Zu ihrem vierzigjährigen Bandjubiläum veranstaltete die Sindelfinger Band ihre „WIZO BRINGT DAS LICHT“-Tour; die größte und längste Tournee in der bisherigen Bandgeschichte. Streng genommen gibt es im vierzigjährigen Bestehen eine kleine Lücke zwischen 2005 und 2009, aber das sollte nicht die Feierstimmung vermiesen. Ganz im Gegenteil: die Würzburger Posthalle war rappelvoll mit Fans aus allen Altersklassen. Im Schnitt habe ich mich mit Ende 30 eher zur jüngeren Kategorie gewähnt. Es waren aber auch Besucherinnen zugegen, die bestimmt schon die 70 überschritten haben, und die jüngsten Fans waren im Grundschulalter.

Fröhliche Stimmung und gute Laune waren allgegenwärtig, als die Lichter und die Musik ausgingen. Zur allgemeinen Überraschung traten aber nicht NORMAHL auf die Bühne, sondern WIZO. Das Trio begrüßte das Publikum, bedankte sich bei allen Anwesenden und kam mit der ersten Ankündigung. Es hab nämlich gleich noch einen weiteren Anlass zum Feiern: es war der 66. Geburtstag von NORMAHL Gitarrist Mick Scheuerle. Das Publikum sang das verdiente Ständchen, während die Winnender Deutschpunk-Urgesteine auf die Bühne kamen und mit ihrer Show begannen.

NORMAHL

Mit dem Lied „Am Tage X“ starteten NORMAHL in ihr Set und widmeten somit direkt den ersten Teil des Konzerts der gegenwärtigen weltpolitischen Lage. In den Ansagen von Lars Besa ging es um das globale Erstarken der neuen Rechten, die Wiederaufnahme der Wehrpflicht, oder auch um die Rolle der BRD als Rüstungsexporteurin. Die passenden Lieder dazu waren „Deutsche Waffen“, „Keine Überdosis Deutschland“, und „Fahneneid“. Doch natürlich durften auch feier- und trinklustige Klassiker wie „Fraggles“ nicht fehlen, und zum Abschluss der etwa 45-minütigen Darbietung grölte das Publikum zusammen mit der Band den Refrain des Songs „Punk Ist Keine Religion“. NORMAHL haben solide, unterhaltsam, und gekonnt genau das abgeliefert, was das Publikum erwartet und gewollt hat. Eine Dreiviertelstunde lang wurde hier mit Deutschpunk Klassikern bestes Entertainment geboten. Der einzig bittere Nachgeschmack ist hier, wie sehr die Aktualität einiger der alten Stücke wieder an Gewicht gewonnen hat.

WIZO

Und dann brachten WIZO das Licht; sprichwörtlich. Alle drei Bandmitglieder trugen während der ersten Lieder gigantische Lampen als Rucksäcke mit sich. Auch musikalisch ging es direkt stark los: als Opener brachte der Song „Raum Der Zeit“ die Halle zum Toben. Auch beim Dreiergespann aus Sindelfingen ging es klar politisch zur Sache: der Titel „Scheiß AfD“ sorgte im Publikum für Bewegung und Einigkeit. Mein persönlicher musikalischer Höhepunkt der Show war das Lied „Kein Gerede“, welches einmal in altbekannter und flotter Manier, danach aber auch nochmal in einer alternativen Version zum Besten gegeben wurde. Souverän und selbstbewusst brachten WIZO die gute Laune in der Posthalle immer wieder zum Überkochen. Zwischen den Liedern war die Band auf der Bühne redselig, sorgte mit ihren Ansagen für Unterhaltung, und wirkte dabei vor allem bodenständig. Alles wirkte sehr spontan, kein bisschen abgehoben und einfach sympathisch. Die ursprünglich (scherzhaft) angekündigten vier Stunden brachten WIZO nicht ganz auf die Bühne, aber für fast die Hälfte dieser Zeit sorgten sie für eine gewaltige Punk Rock Party in der Posthalle. Als Abschiedssong spielten sie noch ihre Ballade „Die Letzte Sau“, und ich habe noch den kompletten Weg von der Garderobe bis zum Ausgang Leute gehört, die den Refrain immer wieder wiederholt haben.

Es war ein nostalgischer Abend für mich, und hoffentlich ein wunderschöner Abend für alle Anwesenden. Auch wenn ich persönlich beide Bands etwas aus den Augen verloren habe, war es doch eine wirklich schöne Darbietung. Gerade in Zeiten der Unsicherheit, der politischen Kälte und der drohenden Dunkelheit war es sehr willkommen, dass NORMAHL und WIZO das Licht gebracht haben. In diesem Sinne noch einmal vielen Dank an alle Beteiligten, die für den Erfolg dieser Show gesorgt haben.

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It was never a phase

Wer damals zur Emo-Generation gehörte, kennt das Gefühl: Man entdeckte Bands wie ALL TIME LOW oder MAYDAY PARADE auf Myspace, verliebte sich Hals über Kopf in ihre Musik – und erfuhr dann meist viel zu spät oder gar nicht, dass sie überhaupt auf Tour waren. Die wenigen Dates fanden in Jugendzentren oder kleinen Clubs irgendwo im Nirgendwo statt. Man war zu jung, zu weit weg, zu wenig vernetzt.

Und dann verschwanden sie irgendwie. Nicht unbedingt weil sie sich auflösten – viele, wie ALL TIME LOW, veröffentlichten weiterhin Alben oder tourten in Deutschland. Aber im eigenen Alltag zwischen Studium, Umzug, Spotify-Algorithmen und der erwachsenen Welt verblassten sie und auch auf den einschlägigen Bühnen versanken sie in der Irrelevanz. Dabei schwelgen wir in nostalgischer Erinnerung, je älter wir werden und wussten die ganze Zeit: It was never a phase. Emo is not dead.

ALL TIME LOW – vom Pop-Punk-Geheimtipp zum Streaming-Dauerbrenner

2003 gegründet, avancierten ALL TIME LOW schnell zur Myspace-Sensation. Mit Hymnen wie „Dear Maria, Count Me In“ prägten sie eine Ära – doch während sie in den USA Festival-Headliner wurden, liefen sie in Deutschland oft unter dem Radar. Seit ihrem Comeback mit dem starken Album „Wake Up, Sunshine“ (2020) und dem viralen Hit „Monsters“ sind sie endgültig wieder in aller Munde. Wer dachte, ATL wären eine Jugenderinnerung, hat ihre beste Phase vielleicht noch vor sich.

MAYDAY PARADE – Emo’s sensibelste Geschichtenerzähler

MAYDAY PARADE waren nie weg – wobei ich mich schon frage, ob Einwohner aus Georgia es genauso empfinden und ob sie es irgendwann aus dieser Gegend raus geschafft haben. Was ich eigentlich sagen will: Die Jungs aus Tallahassee (…die kommen gar nicht aus Georgia?) haben die letzten Jahre konstant abgeliefert: „What It Means to Fall Apart“ (2021) ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Emo erwachsen werden kann.

FOUR YEAR STRONG – Breakdown trifft Pop-Punk in Bestform

FOUR YEAR STRONG sind für die Harten unter den Emo-Kids – oder für die, die zu viel A DAY TO REMEMBER gehört haben. Mit ihrer Mischung aus aggressivem Hardcore und eingängigen Refrains liefern sie seit 2005 zuverlässig ab. Ihr Album „Brain Pain“ (2020) war eine unerwartet kraftvolle Rückkehr – und live zünden sie sowieso jedes Mal.

(Ja – alle Lieder wurden vor 17 Jahren auf Youtube hochgeladen. Tut mir so weh, wie euch…)

Nun heißt es: Jetzt oder nie

Die Everyone’s Talking-Tour verspricht ein Zeitfenster für alle zu werden, die früher nicht konnten, durften oder wussten, dass es diese Konzerte überhaupt gab. Heute haben wir Kalender-Apps, Google Alerts, ein Monatsticket und ein Auto. Keine Ausreden mehr!

Tourdaten in Deutschland:

• 30.01.2026 / Leipzig, Haus Auensee
• 31.01.2026 / Hamburg, Sporthalle
• 06.02.2026 / Köln, Palladium
• 12.02.2026 / München, TonHalle (im Werksviertel Mitte)

Tickets wie immer beim Händler eures Vertrauens oder hier.

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Es gibt Dinge, die passieren nicht so häufig: Geburtstage, Jahrestage, Steuerrückzahlungen. Noch seltener sind dann die Kategorie: Hochzeiten, Kinder kriegen und Renteneintritt. Und dann gibt es die Kategorie „glaube ich erst, wenn ich es sehe und in der Hand halte“  In genau diese Kategorie fällt der Release eines SOIFASS-Albums! Der Review hier erscheint daher auch wirklich erst, nachdem ich wirklich, WIRKLICH die Vinyl in den Händen halte.

Vorfreude ist die schönes Freude!

Die Ankündigung zu einem neuen Album kam so plötzlich, wie das sprichwörtliche Kinde der Jungfrau, und ich war sofort äußerst begeistert! SOIFASS ist eine Band, die mich zwar nicht seit „1999“ begleitet, aber zumindest seit den ersten Kontakten zum Oi. Wie ich auf die Jungs aus der Hauptstadt gestoßen bin, weiß ich absolut nicht mehr – aber die Alben fesselten mich bisher alle. Nur die Häufigkeit derselben war leider eher rar, genauso wie Auftritte in meiner Nähe.

Dadurch war allerdings die Freude über beides immer sehr groß und jetzt eben auch, als plötzlich wie der Phönix aus der Asche die Band wieder Meldung machte – sowohl mit einigen Konzerten, als auch mit der Albumankündigung zu „1999“.

Und ab!

Jetzt ist es soweit, ich höre auf Phrasen zu dreschen und wir steigen ein ins fünfte Album der Band, schlappe 9 Jahre nach „Auf blinder Fahrt“. Und schon nach den ersten Titeln bin ich mir sicher, dass hier keiner auf blinder Fahrt ist. Das Album hätte auch 9 Monate nach den Vorgängern entstanden sein können. Alles was ich höre rotzt aus jeder Faser und mit jedem Ton die volle Dosis SOIFASS aus den Boxen. Natürlich merkt man der einen oder anderen Stelle an, dass seit 1999 eben schon 25 Jahre vergangen sind und der ein oder andere Track der Vorzeit etwas rüder und rauer daher kam. Hier ist das Gesamtpaket jetzt vielleicht ein wenig runder, ein wenig gefälliger im Ohr – aber doch noch mit großem Abstand so räudig, dass dem gemeinem Spießer die Krawatte vom Hals platzt und den Hipstern in die Spicy-Coconut-Latte gespuckt wird.

Stück für Stück durch das unerwartete Glück

Der Opener „Anglizisten“ geht absolut gut ins Ohr und ist hervorragend gewählt – den höre ich sofort aus durstigen Kehlen gesungen, in einem kleinen Club wo der Schweiß von der Decke tropft. Dazu auch eine Prise Humor, denn nachdem man „keine Anglizismen schon seit nineteen-ninty-nine“ raushaut, kommt danach mit „Enemy“ der erste englisch-sprachige Song der Bandgeschichte. Der klingt ebenfalls sehr gut, könnte auch ein Hardcore-Cover sein – aber das entzieht sich leider meiner Kenntnis. „Auf Raketen fliegen“ richtet sich dann gegen den ganzen aktuellen Kriegsirrsinn auf der Welt, und „Gemeinsam durch die Nacht“ ist dann ein absolut klassischer SOIFASS-Song, vor allem durch die Lyrics. Die unbekannte Sache, die immer im falschen Moment wiederkehrt, aber der man dann trotzdem in den Hintern tritt. Da hinein kann sich sicherlich jeder mit einem eigenen Background eindenken -nimmt mich mit, und erinnert definitiv an alte Stücke!

In das gleiche Horn stößt auch „Gute Fahrt“, und zwischen beiden Stücken fordert „aus Scheisse Gold“ mal eben noch dazu auf, sich nicht beirren zu lassen und seinen Weg zu gehen! Der „Hipster Stomp“ rechnet erwartbar mit der Plage Berlins ab, der „Berliner Walzer“ richtet sich gegen die elitäre Oberschicht. „Exzessiv“ beschreibt das Beziehungsleben, „Verschwörer“ rechnet mit den Aluhut-Trägern ab und „Allein auf dem Thron“ beschäftigt sich mit den ganzen Mindset-Optimierungsgestalten und ihren Kalenderspruch-Wandtapeten-Weisheiten. Schlussendlich kommt mit „Die Zeit steht still“ wieder ein Song mit den typischen Lyrics der Band, ähnlich wie „Gemeinsam durch die Nacht“.

In der Kürze liegt die Würze

Man kann hier auf jeden Fall feststellen, dass sich so einiges angestaut hat in den Jungs und dass auf „1999“ jeder sein Fett wegkriegt. Was man vergeblich sucht, sind Szene-typische Hymnen, Trinklieder oder mitgröhlfähige „ohohohoh“-Refrains. Und so sehr ich diese Dinge bei anderen Bands schätze, ich bin froh diese hier nicht zu finden. Die Band hat sich ihre Frische, ihren unverwechselbaren schnellen und griffigen Stil bewahrt.

Die Stimme von Viktor drückt den Liedern durch die einmalige Interpretationsart der Texte ihren Stempel auf und die musikalischen Parts sind schnell, roh und rau geblieben. Natürlich hat man sich in den Jahren weiterentwickelt, denn es gibt nun textlich nicht mehr den direkten Mittelfinger für pauschal alle wie früher („fickt oich“). Und auch musikalisch kann man den ein oder anderen „toxpackigen“ Einschlag bei Liedern wie „aus Scheisse Gold“ oder „auf Raketen fliegen“ vermuten. Aber es bleibt unverrückbar festzustellen, dass jeder Song eindeutig nach SOIFASS klingt – und das schaffen nach 25 Jahren die wenigsten Bands!

Fazit

Mein Trommelfell jubiliert und mich dünkt ich frohlocke gar sehr! Aufgrund der plötzlichen Ankündigung und Veröffentlichung hatte ich keine große Zeit für eine Erwartungshaltung. Und aufgrund der Ruhe in den letzten Jahren um die Band, hatte ich nicht mehr mit einem neuen Album gerechnet. Das was die Jungs jetzt mit „1999“ abgeliefert haben ist eine feine Scheibe, die sich wirklich nahtlos in die Banddiskografie einfügt. Mit aktuellen Texten und dem klassischen Stil der Band ist hier eine klasse Kombination gelungen, die die Band wieder bei vielen ins Gedächtnis rufen dürfte. Mich persönlich freut, dass der Sound zeitgemäß ist aber die Band sich dennoch nicht verbiegt und weiter ihren Stiefel fährt. Hier wird sich nach 9 Jahren nicht neu erfunden, sondern einfach zu alter Stärke gefunden – und genau damit geht das Album runter wie ein kühles Bier!

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Es ist mächtig was los im deutschsprachigen Punk und Hardcore-Raum. Vergangenes Jahr haben sich AMEN 81 nach fünf Jahren zurückgemeldet, und BUBONIX feierten nach fünfzehn Jahren ein gelungenes Comeback. Und nun folgt ein weiterer Kracher, denn HAMMERHEAD aus Bad Honnef veröffentlichen ein Vierteljahrhundert nach Erscheinen ihres weißen Albums wieder eine Langspielplatte.

Und zum neuen Album gibt es direkt eine kleine Anekdote, bei welcher das Coverartwork im Vordergrund steht. LP, CD und Kassette waren vom Bild eines Schlosses geschmückt. Allerdings hat sich dann jemand bei der Band gemeldet und offenbart, Besitzer*in dieses Bauwerks zu sein. Ein neues Bild musste her, und somit wurde die Veröffentlichung vom 26. Januar auf den 09. Februar verschoben.

Das Aufräumkommando ist da

Auf „Nachdenken über Deutschland“ befassen sich HAMMERHEAD mit dem Status Quo – in der BRD, in Europa, auf der Welt und in unserer aller Gedankenwelten. Es geht um das was ist, was war und was werden sollte. HAMMERHEAD preschen kompromisslos aber gezielt nach vorne, während sie kein gutes Haar am neuen Zeitgeist lassen. Die Autolobby bekommt ebenso ihr Fett weg, wie Kriegstreiber*innen, neoliberale Ausbeuter*innen, oder der gegenwärtige Rechtsruck und seine Akteur*innen. Frei nach Georg Büchner wird den Palästen und Schlössern der Krieg erklärt, und den Hütten der Frieden zugesichert. Mit Humor, provonkaten Texten und dennoch einer klaren und stabilen Haltung teilen HAMMERHEAD mächtig aus. So geht „Nachdenken über Deutschland“.

Oldschool für die Zukunft

Nicht nur inhaltlich sondern auch musikalisch haben wir es hier mit einer massiven Abrissbirne zu tun. HAMMERHEAD versorgen ihre Hörer*innen mit dem typischen HAMMERHEAD-Hardcore Punk. Enttäuscht wird hier aber niemand, denn jeder einzelne der vierzehn Tracks hat immenses Hitpotential. Mit griffigen Refrains und rasanter Härte in den Strophen liefert die Band einen Knaller nach dem anderen ab. Außerdem sind Entwicklung und Fortschritt trotzalledem erkennbar; sie spielen sich allerdings auf textlicher Ebene ab. So wird beispielsweise das Thema persönliche Entwicklung im antifaschistischen Kontext behandelt („Ich bin noch ganz der Alte“). Und auch in der weiteren Themenwelt wird offensichtlich, dass im Hause HAMMERHEAD keineswegs die Zeit stehengeblieben ist. Das zeigt sich auch im letzten Titel „Krüppelmann“, das sich mit psychischer Krankheit und Psychoanalyse befasst.

Es geht auf „Nachdenken über Deutschland“ also einerseits um einen Statusbericht, und dieser fällt ziemlich negativ aus. Doch HAMMERHEAD wären nicht HAMMERHEAD, wenn sie das einfach so stehen lassen würden. Fünfundzwanzig Minuten lang wird ein Moshpit dargeboten, der zum Wirbelwind wird und bereit ist, alle verkrusteten Strukturen niederzureißen. Was hier vorliegt, ist zum Einen mein erster Kandidat für das Album des Jahres, und zum Anderen eine mächtige Kampfansage.

Homepage von HAMMERHEAD

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Rookie Records zur Verfügung gestellt.

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Erst kürzlich habe ich mich hier mit dem Album „Perseus War“ des in Brighton lebenden australischen Künstlers Darren Smallman aka DEZ DARE befasst. Die Rezension zum Album findet ihr hier. Besagtes Album sollte ursprünglich eine Begleit-EP zur zuvor veröffentlichten Langspielplatte „Ulysses Trash“ werden und entwickelte sich im Entstehungsprozess jedoch zum eigenständigen Album. Dieses Mal aber hat Smallman es geschafft, sich kurz zu halten. Bei der vorliegenden EP handelt es sich nämlich um das tatsächliche Sequel zur LP „Perseus War“ – der Kampf um das Universum geht also weiter.

Fortsetzung des Themas

Der ewigwährende Kampf zwischen Kreation und Destruktion, zwischen Schönheit und Verzerrung, zwischen Licht und Dunkelheit geht also weiter. In der Fortsetzung des Themas verabschiedet sich DEZ DARE von konkreten Darstellungen wie anti-autoritären Idealen, und taucht stattdessen in abstraktere Sachverhalte ein. Somit befasst sich die EP „Critical Mind Dump“ vorrangig mit dem Unterbewusstsein. Es geht um die Sehnsucht nach Entschleunigung („CMD OK!“), um die wahnsinnige Geschwindigkeit des Lebens um uns herum („Uncanny Velocity“), um die Schwierigkeiten, das Ich neu zu erfinden („Phase Transitions“) und zu guter Letzt bekommen die Verschwörungstheoretiker*innen noch ihr Fett weg. Der letzte Song „Weasel Breath“ ist eine sarkastische Würdigung für die Energie, die es braucht, um sich aus an den Haaren herbeigezogenen Unwahrheiten ein komplexes Konstrukt aus Lügen zusammenzubasteln.

Für die Sammlung

Vor allem im direkten Nachgang der LP „Perseus War“ fällt die EP „Critical Mind Dump“ nicht sonderlich auf. Dennoch hat DEZ DARE hier wieder ein schönes Werk vorgelegt, welches vor allem Sammler*innen begeistern wird. Beim französischen Label Six Tonnes de Chair wird die 4-Track-EP auf schön gestalteten 7“ Platten vertrieben. Und wer schon das letzte Album mochte, kann bei dem kurzen Sequel auch ohne zu zögern zugreifen.

bandcamp Profil von DEZ DARE

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von DEZ DARE zur Verfügung gestellt.

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Darren Smallman ist in Geelong, im Südosten Australiens aufgewachsen. Dort engagierte sich Smallman seit 1990 in der lokalen Punkszene, spielte in Bands wie THEE VINYL CREATURES oder WARPED. Auch abseits der Bühne war er fest im Indie Business verankert und war unter anderem Mitbegründer des Labels Low Transit Industries. Im Jahr 2010 siedelte Darren Smallman nach England über und suchte sich seine neue Heimat am Ärmelkanal in Brighton. Der Wechsel der Erdhalbkugel ließ Smallman keineswegs kürzer treten, und so gründete er in Brighton das Label Battle Worldwide und ist auch hier selbst musikalisch aktiv. Als Solokünstler ist er unter dem Pseudonym DEZ DARE unterwegs und hat nun mit „Perseus War“ sein drittes Album veröffentlicht. Die vorigen Releases waren „Hairline Ego Trip“ im Mai 2021 und „Ulysses Trash“ im August 2022.

Aus Lethargie gebar Kreativität

Sein zweites Album „Ulysses Trash“ widmete DEZ DARE der Tatenlosigkeit. Der musikalische Aufruf zum Nichtstun wurde in der Musikpresse hoch gelobt und DEZ DARE wollte eine Begleit-EP produzieren, die das Narrativ des Langspielers weiterdenkt. Doch statt einer Fortführung des prokrastinatorischen Gedankens sprudelte der Wahl-Engländer plötzlich vor Ideen. So entstand Riff um Riff, Text um Text, und innerhalb von vier Wochen waren zehn Songs für ein neues Album bereit.

Nachdem „Ulysses Trash“ also eine Odensammlung an die Untätigkeit war, widmet sich „Perseus War“ deutlich größeren Gedankenspielen. Hier wird folglich über die Zufriedenheit des vorigen Albums hinausgedacht. Dementsprechend beleuchtet DEZ DARE nun ein größeres Bild. Dabei geht es um das Universum als Ganzes, aber auch um alles, was sich darin abspielt, und um den ewig andauernden Kampf um’s Überleben, der in jedem Moment neu ausgetragen wird. Schönheit und Zerstörung stehen sich gegenüber und finden sich in jeder Aktion wieder, die in dieser dystopischen Realität stattfindet.

Clowns, Retter*innen und Kriegstreiber*innen

„Perseus War“ beginnt mit dem geradeaus schießenden Song „Bozo“, der vom Schicksal des Clowns berichtet, bevor in „Perseus #1985“ das Tempo etwas rausgenommen wird. Dem zweiten Titel fehlt es aber keineswegs an Kraft. Die intertextuelle Referenz bezieht sich auf das Lied „1.9.8.5“ vom vorigen Album „Ulysses Trash“, allerdings ist der neue Song deutlich düsterer – sowohl musikalisch, als auch inhaltlich. „Perseus #1985“ handelt von den selbsternannten Retter*innen der Menschheit, die auch immer gleichzeitig Kriegstreiber*innen oder Despot*innen sind. So war es, so ist es, und so scheint es zu bleiben.

Inhaltlich geht es auf ähnlichen Pfaden weiter, wenn DEZ DARE im melodischen Punk Rock Song „Myopic Tropic“ mit den Machenschaften der Politik abrechnet und im Fuzz-Gewitter „Bloodbath-On-HI“ über die menschlische Eigenschaft der gegenseitigen Zerstörung sinniert. Verzweifelnd kreidet DEZ DARE an, dass auch nach etlichen untergegangenen Zivilisationen nur ein minimaler Lerneffekt seitens der Menschheit zu erkennen ist. Das gilt auch für Wandel in jeglicher Hinsicht, wie im mächtig nach vorne rollenden „A Chimp, A Tricycle, New World Order“ gezeigt wird. Zwischen mächtigem Noise Rock und einem Monster von Riff äußert DEZ DARE sein Unverständnis über die Angst vor Veränderung in vielen Bereichen unseres Lebens. Dabei richtet sich der Künstler vor allem an Leute, die hinter jeder progressiven Idee, oder jeder Selbstverwirklichung den Untergang der Welt sehen.

Wir sind Sklaven unserer Entscheidungen

Hinter dem schönen Titel „I know why you cry at Adam Sandler Films“ steckt ein mächtiger Synthwave Song mit Mitsingrefrain und einer tiefen Würdigung der Nonkonformität. Direkt danach eröffnet sich ein tiefes Loch aus Fuzz und Noise aus dessen Tiefen DEZ DARE einen Zusammenbruch aus Sicht einer Person mit Autismus beschreibt. „OUCH!“ wechselt dahingehend wellenförmig zwischen Fokus und Kollaps, bevor der dumpfe Klang in das stampfende „My Heels + My Toes, My Lies + My Nose“ übergeht. Wie in Trance bewegt sich der finstere Klang durch die von Äußerlichkeiten gesteuerte Relität der Möchtegernpromis.

Deutlich losgelöster ist die Klangwelt demgegenüber im vorletzten Lied „BEACH!“, welches DEZ DARE dem Strand seiner Wahlheimat Brighton gewidmet hat. Nachdem die letzten sonnigen Klänge verhallt sind, gibt es zum Ende nochmal ein philosophisches Fazit zu den Gedanken über Leben, Universum und den ganzen Rest. Synthwave, Noise und energetischer Garage Rock treffen im längsten Stück des Albums aufeinander, wenn DEZ DARE konstatiert, dass wir nicht frei sind – nie. Ein Refrain, der etwas an ART BRUT erinnert setzt sich von den KRAFTWERK-Vibes der Strophe ab, und so findet dieses wirklich großartige Album sein würdiges Finale mit „STOP. STOP. STOP. TALKING.“.

Der Kampf geht weiter

Im Vergleich zu den beiden bisherigen Alben ist „Perseus War“ deutlich düsterer geworden, ist aber gleichermaßen stärker und mitreißender ausgefallen. Die Vielfältigkeit dieses Albums offenbart sich in sämtlichen Dimensionen. Vom finsteren Humor, mit dem DEZ DARE Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft menschlicher Dummheit betrachtet, zur dennoch hoffnungsvollen Agitation in Richtung Verbesserung ist alles dabei. Auch musikalisch gibt es natürlich vordergründig die breitschultrige Präsentation aus Fuzz, Punk, Garage Rock und Noise. Zwischen den Tönen und vor allem im Hintergrund aber spielt sich eine bunte Vielfalt aus klassischen, cinematischen und jazzigen Klängen ab, die das gesamte Klangbild komplettieren. Und somit entsteht eine 36-minütige Darbietung guter Unterhaltung und tiefgründiger Überlegungen.

bandcamp Profil von DEZ DARE

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Creative Eclipse PR zur Verfügung gestellt. „Perseus War“ wurde von Darren Smallman geschrieben, produziert und aufgenommen. Das Mastering wurde von Greg Obis beim Chicago Mastering Service durchgeführt. Das Cover Artwork stammt von MalMall.

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ERROR (in eigener Schreibweise auch ERЯORR) sind eine Band aus Berlin, die vom schwedischen Musiker Leonard Kaage (THE UNDERGROUND YOUTH) gegründet wurde. Der Multiinstrumentalist ist nicht nur das Hirn der Band, sondern bedient auch die meisten Instrumente auf dem vorliegenden Debutalbum „Self Destruct“. Zusätzliche Bassspuren wurden von Nick Mangione eingespielt, und André Leo hat Gitarrenspuren beigesteuert. Abgesehen davon hört man Leonard Kaage an Klavier, Orgel, Bass, Schlagzeug und Gesang. Live sind ERRORR als Quartett unterwegs. Die Tour zum Albumrelease beginnt im April; die Daten findet ihr unter der Rezension.

Paisley Underground Revival

Knapp vierzig Minuten lang rotiert die blaue, weiße oder rote Schallplatte, die über das Berliner Label Anomic Records erhältlich ist. Was hier musikalisch geboten wird, wird seitens der Band unter den Begriffen Psych Punk, Noise Pop oder Garage Rock kategorisiert. Um etwas von Genres und ihren nicht immer ganz klaren Eingrenzungen wegzukommen, kann man von einer lauten, fuzz-geladenen, psychedelischen Klangwand sprechen. Einflüsse vom Sound des Paisley Underground sind nicht von der Hand zu weisen, oder man kann sich THE VELVET UNDERGROUND in einer Jam Session zusammen mit LACK OF KNOWLEDGE vorstellen. ERRORR verbinden also die Dynamik von Garage Rock mit der sedierenden Kraft von Psychedelic Rock, der düsteren Stimmung des Post Punk und gelegentlichen Ausflügen in wütenden Punk.

Revolution mit Köpfchen

„Self Destruct“ ist ein klares Nein zu autoritären Strukturen und oppressiven Systemen. Dennoch lassen ERRORR keine blinde Wut walten, sondern sind stattdessen emotional, reflektiert und bedacht. Das mitreißende Klangbild aus Fuzz, Noise und Rock ist kein wildes Gewitter aus sich schnell entladenden Emotionsschüssen. Stattdessen wird eine abwechslungsreich gestaltete Achterbahnfahrt aus Höhen und Tiefen dargeboten, deren Extrempunkte angenehm sedierende Momente und gezielt eingesetzte Kugelblitze sind.

Der Titel „Self Destruct“ mag nach „No Future“ klingen und oberflächlich betrachtet, würde der Sound auch dazu passen. Die Selbstzerstörung, die hier präsentiert wird gilt aber nur dem Status Quo, denn ERRORR präsentieren ein mitreißendes Debut, das Lust auf Zukunft macht.

bandcamp Profil von ERRORR

Tour-Daten
14.04.23 – DE Düsseldorf Ratinger Hof
15.04.23 – BE Liège Bist’Rock
16.04.23 – NL Rotterdam Kaapse Will’ns
17.04.23 – DE Hamburg Molotow (w/Les Big Byrd)
19.04.23 – DE Wiesbaden Kreativfabrik (w/Les Big Byrd)
20.04.23 – FR Paris L’International
21.04.23 – FR Rouen Le 3 Pièces Muzik’Club
22.04.23 – FR Reims Les vieux de la vieille
23.04.23 – DE Weinsberg Kaffeehaus 3Modul
11.05.23 – CH Zürich TBA
12.05.23 – CH Sion Point 11
13.05.23 – IT Venice Secret Garden
14.05.23 – IT Prato Ozne
15.05.23 – IT Modena Nowhere Club
16.05.23 – IT Castiglione delle Stiviere Arci Dallò
17.05.23 – FR Mulhouse Noumatrouff
18.05.23 – CH Basel Reneè
19.05.23 – CH Kreuzlingen Horst Klub
20.05.23 – DE Offenbach Hafen 2
02.06.23 – DK Copenhagen Råhuset
03.06.23 – SE Gothenburg Hemligheten
04.06.23 – SE Stockholm Hus 7
06.06.23 – NO Oslo Revolver
07.06.23 – NO Halden Siste Reis
16.06.23 – DE Berlin Kantine am Berghain
13.10.23 – DE Würzburg Immerhin

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Wer? Wie? Was?

UNIVERSUM25. Was ist das für ein Name? Und wieso ausgerechnet diese Zahl? Was wie der Name für einen SciFi Blockbuster klingt, hat einen recht üblen Hintergrund. Der Name geht auf ein Experiment des Wissenschaftlers John B. Calhoun zurück, der anhand von Mäusen 25 mal testete, wie sich ungebremste Populationen in einem begrenzten Lebensraum unter Idealbedingungen verhalten. Und 25 mal endete das Experiment mit dem selben Ergebnis: Der Ausrottung der gesamten Population!

Düster sagt ihr? Auf jeden Fall. Was hat das mit Musik zu tun? Fünf Musiker aus verwandten, aber dennoch unterschiedlichen Musikrichtungen haben sich zu einer Band zusammengefunden und den Namen UNIVERSUM25 gewählt. Und der ist, angesichts seiner Bedeutung, Programm! Denn mit ihren Texten legt diese Band den Finger dahin, wo es weh tut.

Wer sind besagte Musiker? Das sind Micha Rhein (IN EXTREMO), Rupert Keplinger (EISBRECHER, ANTITYPE), Pat Prziwara (FIDDLERS GREEN), Gunnar Schroeder (DRITTE WAHL) und Alex Schwers (SLIME). Ein bunt gemischter Haufen mit einer gemeinsamen Weltanschauung.

Während Micha bei IN EXTREMO noch auf dem WALHALLA Festival in Neumünster betonte, dass man als Band (bis auf zwei Ausnahmen) nicht politisch sei, ist das diesmal komplett anders. Also alle, die keinen Bock auf Politik in Musik haben, können aufhören hier zu lesen.

Wie ein Katastrophenfilm

Mit dem Opener „Der Morgen danach“ werden wir direkt in die kalte Apokalypse geschmissen. Tag 1 in einer neuen Welt. Danach fühlt es sich so an, als würden die Songs den desaströsen Zustand vor dem ominösen apokalyptischen Ereignis beleuchten. Wie eine Rückblende in einem Film. Um dann am Ende mit „Horizont in Flammen“ wieder einen „positiven“ Einschlag zu bekommen. Dazwischen bekommen wir Hass, Tod und Zerstörung! Oder auch „die Abgründe der Menschheit“ genannt.

Während der Album Opener und dessen Folgesong „Wir warten“ noch dem Punk Rock zuzuschreiben sind, servieren uns UNIVERSUM25 mit „Harte Kost“ eine eiskalte Abrechnung mit Rechten und Verschwörungsideologen in Form eines NDH Songs. Genauso „Nur wegen dir“, der von schnellen, druckvollen Schlagzeugrythmen getrieben wird, und ein Stück weit an INEXs „Quit pro quo“ erinnert. Mit „Genug“ macht man sich dann textlich und melodisch Luft und schreit seinen Ärger heraus. So zeitgenössisch der Text von „Die neue Zeit“ auch ist, ist die Melodie hier die Poppigste. Aber keine Sorge, noch immer mit genug Härte. „Vor deiner Tür“ präsentiert dann wieder eine weitere Seite der Band: Rockballaden.

UNIVERSUM25 lassen uns einmal Durchschnaufen

„Lichtgeschwindigkeit“ gibt uns dann eine Verschnaufpause von den Abgründen der Menschheit und bringt erste positive Vibes. Mit „Die Leichen der Zeit“ bringt UNIVERSUM25 einen richtigen Moshpit Kracher mit. Doch textlich ist das ein Schlag in die Magengrube. Besingt man hier schließlich die toten Flüchtlinge, die ihre Überfahrt nicht überleben und deren Leichen an unseren Stränden landen. Zum nächsten Track sei gesagt, dass ich bei verschiedenen Gelegenheiten mit Rupert und Pat gesprochen habe. Gerade weil ich es interessant fand, dass man als Band mit einem Cover Song auf sich aufmerksam macht. Für kleine, neue Bands mag das normal sein, um von sich Reden zu machen. Aber einer Superband aus deutschen Künstlern dieses Formats? Dennoch dachte man sich, dass es eine gute Möglichkeit sei. Und sie hatten Recht. Die Rede ist vom TON STEINE SCHERBEN Klassiker „Der Traum ist aus“. Die Idee zu dem Cover stammte von Micha Rhein, weil er es schon länger machen wollte und was sich zum 50. Geburtstag des Songs anbot.

Zum Abschluss gibt es den zuvor erwähnten „Horizont in Flammen“, der uns im Rahmen dieses Albums positiv entlässt. Den Song kann ich mir auch gut zum Abschluss eines Konzertes vorstellen, wenn das Publikum Schulter an Schulter hin und her schunkelt und mit den Armen winkt.

Im Herbst geht es für UNIVERSUM25 dann auf Deutschland Tour. Tickets findet ihr hier.

Die Shopseite der Band gibt es dann hier.

Der Beitrag UNIVERSUM25 – Ein Blick in die Apokalypse erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Sieben – eine Zahl, die dir vielleicht noch aus dem Matheunterreicht geläufig ist und gleichzeitig der Albumtitel der neuen PASCOW Scheibe. Der Titel ist dabei nicht random gewählt, sondern weil es die siebte LP-Veröffentlichung der Rheinland-Pfälzer ist. Vermutlich wirst du dir als Brutal Tech Deathmetal Fan, der versehentlich auf diese Rezension hier geklickt hat denken – PASCOW? Klingt wie ein Dorf in der Uckermark!? Kein Problem mein Freund – ich kläre dich auf. Im Jahr 1998 gründeten zwei Brüder mit dem Familiennamen Pascow die besagte Band und sind seitdem absolute Schwergewichte der Deutschpunk-Szene. Ihre Markenzeichen: sehr eingängige Melodien, rauer Gesang und kryptische Texte. Also gerade nicht der Sonntags-Wohlfühlpunk, den dir Spotify regelmäßig vorschlägt und den du dann als „Private Session“ hörst.  

MERKEL JUGEND

Schon bei ihrem drei Jahre zurückliegenden Album „Jade“ hat sich die Band von einem ihrer Markenzeichen, den besagten kryptischen Texten entfernt. Heißt, du wusstest beim Hören, wenn auch immer noch ziemlich durch die Blume, was dir die Band sagen will. Dieser Trend setzt sich auf der neuen Scheibe weiter fort und bringt uns zum Song „Gottes Werk und Teufels Beitrag“. Darin rechnet die Band mit all denen ab, die von Themen wie wachsendem Rechtspopulismus und Klimawandel nichts wissen wollen und werden dabei ungewöhnlich deutlich. Nagut, sich konkret politisch zu äußern gehört ja zum Deutschpunk irgendwie dazu und ist auch nicht direkt etwas Neues, aber in der Form für die Band PASCOW schon. Auch bei den Songs „Himmelhunde“, „Mailand“ oder „Monde“ geht es um die Szenedauerbrenner wie Gentrifizierung, Konsum- und Systemkritik und alle diese Nummern hören sich gut weg. 

GENERATION NOKIA

Wie schon erwähnt sind die Lyrics bei PASCOW ein wichtiger Sellingpoint. Und auch wenn man sich auf vergangenen Platten teilweise keinen Begriff der Botschaft dahinter machen konnte, waren die einprägsamen Sprachbilder immer die große Kunst dahinter. Gerade wenn es nicht um Politik, sondern um alltägliche Erlebnisse geht, von denen du und ich auch ein Lied singen könnten, sind PASCOW am stärksten. Auf „Sieben“ fällt dabei besonders der Song „Daniel & Hermes“ heraus, der meiner Meinung nach auch der Stärkste der Veröffentlichung ist. Man bleibt sich also der „PASCOW-Formel“ treu und versucht es nicht mit belanglosen und aneinander gereihten Kalendersprüchen, die leider viele Bands aus dem Genre mittlerweile im Abo beziehen zu scheinen.

ZWICKAU SEHEN UND STERBEN

Einige Fans werden jetzt vielleicht sagen – ja okay, aber das hatten wir ja schon, wird es nicht mal Zeit für Veränderung? Und das mag für den weniger konservativen Teil der Fanbase durchaus ein valider Punkt sein. Während die letzte Scheibe „Jade“ sehr experimentell war und Ska-Passagen, Features oder eine Ballade enthielten, beschränkt es sich hier lediglich auf ein Feature. Damit knüpft das Album eher da an, wo „Diene der Party“ 2014 aufgehört hat. Musikalisch wird in den zwölf Tracks (mit wenigen Ausnahmen) also rigide durchgezogen, mit schnellen Gitarrenriffs und Refrains mit Ohrwurmgarantie, ohne dass es zu sehr nach „KRAFTKLUB“ klingt. Solltest du also mal wieder die Lust nach einer authentischen Deutschpunk-Platte, über der nicht das Damoklessschwert von vielen enttäuschten Fans hängt, verspüren, kannst du hier bedenkenlos zugreifen! 

OFFIZIELLE WEBSITE

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von: Dennis.

Der Beitrag PASCOW – Intelligente Texte und Ohrwurmgarantie erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Der knapp eineinhalb Stunden dauernde Film wird durch ein Gespräch zwischen MOBY und einer Hündin eingeführt, die gerade dabei sind, Schach zu spielen. Die Hündin bittet MOBY von der Geschichte des Punk Rock zu erzählen, und somit beginnt die musikalische Zeitreise. Schnell wird von den Wurzeln im Rock’n’Roll und der Musik der 1950er der Bogen über die Jahrzehnte geschlagen, in denen es um Aufbegehren, Rebellion und Lärm ging. Und so landet die Erzählung auch beim Thema Tierrechte und deren Verankerung in der Punk- und Hardcore Szene der 1980er Jahre. Mit den Worten „Good boy, MOBY“ beendet die Hündin die humoristische Einleitung in Punk Rock Vegan Movie.

Im weiteren Verlauf wird die Geschichte des Punk Rock anhand von Interviews erläutert. Die Interviewpartner*innen erzählen von ihren ersten Berührpunkten mit der Musik, mit der Subkultur, mit den politischen Inhalten. Was immer auch dazu gehört, ist der persönliche Bezug der Personen zum Thema Tierrecht und Veganismus. Auch die Straight Edge Bewegung und ihr sehr enger Zusammenhang mit Vegetarismus und Veganismus werden im Vorbeigehen kurz vorgestellt.

Die Aufmachung des Films

Punk Rock Vegan Movie ist humorvoll gestaltet. Die kleinen Einspieler sorgen für nette Abwechslung zwischen ernsten Themen wie den Zuständen in Schlachthäusern oder dem Kampf gegen Sexismus, Rassismus, Homophobie etc. Dazu gehört etwa das akademische Seminar zur Dialektik von Punk und Veganismus, welches ausschließlich vor Vorschulkindern wird. Auch die Einleitungen in neue Interviewreihen beziehungsweise einen neuen Zeitabschnitt in der Punkgeschichte sind nett gemacht. Hier erinnert der Schnitt ein wenig an Produktion aus dem Hause Monty Python. Insgesamt geht es manchmal sehr schnell und man wünscht sich, ein Song oder ein Einspieler hätte mehr Zeit bekommen. Hätte man hier statt der Spielfilmlänge von 90 Minuten etwas mehr Zeit gelassen, hätte die gefühlte Hektik vermieden werden können.

Die Inhalte

Der Film verknüpft die Geschichte des Punks als musikalisches wie kulturelles Phänomen mit dem Aufstreben der Tierrechtsbewegung. Es geht allerdings um mehr als nur das. Punk Rock Vegan Movie beschreibt, wie die Subkultur Missstände anspricht und sich dagegen auflehnt. Punk Rock und politischer Aktivismus sind keine Synonyme, aber hier geht es darum, die Schnittmenge zu beleuchten. Und so geht es um Beweggründe zur tierproduktfreien Lebensweise, um die Community, oder auch um einen daraus entstehenden Lifestyle. Im letzten Drittel gibt es dann kaum noch Punk Rock und dafür mehr Inhalte aus der Tierrechtsbewegung. Besonders die finale Ansprache von MOBY geht ans Herz.

Das Personal

Die Interviewpartner*innen sind zum großen Teil Musiker*innen, die im weitesten Sinne mit Punk und Hardcore assoziiert werden können. Viele bekannte Gesichter und Namen sind vertreten und alle berichten von ihrem Bezug zu Punk und tierfreier Ernährung. Da X-RAY SPEX Sängerin Poy Styrene leider bereits 2011 verstorben ist, berichtet ihre Tochter Celeste Bell über die Rolle der englischen Musikerin. Insgesamt betrachtet fallen aber drei Einschränkungen auf, wenn man das Personal beleuchtet: zunächst liegt der Fokus fast ausschließlich auf die USA und das Vereinigte Königreich. Außerdem gilt hier: pretty white, pretty male. Obwohl die Szene schon in frühen Jahren von großer Diversität in Sachen Ethnien und Geschlechter prägt war, kommen hier größtenteils weiße Männer zu Wort.

Der Soundtrack

Vor allem in den Einspielern gibt es viele Schnipsel aus großartigen Punk- und Hardcoresongs zu hören. Die Musiker*innen, die hier zu Wort kommen, werden oft auch mittels ihrer Kunst präsentiert, was den Film auch aus musikalischer Perspektive sehr schön macht. Wie schon weiter oben erwähnt, wäre es jedoch noch schöner gewesen, wenn diese Einspieler länger wären. Während der Interviews oder zur Untermalung der Übergänge gibt es sanfte Elektronik aus dem Hause MOBY – nichts Besonderes, aber auch keine schlechte Umsetzung. Informationen, ob es einen Soundtrack in Form eines Samplers mit ganzen Songs gibt, liegen mir leider nicht vor. Ich würde es aber sehr begrüßen, wenn es so wäre.

Fazit

Punk Rock Vegan Movie ist informativ, nett gemacht, ein bisschen witzig, manchmal albern, und meistens schön. MOBY präsentiert einen wichtigen Aspekt von politischem Aktivismus. Mittels vieler Interviews und einem vielstimmigen Kanon wird die Bedeutung von Tierrechtsaktivismus beleuchtet. Vor allem wird dabei auch auf die Intersektionalität hingewiesen, die Veganismus oder Vegetarismus im Verbund mit anti-oppressiven oder antikapitalistischen Haltungen innehaben kann. Es ist ein interessanter Film mit gewissen Schwächen, aber definitiv ein nettes Stück subkultureller Geschichtsschreibung.

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Snow White PR zur Verfügung gestellt.

Der Beitrag 90 Minuten Punk und Tierrecht – Punk Rock Vegan Movie erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.