Über 3 Jahre ist es nun her, seit VOLA mich Coreknaben mit ihrem letzten Album „Witness“ komplett umgepustet haben. Und doch fühlt es sich an, als wäre es gestern gewesen. Warum? Weil ich das Album nach wie vor regelmäßig höre und es dadurch einfach permanent aktuell ist. Nun erscheint am 1. November der Nachfolger „Friend Of A Phantom“ und nach den starken Vorabsingles könnte meine Spannung kaum größer sein. 

FÜGT ZUSAMMEN, WAS ZUSAMMEN GEHÖRT

Die Band entdeckt hatte ich – wie hier im Review zu „Witness“ geschrieben – 2021 durch einen Instapost von IN FLAMES Sänger Anders. Wie sehr sich das nun gefügt hat, konnte man bei der Single „Cannibal“ bestaunen. VOLA sehen IN FLAMES als großen Einfluss und Anders mag die Band. Was liegt da also näher, als ein Feature? Eben! Dass dieser extra von Schweden nach Dänemark gereist ist, um im Video mitzuwirken untermauert diese Symbiose. Bis dahin gab es aber auch schon 3 grandiose Singles, die bereits zeigten, dass auch „Friend Of A Phantom“ wieder eine spannende Reise werden wird. 

Von besagten Singles hatte es mir „I Don’t Know How We Got Here“ besonders angetan, denn der Song spielt so schön mit den Erwartungen des Hörers, bleibt allerdings stets auf einem eher ruhigen Level. Ein schöner Kontrast zu den schweren Riffs und flinken Beats eines beispielsweise „Break My Lying Tongue“, welches aber mit einer elektronischen Leadmelodie aufwartet, die sich ins Ohr bohrt. Genau diese Mixturen haben mich vor 3 Jahren an VOLA gefesselt. Und genau diese Mixturen wurden auf dem Nachfolger nochmal um einige Schaufeln angehäuft. 

Zugegeben, ich war skeptisch, ob mich auch dieses Album so aus den Latschen hauen würde. Aber was soll ich sagen? Ja verdammt, das tut es gar sehr! Kein Song fühlt sich deplatziert an, nichts unpassend oder too much, nein – auch hier stimmt wieder alles. Es gibt wieder Ohrwürmer noch und nöcher, und es gibt erneut diese ganz besonderen Überraschungen. Und davon reichlich. Wurmbeispiel gefällig? – „Bleed Out“. Und das war schon schwer auszusuchen. Ok, noch eins – „We Will Not Dispand“. Dann gibt es dem gegenüber diese ruhigen Momente, diese Songs, die einen gefangen nehmen und nicht mehr loslassen. Da muss es nicht rumsen, da gibt’s einfach nur Erpelkutte überall. Beispiel gefällig? – „Tray“. Noch eins? – „Glass Mannequin“. Ihr merkt schon, ich bin wieder hin und weg… 

Wie soll man ein Album beschreiben, das die Erwartungen aufgrund seines überragenden Vorgängers so erfüllt und übertrifft? Was soll man da sagen? Fantastische Produktion, atmosphärische Sounds wohin man auch hört, ein Sänger, der das alles trägt, als hätte er nie etwas anderes getan? Ist dies hier alles vorhanden? Na, was denkt ihr denn?! Ich bewege mich hier eigentlich immer auf meinen vertrauten Corepfaden, finde auch sonst nicht solch ausgefeilte Bands, wie eben VOLA im Prog, aber was die Herren abliefern (schon wieder!), macht mich einfach nur sprachlos und überglücklich. „Friend Of A Phantom“ ist genau so ein Album, das man am besten abgeschottet von äußerlichen Einflüssen mit Kopfhörern genießen sollte. Ich verspreche euch, ihr werdet immer wieder neue Details entdecken.

Und wenn ihr damit fertig seid, gibt es genau 2 Möglichkeiten:

• entweder nochmal von vorn, oder
• direkt „Witness“ hinterher.

Chapéu! 

Die Band geht auch pünktlich zum Release auf Europatour, hier gibt’s mal alle Infos. Man, was würde ich gern dahin, aber nix passt terminlich  

 

 

 

 

 

 

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Offizielle Website

Promomaterial in freundlicher Zusammenarbeit mit Mascot Records. 

Der Beitrag VOLA und die Freunde des Phantoms erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Eine der wenigen, in der Popkultur regelmäßig verlässlich verwursteten Storys ist die, dass irgendeine Künstliche Intelligenz ein Eigenleben entwickelt und droht die Menschheit zu vernichten. Die Thematik kennen ältere Semester noch aus Filmen wie Matrix oder Terminator. Jüngere Semester haben zumindest schonmal mit irgendeinem KI Tool irgendeine absurde Bildcollage erstellt, aber von einem Bedrohungszenario durch KI sind wir noch weit entfernt. Oder!? Zumindest die Mainzer Progressive Metalcore-Band MONOSPHERE scheint KI eher weniger über den Weg zu trauen und hat dabei mit „Sentience“ ein dickes Brett abgeliefert, bei dem mehr Genres abwechselnd bedient werden, als auf dem Highfield Festival.

MENSCH GEGEN MASCHINE

Übersetzt man Sentience ins Deutsche erhält man soviel wie Empfindung. Rein inhaltlich wird dahingehend auf besagte KI abgestellt, die scheinbar ein eigenes Empfinden entwickelt und sich dabei aus der vorgegebenen Programmierung befreien will. Vielleicht ist das aber auch nur eine Metapher für Menschen, die aus ihrer sozialen Programmierung ausbrechen wollen? Oder es lässt sich wie bei der Matrix-Triologie eine Sowohl als auch Interpretation anführen, bei der sowohl eine KI die Menschheit als Energiequelle missbraucht und die Emanzipation der Menschen von dieser KI eben auch als Metapher für das Hinterfragen gesellschaftlicher Normen betrachtet werden kann? Nun, was genau uns die fünf Rheinland-Pfälzer sagen wollen – darüber kannst du dir ausführlich beim Empfinden der Musik Gedanken machen, wenn du dir die 54 Minuten der Platte gibst. „Sentience“ ist damit auch deutlich länger als das Vorgängeralbum „The Puppeteer“ von 2021.

ALLES FLIEßT ZUSAMMEN

Bei „Sentience“ lässt sich ohne weiteres sagen, dass der Genre-Stilbruch die Philosophie beim Songwriting gewesen sein muss. Doch von Chaos kann dabei keine Rede sein, da alle Genre und Instrumente harmonisch ineinandergreifen. Egal ob Akustikgitarre, Orgel oder Choreinlage – egal ob schnell oder gemütlich. Der energetische und düstere Post-Metal geht mit den Post Hardcore oder Jazzpassagen („Living Flame“) und derben Breakdowngewitter oder Deathcore Gutturals („Smoke & Wires“) Hand in Hand und der Sound rutscht dabei nie in die dissonante Mathcore-Schiene ab, etwa im Song „Human Disguise“. Musst also „leider“ weiterhin deine alten THE DILLINGER ESCAPE PLAN Scheiben hören. Besonders gut gefallen hat mir der Song „Ava“, der von der Songstruktur sehr an die Andorraner von PERSEFONE erinnert. MONOSPHERE verstehen es geschickt gesetzte Übergänge zwischen den Songs zu setzen, sodass ein stimmiges Gesamtbild die Gehörgänge massiert.

Der avantgardistische Anspruch der Mainzer lässt sich aber nicht nur an der harmonischen Gesamtwirkung ablesen, sondern auch an dem, was man in den einzelnen Genrephasen musikalisch durchlebt. Anders gesagt: es gelingt wenig Bands derart atmosphärisch düstere und heitere Momente zu kombinieren ohne das es nach 00er Myspace-Metalcore by Studioforce klingt. Während du in dem einen Moment noch akustisch auf einer jazzigen Dinnerparty entspannst, bist du im nächsten Moment im Auge eines den Himmel dunkelschwarz färbenden Herbststurms. Der Sound ist also sowohl technisch, kalt, brachial und dann auch wieder ruhig und sanftmütig. Los geht es mit „Preface“ – einem ruhig und Piano-untermalten Introsong, der nach vier Minuten in „Borderline Syndrom“ übergeht und sich hier die geballte Metalcore-Wut entlädt, begleitet von Synthklängen. Gleichzeitig wird eine durch Blastbeats, die an MENTAL CRUELTY erinnern, erzeugte Soundwand hochgezogen, die mit kräftigen Schouting und Leersaitensport gestützt wird. Nach weiteren drei Minuten ist man aber plötzlich auf besagter Dinnerparty. Muss aber ja auch so sein bei einer Band die sich im Progressive Metal angesiedelt hat.

Wenn Prog für dich Life ist, dann ist „Sentience“ für dich Pflicht!

• Als Gast für euch getippt: Dennis

monosphere.net

Der Beitrag MONOSPHERE – Zwischen Dinnerparty und Weltuntergang erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Ich hatte es bereits beim Musicfriday #27 erwähnt, kürzlich bin ich durch einen Instapost von IN FLAMES-Sänger Anders über die Band VOLA gestolpert. Sozusagen habe ich mich influencen lassen. Die Einen eben Schminke und LEDs für die Kauleiste, die Anderen Musik.  Jedenfalls hatte mich die Band aus Dänemark/Schweden sofort in ihren Bann gezogen. Am 21. Mai erscheint mit „Witness“ nun ihr drittes Album, in das ich vorab reinhören durfte. 

NICHT VON DIESER WELT

Nachdem besagtes Influencing stattgefunden hat, hab ich mich zunächst durch die beiden vergangenen Alben gehört. Da war mir eigentlich schon klar, dass das zwar für meinen regulären Musikgeschmack irgendwie völlig untypisch ist, mich aber komplett gefangen nimmt. Größter Unterschied zu meinen Playlists: praktisch keine Screams oder sonstwie aggressive Parts. Stattdessen cleane Vocals und Melodien, die nicht von dieser Welt zu sein scheinen. Die aktuellen 4 Singles, allen voran „These Black Claws“ haben diese Faszination nochmals eine Stufe gehoben. Gerade weil dieser Song so kreativ und abwechslungsreich daherkommt und mit Shahmen einen Rap-Gastpart beinhaltet. Der Mann ist mir zwar völlig unbekannt, fügt sich in den Song aber durchaus stimmungsvoll ein. Was die Nummer aber besonders mitreißend macht, ist der nahezu epische Chorus, der den perfekten Kontrast bildet. Wer da nicht wenigstens große Augen macht, sollte wohl doch eher das Genre wechseln. 

Der blonde Mann, der hier so in die Kamera grinst, ist übrigens Frontmann und Sänger Asger. Seine Stimme verleiht jedem, der insgesamt 9 Songs eine weitere markante Note. Denn er hat eine Art zu singen, mit der er die Geschichten beinahe verträumt zum Leben erweckt. Apropos Geschichten, denn diese sind zentrales Thema auf „Witness“. Hier werden Charaktere erschaffen, die sich als Zeugen großer Veränderungen verstehen. Die Themen sind dazu weitreichend. Ich ziehe da filmische Bezüge, denn beim Hören der Musik fühle ich mich praktisch durchgängig in einer anderen Welt. Für mich stellt dieses Gefühl den Reiz von VOLA dar, denn auch auf den anderen zwei Alben bekomme ich diese Stimmung. Auf „Witness“ allerdings noch ausgefeilter und detailreicher als bisher.

Jeder einzelne Song punktet mit Sounds, Details und Melodien, die den Hörer auf die gewollte Reise mitnehmen. Das passiert meist mit starken Riffs und kräftigen Drums wie in „Napalm“, kann aber auch mal auf einer ganz ruhigen Ebene stattfinden, wie bei „Freak“. Dieses ist teilweise praktisch nur akustisch, steigert sich aber auch nochmal und spielt mit elektronischen Fetzen, die den Sound der Band generell ergänzen. Von den wunderschönen Gitarrensoli mal ganz abgesehen. Alles in allem kann ich den Stil von VOLA wirklich nicht genau einordnen, und das ist auch das Besondere. Was ich aber sagen kann: Wenn ich vom Sound einer Band so gefangen genommen werde, kann ich auch gut und gern auf Screams und Breakdowns verzichten, das ist im wahrsten Sinne des Wortes ganz großes Kino! 

Und weil „These Black Claws“ schon im Musicfriday war, und es praktisch vollkommen egal ist, welchen Song ich jetzt hier hin stelle, gibt es jetzt „Straight Lines“. Auch weil es mich persönlich noch zusätzlich durch das Video berührt:

Danke an Euroblast für den freundlichen Kontakt! 

VOLA

Bock auf Mehr von VOLA?

Live-Review der Tour mit HAKEN

VOLA-Interview beim Euroblast

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Finnland – Land der tausend(en) ……… Metal-Bands

Dass Finnland eine der ultimativen Hochburgen für metallische Qualitätsware ist, sollte szeneintern bekannt sein.  Über Genregrenzen des Old School/Melodic Death, Folk/Pagan/Viking, Melodic Power und Black Metals hinweg setzten über Jahrzehnte hinweg unzählige Bands aus dem Land der tausend Seen internationale Standards für die härteste Tonkunst dieses Planetens. Besonders der Black Metal, welcher von diesem Erdenfleck kommt, trumpft immer wieder in einer den dortigen klimatischen Verhältnissen entsprechenden besonders rohen, aggressiven, frostigen und urwüchsigen Machart auf.  Die passionierten Blasphemiker um bspw. SARGEIST, HORNA, ARCHGOAT, IMPALED NAZARENE, BEHERIT und BEHEXEN gelten in tiefschwarzgetränkten Hörerkreisen als Inbegriff für dogmatischen Akustikterror der Extraklasse. Einfach laut aufdrehen und jeder gutbürgerliche Volksmusik-Romantiker-Nachbar rennt wimmernd und schweißgetränkt aus der mit Kuckucksuhren übersäten Wohnung und vergisst, angesichts seines Schocks, gar die Telefonnummer der Polizei oder der örtlichen Irrenanstalt, welche er eigentlich kontaktieren wollte. Doch genug der Stereotypen forcierenden und übertreibenden Anektoden.

Progressive Grüße aus Norwegen?

Black Metal mit progressiven Elementen, sphärischen, einprägsamen Melodien, beschaulichem Klargesang und/oder erhabenen tranceartigen Genussmomenten ist dagegen seltener in Finnland beheimatet. Die Platzhirsche aus diesem Segment stammen prioritär aus Norwegen und tragen weitreichend bekannte Namen wie BORKNAGAR, VINTERSORG, CRONIAN, ARCTURUS, ICS VORTEX, IHSAHN oder SOLEFALD. Als konkurrenzfähiges Gegenangebot möchte ich euch heute das neue und damit dritte Vollwerk des aus Tampere stammenden Sextetts VORNA vorstellen. Ja, richtig, mit „V“ und nicht mit „H“.  Wie schon auf den beiden Vorgängeralben wurden alle Tracks, sowie auch der Albumtitel „Sateet Palata Saavat“ in ihrer Heimatsprache verfasst. Nach einer kurzen dürftigen Recherche bedeutet der Titel anscheinend so viel wie „Der Regen kehrt zurück“. (Um kompetente Verbesserungsvorschläge wäre ich euch sehr verbunden). Während meines ersten Hördurchlaufes bin ich zwar nicht in einen Freudentränenschauer ausgebrochen, trotzdem kann ich der Platte von Beginn an eine magnifizierende Aura zuschreiben, welche sich wohldosiert über ihren gesamten Verlauf ausbreitet.

Ein brillianter Auftakt

Gemächlich eröffnet das Intro „Ylle Kaartuvat“  einen idyllisch-apokalyptischen Sonnenaufgang, welcher gegen Mitte der Laufzeit mittels erhabenen Bläserinterventionen marschartig das anstehende Geschehen andeutet. Aufbruchartig, frisch und interessefördernd läutet dann „Toinen“ ein. Melodisch erklingen die Gitarrenriffs, dazu gesellt sich eine altbekannte, im leichten finnischen Dialekt verortete Krächzstimme. Symphonische Elemente schmiegen sich sacht an, während glockenartige Klänge und modern-rockige kurze Riffintervalle für Progressivität sorgen. 

Ebenso melodiös schreiten VORNA mit „Syvyydet“ fort.  Wieder gelingt mit den symphonischen und glockenartigen Elementen eine optimale Mixtur-Gradwanderung, sodass sich die Weite der finnischen Natur förmlich vor einem ausbreitet. Der anschließende Part mit baritonalem Klargesang sorgt für ein kurzes, weniger traditionelles oder folkloristisches, sondern eher melancholisch-jazziges Zeitfensters des nachdenklichen Versunkenseins ohne schmalzig oder übertheatralisch zu wirken, bevor die tragende gutturale Stimme in Verschmelzung mit der Melodie wieder die gewünschte Härte ins Gesamtbild des Songs einbringt. Die beiden Parts wiederholen sich ein bis zweimal, bevor die Bridge in die letzte höhepunktbringende Strophe überleitet.  

Von Progressive Black zu Post Black Metal ?!?

In  „Sydäntalven puut“  werden VORNA im Folgenden wuchtiger, aber noch eingängiger und nachdenklicher, wobei in den Strophen die Glockenspiele klarer zum Vorschein kommen. Im Titel „Aalloista“ sorgen ein schon sphärisches, „drumgespicktes“ Intro mit anschließenden post- und doom-lastigen Riffs und der cleanen Halbsprechgesang-Stimme aus „Syvyydet“ endgültig für eine spirituelle Teleportation in die finnische Tundra. Aus der Ferne winken uns durch „klingelnde“, intervallartige Post-Black-Metal Riffs DYNFARI, SORROW PLAGUES, CUSCUTA und ECHOES OF THE MOON kurz zu. (Wer die Bands kennt bzw. allgemein gern Atmospheric Post Black Metal hört, wird sicherlich wissen, was ich damit meine.)

Trotzdem verkennen die Herren in diesem Song nicht ihren Stil. Das finnische Flair schwingt immer noch in jeder Note mit. BORKNAGAR und VINTERSORG, aber auch nicht zuletzt INSOMNIUM und WINTERSUN haben hier definitiv ihre Fußstapfen im meterhohen Pappschnee hinterlassen. Choral und erhaben kommt der Track zum Ende und vollzieht einen homogenen, aber gebundenen Übergang zum nächsten Track, welcher symphonisch und wieder hochmelodiös auftritt. Spätestens ab „Virvatulet“ zeigt sich jedoch die Schwachstelle des Albums, wie sie wohl in mindestens 95% aller Alben auftritt. Das Konzept beginnt sich, zwar immer noch auf hohem Niveau befindend, fest zu fahren. Man hat das Gefühl, alles schon gehört zu haben.  Nichtsdestotrotz behält „Sateet Palata Saavat“ bis zum Schluss die Kondition. Lediglich der letzte Track „Kauas“  missfällt mir ein wenig.

Kompetenzfortschritt durch musikalischen Fortschritt?

Die beiden Vorgängeralben „Ajastaika“ (2013) und „Ei Valo Minua Seuraa“ (2015) gaben schon ein hohes Niveau für „Sateet Palata Saavat“ vor. Ebenso vor Melodiösität und symphonischen Arrangements strotzend, waren diese Werke noch paganer und eine Idee traditioneller und eben nicht so progressiv und modern aufgestellt. In „Ajastaika“ hört man sogar stellenweise noch ein akkordeonartiges Instrument. „Sateet Palata Saavat“ klingt eben im Vergleich etwas abgewandelter sowie experimentierfreudiger, aber definitiv nicht schlechter. Andernfalls kann ich mich auch nicht recht für eine explizite Steigerung ihres musikalischen Niveaus aussprechen, was allerdings damit zusammenhängt, dass ihre Tonkunst bis dato schon auf einem sehr hohen Level angesiedelt war. Hervorzuheben ist jedoch, dass m.E. Vesa, dem Sänger der Truppe die (zurückgewonnene) episodische Tiefe im gutturalen Gesang ziemlich gut steht.

Der Beitrag VORNA – Schon wieder Finnland! erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Bevor HEROD den Reigen eröffnet, wird geplaudert und Merch begutachtet. Es herrscht eine schön entspannte Atmosphäre und die Deckenballons strahlen ein kühles blaues Licht ab. Als die Band dann die Bühne betritt, wird klar: HEROD stellen neben einem Drummer gleich mal drei Gitarren. Was ergibt das? Klar!

Endlos dicken Sound!

Ich fotografiere zunächst vor mich hin und packe nach den ersten drei Songs die Kamera weg und horche, was es zu horchen gibt. HEROD rumpeln und walzen was das Zeug hält. Der Wechsel zwischen harschem Gesang und cleanen, sogar zweistimmigen, Passagen gelingt mühelos. Ich würde die Band als gleichsam postig und chaotisch beschrieben. Denn neben dem Schreien der Instrumente und Stimme wird immerhin auch mal Luft für niederrollende Klangflächen gelassen.

Die Gitarren stellen eigentlich nur Wand, durch die sich Dissonanzen wie Risse durch Putz ziehen. Für etwas Abwechslung sorgen eingestreute Taktverschiebungen, die mich immer mal aufhorchen lassen. Drumrum wabert alles, drückt und walzt mit ausreichend Sludge-Anteil durch die Halle. So träge die Musik auch ist, auf der Bühne herrscht viel Bewegung. Die Instrumente werden munter herumgewirbelt. Nach einer dreiviertel Stunde und gefühlten fünf Songs ist auch schon wieder Schluss mit ihrer Performance.

Aus der Konserve würde ich mir das, was HEROD hier auftafeln, weniger anhören, denk ich. Aber live funktioniert das für mich ganz gut. Bei Gelegenheit würde ich sie mir bestimmt noch einmal anschauen.

DOWNFALL OF GAIA

Now to tonight’s pos(t)er-boys! Ja, ganz offensichtich werden diese Jungs von einigen im Publikum vorfreudig erwartet. Vor der Bühne beginnt es langsam eng zu werden. Und als sie loslegen ist von Ton Eins anklar, dass hier Black Metal die Mutter des Gedanken – äh, ich meine natürlich: der Musik – ist.

Im Prinzip kann ich es so umschreiben: Ordentliches Geballer und Schrot verpackt in schwebende, postige Sphären, die zum Träumen einladen. Ich drifte gedanklich ab… Aber nicht, weil ich so gefangen bin, in dem, was dort vorn passiert. Die Musik weiß mich leider wieder nicht so richtig zu packen. Schade! Der krächzende Gesang ist recht eintönig und entspricht in seiner Monotonie nicht so ganz meinem Geschmack. Ab und an reißt es mich doch aus meiner Trance, wenn der Schlagzeuger ein paar frickelige Finessen in sein präzises Spiel einbaut. Mann, ist der eine Maschine! Generell ist auf technischer Ebene nichts an den Jungs auszusetzen. Sie feiern sich selbst sichtlich auf der Bühne ab. Aber sie machen mich eben überhaupt nicht neugierig.

Schön, dass ich mich in dieser Halle an der Seite auf Podeste stellen und sowohl Publikum als auch Bands gut beobachten kann. Ich frage mich, ob ich nur den Eindruck habe oder das Publikum doch etwas gespalten ist. Dass die einen vielleicht für DOWNFALL OF GAIA und die anderen für THE OCEAN hier sind. Da mich die einen so gar nicht ansprechen und die anderen sehr hoch im Kurs stehen, liegt für mich der Schluss nahe, dass ich mit dieser Empfindung vielleicht gar nicht so alleine bin. Ich kann mir momentan noch nicht vorstellen, dass diejenigen, die für THE OCEAN hergekommen sind, auch DOWNFALL OF GAIA abfeiern. (Spoiler: Dass dieses abendliche Bandkonglomerat doch irgendwie ganz gut zusammenpasst, werde ich später merken.)

Ich schaue mir das Spektakel für die letzten drei Songs also von einem Podest aus an. Für den letzten Song darf dann auch mal der Gitarrist an den Gesang und schwupps – da ist er doch! „Of Withering Violet Leaves“, der Song, der – für mich im Bandsound recht Unbewanderte – ganz anders klingt als der Rest. Einfach nur dank zweier, verschieden eingesetzter Stimmlagen und -stilistiken.

THE OCEAN

Pünktlich 22 Uhr endet die Show der Band und 22:15 Uhr, genauso pünktlich, beginnen THE OCEAN ihre von mir heiß ersehnte Performance. Recht erwartbar beginnen sie ihr Set mit den Opener-Werken des aktuellen Albums „Cambrian“ und „Ordovicium“. So häufig, wie selbiges in den letzten Wochen bei mir rotierte, fühlt es sich wie Heimkommen an. Ein warmer Empfang. Das Set hat viel vom neuen Album, wartet aber auch mit älteren Stücken auf. Mit den folgenden Songs grasen sie dann einen Teil ihrer Diskographie in umgekehrt chronologischer Reihenfolge ab. Dafür wurden aber natürlich nur die Hits ausgewählt! „Let them Believe“, „Firmament“ und „Statherian“ folgen aufeinander, nur durchbrochen von „Silurian“. Als letzter Song des Haupt-Sets haben THE OCEAN „Permian“ gewählt und mir damit eine ganz besondere Freude gemacht.

Die Band legt ordentlich los und überrascht mich mit ihrem atemberaubenden Föhn. Ja, ich hätte nicht gedacht, dass THE OCEAN live so wuchtig sein können – oder eher: sind. Dabei sind sie aber deutlich vielschichtiger als DOWNFALL OF GAIA. Es entwickelt sich ein dicker, walzender Sound, immer wieder gespickt mit befreienden Atempausen. Die Drums sind klar und durchsetzungsfähig. Und es werden Rhythmusspielereien auf allen Ebenen eingebaut. Das Angenehme daran: Diese sind nicht verwirrend und reißen mich voll aus dem Drive. Nein, sie sind fein in das große Ganze eingewoben. Ebenfalls erwähnenswert ist, wie wunderbar dynamisch die Band spielt. Es gibt genug Abstufungen zwischen laut und leise, die den Songs eine angenehme Spannung verpassen. Und ausgiebige Instrumentalpassagen geben der Musik erst den Raum, ihre Atmosphäre komplett zu entfalten.

Ich gebe zu: Ich bin verzaubert.

Schön zu beobachten ist die ausgiebige Interaktion mit dem Publikum. Vor allem der Sänger baut aktiv eine Verbindung auf. Mit seinem Stage Diving-Versuch scheitert er dennoch – leider! Er weiß es jedoch zu überspielen und nimmt es sichtlich mit Humor. Die Band ist auch die einzige des Abends, welche die Podeste vor der Bühne nutzt und damit quasi im Publikum steht. Dieses gibt sich gelöst und freudig, schüttelt fleißig das Haupthaar und ist sogar beeindruckend textsicher. Die Stimme des Sängers schallt rau und harsch, fast core-ig durch die Halle. Und dennoch ist sie angenehm hörbar und facettenreich. Und es fällt mir auf: THE OCEAN sind doch gar nicht so spartig und abgefreakt, wie ich sie in den vergangenen Jahren in meinem Hinterkopf abgelegt habe. Sie tragen ein Hit-Potenzial in ihren Songs, das ich bislang unterschätzt habe. 

Da das aktuelle Album zugegebenermaßen das einzige Material ist, was ich aktuell von THE OCEAN im Hinterkopf habe und ich jetzt doch etwas neugierig bin auf das ältere Zeug, nehme ich mir vor, das auch dringend mal (wieder) intensiver zu hören.

Nachdem also „Permian“ verklungen ist und ich in Seligkeit vor mich hin schwebe, lassen es sich die Jungs nicht nehmen, noch einen passablen Nachtisch zu servieren. Gleich mal drei Songs von „Pelagial“ gönnen sie dem schmachtenden Publikum und mir. Die Show schließen sie mit der Sludge-Keule „Benthic“ und beweisen damit ganz prägnant, dass sie sowohl frickelig und komplex als auch langsam, getragen und mit exorbitant dicken Eiern können.

Tja, was bleibt mir zu sagen? Letztendlich erschließt es sich mir doch, wieso die Bands zusammen touren. Ich sehe, dass sie alle sehr postige, mächtige, gewaltige, ausladende und walzende Musik spielen. Mehr oder weniger frickelig. Und mit verschiedenen Einflüssen. Helden des Abends sind für mich ganz eindeutig THE OCEAN. Mit DOWNFALL OF GAIA kann ich immer noch nichts anfangen. Und HEROD? Würde ich bei Gelegenheit noch einmal anschauen und erneut versuchen einzuschätzen. Insgesamt sind sie doch so zu dritt gesehen ein gelungenes Paket. Mit den Worten von Käufern und Verkäufern diverser Internetplattformen: „Top! Gern wieder!“

Der Beitrag THE OCEAN in Leipzig – Raffinierte Prog-Walze erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Djent, oh Djent! Wie sehr ich dich für dein tiefes Gitarrenbrummen und vertrackte Rhythmusspielereien schätze. Bands wie Djent-Pioniere MESHUGGAH und experimentelle Newcomer wie die Dänen von VOLA zählen längst zu meinen Lieblingsbands. Aufgestiegen zu einem der bekanntesten Metal-Genres ist es vor allem für modernere Bands ein Anlaufpunkt. Doch Djent hat ein massives Problem: Überfüllt mit generischen Bands, die eine mehr Copycat als die andere, bei denen der Djent-Sound als einziges Merkmal hervorsteht. Eine sonst leere Hülle, die nicht viel mehr als den selben bekannten Mist bieten kann.

Generisches Djent-Geschrubbe?

Da sich solche pauschalen Aussagen natürlich nie auf das Gesamte beziehen, wecken manche Bands stets Hoffnung. Deswegen steht hier jetzt zur Frage, wo sich KADINJA und ihr neuestes Werk „Super 90“ einordnen.

Eins steht schon von Anfang an fest: Die Instrumentalisten der französischen Djent/Progressive-Metal Band haben ganz schön was zu präsentieren. Technisch anspruchsvolle Riffs, dissonante Melodien und komplexe Rhythmen beweisen das wiederholte Male. Das führt dazu, dass viele Momente zum Headbangen einladen. Songs wie „Icon“ oder „The Right Escape“ liefern im Gesamtpaket ein gutes Bild ab.

Doch leider ist man beim neusten Album von KADINJA zu früh fertig mit dem Pro und viel zu schnell beim Contra. Schuld daran ist vor allem die abwechslungslose Songstruktur, die oft einem absehbaren Verlauf von Djent-Verse, Clean Chorus, Zwischenstück mit leichten Melodien und ab und an noch einem Breakdown folgt. Weil viele Songs sich nicht voneinander abheben können, hat man nach kurzer Zeit das Gefühl durch den immer gleichen Sumpf aus Djent-Geräuschen und unorthodoxen Rhythmen gepaart mit tiefen, dennoch melodischen Riffs zu waten.

Dort, wo Instrumente überzeugen können, sorgt der durchschnittliche und unstimmige Gesang für Stirnfalten. Mal sind es die klaren Gesangspassagen, die einfach an Druck und Charakterstärke mangeln und an anderen Stellen grenzen die Harsh-Vocals an Gejaule ohne Wucht und Wirkung. Besonders das Akustik-Interlude „Episteme“, das als Theorie zwar sinnvoll ist, um Abwechslung in die Sache zu bringen, in der Praxis jedoch unangenehm schief und verwaschen klingt, ist ein Paradebeispiel dafür.

Es fällt mir schwer, etwas richtig Greifbares zu nennen, da sich über 50 Minuten zu wenig Greifbares herauskristallisiert.

Ist also alle Hoffnung verloren und reiht sich KADINJA neben dutzenden „Djent vom Fließband“-Bands ein? Nein, nicht ganz. Obwohl das Gesamtpaket nicht vor Alleinstellungsmerkmalen und konstanter Qualität strotzt, so befinden sich einzelne Elemente in KADINJAs Musik die das Potential der Band zeigen. Saftige Riffs und zumindest ein Anflug von dynamischem Songwriting sind ein Licht am Ende des Tunnels. Bis man dieses Licht bei KADINJA erreicht, muss sich allerdings noch einiges verändern.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Paul

Der Beitrag KADINJA – Gefangen im Genre-Käfig erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

THE OCEAN

Leichte Kost ist das, was die Band da präsentiert, wahrlich nicht. Höchst energetisch walzen sie durch die Gegend, lassen aber hinsichtlich kompositorischer Elemente nichts zu wünschen übrig. Sie verschwurbeln Postrock, neoklassische und progressive Elemente und eine Kelle Sludge zu einer übergreifenden Atmosphäre und großrahmigen Klangflächen. Diese Mischung ist für ein atemberaubendes Live-Erlebnis eine gute Grundlage. Ich bin gespannt, wie sie also im Werk 2 ihr Potenzial entfalten können.

DOWNFALL OF GAIA

In den letzten Jahren eine rasante Entwicklung und Bekanntheit erlangt, haben auch DOWNFALL OF GAIA just ein frisches Album namens „Ethic of Radical Finitude“ rausgehauen. Sie kredenzen mit ihrer Mischung aus Post Black und rauem Crust sowie einer Portion Sludge eine deutlich herbere Sounds. Letztens lief besagtes Album irgendwo und ich hatte zunächst Schwierigkeiten zu akzeptieren, dass es sich tatsächlich um DOWNFALL OF GAIA handelt. Cleangesang- und Sprechpassagen ließen mich stark daran zweifeln. Aber ja, sie sind’s. Ich durfte die deutsche Band bereits in Jena zum Deaf Row Fest im vergangenen Jahr begutachten. Kurz gesagt: Ich habe sie vor allem als Poster-Boys abgestempelt. Wie sie sich sonst an diesem Abend geschlagen haben, liest du hier. Ich stehe den Jungs recht unvoreingenommen entgegen und bin gespannt, wie sie sich in einer anderen Location machen und wie ich sie in diesem Kontext bewerte.

HEROD

Die Schweizer sind mir bisher noch gar nicht untergekommen. Nicht einmal namentlich. Auch sie haben gerade ein neues Album released: „Dombre Dessein“. Wenn ich so quer drüber höre, haut mich die Aggressivität der Band schon gut aus den Latschen. Deutlich Death Metal-lastiger aber ebenfalls postig vermengen sie groovigen Sludge mit Rhythmuswechseln und lassen etwas Progressivität durchscheinen.

Mir sagt die Abwechslung der Gesangsstile zu – von einer ekelhaft growlenden Reibeisenstimme zu zarten Sangesstimmchen. Ich bin auf die Umsetzung gespannt.

Der Beitrag THE OCEAN auf „Phanerozoic Tour“ erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Und wie!

Energetisch und positiv, wie ich es lange nicht mehr beobachten konnte. Was stutzig macht, ist, dass auffällig viel Hall auf der Stimme der Sängerin liegt. Wie wir wissen, verzeiht Hall Fehlerchen im Gesang… von solchen habe ich aber nicht viel mitbekommen. Ihr Gesang ist klar und durchsetzungsstark. Und dabei nur halb so anstrengend jaulig, wie es mir zuvor auf den Aufnahmen vorkam. Vokal unterstützt wird sie durch Bassistin und Gitarristen. Der Gesamtsound ist satt und voll dank zweier Gitarren plus Synthie/Key, Bass und Violine bis zu dreistimmigem Gesang. Dabei erscheint es aber nie überladen. Wegen der des Timbres ihrer Stimme und dem stets durchsetzungsfähigen, kontrapunktischen Bass muss ich zwischenzeitlich an Esperanza Spalding denken.

Und so groovt sich die Band heavy und rhythmisch durch ihre Songs, ohne darin Raum für sphärische Episoden vermissen zu lassen. Augenscheinlich findet die Mischung gut Anklang beim Publikum. Es wird gefesselt auf die Bühne geblickt und sich sichtlich am Anblick der hüpfenden, sich ihrer Musik erfreuenden Band gelabt.

In minimalistischen Parts, die durch instrumentale Akzente im sonst leeren Raum getragen sind, werde ich durch schön verschobene Rhythmen bei Laune gehalten. Es scheint, als hätten sie einfach mal im Proberaum für diese Episoden lustige Zahlenreihen erdacht und dann Pausen und Anschläge aneinandergebaut. Es kommt öfter im Set vor, dass ruhige Passagen mit gewürfelten Rhythmusspielen aufgepeppt werden und ich nur raten kann, wie das denn bitte gezählt werden soll.

Mir gefällt’s

Die Besetzung schafft ein breites Soundrepertoire. Es werden erweiternd Triggerpads an den Drums genutzt und der Violine Effekte verpasst. Letztere geht leider meist etwas unter. Es sei denn sie wird in gezupften bzw. Arpeggio-Solo-Teilen bewusst hervorgeholt. Zeitweise wirken die Effektüberlagerungen nicht immer optimal austachiert. Das kann aber auch an meinem persönlichen Geschmack liegen. Manche Atmoflächen sind mit ausschweifenden Hallüberlagerungen der Stimme schon arg abgespaced und mir zu „künstlerisch“. Sonst zeigen sich BENT KNEE aber sehr mitreißend mit schöner Performance. Sie haben ganz klar Spaß an der Sache und Begeisterung für das, was sie da tun. Sie fahren eine Palette an Sounds auf, die von Disco-Tanzmusik über minimalistische Spielereien zu funky-poppigen oder heavy Strukturen reicht.

Ihre sehr schnell vergehenden 30 Minuten Set sind ein netter Teaser. Hoffentlich kommen sie bald wieder mit mehr Spielzeit und Material in unsere Landen. Potenzial haben sie zweifelsohne. Sie könnten dank radiotauglicher Hooks auch gut zukünftig mehr Aufmerksamkeit bekommen.

Nach einem kurzen Umbau lichtet sich das Bühnenchaos etwas und 20:45Uhr starten VOLA ihre Show. Naja, was heißt schon „Show“ – im Vergleich zu dem hüpfend, tanzenden Opener wirken sie eher wie eingeschlafene Füße. So vergleichsweise ruhig, wie sie dort stehen. Aber das passt ja auch besser zu ihrer tragenden, melancholischen Musik. So von Angesicht zu Angesicht kann einem das Trio [Moment?! Sind die nicht eigentlich zu Viert? Haben sie ihren Keyboarder Zuhause lassen müssen?] aus Dänemark einfach nur sympathisch sein. Der Sound ist heavy und überrollt mich erstmal. Die Stimme von Sänger Asger Mygind ist live samtweich und so angenehm, dass ich etwas erschrocken aufblicke, als er anfängt zu growlen. Ja, doch. So schmeckt mir das. Schöne Schwere, schöne Sentimentalität.

Eine Badewanne Melancholie

„Smartfriend“ schiebt als Opener gut los und nimmt die Hörer freundlich in Empfang. „Ghost“ hingegen dudelt so vor sich hin. Wirkt fast belanglos, während der sich das anschließende „Your Mind Is A Helpless Dreamer“ richtig schön losrumpelt und mich mitreißt. Im Vergleich zu BENT KNEE bleibt das Publikum eher unbewegt. Es lauscht andächtig und scheint angetan. Klar, VOLA präsentieren wahrlich keine Tanzmusik. Sie bauen mit ihrer ruhigen Ausstrahlung und dem walzenden Sound eine äußerst entspannte Atmosphäre auf, die zumindest mich etwas ins Träumen geraten lässt.

Was mich plötzlich total aus meiner Verträumtheit haut, ist „Alien Shivers“. Dieser Song zeigt mir ganz explizit die gesangliche Stärke der Dänen. Bassist und Gitarrist liefern glasklar und kräftig Zweistimmigkeiten ab, die mir bisher in ihrer Qualität nicht aufgefallen sind. Solche Spielereien gibt im Setverlauf noch öfter. Am Ende bleibt der Eindruck: VOLA haben es drauf, eine tolle, dunkelromantische Grundstimmung aufzubauen. Sie machen Düsterrock für Große. Das Ganze verpackt in eine Darbietung, die qualitativ keine Wünsche offen lässt. Besonders hevorzuheben sei hier auch der Drummer. Sichtbar vertieft in die Materie trommelt er vor sich hin.

Insgesamt wird den Dänen eine dreiviertel Stunde Spielzeit eingeräumt. Und auch wenn sie mich aus irgendwelchen Gründen nicht zu 100% abholen konnten, war es schön und hätte nach meinem Geschmack auch gern etwas mehr sein können.

Pünktlich um 22 Uhr beginnen HAKEN dann ihre Show. Zunächst mit einem Wilhelm Tell-Intro vom Band, das für Lacher im Publikum sorgt. Sympathien haben die Briten offenbar hier ausreichend. Es folgt „Clear“ als episch-instrumentaler Beginn, während die Band unter Applaus die Bühne entert. Ja, hier ist die Vorfreude greifbar! „The Good Doctor“ als Opener sorgt für enthusiastisches Mitsingen, als wäre es ein Popsong, der stets im Radio läuft und deswegen jedem im Gedächtnis ist. Auf der Bühne selbst wirkt die Stimmung etwas schläfrig. Sänger und Vollblut-Entertainer Ross Jennings zieht von Sekunde Eins seine Show ab. Aber so richtig begeistert scheint dahinter noch keiner weiter zu sein. Bis auf den Keyboarder, der auch sichtbar herumposiert. Das Publikum ist dennoch mit Feuereifer dabei. Es feiert HAKEN und singt mit. Zum Teil laut und schief – aber immerhin zumeist so textsicher und begeistert, wie ich es lange nicht mehr auf einem Konzert erlebt habe. „Puzzle Box“ wird direkt danach abgefeuert und findet ebenso Anklang beim Publikum.

… And now to some technical wankery

Nachdem die ohrwürmerlicheren Songs des neuen Albums in auch dieser gewohnten Reihenfolge abgesfrühstückt wurden: Now to some technical wankery! „Falling Back to Earth“ vom inzwischen schon sechs Jahre alten „The Mountain“ bringt einen sehr schönen Bruch ins Set und ich empfange es dankbar. Ich mag die älteren Alben für ihre weitflächigen Arrangements, die weniger den gewohnten Songstrukturen folgen. Dargeboten in liebgewonnener und verlässlicher Präzision enttäuscht die Band nicht und zeigt, dass sie sehr genau weiß, was sie tut.

„A Cell Divides“ kehrt zurück zu „Vector“, liefert etwas mehr Vertracktheit. Es wird von bilderbuchreifen, kollektiven Fernsehgarten-Mitklatschern zum Intro von Djent-Instrumental „Nil by Mouth“, das ich ja für sein ungewohnt brachiales Auftreten und Hang zum Industrial schon arg feiere, gefolgt. Da sind aufgezeigte Parallelen zu MESHUGGAH dank djentigerem Auftreten gar nicht so weit entfernt. Ob einem die Entwicklung der Band in diese Richtung gefällt oder nicht, sei jedem selbst überlassen. Was auffällt, ist, dass großrahmige, strukturelle Entwicklungen und Merkwürdigkeiten eine kleinere Rolle spielen. HAKEN gehen mehr in traditionelle Songstrukturen und wirken damit schlicht „poppiger“, ohne dabei aber technische Spielereien zu vernachlässigen.

Momentan ist ihre Spielfreude für mich nicht so richtig spürbar. Das könnte jedoch auch daran liegen, dass die Jungs vielleicht einfach zu cool für Späßchen sind. Auch Ross wirkt neben seinen Entertainer-Qualitäten doch recht distanziert. Einzig Diego Tejeida genießt seine 60 Sekunden Ruhm sichtlich, als er sich zum „1985“-Keytar-Solo auf der Bühne Richtung Publikum bewegt. Zelebriert wird dieser Song vom Sänger inzwischen wohl standardmäßig mit der leuchtenden, mit Neon-Stäbchen ausgestattetem Modefauxpas in Form einer Brille. Zwischen diesen und den nächsten Song von „Affinity“ hat sich noch „Veil“ geschummelt. Damit sind bis auf das ruhige „Host“ des „Vector“-Albums alle Songs desgleichen vertreten.

Als 23 Uhr der letzte Song angekündigt wird, ahne ich schon, dass es hier nicht in 15 Minuten vorbei ist. Nein. Wir sind ja bei HAKEN – und da kann man sich sicher sein, dass sie es sich nicht nehmen lassen, den letzten Song plus Zugabe so zu kombinieren, dass noch locker 40 Minuten Set rauszuholen sind. Die Ehre, das Hauptset zu schließen hat „The Architect“.  Und dieser weiß mit seinen über 15 Minuten Spieldauer einfach zu überzeugen. Ja, ich mag „Affinity“ nach wie vor sehr gern und dessen Songs mehr als die des neuen Albums. Das 20 minütige „Crystallised“ wird als durch das Publikum erarbeitete – und zugleich wie selbstverständlich erwartete – Zugabe gespielt.

Insgesamt ist der Sound heute sehr gut und die Gesamtlautstärke im Conne deutlich angenehmer als zu OBSCURA. Es geht also doch. Was mir allerdings beim Stromern am Merch-Stand negativ auffällt sind die gesalzenen Preise. Gut, von irgendetwas müssen die ja auch leben – aber 10€ für ein Patch haben zu wollen oder generell zerkloppte Sticks zu verkaufen, halte ich – vorsichtig gesagt – für latent übertrieben. Abgesehen davon halte ich aber das Preis-Leistungs-Verhältnis für diesen Abend für sehr angemessen und freue mich über die gelungene Zusammenstellung an Bands. Mit Sicherheit werde ich weiter die Augen offenhalten, um sie ein weiteres Mal live irgendwo abgreifen zu können.

Hier kannst du dir Yetis Fotos vom Abend ansehen. Lohnt sich, guck mal rein!

Der Beitrag HAKEN in Leipzig – Geballte Prog-Power erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Als ich das letzte Mal die Briten von HAKEN in Dresden bewundern durfte, hatten diese THE ALGORITHM und NEXT TO NONE im Gepäck (Luc berichtete aus Luxemburg von selbiger Tour). 2017 war das. Inzwischen haben sie ihre Fans mit einem Live-Album und kurz darauf mit „Vector“ versorgt. Letzteres hat mich nicht so richtig begeistern können. Aber vielleicht funkt es ja am Montag im Conne Island. Die Venue habe ich ja nun endlich mal kennengelernt, als ich kürzlich OBSCURA und FALLUJAH dort sehen konnte.

Ich bin wirklich gespannt, wie sie sich in einem kleineren Club machen. Das Beatpol ist um einiges geräumiger und hatte die Band etwas distanziert wirken lassen. Im Conne hingegen kann der Gast dem Künstler ja quasi aus den hinteren Reihen noch ins Nasenloch schauen. Und auch auf die beiden Vorbands bin ich mindestens neugierig. Mit denen der vergangenen Tour konnte ich nicht so viel anfangen. Diesmal sind VOLA und BENT KNEE dabei. Beide auf ihre Art echte Leckerchen, die ich noch nicht live bewundern konnte.

VOLA wurden mir nach der 2016er Tour von KATATONIA, wo sie als Vorband neben AGENT FRESCO spielten (KATATONIA haben irgendwie immer so Knaller-Vorbands am Start, deucht mir?!), von verschiedenen Seiten empfohlen. Die Dänen haben sich mir vor allem durch ihre sentimentale, schwermütige und zugleich träumerische Musik ins Herz gespielt. Wir hatten unsere Anfangsschwierigkeiten, weil sie zwar sehr eingängige Melodien bringen, aber zeitweise zugleich Keyboardsounds einbauen, die so abstrakt-modern sind, dass sie nicht ganz mein Fall sind. Nun hat es mit „Applause Of A Distant Crowd“ aus dem vergangenen Jahr besser funktioniert. Ein Interview, das ich zwischenzeitlich übersetzen durfte, tat sein übriges.

Selten sympathisch und offen gibt sich der Vierer.

Weiter zu BENT KNEE. Vermutlich eher unbekannt, kann ich sagen: Egal, ob es dein Fall ist, was die Bostoner da machen – musikalisch sind sie der Oberknaller! Das wage ich zu behaupten, obwohl ich sie weder live gesehen, noch ihre Alben gehört habe. Ich bin über den Inside Out Rec. Videokanal auf die Kapelle aufmerksam geworden. Thumbnail sei dank. Direkt Video-Addicted sozusagen.

Groovy wie Sau spielen sie sich ins Ohr. Nicht wuchtig-brutal, nicht vordergründig-verschwurbelt. Nein, schon fast seicht. Flächig, verträumt und poppig. Aber – wie gesagt – verdammt groovig und knackig. Das, was sie sich da erdenken, setzt eine unheimliche Tightness im Spiel voraus, damit die Sachen auch wirklich funktionieren können. Eine echte Herausforderung, die mich sehr neugierig macht. Ich bin außerdem gespannt, wie die sowieso schon eher jaulige Stimme von Sängerin Courtney Swain live auszuhalten ist.

Was HAKEN so fabrizieren, ist hierzulande wohl kaum noch ein Geheimnis. Seit einigen Jahren wissen sie die Prog-Szene mit ihren Veröffentlichungen zu unterhalten, zu beschäftigen und zu spalten. Ihre Diskographie zeigt eine interessante Entwicklung von großrahmigen, schweren Strukturen bis hin zu komplexeren, modernen Sounds. Jedes ist auf seine Art – oder in seinem Stil – vollkommen. Nun, nur bei „Vector“ kann ich das noch nicht so bestätigen, dafür habe ich es einfach zu selten in Gänze gehört. Aber einige Songs sind doch hängengeblieben, auf die ich auch live sehr gespannt bin. „Nil by Mouth“ beispielsweise, das deutlich härter als der Rest der Platte losrumpelt.

Hier geht es zu den Webseiten der Bands: HAKEN, VOLA, BENT KNEE

Die kommenden Tourdates und der Tourtrailer:

04.03.2019, Leipzig – Conne Island
06.03.2019, Stuttgart – Im Wizemann
07.03.2019, München – Backstage Halle

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In manchen Fällen wünsche ich mir zumindest, dass es beim „Niemals-Hören“ geblieben wäre. Allerdings gibt es hin und wieder auch positive Überraschungen. So auch in diesem Fall, als es mich vor einigen Wochen in den gemütlichen Club Hatsudai Wall in Shinjuku verschlagen hat. Ziel dieses Ausflugs war es, etwas in die hiesige Konzertszene reinzuschnuppern. Nun, so viel vorweg: Diese spontane Entdeckungsreise hat sich definitiv gelohnt. Und das nicht nur, weil sich auch auf Metalkonzerten im Ausland durchaus neue Bekanntschaften schließen lassen, sondern eben auch wegen besagter positiver Überraschungen. Und bei dieser Überraschung handelt es sich um die Jungs von LENZ aus Okayama.

In der Kürze liegt die Würze

LENZ sind eine noch recht junge Post-Hardcore Band, die ihren Sound mit Djent und Progressive Metal Elementen mischen. Stellenweise klingt dies noch etwas roh und ungeschliffen, aber ihr Sound weiß dennoch zu überzeugen. Selbiges gilt auch für die Live-Performance der Band, die Energie der Jungs hat nicht nur mich, sondern auch das gesamte Publikum vom ersten Moment an mitgerissen. Einen guten Einblick könnt ihr euch hier im Video verschaffen. Apropos Video – „Iced Grave“ ist die erste Single des ersten Mini-Albums „Onyx Light“. Insgesamt umfasst die Platte fünf Tracks und ist der Nachfolger der auf 1000 Kopien begrenzten Demo-CD „The Crow“. Produziert wurden beide Werke übrigens in Eigenregie durch Gitarrist Sam, der zumindest nach meinen Ohren wirklich gute Arbeit geleistet hat. 

Neben „Iced Grave“ und einem Interlude befinden sich auf dem Minialbum noch drei weitere Songs: Zum einen„Amnesia“, welcher mich vor allem mit seinen Gitarrenmelodien in seinen Bann gezogen hat. Zum anderen wäre da noch der namensgebende Song „Onyx Light“, der auch mein persönlicher Favorit ist. Die Stimmen der beiden Sänger Nobuya und Sho harmonieren sehr gut miteinander und vor allem die eingesprochenen Parts verleihen dem Song ein besonderes Etwas. Stichwort Stimme: Shos hoher, cleaner Gesang hat mich auch live sehr beeindruckt und passt einfach zu dem Post-Hardcore Mix der Band. „Sky.“ bildet den runden Abschluss des Minialbums und gehört zu den Songs, die ich der Kategorie „ins Gesicht“ einordnen würde.  Alles in allem ist „Onyx Light“ein guter Startschuss und bietet in meinen Augen sehr viel Potential. 

Bis zum nächsten Mal

Sollten LENZ in den nächsten 9 Monaten noch einmal Tokyo besuchen, werde ich auf jeden Fall wieder anwesend sein und beobachten, was sich in der Zwischenzeit bei den Jungs so getan hat. Bis dahin halte ich weiterhin die Augen und Ohren in der japanischen Undergroundszene offen, um weitere Entdeckungen mit euch teilen zu können. Sollte euch mein erstes Fundstück neugierig gemacht haben, sind alle wichtigen Social Media Links natürlich hier zu finden:

Offizielle Website von LENZ
Facebook der Band
Instagram der Band

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