Markus Stock aka Ulf Theodor Schwadorf ist ein äußert umtriebiger Mann. Seine beiden Hauptbands EMPYRIUM und THE VISION BLEAK sind weit bekannt und waren in der Vergangenheit mit Alben wie „Songs of Moors & Misty Fields“ oder „The wolves go hunt their prey“ teils stilprägend für den deutschen Folk (Metal) wie auch den sogenannten Horror Metal. Zudem fungiert Stock seit Jahren als Produzent zahlreicher Düsterkapellen und betreibt die Klangschmiede Studio E, in der illustre Namen wie SECRETS OF THE MOON, ALCEST, HELRUNAR und DORNENREICH ihre Langrillen verewigten. Doch erst einmal genug des Namedroppings.

Denn im Sommer 2017 debütiert endlich Stocks seit Ende der 90er Jahre bestehendes Black Metal-Projekt SUN OF THE SLEEPLESS mit dem Album „To the Elements“. Geboten wird rund 40 Minuten lang melancholischer, nostalgischer und sehr kraftvoller Black Metal, der einen mit seinen Klängen in schroffe Gebirge und dunkle Wälder locken möchte.

Ein ferner Schein

Erstmals aufmerksam auf das Projekt wurde ich durch das Cover des Klassikers „Thou, Whose Face Hath Felt the Winter’s Wind“ durch die ebenfalls deutsche Black Metal Band EÏS. Die epische Instrumentierung und der stürmische Charakter, der seine Inspiration klar von skandinavischen Vorreitern bezieht, wird auf dem neuen Album konsequent fortgesetzt. Allerdings haben die vergangenen 18 Jahre natürlich auch zu einigen Änderungen im Klangbild geführt.

Das Album beginnt jedoch mit „The burden“ und dem ersten langen Stück „Motions“ herrlich klassisch. Epische Klargesänge, die an alte ULVER erinnern, werden von straighten Blasts unterbrochen und vereinen sich mit eisigen Gitarren zu einem typisch nordischen Schwarzmetallgebräu. Mehrere Gitarrenspuren verweben sich zu einem gleichermaßen melodischen wie auch sehr dichten Klang und durch die simplen, aber effektiven, Leadgitarren, die hintergründig von Keyboardklängen unterstützt werden, zieht eine Dramatik und Melancholie herauf, die mich tief in den Song eintauchen lässt.

Das folgende „The Owl“ basiert im Kern auf einer recht simplen Tonabfolge, die mich zuweilen an THE VISION BLEAK und gewisse Klänge aus HELRUNARs „Sol“ erinnert, jedoch im Aufbau des Songs sowohl in der Instrumentalisierung als auch Variation des Grundmotivs verändert wird. An diesem Beispiel zeigt sich meiner Meinung nach die musikalische Erfahrung von Markus Stock. Er weiß genau, wie man aus einer simplen Grundidee einen gut ausgearbeiteten Song gestaltet. Respekt!

Das darauf folgende „Where in my childhood lived a witch“ vereint den groovigen Aspekt mit einem stürmischen Schwarzmetallgewitter. Besonders der elegante Bruch, der in der Mitte des Stückes stattfindet, hat es mir angetan. Break, episches Lead, kurze Alternierung und dann Vollgas – so macht man das.

Aus erkalteter Asche

Das Intermezzo „Forest Crown“ leitet die zweite Hälfte des Albums ein und erinnert dabei wieder stark an die Anfangstage ULVERs. Allerdings klingen für mich die ruhigen Parts ein wenig erzwungen und in die Länge gezogen. Sie bilden keinen wirklichen Mehrwert, da die Metalstücke zudem genug Raum zum Atmen bekommen haben.

Im krassen Kontrast dazu startet jedoch „In the realm of the bark“ wunderbar kultig nach DARKTHRONE und auch BURZUM klingend und es mischen sich nach und nach wieder typisch schwadorfsche Elemente ein. Überhaupt finde ich es beachtenswert, das die Musik auf „To the Elements“ stark im Black Metal der zweiten Welle Wurzeln schlägt und dennoch nie altbacken klingt. Ein Künststück, welches nicht viele Bands hinbekommen.

Und so schlägt auch der Rausschmeißer „Phoenix Rise“ die Brücke von der Gegenwart in die Vergangenheit und wieder zurück. Dezente Keyboardteppiche vereinen sich nochmals mit stürmischem Songwriting und erzeugen ein episches Feeling. Hier und da erinnert mich der Song sogar an ganz alte DARK TRANQUILLITY. Im mehrstimmigen choralen Kanon und mit einem Zitat J.R.R. Tolkiens klingt das Stück schließlich aus und lässt mich erfreut zurück. SUN OF THE SLEEPLESS haben mich kalt erwischt.

“From the ashes a fire shall be woken – A light from the shadows shall spring

Renewed shall be the blade that was broken – The crownless again shall be king”

Vergangenheit im modernen Gewand

Da Markus Stock selbst produziert, hat er es geschafft, ein wunderbar stimmiges Soundgerüst zu kreieren. Die Gitarren braten fett ohne zu steril zu klingen, das Schlagzeug ballert und der grimmige, wenn auch nicht sonderlich herausstechende Gesang fügt sich gut ein. Die anderen Elemente, wie etwa der dezente Keyboardeinsatz oder die wirklich gelungenen Clean-Gesang Passagen stechen klar heraus.

Das Artwork des Albums ist so stilsicher wie auch minimalistisch und gefällt mir zusätzlich außerordentlich gut. In der Juliausgabe des neuen Silence–Formats „CTHULUs Cover des Monats“ [erscheint morgen!] werfe ich ebenfalls einen Blick darauf.

So bleibt für mich nur zu hoffen, das es nicht wieder fast zwei Dekaden dauern wird, bis SUN OF THE SLEEPLESS ein neues Album veröffentlichen, denn „To the Elements“ zeigt kategorisch wie stark klassicher Black Metal Anno 2017 klingen kann.

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Thema heute: Wenn Bands Experimente wagen … Was hat gut geklappt? Und was war eher ein Griff ins Klo?

Renè sagt:

Ein sehr dankbares Thema eigentlich für die, die sich gerne von ihren Lieblingskünstlern überraschen lassen. Oder auch nicht.

ATROCITY (ger): War „Hallucinations“ eine völlig neue Art, Death Metal zu spielen/hören, so sackte mir der Unterkiefer auf die unbehaarte Brust, als ich mir „Werk 80“ reinzog. Ich fand die Idee anfangs cool, 8oer-Hits zu vermetallen. Hat sich aber ganz schnell wieder gelegt, vor allem, wenn man die Live-Performance dazu ertragen musste.

SAMAEL: Einen Quantensprung in ihrer musikalischen Entwicklung nahmen die Schweizer, als Xy die Drums in die Ecke stellte und fortan nur noch mit elektronischem Firlefanz aufwartete. So als Experiment, wie die „Exodus“-EP, fand ich das durchaus knorke, war dann aber vom eh schon dünnen und anorganischen „Passage“-Sound ganz schnell wieder von der Idee geheilt.

MORGOTH: DIE deutschen Death-Metal-Helden schlechthin, bis zu „Feel Sorry For The Fanatic“. Ich empfands damals tatsächlich als Verrat am Metal [Credits an JaKa für den Wortklau], Techno-Samples und -Sequenzen da beizumischen. Tatsächlich aber isses ne großartige Platte!

WALTARI: Wa? Kenn ick nich! Großer Fehler! Hab leider lange nix von den bekloppten Finnen gehört, außer von Sami, der klampft für sone Essener Kellercombo namens KREATOR. Wasn dämlicher Name, die werden nie was … Ich erwähne WALTARI, weil? Weil die meinen kleinen musikalischen Kosmos durch ihren experimentellen Input auf ein Multiversum aus Sounds und Ideen hochkorrigiert haben, was mich bis heute prägt.

Ihr kennt noch mehr Beispiele? Dann her damit!

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Bereits mit ihrem ersten Album „The Ghost Of Heritage“ konnte mich der Vierer aus dem Vereinten Königreich begeistern, deren Ruf seit 2007 von den britischen Inseln hallt. Seit fast zehn Jahren spielen WINTERFYLLETH knarzigen, melodischen (nicht melodic!) Black Metal, der ohne Schnörkel und Kompromisse auskommt.
Mittlerweile haben sie ihr fünftes Album innerhalb von nur neun Jahren veröffentlicht!

Die Platte beginnt mit dem Titeltrack und in gewohnter WINTERFYLLETH-Manier. Melodisch sägende Gitarren dominieren das Stück und werden über weite Strecken von einem Blastbeat begleitet, während Chris Naughtons angenehm krächzender Gesang das Ganze komplettiert. Was wie das kleine Einmaleins des Black Metals klingt, ist jedoch deutlich schöner, als man bei dieser simplen Beschreibung denken mag. Denn seitdem ich sie kenne, gab es eine Sache, die die Briten für mich aus dem Gros ihrer Mitstreiter hervorstechen ließen: Erhabenheit.

Eine gewisse Epik wohnte den Songs schon immer inne, und das ganz ohne den permanenten Einsatz von Keyboards, Synthies, orchestralen Klängen oder Power Metal-Gesang. Nur gelegentliche Männerchöre brachen seit jeher aus dem bekannten Black Metal-Schema aus. Und erneut finden sich diese am Ende des großartigen zweiten Songs „Pariah’s Path“. Manch einer könnte den Song bereits kennen, da er im Jahre 2014, als Bonustrack des Albums „The Divination Of Antiquity“, veröffentlicht wurde. Das neunminütige Stück wirkt jedoch alles andere als altbacken und neu aufgewärmt. Wunderschön schichtet sich Gitarrenmelodie über Gitarrenmelodie, untermauert der Bass die flirrenden Linien und treibt das mit hervorragendem Sound versehene Schlagzeug den Song nach vorn. Einzig die Becken könnten im Gesamtmix noch etwas präsenter sein.

Auch „Ensigns Of Victory“ stellt einen klassischen WINTERFYLLETH-Song dar, der mit allen bekannten Zutaten versehen ist. Wie immer wird trotz des treibenden Tempos die Stimmung nicht vernachlässigt und so wirkt Song Nummer drei von fünf auf mich noch melancholischer, als die bisher gehörten und weckt Fernsucht nach Wäldern, Nebel, Anmut und Natur.

Es folgt das wohl außergewöhnlichste Stück des Albums. „Green Cathedral“ ist mit über 13 Minuten nicht nur der längste Song, den die Band jemals geschrieben hat, sondern auch der wohl ruhigste. Sphärische Keyboardflächen leiten das Lied ein und lassen mich an Norwegen in den 90ern denken. Doch wenig später kommen mehr und mehr Gitarren hinzu, und bilden bis zu dem den Ausklang begleitenden Monolog eine Stimmung, die so auch von amerikanischen Post Black Metal-Bands stammen könnte. Über die gesamte Spielzeit erklingt nicht ein einziger Blastbeat, was der Atmosphäre nur noch mehr Raum lässt und WINTERFYLLETH überraschend gut zu Gesicht steht! Gerne mehr davon!

Nach diesem Giganten von einem Song fällt „Led Astray In The Forest Dark“ als letztes Stück des Albums leider für mich hinten runter und das obwohl es sich um ein Cover des ULVER-Songs „I Troldskog Faren Vild“ („Bergtatt“, 1995) handelt. Objektiv betrachtet wird hier nichts wirklich falsch gemacht, außer der Übersetzung ins Englische aber auch nichts neu.  Zudem trifft auch der durchgehende chorale Gesang nur bedingt meinen Nerv. Die Tatsache, dass das Lied nach sieben Minuten ausklingt, lässt das Album für mich zudem viel zu abrupt enden. Was ist los? Wo ist der Rest? Wir sind doch gerade einmal in Fahrt?! Hatten CDs schon immer keine B-Seite?

Wenn ich über den Wermutstropfen des raschen und unvermittelten Endes hinwegsehe, bleiben auf „The Dark Hereafter“ vier von fünf Songs, die gut bis sehr gut sind!
WINTERFYLLETH zeigen in hoher Qualität das, was sie am besten können, scheuen sich zu meiner Freude jedoch auch nicht vor Experimenten und Ausbrüchen, die überwiegend gut gelingen.

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Dem aufgeschlossenen Hörer könnten die Tindersticks aus England ein Begriff sein. Die Briten um Frontman Stuart A. Staples machen seit über 25 Jahren Musik und setzten mit jedem Album ein neues melancholisches Kleinod in die Welt.

Die Tindersticks haben mit Metal überhaupt nichts am Hut und leben in ihrer rätselhaften romantischen Welt. Dabei ist die Seelenlage von „The waiting room“ nicht allzu weit von der Depression des Metal entfernt,  mal ist es Pop, mal Blues, mal sechziger Jahre retro Rock oder neofolklastige Töne. Immer bestimmend und dennoch dezent zurückhalten. Ein Album für die ruhigen Abendstunden, meskalingetränkt oder weinschwer, die Musik passt sich der Melancholie der Tage an und zaubert ein wenig Glanz in unsere heutige kriegstreiberische Zeit.

Wer keine Angst vor was Neuem hat, wer die Werke von Ulver, Anathema oder Nick Cave mag, ist hier absolut richtig. „Where we once lovers?“ oder  „How he entered“ sind Herzschmerz par exellance, ein wenig Fahrstuhlmusikatmosphäre, jedoch frei von langweiligen und glücklichen Melodien. Ein wenig Piano, ein wenig Gitarre, ein seichtes Schlagzeug und das alles mit der fantastischen Stimme Staples, erzeugen mehr drückende Stimmung als es die meisten „depressiven“ Bands schaffen.

Augen und Verstand auf…

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