FINTE sind eine vierköpfige Band, die ihren Namen wohl kaum hätten besser wählen können. So leichtfüßig und unschuldig kommt der Name erst daher, bis die Hörenden merken, dass sie geradewegs in ebenjene Finte hineingelaufen sind. Hinter dem geschickten Manöver schnappt die Falle zu und eine faustdicke Mischung aus lauter Musik, schweren Riffs und anspruchsvollen Strukturen schießt durch Gehörgänge und Körper. Vor fünf Jahren erschien die EP „Ignoranz und Illusion„, welche noch von einem sehr rauen Klang geprägt war. Seit 2020 haben die vier Hannoveraner nun am ersten Album gebastelt und geschraubt. Gewisse Verzögerungen bedingt durch die Pandemie sorgten für Aufschub, doch nun präsentieren FINTE endlich ihren neuen Sound: weiterentwickelt, reflektiert und mit mehr Weitblick überzeugt „Wie das Endliche treibt“.

Sanfte Wogen, scharfe Klippen

Oberflächlich betrachtet ist „Wie das Endliche treibt“ ein typisches Post-Genre Album. Die Bewegung der Musik kann mit aufgewühltem Wellengang verglichen werden, der zwischen Flaute und Sturmflut hin- und herpendelt. Doch genau hier finden wir auch schon die ersten Ausreißer aus dem Schema F. Anstatt in überschaubaren und erwartbaren Sinuskurven zwischen den Extremen zu schwingen, sorgen die Thema- und Tempowechsel immer wieder für schöne Überraschungen. Hier trifft die Post Hardcore Bewegung auf scharfkantigen Mathcore im Stile von THE NUMBER 12 LOOKS LIKE YOU oder dem Hannoveraner Trio THE HIRSCH EFFEKT.

Progressiv, gefühlvoll, brachial

Wahrlich ist die Musik von FINTE nicht unbedingt der Sound, mit dem man den ESC gewinnt. Überzeugen können die vier Musiker aus Niedersachsen dennoch auf ganzer Linie. So ist es ihnen mit dem Sound auf „Wie das Endliche treibt“ gelungen, aus dem Schatten der Stadtkameraden von THE HIRSCH EFFEKT zu treten. Deutlich eigenständiger und mehr nach FINTE denn je zuvor klingen FINTE hier. Erfrischend ist vor allem, dass das Quartett neue und eigene Elemente in den wilden Pool aus Prog Metal, Mathcore und Post Hardcore wirft. Da ist zunächst ein sehr atmosphärische Indie Rock-Einfluss mit starker Shoegaze-Note, welcher in den emotionalen Passagen auftaucht. Außerdem scheint auch das gegenwärtige Post Punk-Revival seine Spuren im Songwriting hinterlassen zu haben.

Ausbruch aus der ewigen Spirale

Nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch geht es auf „Wie das Endliche treibt“ darum, bekannte Muster aufzubrechen, sich aus ihnen herauszureißen, und dann doch wieder in neuen Spiralen zu landen. Es ist eine menschliche Eigenschaft, sich immer wieder nach Geborgenheit und verständlichen Abläufen zu orientieren. Diese Suche nach Befreiung aus den alten Kreisläufen, Brechen mit Konventionen und einem Zurückfallen in alte Muster wird hier in Texten, Thema und Kompositionen umgesetzt.

FINTE bescheren uns ein Album, das von vorne bis hinten durchdacht ist. Hier sitzt alles genau da, wo es sitzen soll. Jede Silbe, jeder Anschlag sind Teil eines in sich schlüssigen Gesamtwerkes. Der Spannungsbogen zieht sich in scharfkantig zerklüfteter Manier vom sanften Indie Pop Opener „Ende“ bis in die Black Metalleske Klimax des letzten Titels „Im Licht“. Dazwischen stauen sich aus gemächlichen Wogen gigantische Türme aus Wellen auf, die mit voller Kraft gegen spitze Felsen krachen oder sich in sich selbst ergießen.

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FINTE sind:
Steffen Feuerhake – Gesang und Bass
Christopher Pavenstädt – Gitarre und Gesang
Timur Nilitaş – Gitarre
Marvin Dreiwes – Schlagzeug.

Gäste auf „Wie das Endliche treibt“:
Simon Achsler – Saxofon in „Herbst“
Jochen Müller – zusätzliche Gitarre in „Herbst“

„Wie das Endliche treibt“ wurde in den Monkey Moon Recording Studios in Dortmund aufgenommen.

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von FINTE zur Verfügung gestellt. Das Cover Artwork stammt von Philipp Zurmöhle.

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Im Jahr 2018 formierte sich die niederländische Band MYTH OF ORIGIN und bereits im folgenden Jahr erschien die erste EP „Rites of Passage“. Das Quintett hat es sich zur Aufgabe gemacht, leicht zugängliche Musik mit harten Klängen in Harmonie zu setzen. Überzeugt vom ersten Release setzten sich MYTH OF ORIGIN zusammen, um am ersten Album zu arbeiten. Zusammen mit Daan Janzig, der auch schon für MAIDEN UNITED oder MY FAVOURITE SCAR die Produktion in die Hand genommen hat, begannen 2021 die Aufnahmen für „Sane Asylum“. Knapp vierzig Minuten lang befassen sich MYTH OF ORIGIN mit Gegensätzen wie Licht und Dunkelheit, Gesundheit und Krankheit, Balance und Chaos.

Zwei Gesichter

Das Coverartwork von Designificance zeigt eindrucksvoll, welche Spannungen die Thematik von „Sane Asylum“ beschreibt. MYTH OF ORIGIN behandeln in acht kurzen Geschichten die Dualität aus Licht und Schatten. Einerseits wird die Seite des Lebens gezeigt, mit der man sich gerne in Szene setzt: die schöne und strukturierte Seite also. Auf der anderen Seite liegen Dunkelheit und Schatten, Chaos und Disharmonie. Es sind Dinge wie Depressionen, Traumata oder andere Dispositionen, die hier liegen: Seiten von uns selbst, die wir nur ungern präsentieren.

Aus der Mitte des Spannungsfeldes

Wie zwischen magnetischen Polen entsteht ein Spannungsfeld dessen Kraft sich MYTH OF ORIGIN widmen. So handeln die Lieder auf „Sane Asylum“ beispielsweise von Angst vor der Zukunft („Black Horizon“), Reue („My Darkest Hour“), Depressionen („Over the Edge“) oder innerer Leere („The Void“). Auch Abgründe menschlichen Handelns werden thematisiert. So geht es in „Gravity of this Matter“ um die Shoa und die Verbrechen der Deutschen im Nationalsozialismus. Das Lied „The Hunt“ handelt von Menschen, die zur Unterhaltung tödliche Jagd auf andere machen, und in „Screams in my Castle“ geht es um den amerikanischen Serienmörder H.H. Holmes. Außerdem wird in „Claim the Firstborn“ das Narrativ aus dem Märchen Rumpelstilzchen aufgegriffen.

Das Leben ist wie eine Schachtel Pralinen…

… manchmal erwischt man etwas Süßes, mal etwas Bitteres. So könnte das Fazit zu „Sane Asylum“ mit den Worten von Forrest Gump lauten. MYTH OF ORIGIN befassen sich offensichtlich mehr mit der dunklen Seite; sie machen den schwarzen Schwan zur Hauptfigur ihres Prog Metal-Schwanensees. So weit, so gut.
Musikalisch wird diese Inszenierung mit Prog Metal, viel Melodie und gelegentlichen symphonischen Einlagen zum Besten gegeben. Alles in allem schafft es „Sane Asylum“ aber nicht zu überzeugen. Die einzelnen musikalischen Elemente und Einflüsse interagieren nicht rund, und es entsteht kein Fluss.

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Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Hardlife Promotion zur Verfügung gestelllt.

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Seit über zehn Jahren und auf mittlerweile vier Alben schlagen sich die vier irischen Musiker von zhOra den Weg frei. Dabei erarbeiten sie sich seither ihre absolut eigene Nische zwischen anspruchsvollem Progressive Metal und abgrundtief düsterem Sludge. Von zhOra bisher noch nicht gehört, aber von der Beschreibung grundsätzlich schon mal angetan und interessiert? Dann empfehle ich, die Ohren zu spitzen. Denn das irische Quartett gehört auf jeden Fall in die Sammlung der Geheimtipps bzw der Künstler, die noch sehr viel mehr Aufmerksamkeit erhalten sollten.

Brachialer Spaß ab der ersten Sekunde

„Mortals“ von zhOra ist eine dieser CDs, die man einlegt, abspielt und schon beim ersten Ton weiß, dass es jetzt laut, brutal und wunderschön wird. Auf Intros, Interludes, Zwischensequenzen oder dergleichen wird auch auf der vierten Veröffentlichung komplett verzichtet. Stattdessen hauen zhOra auf „Mortals“ ab der ersten Sekunde kompromisslos auf den Putz, ohne auch nur ansatzweise stumpfe oder erahnbare Musik zu produzieren. So sehr hier mit massiver Brutalität und finsterstem Sludge nach vorne gesprescht wird, sind die Songs doch von großer Abwechslung in Takt, Tempo und Intonation geprägt. Progressive Riffs vernetzen sich hier in einem tiefschwarz metallen Sludge Sumpf und erzeugen dabei eine nie dagewesene Soundlandschaft.

Mit der Sludge Keule gegen Frustration

zhOras viertes Album erscheint am 27. März als CD und digitale Version sowie als Stream beim Label Hostile Media. Mit „Mortals“ ist den Iren ihr bisher stärkster Output gelungen. Aber nicht nur das! Darüber hinaus klingt die Band so unikat, bodenständig und unverwechselbar wie auf keinem ihrer vorigen Releases. Auch ist „Mortals“ auch das wütendste Album, das zhOra bis dato präsentiert haben. Angepisst von all den selbstgefälligen Wohnzimmer Revolutionären, Hollywoodschaukel Philosophen, Drogenapologeten und anderen Gestalten, die sich im süßen Licht ihrer individualistischen Selbstherrlichkeit sonnen, sind diese sechs Tracks entstanden. „Mortals“ ist dahingehend kein Konzeptalbum aber ein Themenalbum. Es ist eine Sammlung, auf der sich die Band eine Menge Frustration gegenüber dieser Untätigkeit und Selbstgerechtigkeit vom Leibe schreit und prügelt. Dass eine solche Tirade aus angestauter Wut auch eloquent, intelligent und ohne stumpfes Gedresche kommuniziert werden kann, beweisen zhOra auf jedem Track ihres neuen Albums.

Was es hier in bester Tonqualität zu hören gibt, ist ein vielschichtiges und atemloses Schlagzeug, das nicht nur vor Akzentuierungswechseln mit Fills sich schmeißt. Bass und Gitarre wummern definiert, laut und tief und erzeugen ganze Atmosphären aus Dunkelheit. Diese hämmern mal brennend heiß und dann wieder eiskalt aus den Boxen. Darüber legt sich der endtiefe gurgelnde Gesang, der eine Nische Zwischen Growling, Shouting und Singen für sich beansprucht. Künstler, die ich hier noch als Vergleichswerte heranziehen kann, sind Grant the Sun und Hang the Bastard für den Sludge Wert. Und dann wären da noch Nevermore für den anspruchsvollen aber harten Progressive Metal.

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Der Name MOLOKEN  stellt bei mir unweigerlich Assoziationen zu Anthony Burgess‘ Buch „A Clockwork Orange“ dar. Jedoch versteckt sich hinter dem Namen alles andere als Milch. MOLOKEN ist schwedisch für „bedrückt“ und ist der Name eines Prog und Experimental Quartetts aus Umeå. Zwischen 200 und 2015 haben die vier Schweden bereits eine EP und drei Alben veröffentlicht. In ihrer bisherigen Discographie haben die bisher klargemacht, dass die anspruchsvolle Musik von MOLOKEN nichts mit Eays Listening zu tun hat. Stattdessen wird in hartem Ton und mit vertracktem Songwriting das Leid der Welt beschrien.

Brachial und intelligent

Nach ihrer bis jetzt längsten Pause meldet sich die Band jetzt mit ihrer vierten Platte „Unveilance of Dark Matter“ zurück. Vertrieben wird das ausgeklügelte Werk über das schwedische Label The Sign Records, wo das Album ab 31. Januar 2020 auf Vinyl, CD oder zum Download bereit steht. MOLOKEN leiten ihre anspruchsvolle Scheibe mit dem Anti Love Song „This Love is a Curse“ ein und bereiten die Hörenden damit instant auf die Stimmung der nächsten 36 Minuten vor. Anspruchsvoll und abwechslungsreich reibt sich die brachiale Musik über das Album, während deprimierende oder niederschmetternde Lyrik heiser und klagend darüber hinweg schreit.

Ernsthafter Musikgenuss mit bitteren Noten

Auch wenn „Unveilance of Dark Matter“ wahrlich kein Album für jede Situation ist, macht es sehr viel Spaß, sich beim Hören immer wieder aufs Neue überraschen zu lassen. Anders aber als im klassischen Prog wird auf cleanen Heavy Metal oder symphonische Passagen verzichtet. Im Gegenteil zu Proggern wie IQ liegen die musikalischen und lyrischen Einflüsse eher im Funeral Jazz und im DSBM.

Die Rhythmen wechseln zwischen straightem Thrash- oder Death Metal Gebolze und jazzigen Beatwechseln, Akzentverschiebungen oder unerwarteten Breaks. Das komplexe Riffing hebt sich darüber ab und erzeugt mit zusätzlichen passagenauen Verschiebungen für eine raue Dynamik. Besonders schön finde ich auch die Effekte der Instrumente, angefangen beim knarzig verzerrten Bass. Die Gitarren klingen wiederum mal volltönend tief und brachial oder auch gerne in disharmonisch verzerrten Hochtönen, wie man sie im Mathcore gerne einsetzt.

Und auch der Stimmeinsatz ist von ganz besonderer Art. Zwar wird gelegentlich in herkömmlicher Weise gescreamt oder gegrowlt, den Bärenanteil machen jedoch die heiseren Schreie aus. Stilistisch hat der Gesang ein bisschen was von TOTALSELFHATRED oder PIANO BECOMES THE TEETH. Gänsehaut ist beim Gesang garantiert. Gesanglicher Höhepunkt ist der Track „Venom Love„, dessen geflüsterte Passage alles in den Schatten stellt.

Dunkel wie die Nacht und hart wie das Leben

Sicherlich werden nicht alle meine Begeisterung für die anspruchsvolle sowie bedrückende von MOLOKEN teilen können. Tatsächlich finde ich die Mischung aus Post-Hardcore Klängen auf klugen Prog- und Jazz-Rhythmen absolut überwältigend. MOLOKEN haben mit „Unveilance of Dark Matter“ das Album für alle geschrieben, denen Progressive Metal meist zu fröhlich, Emocore zu sanft und DSBM zu monoton ist.

Homepage von MOLOKEN

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Djent, oh Djent! Wie sehr ich dich für dein tiefes Gitarrenbrummen und vertrackte Rhythmusspielereien schätze. Bands wie Djent-Pioniere MESHUGGAH und experimentelle Newcomer wie die Dänen von VOLA zählen längst zu meinen Lieblingsbands. Aufgestiegen zu einem der bekanntesten Metal-Genres ist es vor allem für modernere Bands ein Anlaufpunkt. Doch Djent hat ein massives Problem: Überfüllt mit generischen Bands, die eine mehr Copycat als die andere, bei denen der Djent-Sound als einziges Merkmal hervorsteht. Eine sonst leere Hülle, die nicht viel mehr als den selben bekannten Mist bieten kann.

Generisches Djent-Geschrubbe?

Da sich solche pauschalen Aussagen natürlich nie auf das Gesamte beziehen, wecken manche Bands stets Hoffnung. Deswegen steht hier jetzt zur Frage, wo sich KADINJA und ihr neuestes Werk „Super 90“ einordnen.

Eins steht schon von Anfang an fest: Die Instrumentalisten der französischen Djent/Progressive-Metal Band haben ganz schön was zu präsentieren. Technisch anspruchsvolle Riffs, dissonante Melodien und komplexe Rhythmen beweisen das wiederholte Male. Das führt dazu, dass viele Momente zum Headbangen einladen. Songs wie „Icon“ oder „The Right Escape“ liefern im Gesamtpaket ein gutes Bild ab.

Doch leider ist man beim neusten Album von KADINJA zu früh fertig mit dem Pro und viel zu schnell beim Contra. Schuld daran ist vor allem die abwechslungslose Songstruktur, die oft einem absehbaren Verlauf von Djent-Verse, Clean Chorus, Zwischenstück mit leichten Melodien und ab und an noch einem Breakdown folgt. Weil viele Songs sich nicht voneinander abheben können, hat man nach kurzer Zeit das Gefühl durch den immer gleichen Sumpf aus Djent-Geräuschen und unorthodoxen Rhythmen gepaart mit tiefen, dennoch melodischen Riffs zu waten.

Dort, wo Instrumente überzeugen können, sorgt der durchschnittliche und unstimmige Gesang für Stirnfalten. Mal sind es die klaren Gesangspassagen, die einfach an Druck und Charakterstärke mangeln und an anderen Stellen grenzen die Harsh-Vocals an Gejaule ohne Wucht und Wirkung. Besonders das Akustik-Interlude „Episteme“, das als Theorie zwar sinnvoll ist, um Abwechslung in die Sache zu bringen, in der Praxis jedoch unangenehm schief und verwaschen klingt, ist ein Paradebeispiel dafür.

Es fällt mir schwer, etwas richtig Greifbares zu nennen, da sich über 50 Minuten zu wenig Greifbares herauskristallisiert.

Ist also alle Hoffnung verloren und reiht sich KADINJA neben dutzenden „Djent vom Fließband“-Bands ein? Nein, nicht ganz. Obwohl das Gesamtpaket nicht vor Alleinstellungsmerkmalen und konstanter Qualität strotzt, so befinden sich einzelne Elemente in KADINJAs Musik die das Potential der Band zeigen. Saftige Riffs und zumindest ein Anflug von dynamischem Songwriting sind ein Licht am Ende des Tunnels. Bis man dieses Licht bei KADINJA erreicht, muss sich allerdings noch einiges verändern.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Paul

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Ich will ja nichts verpassen!

Zu Beginn sind vielleicht 50 Gäste da, was den Auftritt von FIRST FRAGMENT in meinen Augen etwas traurig beginnen lässt. Der Club ist nicht mal zur Hälfte gefüllt. Ich sehe mich noch ein bisschen um, entdecke Garderobe und Tränke und erledige das Wichtigste. Die Getränkepreise sind mit 2,80€ im Rahmen und was mich verfressenes Stück besonders freut: Es gibt auch Snacks in Form von Baguettes.

Was ich vorausschicken möchte: Insgesamt ist es den kompletten Abend sehr laut. Das ist total schade, weil zumindest bei mir die “Wohlfühl-Lautstärke” überschritten wird und der Genuss etwas auf der Strecke bleibt. Zumindest beim Fotografieren habe ich jedoch sowieso Gehörschutz drin. Da geht ja schon viel Feeling flöten. Also jeweils nach der Foto-Zeit Ohren wieder frei machen und gucken, wie es so ungefiltert klingt.

Was hier heute Abend läuft ist Mucke für Mucker. Klar, will man alle Feinheiten hören. Das auch noch gut abgemischt und am besten mit ausreichend Druck. Aber bitte nicht zu laut. Ja, ja. Die eierlegende Wollmilchsau. Wer sich beschwert, wird mit: „Dann hör halt Zuhause aus der Konserve deine Musik!“ abgewatscht.  Spielt heute aber keine Rolle. Wir wissen ja, wieso wir jetzt hier sind. Weil Livemusik. Punkt. Da macht man einfach manchmal Abstriche. Andererseits gewinnt man Einblicke in Bandgefüge und Spieltechnik.

Ich sehe es vor allem als ‚Fortbildung‘

FIRST FRAGMENT stehen ab 20:30 Uhr auf der Bühne. Eine recht junge Band, die sich im schneidend-glasklaren Sound spieltechnisch nicht die Butter vom Brot nehmen lässt. Dank neoklassischer Strukturen wie Walzereinschüben frickelt es nicht nur, sondern groovt und schunkelt auch vor sich hin. Darauf werden Growls und Screams im Wechsel serviert, die die ganze Geschichte in die Death-Schiene drücken. FIRST FRAGMENT lassen es sich nicht nehmen, nach ca. zwei Dritteln ihrer Spielzeit ausführliche Soli zu präsentieren, sich gegenseitig dafür zu feiern und anzufeuern. Ich sehe, sie haben einen Mordsspaß! Und das steckt an.

Auf die Schippe nehmen sie auch ihre eigenen Gitarrenläufe, die sie teilweise doppeln und in höchst ironischer Manier darbieten. Ein Seitenhieb auf Power-Metal? Vielleicht. Ich muss jedenfalls sehr lachen. Das Set ist – so frickelig und anstrengend es ist – gleichsam unterhaltend. Nach 30 Minuten sind die Jungs fertig mit ihrem Auftritt. Inzwischen hat sich auch das Conne Island etwas gefüllt und empfängt die nächste Kapelle mit Spannung. Der Soundcheck verspricht eines, nämlich Musik der Marke

Staubsauger.

ALLEGAEON rumpeln ordentlich los und verleugnen ihren Hang zum Death nicht. Dabei wird der Bassdrum ein dermaßen dicker Trigger verpasst, dass der Sound sämtliche Härchen zum Flirren bringt. Neben Growls werden höhere Shouts eingebaut, die etwas Abwechslung bringen. Der Rest ist eher uninspiriert und vorhersehbar. Die Gitarrensoli recht generisch, wie auch deren Songs generell. Einzig die eine oder andere Beckenfrickelei lässt mich kurz aufhorchen. Und doch – es kommt so gar keine Atmosphäre auf. Für mich zumindest nicht. Leichtes Unterhaltungspotenzial birgt das Engagement eines ihrer Kollegen, der mit einer Whiskeyflasche und Handkamera über die Bühne springt, filmt und die Gitarristen mit Alkohol versorgt.

Posing liegt ihnen sichtbar am Herzen

Wenn es nicht schon so abgedroschene Moves wären … Na, Hauptsache die Jungs haben ihren Spaß. Und den haben sie sichtlich. Mich lässt das Theater eher müde lächeln. Schrot wechselt zu Uffda wechselt zu Staubsauger über Föhn zurück zu Schrot. Dabei will ich nicht die Spieltechnik oder Präzision von ALLEGAEON in Frage stellen. Aufkommende Patzer werden routiniert überspielt. Nur treffen sie nicht mein Gusto in ihrer Musikalität. Vielleicht werden Feinheiten auch durch die durchweg herrschende, extreme Lautstärke tot gemacht. Und dennoch, der Club füllt sich weiter. Den Leuten scheint zu gefallen, was sie da sehen und hören. Noch bevor das halbstündige Set endet, gehe ich raus, um meinen Kopf etwas zu entspannen – bis FALLUJAH die Dampfwalze auf die Menge loslassen.

Für mich ist der Bruch nach deren Spielstart sofort spürbar. Die Kalifornier legen los und sind vom ersten Moment der Show deutlich differenzierter und abwechslungsreicher unterwegs als ihre Vorgänger. Die Stimme ist kraftvoll und passt gut zum Rest der Band. Die Growls setzen sich durch und bringen eine angenehme Rauheit in die Sache. Wie bereits im Vorbericht erwähnt, kann ich bis dato nichts mit FALLUJAH anfangen. Hier kristallisiert sich nun aber heraus, dass die Änderung im Sound, die mit dem Vokalistenwechsel einhergeht, mich gut abzuholen weiß. Aber auch an der Gitarrenfront gab es eine Neuerung. Nachdem Brian James die Band kürzlich verließ, ist ALKALOID-Gitarrist Danny Tunker für die Tour eingesprungen. 

Mir gefällt tatsächlich, was ich höre.

Der Schlagzeuger ist einfach nur ein präzises Biest am Set und fräst in einem höllischen Tempo alles weg. Er schiebt unter dem flächigen Grundsound ordentlich. Die Band weiß eine gute Mischung zwischen Schrot und Atmosphäre zu halten. Dass Letztere überhaupt Luft hat zu entstehen, freut mich außerordentlich. Und dass dabei nicht nur gedjentet wird ebenfalls. Ich hatte ihre Strukturen deutlich eingleisiger in Erinnerung. Was mir aber dann doch etwas meine Hingerissenheit dämpft, ist der Umstand, dass die atmosphärischen Parts teilweise sehr weit ausgedehnt werden und ich mir ein leichtes Gähnen verkneifen muss. Und, dass im Conne Island nach wie vor eine ohrenbetäubende Lautstärke herrscht.

Von Leuten, die mehr in der Materie der Band stecken, lasse ich mir den Hinweis geben, dass im Set vor allem Songs des zweiten und dritten Albums gespielt werden. Dazwischen präsentieren sie zwei neue Songs, welche auf dem kommenden Album ihren Platz gefunden haben. So, wie sich die Band heute live gibt, könnte das mit mir und dem neuen Album tatsächlich was werden. Ich bin gespannt! Zumindest hinterlassen sie mich nach ihrem fast dreiviertelstündigem Set durchaus zufrieden. Gleiches könnte ich auch über den Headliner sagen – wenn ich nicht allzu genau hinschauen und -hören würde. Und, wenn ich mir nicht ihre deutliche bessere Show der „Akroasis“-Tour ins Gedächtnis rufe.

Das liest sich jetzt schlimmer, als es ist.

Bevor OBSCURA die Bühne betreten, campen zwei Konzertbesucher schon vor der Bühne. Etwas albern, betrachtet man die recht locker gefüllte Location. Aber vielleicht ist dies ja ein passendes Bild, um die Zuneigung, die so mancher für die Jungs empfinden mag, darzustellen. Wie dem auch sei. Diese beiden jungen Menschen sollen während des Sets nicht die einzigen bleiben, die die Kapelle ob ihrer spielerischen Leistungen anhimmeln. Ebenfalls bemerkenswert sind die Herren mittleren Alters vor der Bühne. „Ich hab’s dir doch gesagt! Der Junge ist klasse! Der hat’s richtig drauf!“ und dabei wird mit der Kamera vor Linus Klausenitzer hantiert, der sein Posing danach ausrichtet und interagiert. Ja, er ist wohl einer der guten Beweise, dass Basser nicht immer am unteren Ende der Show-Nahrungskette stehen.

Insgesamt wird nach meinem Empfinden viel mehr gepost und gealbert als noch vor zwei Jahren. Doch irgendwie scheint die Band nicht ganz bei der Sache zu sein. Vielleicht ist es Frustration über die Anzahl der Besucher, deren Trägheit oder etwas anderes. Frontmann Kummerer beschwert sich schnell, dass es zu ruhig vor der Bühne sei. Es wirkt auf mich weniger anstachelnd und aufmunternd als vielmehr frustriert. Vielleicht irre ich mich aber auch mit der Einschätzung. Im Laufe der Show beginnt er dann doch zu bauchmietzeln. Er freue sich, wieder in Leipzig zu sein und überhaupt, dass unter der Woche die Leute zum Konzert kämen.

Ja, es ist wohl ein vielbewandertes Pflaster, dieses Leipzig. Selbst heute gibt es zwei Gegenveranstaltungen. Im ausverkauften Werk II spielen MADRUGADA und im Bandhaus gastieren HEXVESSEL. Nicht schlecht für einen Dienstagabend!

Doch irgendetwas stimmt heute Abend nicht. Schießbuden-Lanser träumt wohl vor sich hin, muss angesprochen werden, weil er einen Song einfach nicht beginnt. Und zeitweise sind er und der Rest der Band meilenweit auseinander – passiert den Besten und wird neben ein paar verwirrt-amüsierten Blicken zwischen den anderen Kapellmeistern einfach überspielt. Außerdem werden auch Gitarrensoli verzockt. Vielleicht geht an dieser Stelle die Erweiterung des Posierens auf Kosten der Qualität. Eventuell handelt es sich hier aber auch nur um einen Kniff, eine weitere Stufe der Progressivität. Wer weiß?! 

Oder die Band hat einfach nur einen schlechten Abend.

Neben diesen offensichtlichen Patzern bringt die Band die bekannte Leistung auf die Bühne. OBSCURA schaffen Atmosphären. Schwebende Basslinien fließen unter diffizilen Gitarrenfrickeleien – Rafael Trujillo ist dabei wieder wunderbar anzusehen – und einer rauen, aber noch angenehm hörbaren Stimme. Ich mag die Mischung einfach, die sie präsentieren. Von „Diluvium“ packen sie nur vier Songs ins Set – weniger als die Hälfte der insgesamt elf gespielten Songs. „Emergent Evolution“ wird direkt als Opener genutzt und funktioniert gut als straighter Showbeginn. Mancher würde sagen: Hit für Hit ein Hit.  Zwischen „Akroasis“-Knallern wie „Ten Sepiroth“ und „Perpetual Infinity“ finden „Omnivium“-Opener „Septuagint“ (leider der einzige Song dieses Albums am heutigen Abend) und ein ausgedehntes Bass-Solo ihren Platz im Set. Den Brecher „Anticosmic Overload“ heben sie sich für die Zugabe ihrer immerhin 90-minütigen Spielzeit auf und damit meine Laune merklich an.

Ich fahre etwas euphorisiert nach Hause (wann hört man schon mal gefühlt an einem Abend alle Noten, die es gibt?!) und freue mich darüber, wieder ein gelungenes Band-Paket erlebt haben zu dürfen. Dass es den ganzen Abend so furchtbar laut sein musste, ist ein Wermutstropfen. Und ich bin gespannt, ob dieser Eindruck beim nächsten Konzert im Conne Island wieder aufkommt – oder ob es dem Genre oder mitgereisten Tontechnikern verschuldet ist. Dass OBSCURA rückblickend hinter meinen Erwartungen zurückblieben, ist Jammern auf höchstem Niveau. Ein Vergleich zur 2016er Tour sei jedoch erlaubt. Und immerhin wussten FIRST FRAGMENT bestens zu unterhalten und FALLUJAH mich nun doch mitzunehmen.

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Ich muss ganz ehrlich sein. Wie gefühlt eine Million andere Metalfans vor mir bin ich über die Symphonic-Metal-Ecke in die härteren Regionen reingerutscht. Nach NIGHTWISH kam dann DREAM THEATER – von einem Freund empfohlen. Und ich glaube, jetzt hab ich einen Mix der beiden Bands entdeckt! MORTANIUS haben ihr Debütalbum rausgebracht. Bisher gibt’s nur drei EPs von ihnen – und ein sehr verstörendes Cover von „Last Christmas“.… dazu aber später mehr.

„Till Death Do Us Part“ heißt das Album, das ich mir anhören darf. Und gerade am Anfang legen MORTANIUS ein ordentliches Tempo vor! Der erste Song, „Facing The Truth“, lebt richtig von seinem Tempo und vor allem von den Orgel-Sounds und Streichern. Natürlich ist auch der Gesang sehr gut: Auf dem ersten Track haut mich die Stimme von DRAGON GUARDIAN-Sänger Leo Figaro um. Beim ersten Hören dachte ich zuerst, es wäre eine tiefe Frauenstimme. Aber spätestens wenn er sich in die höchsten Lagen hochschwingt, die seine Stimmbänder zulassen, fällt es doch auf, dass das nicht unbedingt seine Heimattonlage ist.

Immer dabei ist auch der eigentliche Sänger der Band, Lucas Flocco. Er hat eine sehr markante, durchdringende Stimme – nicht jedermanns Sache. Die tieferen Lagen fallen ihm leichter und klingen auch voller. Mir gefällt der Gesang von Flocco mehr, wenn er mehr Emotionen in seine Stimme legt.

Mechanisch oder groovy? Irgendwie beides.

Der zweite Song auf dem Album, „Disengage“, gefällt mir nicht ganz so gut. Er fängt zwar angenehm langsam an, aber sobald der Rhythmus schneller wird, klingt es sehr mechanisch. Irgendwie hab ich auch den Eindruck, dass die Band nicht so gern ungerade Takte spielt. Sobald die Taktart wechselt und es nicht mehr der Standard 4/4-Takt ist, klingen die Instrumente und sogar der Gesang sehr kontrolliert und mechanisch, als ob sie sich stark konzentrieren müssten, um alles genau richtig zu spielen. Im geraden Takt kriegen sie es aber sehr gut hin, die Gitarrensoli klingen leicht und die Stimme von Flocco schwebt irgendwo weit oben über den anderen Instrumenten und den Backgroundsängern.

Eins muss man auch echt sagen:Der hohe Gesang ist auf Dauer echt anstrengend! Da ist es gut, dass auch Jonas Heidgert von DRAGONLAND mit am Start ist und dafür sorgt, dass auch der Song „Jaded“ mit einer tieferen Männerstimme sehr gut versorgt wird. Übrigens sind MORTANIUS eigentlich nur ein Duo – die Leadgitarre wird also auch von Extern übernommen, genauer gesagt von Ollie Bernstein von OUSIODES.

Laaast Christmas, I gave you my heart…

Na, habt ihr jetzt einen Ohrwurm? Ganz zum Schluss kommt bei „Till Death Do Us Part“ genau das, worauf wir alle gewartet haben! …oder auch nicht. Das Cover von „Last Christmas“ ist auch auf dem Album drauf! Ich bin erstmal fast rückwärts vom Stuhl gefallen, weil ich den Ursprungssong an sich schon im November kaum mehr hören kann.

Aber anscheinend haben MORTANIUS Sinn für Humor! Schon bei ihren letzten EPs haben sie jeweils ein Cover mit integriert – da war es mal „Barbie Girl“ von AQUA, mal „It’s gonna be me“ von NSYNC oder „For The Longest Time“ von BILLY JOEL. Jetzt ist also WHAM! dran. Und so schlecht klingt es dann gar nicht – wenn auch ein bisschen arg langsam und schleppend. Aber das ist ja der Sinn eines Covers: Mach dein eigenes Ding draus. Und das haben MORTANIUS sehr gut gemeistert.

Nach dem kompletten Album kann ich sagen: Hohe Männerstimmen sind nicht ganz so meins, die Stimme von Flocco ist eben… besonders. Auch die Versuche, mit ungeraden Takten noch progressiver zu wirken, sind für mich nicht ganz so überzeugend und sind zwar technisch anspruchsvoll, klingen dadurch aber sehr mechanisch. Gerade die ruhigeren Stellen und natürlich auch die Gitarrensoli in geraden Takten klingen dafür unglaublich schön. Da zeigen MORTANIUS, dass Progressive Metal nicht unbedingt nur technisch bedeuten muss. Mein Favorit: der mit 17:53 Minuten überlange Titelsong „Till Death Do Us Part“. Der hat alles mit drin, was so ein langer Song braucht: Schnelle Passagen, Soli, auch mal ruhigere Stellen, und man hört den Spaß an der Musik.

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Tatsächlich bin ich mir recht uneins, was ich zum neuen Werk der Schweden, welche immer als TOOLesk oder OPETHish – auch von mir selbst – gebrandmarkt wurden, denke. Um mein Hirn zu sortieren und dich auf den neuesten Stand zu bringen also hier die Review zu „Lotus“!

Vorhang auf!

Eines vorweg: „Lotus“ ist anders als SOENs zuvor veröffentlichte Alben und wartet dennoch mit wenigen Überraschungen auf. Die zuvor erschienene Neuauflage von „Lykaia“ bescherte mir neben einem besseren Hörerlebnis dank ausgebügelter Missstände im Mixing auch drei Livesongs zum In-Erinnerung-Schwelgen. Nun wird gleich im ersten Anlauf ein ordentlicher Mix angeboten. Das wirkt sich vor allem vorteilhaft auf den Gesang aus, der sich insgesamt auch weiterentwickelt hat. Joel ‚Jogi‘ Ekelöf darf auf „Lotus“ um ein Vielfaches mehr seiner Gesangskünste zeigen. Das führt nicht nur dazu, dass das Hören mehr Spaß macht. Er macht damit auch einige emotionale Register auf, die in dieser Tiefe bisher auf SOENs Veröffentlichungen ausblieben. 

Live hat diese Band, oder genauer: dieser Sänger jedoch noch so viel mehr zu bieten. Ihn in seinem Ton und Stimmumfang eins zu eins auf Platte zu bringen, ist leider wieder nicht vollumfänglich gelungen. Das ist genau das, was ich schade finde. Aber es ist eine Entwicklung in die richtige Richtung vollzogen. Der Sänger steht nun als Speerspitze und stimmlich leuchtendes Element im Fokus des Geschehens und wirkt nicht mehr wie gefälliges Beiwerk. Besonders stark sind „Penance“ und der Titeltrack des Albums hervorzuheben. „Lotus“ markiert für mich gleichzeitig aber auch einen Negativaspekt, der sich über die Gesamtlänge des Albums manifestiert – er ist einfach mal soft.

Dank der ausgebauten Gesangsfacetten, aber auch aufgrund des Mixings dringen insgesamt mehr Emotionen durch. SOEN lassen das Klinische hinter sich. Das Songwriting ist ausgefeilter und die Gitarre bekommt Raum für dominantere Passagen. Dabei verliert sie sich aber nie in selbstverliebten Spielereien. Im Gegenteil! Die Songs sind sehr catchy, bleiben darin aber hinter starken Hooks wie denen von „Lykaia“ zurück. Und dennoch – die Melodien drehen sich herrlich ins Ohr. Mich ereilt jedoch kaum eine Überraschung während des Hörens. Viele Abläufe und Linien sind zu erahnen.

Mir fehlt da der Kick.

Mir fehlt das überraschte ‚Oh, das hätte ich jetzt so nicht erwartet!‘ oder beim dritten Hören ein ‚Huch, das ist unterschwellig doch echt verdreht geschrieben!‘. Das klingt jetzt, als wäre ich furchtbar gelangweilt. Was absolut nicht stimmt! Der Opener „Opponent“ weiß wachzurütteln, meine Aufmerksamkeit zu bündeln. Er klingt und funktioniert als Eröffnung ähnlich wie „Lykaia“s „Secterian“. Und „Covenant“ hat eine tolle songinterne Progression und Heavyness. Der Schub verläuft sich jedoch leider über die Dauer des Albums.

Viele Songs sind eher rockig als voll auf die Zwölf – und ich schwanke zwischen: ‚Boah, nee, macht mal mehr Druck‘ und ‚Ich kann mich da grad richtig gut fallen lassen‘. Die Zusammenarbeit von Bass und Schlagzeug treibt mir wiederum fast Freudentränen in die Augen. Sie ist durch die Bank weg sehr gut. Sowohl der Titelsong als auch „River“ glänzen mit tollen Gitarrensoli. Die Intonation der Leadgitarre ist nicht nur in den sehr überschaubaren Solo-Passagen hervorragend. Der Sound ist …

warm und voll, wie eine heiße Wanne nach einem Spaziergang im Winter.

Ich höre das Holz, das Metall, die Felle – die Instrumente leben, sie atmen, sie funktionieren spürbar ineinander verzahnt als Ganzes. Lopez an den Drums songdienlich und treibend. Stenberg erneut am Bass äußerst solide. Tonal und rhythmisch Schleifen ziehend, niemals gelangweilt, mit genügend Punch und Knackigkeit. Die Gitarre unaufgeregt flächig und in Lead-Passagen von warm-bluesig bis atmosphärisch-proggy, aber niemals cheesy und übertrieben. Da hat der Besetzungswechsel von Jidell zu Cody Ford keine nennenswerte Lücke gerissen. Eher im Gegenteil – möchte ich behaupten. Die Keys stützen die Atmosphären, wirken aber oft nur wie Füllmaterial, das aus Verlegenheit und zur Rechtfertigung seines Einsatzes ab und zu hervorblitzt. Da ist sicher noch Luft nach oben, Åhlund mehr Eigenständigkeit zuzugestehen. Und Ekelöf – wie gesagt – klingt um Meilen besser als zuvor und arbeitet in mehr Stimmregistern. An das Liveerlebnis kommt die Produktion dennoch nicht heran.

Nachwort:

Und was wird jetzt aus den stetig gezogenen Parallelen zu TOOL? Die sollten nun langsam meiner Meinung nach mal der Vergangenheit angehören. Oberflächlich mögen sie noch immer als Klon erscheinen. Weisen doch beide Sänger ein sehr ähnliches Timbre auf und der Bandsound ist nahezu gleich. Aber SOEN schreiben Songs, die weniger als großrahmige ‚Kunst um der Kunst Willen‘ erscheinen, wie es zugegebenermaßen bei TOOL doch oft der Fall ist. Songs, in denen sie sich zwar nach wie vor klar dem TOOLschen Handwerkszeug bedienen, hinter ihnen aber nicht (mehr) verstecken brauchen. Ihre Songs sind direkter, klarer auf Aussage und Emotion ausgearbeitet.

In einem Wort: prägnanter.

Und – was sie wohl am weitesten aus dem Schatten heraustreten lässt: Sie sind in puncto Neuerscheinungen im Moment um Einiges relevanter als TOOL. 

Der Beitrag SOEN – Aus dem Schatten erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Progressive Metal – Auch 2018 konnten bekannte Genrevertreter sowie Newcomer überzeugen.

BLACK PEAKS – „All That Divides“

Einer der letzteren waren definitiv BLACK PEAKS. Die Engländer schaffen eine innovative Mischung aus Garage Rock-Sound mit viel Progressive gewürzt. „All That Divides“ ist nach dem bereits überraschenden Debüt der Band 2016 der nächste Schritt in der sichtlichen Evolution. Ein Album, das vor Emotionen und Highlights („Can’t Sleep, Slow Seas“) nur so strotzt. Nicht ein Track erweckt den Anschein nur Filler zu sein, was auch an dem herausragenden Gesang von Will Gardner liegt, der clean und harsch sehr facettenreich klingt. Große Empfehlung für jeden, dem etwas an Progressive oder Rock liegt!

VOLA – „Applause of a Distant Crowd“

VOLA sind trotz ihrer kurzen Existenz eine Band, die als Aushängeschild des Progressive bezeichnet werden kann. Das 2016er Debüt gehört mit zu dem Besten, was das Genre liefern kann, deswegen waren die Erwartungen besonders hoch. Auch wenn der Regler an der Verzerrung und Intensität ein wenig runter gedreht wurde, ist „Applause of a Distant Crowd“ ein würdiger Nachfolger. Der eher leichtere Sound gepaart mit mehr Atmosphäre kann mich persönlich zwar nicht ganz überzeugen, doch die vielen Highlights wie die Songs „Alien Shivers“ oder der Title-Track machen die Platte zu einem Muss für Progressive-Fans, die auch nichts gegen seichtere Rock-Passagen und Synthesizer haben.

Death Metal – Death Metal und seine Nischen-Genres (Prog Death, Old School Death Metal, usw.) waren 2018 so ertragreich wie lange nicht. Die Serie an genialen Alben riss nicht ab und deswegen ist es fast schon unmöglich Nennenswertes kurz zu fassen.

1914 – „The Blind Leading the Blind“

Der erste Weltkrieg geht in unsere Geschichtsbücher als eines der dunkelsten Kapitel der Menschheit ein. Circa 17 Millionen Menschen werden entweder als Soldaten an der Front regelrecht verheizt oder fallen dem Krieg anderweitig zum Opfer. Die Gräuel und Verbrechen gegen die Menschheit bleiben glücklicherweise nie vergessen und 1914 versucht diesen düsteren Abschnitt der Geschichte mit ihrem Album zu verkörpern. Das gelingt auf allen Ebenen. Die Musik ist düster, verzerrt und dissonant. Die Samples von Kriegsaufnahmen, mit denen nicht gespart werden, bringen das Gefühl des Hässlichen und Unmenschlichen nur noch näher. Der Horror ist spürbar. Am 100. Jahrestag des Kriegendes veröffentlicht, ist „The Blind Leading the Blind“ auch außerhalb der starken musikalischen Qualitäten eine Erfahrung für sich, die den Schrecken und die Brutalität widerspiegelt.

SLUGDGE – „Esoteric Malacology“

Schleimiges Alien-Gekräusel mit Tentakeln besetzt, das beschreibt dieses Album. Volle Kanne ins Gesicht mit der Prog Death-Keule. SLUGDGEs Album gehört zu einem der vielen brillianten Releases im Progressive Death-Bereich. Wer auf vertrackte Rhythmen und tiefes Growlen steht und wem RIVER OF NIHILs Album nicht dreckig genug klang, der kann sich bestimmt hieran erfreuen.

Metal Core – Ein Genre, das mit viel generischem Wischwasch geplagt ist und leider zu selten mit wirklichen einzigartigen Bands punktet. 2018 konnte meine Vorbehalte wenigstens zum Teil ändern – mit wirklich fantastischen Releases.

SILENT PLANET – „When The End Began“

Voller Bedeutung musikalisch so wie lyrisch, hebt sich SILENT PLANET mit seinem 2018er Album vom Genre-Rest ab. Mit mitreißenden Texten, die den schwierigen Spagat zwischen kritisch-bedeutungsschwer und vorgetäuschtem Tiefgang sowie musikalischer Komplexität schaffen sitzt die Band auf dem Core-Thron für 2018. Besonders emotional wird es vor allem durch die ausdrucksstarken Vocals. Auch das Drumming so wie die Riffs sind durchdacht und abwechslungsreich.

ERRA – „Neon“

Auch wenn nicht so bedeutungsvoll wie Nummer 1, so ist „Neon“ von ERRA vor allem musikalisch alles, was guten Metalcore für mich ausmacht: catchy und doch komplex. Die Vocals sind genretypisch und nichts Besonderes. Wer sich also noch nie damit anfreunden konnte, der wird auch hiermit nicht warm. Für einen Progressive-Metal Liebhaber wie mich ist „Neon“ jedoch erstaunlich erfrischend, da die Band es schafft genügend Diversität ins Songwriting mit einzubauen.

Doom/Sludge Metal – Ähnlich wie im Death, waren die Releases für guten Doom und Sludge Metal fast endlos. Hier sind zwei meiner persönlichen Favoriten.

HAMFERD – „Támsins likam“

Begleitet von schweren und dunklen Gitarrenriffs entsteht in HAMFERDs neuestem Album, auch durch den Text der ausschließlich auf Färöisch (Färöer-Inseln) gesungen oder wahlweiße gegrowlt wird, eine melancholische Atmosphäre. Über die 43 Minuten fängt die Doom-Scheibe den Hörer komplett ein. Komposition und Sound-Production auf hohem Level!

MESSA – „Feast for Water“

Frauenstimmen sind im Doom immer öfter zu hören und MESSA zeigen uns 2018, wieso. Mit fast schon Jazz-Lounge Atmosphäre und mehreren Genreeinflüssen zaubert die Band eine Wand aus Fuzz-Gitarren, schrägen Lead-Parts und schwebendem Gesang. Wer Lust auf Doom mit Avantgarde Feeling hat, der kommt hier in seinen Genuss!

Black Metal – Auch die dunklen Mächte des Black Metal hatten 2018 einiges an Nachwuchs vorzuweisen.

GAEREA – „Unsettling Whispers“

Die Portugiesen schafft mit diesem Album ein erstaunlich erfrischendes Werk an Black Metal, das sich auch traut über Genre-Konventionen zu gehen. Ungefilterte Aggression trifft auf intelligentes Songwriting, das mit dissonanten Melodien und hypnotisierenden Riffs punktet. Authentisch, ehrlich und vor allem wahrhaft böse.

DEAFHEAVEN – „Ordinary Corrupt Human Love“

Trve Black-Fans aufgepasst! Dieses Album treibt Puristen an den Rand der Verzweiflung. Post Black/Blackgaze-Band DEAFHEAVEN haben sich bereits einen Namen in der Szene gemacht, sei es für ihr Image oder den unkonventionellen Black Metal. Das, was Hardcore-Fans übel aufstößt, zaubert 2018 vielen Post Black-Anhängern ein Lächeln aufs Gesicht. Denn die Band schafft es Black Metal so warm und künstlerisch wie selten zu präsentieren.

ENEFERENS – „The Bleakness of Our Constant“

Mit einem der besten Post Black-Alben der vergangenen Jahre gelingt dem Solo-Künstler Jori Apedaileman der Durchbruch in die Endjahreslisten vieler Connaisseure. Mit einem Sinn für bewegende Melodien entsteht durch Vermischung verschiedener Genremerkmale (namentlich Doom, Atmo Black, Post Black) ein einzigartiges Erlebnis. Emotional, fast schon depressiv mit viel Gewicht. Licht aus, Musik an!

IHSAHN – „Amr“

Kaum ein Künstler ist so ikonisch im Black Metal wie IHSAHN. Von der Zeit mit einer der erfolgreichsten Band des Blacks (EMPEROR) zu einer nicht weniger starken Solo-Karriere. Mit dem gewissen Etwas aus Progressive, Avantgarde, Pop und Electro kreiert IHSAHN erneut anspruchsvollen und vor allem unkonventionellen Black Metal, auch wenn Genredefinitionen hier wie stumpfes In-Schubladen-Stecken wirkt und teils unmöglich ist. Dafür wird auch 2018 gesorgt und das auf geniale Weise.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Paul

Der Beitrag Pauls Retrospect 2018 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Phanerozoikum! Wie bitte? Paläozoikum! Gesundheit?!

Was sich im ersten Moment nach stinklangweiligem Geographie-Unterricht anhört, ist auf den genaueren Blick mehr als nur Äon und Ära der Entwicklung unseres blauen Planten. Das Lineup-Karussel um Gitarrist und Songwriter Robin Staps THE OCEAN tauft ihr neuestes Konzept-Album nach einem Erdzeitalter und führt damit auch die Reihe von wissenschaftlich angehauchten Konzept-Alben weiter. Damit hat sich die Post/Progressive-Metal Band, deren Sound von schweren Riffs und symphonischen Elementen wie Streichinstrumente und Synths geprägt ist, bereits einen Namen gemacht. Wer sich in die Story der Lyrics einarbeiten möchte und solch ungewöhnliche Songtitel wie „Ordovicium: The Glaciation of Gondwana“ verstehen will, muss durchaus gründlich recherchieren. Das beweist erneut, wie ausgearbeitet und mit Leidenschaft die Band die Alben und das jeweilige Konzept angeht, auch weil es scheint, als esse Robin Staps ein Lexikon zum Frühstück.

Doch wie sehr kann der Nachfolger des Albums „Pelagial“ überzeugen, das immerhin oft als Meisterwerk in den Progressive Metal-Kreisen gelobt wird?

Spoiler: Erstaunlich gut!

Der Zuhörer wird hier über die gesamte Laufzeit von einer Welle an brachialen Riffs, kalten Synths und kraftvollem Gesang überrollt. Ausschlaggebend ist hierfür vor allem der perfekt abgestimmte Mix und die kristallklare Produktion, die das Album zum wirklichen Hörgenuss über die Lautsprecher machen. Hinter der Komposition der einzelnen Songs und dem insgesamten Hörfluss steckt viel Köpfchen. Somit werden die Sludge/Post-Metal-artigen Gitarrenparts immer im richtigen Moment von ruhigeren Passagen abgelöst. Diese erzeugen mit Streichinstrumenten und anderen Tricks emotionale Tiefe. Auch das Piano kommt in diesen Passagen deutlich zum Ausdruck, wie zum Beispiel am Ende von „Silurian“. Dadurch wird grandios Atmosphäre aufgebaut.

Der Fluss und die zusammenhängende Geschichte wirken so durchdacht und nahtlos, dass man selbst beim fünften Durchlauf Probleme hat, einzelne Songs zu bestimmen. Dadurch wird das Album nicht nur im Bezug auf das  Konzept eine Reise durch die Erdgeschichte. Der Zuhörer wird von der Musik quasi wie Wasser von einem Schwamm aufgesaugt! Dazu trägt jedes der Bandmitglied mit seinen eigenen Qualitäten bei. Allem voran Paul Seidels Arbeit am Schlagzeug ist über die gesamte Laufzeit erfrischend. Hier gelingt definitiv der Spagat zwischen Begleitung und Solo-Instrument.

Beim ersten Mal ein wenig unbeeindruckt von den Riffs, klatschte mir beim zweiten Durchlauf die Offenbarung quasi ins Gesicht. Druckvoll, schwer und fett legen diese zwar nicht überaus komplexen, aber klug ausgearbeiteten Riffs zusammen mit dem stark abgemischten Bass das musikalische Fundament, das nur so vor Emotion und Power trieft.

Um das Ganze musikalisch jetzt noch auf das nächste Level zu bringen, tun Rossettis Vocals ihr Übriges. Die kommen sowohl clean als auch harsch und in jeder Tonhöhe wunderbar zum Ausdruck. Auch Gastsänger Jonas Renkse vom Genre-Kollegen KATATONIA hört sich an, als wäre er seit Jahren in der Band.

Perfekte Wahl für den entsprechenden Song!

Obwohl jeder einzelne Titel auf seine eigene Art überzeugt, sind „Devonian“ oder „Permian: The Great Dying“ sowie der Opening Track für mich als Highlights hervorzuheben! Einziger Kritikpunkt ist eventuell die relativ kurze Laufzeit von nur 47 Minuten. Dieses Problem sollte jedoch gelöst werden, sobald 2019/2020 der nächste Teil („Phanerozoic II“) der uns präsentierten Geschichte erscheint. Außerdem heißt es doch so schön: „Qualität über Quantität!“

THE OCEAN sind zwischen Weihnachten und Silvester in Deutschland auf Tour. Hier kannst du sie erleben:

27. Dezember 2018 – Rostock
28. Dezember 2018 – Jena
29. Dezember 2018 – Nürnberg
30. Dezember 2018 – Berlin

Zur Webseite der Band geht’s hier.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Paul

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