Im Jahr 2006 gründeten sich ALUNA in Birmingham. Drei Jahre, zwei Demos und eine EP („Fall To Earth“) später ergänzten sie ihren Namen durch ein H, und veröffentlichten als ALUNAH eine Split mit QUEEN ELEPHANTINE. Es folgten vier Alben („Call of Avernus“ 2010, „White Hoarhound“ 2012, „Awakening The Forest“ 2014, und „Solennial“ 2017), bevor es zur nächsten großen Veränderung in der Bandgeschichte kam. Nach dem Weggang von Sängerin Sophie Day stieg Sîan Greenaway am Gesang ein, und sie ist seit der EP „Amber & Gold“ (2018) fest dabei. Im darauffolgenden Jahr unterschrieben ALUNAH einen Plattenvertrag beim italienischen Label Heavy Psych Sounds. Seitdem gab es auch keine weiteren Besetzungswechsel mehr, und das Quartett bestehend aus Jake Mason (Schlagzeug und letztes verbleibendes Gründungsmitglied), Daniel Burchmore (Bass), Matt Noble (Gitarre), und Sîan Greenaway (Gesang) veröffentlichen mit „Fever Dream“ ihr drittes Album bei Heavy Psych Sounds. Das insgesamt siebte Album der Band folgt auf „Violet Hour“ (2019) und „Strange Machine“ (2022).

Direkt aus dem Proberaum

Das letzte Album „Strange Machine“ war noch nicht lange da, als ALUNAH schon wieder an neuen Ideen feilten. Es war die Zeit kurz nach den Lockdowns, als sich die Releases wie in Sturzbächen über den Hörenden ergossen. Ob „Strange Machine“ zu einer anderen Zeit mehr Aufmerksamkeit erhalten hätte, lässt sich nur vermuten. Nichtsdestotrotz machten ALUNAH beherzt mit dem weiter, was sie am liebsten machen. Die Band setzte sich zusammen, jammte, schrieb gemeinsam an neuen Liedern, und verfeinerte jedes Detail, bis sie zufrieden waren. Anfang 2024 begannen die Aufnahmesessions im zweitältesten Studio der Welt (Foel Studio), und nun erblickt das glorreiche siebente Album „Fever Dream“ das Licht der Welt.

Triumphal, Dunkel, Imposant

Direkt mit den ersten beiden Stücken „Never Too Late“ und „Trickster Of Time“ sorgen ALUNAH für ein mächtiges Heavy Rock-Gewitter. Der darauffolgende Titeltrack kombiniert Psychedelic Rock mit Doom Metal und einer kleinen BLACK SABBATH Hommage, und auf „Hazy Jane“ werden gewisse Desert Rock-Ideen wach. Auch „Sacred Grooves“ erinnert stark an die frühen Tage des Doom Metal, bevor es auf „Celestial“ in Richtung Folk geht. Nach den beiden Hard Rock Hymnen „The Odyssey“ und „Far From Reality“ schließt das äußerst vielschichtige Heavy Rock-Lied „I’ve Paid The Price“ das Album gebührend ab.

Vor allem in der ersten Hälfte und im letzten Stück präsentieren sich ALUNAH auf „Fever Dream“ sehr stark. Im zweiten Drittel knickt der Spannungsbogen leicht ab, bevor es zum Ende nochmal zur Sache geht. Was aber hauptsächlich im Ohr bleibt sind die dunklen Harmonien aus Sîan Greenaways überragender Stimme und den mächtigen Riffs, die sich über das schwergewichtige Uhrwerk des Schlagzeugs ziehen. Es mag kleine Aussetzer geben, aber letzten Endes ist „Fever Dream“ ein großartiges und spannendes Album.

bandcamp Profil von ALUNAH

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Purple Sage PR zur Verfügung gestellt.

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Das Kölner Trio RIOT IN THE ATTIC wurde nach Veröffentlichung ihres ersten Albums „Dawn“ als das verloren gegangene Bindeglied zwischen Stoner und Hard Rock bezeichnet. Ein Debut inmitten der Pandemie zu veröffentlichen mag erstmal gewagt klingen. Andererseits wusste im November 2020 noch niemand, in welcher Form und wie lange uns das Virus noch begleiten würde. Nicht dass wir heute viel schlauer wären, aber allem zum Trotze schlugen RIOT IN THE ATTIC im ersten Jahr des Coronazäns ein wie eine hochdosierte Spritze Vaxzeria. Noch bevor sich irgendjemand daran zerreißen konnte, ob denn ein Release ohne Möglichkeit zum Touren sinnvoll sei, hatte RIOT IN THE ATTIC-Songwriter Dan schon längst wieder Stift und Zettel in der Hand, um am zweiten Langspieler zu arbeiten.

Schwere Staubwolken wirbeln auf

Musikalisch bewegen sich RIOT IN THE ATTIC auf ihrem zweiten Album wieder in ähnlichen Gefilden wie auf „Dawn“. Zentnerschwere Hard Rock Riffs walzen gnadenlos nach vorne, während der fuzzgeladene Stoner und Desert Rock Sound für zusätzliche Trockenheit sorgt. Ein bisschen Grunge schwingt immer mit, was dem Klangbild letzten Endes einen düsteren Farbton verpasst. Und es ist ebenjene Dunkelheit, in der sich „Those Who Don’t Belong“ vom vorigen Album unterscheidet.

Obgleich RIOT IN THE ATTIC es nach wie vor vor nach allen Regeln der Kunst krachen lassen, ist das neue Album doch deutlich nachdenklicher, als das Debut. Es sind Themen wie Isolation, Einsamkeit, Verlust und Abschied, die in nüchterner Selbstreflektion den roten Faden durch das Album gestalten.

Zwischen den Welten

So sehr RIOT IN THE ATTIC sich im Bindeglied zwischen Hard und Stoner Rock bewegen, sind gleichsam Ausreißer in beide Richtungen erkennbar. Neben rotzigen Hard Rock Knallern wie „Drag Me Down“ sind es vor allem die atmosphärischen Stoner Rock Hymnen wie „All For One“, die dem Album ihre Würze geben. Wer es mit Vergleichen hat, mag einerseits eine beliebige Zakk Wylde Band sehen, während sich gegenüber DOZER aufbauen.

Hier mag Geschmack sicherlich eine Rolle spielen; dennoch erscheinen die Lieder mit Fokus auf Desert, Grunge oder Stoner deutlich ausgefeilter. Während vor allem in der ersten Hälfte des Album mit simplen Strukturen und flotten Rhythmen zum Tanz geladen wird, gestaltet sich der weitere Verlauf von „Those Who Don’t Belong“ deutlich reflektierter und anspruchsvoller.

Was bleibt, ist in jedem Fall ein Album, das Fans vieler unterschiedlicher Richtungen abholen wird. Ignoriert man Skiptracks wie „Wildlife“, findet man ein Album vor, das sich voller Freude durch Schubladen und Kategorien hindurch bohrt.

Homepage von RIOT IN THE ATTIC

Die Bilder wurden uns freundlicherweise von Noisolution zur Verfügung gestellt.

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Zwischen den malerisch schönen Dünen von Capo Comino auf Sardinien wurde einst von Sänger und Gitarrist Athos Cherchi zusammen mit Bassist Marco „Buzz“ Murru ein Projekt ins Leben gerufen. Dass diese musikalische Zusammenarbeit ernster wurde, manifestierte sich spätestens durch den Beitritt von Schlagzeuger Keko Magrini und Gitarrist Kiko De Santis. Im Jahr 2019 war es dann soweit, dass MANO DE MONO ihre offizielle Bandgründung bekannt geben konnten. Der Name des Quartetts bezieht sich auf den gleichnamigen Song der amerikanischen Alternative Rock Band CORROSION OF CONFORMITY. Als weiteren Einfluss nennen die vier Sarden die Kurzgeschichte „The Monkey’s Paw“ des britischen Horror-Autors William Wymark Jacobs.

Der Punk der Dünen

In ihrer Musik vereinen MANO DE MONO den staubig-trockenen Klang des Desert Rock mit den durstigen Noten des Southern Rock, der Energie des Punk, und der Schwermut des Alternative Rock und Grunge. Dabei verbinden sie die dünig-sandige Umgebung ihrer Heimatinsel mit Texten über soziale Ungerechtigkeit, während sie ein brennend heißes Klangbild erzeugen. Die eingängige Beschäftigung mit sozialen Fragen geht auf dem Album „Chameleon Tongue“ über die Texte und den aufbegehrenden Charakter der Musik hinaus. So haben MANO DE MONO die beiden Seiten ihrer Platte nicht „A“ und „B“ sondern „Inside“ und „Outside“ genannt. Damit stellt das Quartett die komplexen sozialen Strukturen dar, in denen sich Menschen einem Doppelleben unterwerfen, das einerseits aus Ängsten und Nöten besteht, und andererseits von Selbstoptimierung und Erfolgsdruck geprägt ist. Auch das Cover Artwork von Jo Riou zeigt den Kampf des Individuums gegen die Fesseln von Gesellschaft und Kapitalismus.

Gefangen im Hamsterrad

Die acht Lieder des Debütalbums begleiten namenlose Person, welche nur am Rande dem gesellschaftlichen Treiben teilhat, und versucht sich den oppressiven Mechanismen zu entziehen. Dabei entwickelt die Hauptperson zunehmende Abneigung gegen jene, die sich scheinbar gedankenlos in den Spiralen der modernen Welt umherdrehen. Doch auch mit sich selbst ist sie am Hadern. Die Betrachtung des sozialen Geschehens versetzt sie in einen immer wiederkehrenden Strudel aus Eskapismus, Selbstzweifeln und Unzufriedenheit. Motivation und Aktivismus wechseln sich mit Verzweiflung und Desillusionierung ab.

Staubtrocken und siedend heiß

Auf musikalischer Ebene fahren MANO DE MONO schwere Geschütze auf. Das Album „Chameleon Tongue“ ist geprägt von massig schweren Riffs, die sich mittels schwerem Fuzz durch die Prärie wälzen. Das eingängige und energetische Gemisch aus Desert, Heavy, Southern, Punk und Alternative Rock geht sehr gut ins Ohren und setzt sich dort fest wie feiner Wüstensand. Parallelen zu MOS GENERATOR, GREENLEAF oder den SPIRITUAL BEGGARS sind nicht von der Hand zu weisen. Das stört die Freude am Hören allerdings keineswegs. Stattdessen klingt „Chameleon Tongue“ äußerst erfrischend, denn MANO DE MONO schaffen es, frischen Wind in das Subgenre zu bringen. Es ist ein Album ohne Aussetzer und Tiefpunkte.

Bandcamp Profil von MANO DE MONO

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Es gibt Dinge, die passen einfach zusammen. Und manchmal ist auf den ersten Blick gar nicht so klar, warum die eigentlich so gut zusammen passen. Eines dieser Phänomene ist Stoner und Desert Rock aus Skandinavien. Es braucht keinen akademischen Abschluss in Geographie um zu erkennen, dass die Heimatstadt von SLOMOSA Bergen recht weit von der Wüste entfernt ist. Und dennoch kommen gerade aus den skandinavischen Ländern einige der besten Wüstenrock Bands unserer Zeit. DOZER, GREENLEAF, BRUTUS und SPIRITUAL BEGGARS sind nur einige Beispiele dafür.

In dieser Reihe darf sich nun auch Bergen’s Quartett SLOMOSA wähnen. Die vier Musiker aus der zweitgrößten Stadt Norwegens platzten in diesem Sommer mit ihrem selbstproduzierten und selbstbetitelten Debut auf den Musikmarkt. „Slomosa“ ist standesgemäß mit einem Kamel auf dem Cover geschmückt, und kann seit Ende August Digital, auf CD oder auf Vinyl erworben werden.

Melodischer Wüstenfuzz

Somit leisten sich SLOMOSA einen soliden Einstand. Dabei reichen die Einflüsse von den schwerfälligen Desert Rock Giganten THIN WHITE ROPE über den krachigen Desert Fuzz à la SLOBURN bis zum zackigen und melodischen Skandivavien Blues, wie BRUTUS ihn spielen. Die Strukturen sind eingängig, aber nicht langweilig und mit ihrer bunten Klangwelt erzeugen SLOMOSA eine farbenfrohe Atmosphäre zum Autofahren, Duschen und Tanzen. Zackig, fuzzgeladen und mit angenehmer Dynamik bewegt das Album den Körper. Herausstechend ist hier die Akzentuierung im Song „Just to be“, die einen flotten Blues in ausgefallene Richtungen verschiebt.

Kalte Wellen und Wanderdünen

Im Zentrum steht der hypnotisierende Gesang, der sich gekonnt von den rauen und harmonischen Arrangements absetzt. Die Musik auf „Slomosa“ bewegt sich mal wie eine schroffe Brandung bei Flut und ist andermal dezent wie Sandanhäufungen in der Wüste. SLOMOSA verstehen es, die Zuhörenden an sich zu fesseln und mitzureißen. Da könnte man manchmal ganz vergessen, dass das Album an sich gar nicht soooo innovativ ist. Der Desert Rock wird weder neu erfunden noch revolutioniert. Nichtsdestotrotz bereitet es wirklich viel Freude, dieses kurzweilige Album mehrfach durchlaufen zu lassen.

SLOMOSA auf Bandcamp

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Auf ihrem ersten Album bedienten MAYA MOUNTAINS noch reichlich Kifferklischees. Das 2009 erschienene Werk trug den Namen „Hash and Pornography“ und enthielt Titel wie „My TV, My Sofa, My Food“. Danach konzentrierten sich die drei Musiker aus Venedig erstmal wieder auf andere musikalische Projekte. Vor fünf Jahren machten sich Marco Bortoletto, Emanuel Poletto und Alessandro Toffanello wieder gemeinsam an die Arbeit an neuer Musik. Es sollte ein langer Schreibprozess werden, durch den ein in sich stimmiger Output entstehen sollte. Zwischen fantastischen Traumwelten, bretternden Riffs und neu gefundener Stärke wurde letztendlich ein krachend lautes Themenalbum produziert.

Wo bin ich hier aufgewacht?

Das zweite Album von MAYA MOUNTAINS erzählt die Geschichte des Enrique Dominguez, welcher im ersten Track vorgestellt wird. In dieser grenzüberschreitenden Erzählung erwacht Dominguez in einer Wüste, nachdem der Landstreicher einen Zeitsprung erlebt hat. Schnell stellt er fest, dass diese Welt nicht sein Heimatplanet ist. Noch schlimmer ist, dass der Fremde Himmelskörper ihn nicht freudig zu erwarten scheint. Der unfreiwillige Reisende durchlebt heftige Halluzinationen, als er durch eine verlassene Stadt wandert. Dort sieht er, dass er nicht alleine ist. Minotauren und Cerbera tauchen auf und machen sich auf die Jagd auf Dominguez, da sie das Verlangen verspüren, dessen Blut zu trinken. Verängstigt findet sich der verwirrte Passagier auf einem heiligen Turm wieder, wo ihm ein Zauberer begegnet. Mit einer Katzenmaske wiederholt er die heiligen Gesänge des Fremden, bis sich Enrique Dominguez in einen Himmelskörper verwandelt und fortan ewig seine Bahnen zieht.

Trippy, fuzzy, loud

Die Geschichte, die das Album erzählt, könnte sowohl aus luziden Träumen, halluzinogenen Drogenerfahrungen oder echt guten Drehbüchern stammen. Darüberhinaus vertonen MAYA MOUNTAINS diese abgefahrene Geschichte, genau so wie sie sich anhört. Kratziger Stoner und Desert Rock mit maximal überdrehtem Fuzz brennt heiß wie tausend Sonnen, während psychedelische und echolastige Harmonien durch Zeit und Raum schweben. Musikalisch liegt das zweite Album der drei Venezianer grob zwischen BLACK SABBATH, HERMANO, den MELVINS und DAILY THOMPSON. Trippiger Wüstensound mit Hang zum Raketenstart verzahnt sich mit mitreißenden Wachträumen.

Ab Mitte April wird „Era“ als CD, LP und als Download über das Label Go Down Records erhältlich sein. Wer sich gerne in Musik verliert oder sich von psychedelischen Jams treiben lässt, sehr viel Freude mit diesem Album haben. Auch Stoner Rock Fanatiker können Gefallen an „Era“ finden, sofern ihnen die psychedelischen Ausreißer nicht zu viel werden. Als großes Finale haben MAYA MOUNTAINS nämlich zu Ende des letzten Tracks „El Toro“ noch ein ganz besonders abgefahrenes Schmankerl eingebaut.

MAYA MOUNTAINS auf Facebook

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Das sechs Tracks starke Album „Swamp King“ von Little Albert gehört im Rahmen des Silence Magazin definitiv in die Sparte „something completely different„. Man könnte es auch als eine schöne Abwechslung bezeichnen, denn Suffixe wie „Metal“ oder „Core“ sucht man hier vergebens. Dabei sollte Sänger und Gitarrist Alberto Piccolo Fans von extravagantem Doom Metal von der Band MESSA bekannt sein, wo er seit 2014 an der Gitarre steht. Mit dem innigen Drang, wieder mehr musikalische Varianz zu erleben, stampfte Alberto das Nebenprojekt LITTLE ALBERT aus dem sumpfigen Boden.

Fuzz, Desert Rock und Psychedelic

Zusammen mit seinen Mitstreitenden Christian Guidolin und Mattia Zambon hat sich der gelernte Jazz Gitarrist dem Swamp Blues verschrieben. Dieser eventuell nicht allen Lesenden geläufige Begriff bezeichnet schweren Blues, welcher sich mit psychedelischen Elementen verbindet und Genres wie Desert Rock oder Stoner Rock anverwandt ist. Als weiteren Tipp zum reinhören, möchte ich daher auch empfehlen, ein Ohr auf die Band PRETTY LIGHTNING zu werfen.
Was LITTLE ALBERT auf ihrem Tonträger von sich geben, ist eine massive, kratzig-staubige und behäbige Reise durch Genres und unendliche Weiten. Eine weit übersteuerte Blues Gitarre treibt auf dem Antrieb aus Fuzz und Psychedelic durch knochentrockene Wüsten- und Sumpflandschaften. Dabei kommen in einigen stockenden Passagen immer mal wieder Einwürfe aus dem Doom dazu, ohne jedoch metallen zu werden.

Von der Einöde zur Oase

„Swamp King“ beginnt mit dem äußerst gemächlichen Titeltrack: einer zeitlosen Blues Nummer, die sich nicht vor Szene Größen verstecken muss. Nach dem einleitenden Stücken nehmen LITTLE ALBERT Fahrt auf. Geschwindigkeit, Zerre und Fuzz nehmen von „Bridge of Sighs“ bis zur vorletzten Nummer „Mary Claire“ in kleinen aber spürbaren Schritten zu. Aus sumpfigem Blues wird zunehmend staubiger Wüstenrock der Marke WAXY oder THIS WHITE ROPE. Und gerade wenn man denkt, jetzt ist es soweit, dass LITTLE ALBERT doch noch bei metallenem Sound ankommen, kommt es zur letzten schönen Überraschung. Mit dem Track „Outside Woman Blues“ schließt das Album durch eine lupenreine und wunderschöne Blues Rock Nummer.

Es ist, als würden LITTLE ALBERT über die ersten Lieder ihres Albums mit schwerer Ladung durch weite Flächen aus Wüste und sumpfigen Landschaften wandern. Auf dieser Reise erzählt der „Swamp King“ nicht nur an der „Bridge of Sighs“ seine Geschichten. Die handeln von „Mary Claire“ oder der „Mean old Woman“. Beim letzten Track klingt es wiederum, als sei die Reise an einer erfrischenden Oase angekommen. Und das Wort Oase würde ich hier problemlos mit Bar Synonym setzen.

Zum Hören oder Kaufen geht ihr am Besten auf die Bandcamp Seite von LITTLE ALBERT.

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Tja, was soll ich zu dieser Kapelle noch großartig sagen. FU MANCHU ist eine der, wenn nicht sogar die konstanteste Stoner Rock-Band, die auch heute noch existiert und es schafft, seit ihrem ersten Album „No One Rides For Free“ (1994) Knalleralben am Fließband abzuliefern. Ok, in den letzten Jahren lief das Fließband schon deutlich langsamer und so haben sich die Jungs für „Clone Of The Universe“ ganze 4 Sonnenumrundungen Zeit genommen.

„Fu Manchu“ – ein uraltes Familienrezept

Das Erfolgsrezept von FU MANCHU hat sich seit mittlerweile über 20 Jahren nahezu kaum verändert. Die tragenden Säulen bleiben weiterhin eine gute Portion Punk, drückend-schleppende Gitarrenriffs und sozusagen das Maggi in der Suppe: ihre kalifornische Leichtigkeit. Diese Lässigkeit zieht sich wieder durch das komplette Album und doch passiert gegen Ende etwas total Unvorhergesehenes. „Kurz, knapp und auf den Punkt!“ war schon immer das Motto der Jungs um Sänger und Gitarrist Scott Hill. Und dann wird mit „Il Mostro Atomico“ eine über 18-minütige Klangreise auf die Wüstenjünger losgelassen. Hätte ich vorher nicht gewusst, wen sich FU MANCHU hier als Gastmusiker mit an Bord geholt haben, hätte ich es wahrscheinlich nach spätestens einer Minute erahnt. Kein Geringerer als RUSHs Alex Lifeson wurde eingeladen, um der neuen Platte eine satte Ladung Space unterzumischen. Ich werde jetzt schon ganz nervös, wenn ich daran denke, wie dieser „Trip“ auf der im März stattfindenden Tour auf mich wirkt. Solche Odysseen hätte es in meinen Augen schon viel eher mal geben dürfen.

Anspieltipps: „(I´ve Been) Hexed“ + „Il Mostro Atomico“

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Bereits bei seiner Premiere im letzten Jahr wurde das Under The Black Moon Festival im Münchner Club Backstage ein riesiger Erfolg. Neben Festivalstammgästen wie TRUCKFIGHTERS, THE SKULL, STONED JESUS oder THE VINTAGE CARAVAN, gesellten sich auch wahre Szeneperlen wie BELZEBONG, ALL THEM WITCHES oder MARS RED SKY dazu.

Und auch in diesem Jahr hat sich der Veranstalter nicht lumpen lassen, eine sehr ausgewogene Bandzusammenstellung zu buchen! Neben ELECTRIC WIZARD gehören 1000MODS, SAMSARA BLUES EXPERIMENT, MANTAR und SATAN´S SATYRS zu meinen absoluten Höhepunkten des diesjährigen Billings.

ACHTUNG: KEIN APRILSCHERZ!!!

Bei uns habt ihr jetzt exklusiv die Möglichkeit, 2×2 Gästelistenplätze für dieses grandiose Indoor-Festival zu gewinnen!

Und so gehts:

Kommentiere einfach unter diesem Beitrag, welche Band/s du dir auf diesem Festival auf gar keinen Fall entgehen lassen möchtest! Bis zum 18. März erfährst du von uns, ob du einer der glücklichen Gewinner bist.

Hier nochmal das komplette Line-Up

ELECTRIC WIZARD
SAMSARA BLUES EXPERIMENT
MANTAR
1000MODS
MOTHER´S CAKE
CULT OF THE BLACK MOON RISIN´
SATAN´S SATYRS
HIGH FIGHTER
PRISTINE
VAN DRUNEN
DUNE PILOT
ELEPHANTS FROM NEPTUNE
GODSGROUND
BRAINDEAD WAVELENGTH
TAMING THE SCREW
SWAN VALLEY HEIGHTS

Viel Glück bei dem Gewinnspiel wünscht euch euer SILENCE-TEAM

Um euch die Wartezeit noch etwas zu verkürzen, gibts noch ein kleines Video von ELECTRIC WIZARD, um euch einen kleinen Einblick auf das Kommende zu gewähren!

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So, mal wieder Review-Zeit im Hause Promillo! Schon seit Tagen bekomme ich auf Facebook Werbung des neuen FREEDOM HAWK-Albums. Also mal die Promoliste durchforstet und siehe da, wir haben die Platte tatsächlich zugesandt bekommen. Also den guten alten Windows Media Player startklar gemacht und das Album durchgehört. Klingt sogar richtig gut! Problem: „Sunlight“ von FREEDOM HAWK stammt ursprünglich aus dem Jahr 2009 und wurde nun nochmal neu aufgelegt!

„Junge Junge Junge Junge Junge…“ Ronny Schäfer

Und jetzt? Wie weiter? Nachdem ich das Review im Kopf schon geschrieben habe, wird die Festplatte zurückgesetzt. Jetzt brauch ich was leicht Verdauliches! Da trifft es sich, dass ja so manches ehemalige KYUSS-Mitglied in schöner Regelmäßigkeit neue Alben rausbringt. Nein, ich schreibe jetzt nicht über die aktuelle BRANT BJORK-Platte, die jetzt auch schon wieder fast in halbes Jahr auf dem Markt ist. Nein, es geht um die Stimme! JOHN GARCIA hat mit „The Coyote Who Spoke In Tongues“ sein zweites Album aus der Wüste exportiert.

Und wo wir gerade beim Thema Re-Release waren… Stolze 9 Songs finden sich auf der neuen Platte wieder. Allerdings nur 5 komplett neu geschriebene Titel! Die übrigen 4 Titel sind Akustikversionen von den KYUSS-Hits „Green Machine“, „Gardenia“, „El Rodeo“ und „Space Cadet“.

Ein großes deutsches Musikmagazin schrieb, dass GARCIA mit den neu interpretierten KYUSS-Klassikern Gefahr läuft, das Vermächtnis seiner Kult-Band zu entzaubern. Verstehe ich überhaupt nicht. Im Gegenteil! Der alte Wüstenfuchs beweist mit „The Coyote Who Spoke In Tongues“ mehr denn je, dass seine ehemalige Ausnahmeband immer noch fester Bestandteil in seinem musikalischem Schaffen ist. Genauso gut könnte man den Spieß umdrehen und die 5 neu komponierten Songs in ein fuzziges, basslastiges E-Gitarren-Gewand kleiden. Der Großteil der Stoner Rock-Szene würde wahrscheinlich vermuten, dass sich die Konfliktparteien JOSH HOMME vs. JOHN GARCIA nun endlich mal gemeinsam an den Tresen gesetzt und in dichtem Kneipendunst das Kriegsbeil begraben haben. Darauf werde ich vermutlich noch ewig warten müssen.

Mit „Kylie“ wird „The Coyote Who Spoke In Tongues“ gleich mal genauso trocken gestartet, wie JOHNs Heimat, das kalifornische Palm Desert, ist. Wie immer ist seine Stimme unverkennbar und ich weiß sofort, woran ich bin. Das Highlight des Songs ist ohne Frage der Refrain, der von einem unglaublich griffigen Gitarrenriff lebt. Irgendwie erinnert mich diese Passage an TENACIOUS D. Liegt wohl am Gesang und dem akustischen Geklampfe.

„Green Machine“- der absolute Überhit! Nachdem ich mir die neue Version zum ersten Mal gegeben habe, krieg ich gleich wieder richtig Bock auf diesen Song. Nach 5 Livevideos jetzt wieder zurück zum aktuellen Geschehen. Mit sehr viel Gefühl wird die „grüne Maschine“ vorgetragen, ohne aber in nur einer einzigen Sekunde den ursprünglichen Spirit zu verlieren. Selbiges gilt auch ohne Abstriche für „Space Cadet“, „Gardenia“ und „El Rodeo“.

„Give Me 250ML“ hat da schon deutlich weniger Hitpotential. Dennoch überzeugt er mich durch seine Tieftönig- und Tiefgründigkeit. „The Hollingsworth Session“  hätte sich, vertont mit elektrischen Instrumenten, ohne überstehende Kanten in egal welches Album der KYUSS-Diskografie eingefügt. Und genau das ist es, wovon dieses Album lebt: der Geist!
Wenn mich jemand fragt:

Ey Promillo, wie klingt eigentlich die Wüste?

Wie Wüste klingt, willst du wissen? Dann hör die mal „Argleben II“ an. Hier hörst du alles, was dir die Wüste bietet. Einerseits Tristesse, auf der anderen Seite aber auch die pure Lebhaftigkeit. JOHN GARCIA ist einfach ein Meister darin, jedes einzelne Sandkorn der Wüste Kaliforniens aufzugreifen und zu vertonen. „Court Order„ bringt das Album dann auch leider schon wieder instrumental-akustisch zum Ende.

Kleiner Tipp zum Ende:

Du hörst unglaublich gern Stoner Rock und willst deine/n Partner/in auch mit diesem Virus infizieren, obwohl sie/er eher auf die sanfteren Klänge steht? Dann ist „The Coyoto Who Spoke In Tongues“ genau das richtige für euch. Ihr werdet zu 100% auf eure Kosten kommen. Beide!

JOHN GARCIA auf FACEBOOK

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Denn am 7.10. hat der Rockpool e.V., der zumindest in meiner Vergangenheit schon für zahlreiche schöne Konzertabende sorgen konnte, zwei hochkarätige Gäste geladen.

Zum einen spielen die französischen DOT LEGACY. Das Quartett tritt bereits zum dritten Mal in den hallenser Hallen auf und das zu Recht, denn die Jungs wissen definitiv zu überzeugen. Die 2009 gegründete Band spielt eine sehr eigenwillige Mischung aus angeprogtem Post Rock, Stoner und Funkeinflüssen. Auch wenn diese Mixtur verschriftlicht etwas verkopft und krude wirkt, kann ich nur unterstreichen, dass die Franzosen live definitiv zu unterhalten wissen, was sie bei den bereits hier absolvierten Konzerten ohne Zweifel unter Beweis stellen konnten. In diesem Sinne: willkommen zurück, Jungs!

Bei der zweiten Band des Abends handelt es sich um VALLEY OF THE SUN, die ihr Weg aus Cincinatti, Ohio, auch zu uns führt, um die Hörerschaft mit ihrem Desert Rock zu erfreuen. Das Dreiergespann verfügt über unverkennbaren Retrocharme, der merklich zu den Urvätern von KYUSS emporschielt, dabei aber genügend Eigenständigkeit mitbringt um nicht in die Belanglosigkeit abzudriften. Nach dem Abwechslungsreichtum der Franzosen werden VALLEY OF THE SUN somit wieder für etwas mehr Ruhe – oder besser: Geradlinigkeit sorgen.

Die beiden Bands werden an diesem Abend für eine interessante Mischung sorgen, denn sie erscheinen nicht zu gleichförmig und verfügen gleichzeitig immer noch über genügend gemeinsame Nenner, um Fans der einen Band auch die jeweils andere schmackhaft zu machen.

Der Eintrittspreis wird bei 5€ (+freiwillig mehr) liegen, Einlass ist um 20:00 Uhr, Beginn um 21:00 Uhr.

Wir sehen uns am 7.10.!

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DOT LEGACY FB

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Rockpool FB

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