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