Bei sieben kleinen und unabhängigen Labels von drei Kontinenten auf der Nordhalbkugel erscheint dieses zwanzigminütige Album. Es ist das Erstlingswerk der Band BASQUE aus Kitchener in Ontario, und es kann auf Schallplatte, Kassette, CD, und natürlich als digitale Version angehört haben. In sieben kurzen Stücken setzt sich das kanadische Quartett mit dem Leben im Zeitalter des späten Kapitalismus auseinander. Dabei geht es um Konsum und Sucht, um falsche Entscheidungen, Ausübung von Macht, Unterdrückung, und die schiere Endlosigkeit aus weißen Rauschen und Melancholie, auf die wir zusteuern. Der Albumtitel ist schon mal gut gewählt, denn hier geht es um den allgegenwärtigen Schmerz.

Lärmen gegen die Entbehrungen

Die Thematik des Albums ist in der gegenwärtigen Kunst keine Seltenheit. Möglicherweise sollte uns das zum Nachdenken anregen. Nichtsdestotrotz ist ja das Schöne an der Kunst, dass sie so viele Facetten anbietet, Missstände anzuprangern. In Fall von BASQUE und ihrem Debutalbum „Pain Without Hope Of Healing“ haben wir es also mit einer zwanzig Minuten lang dauernden musikalischen Dekonstruktion zu tun. BASQUE schütteln alles durch, was ihnen in den Weg kommt, und wechseln mit der Energie von überschäumenden Emotionen Tempo, Takt und Stimmung. Gelegentliche Ausflüge in ruhige, melancholische Passagen wie im Lied „Funeral For A Mouse“ drücken neben all der musikalischen Gewalt noch zusätzlich auf die Tränendrüse.

Verzweifelte Schläge

Was hier vertont wurde, sind Befreiungsschläge und verzweifelte Versuche, sich aus der unheilvollen Melancholie des Seins im Spätkapitalismus zu befreien. BASQUE präsentieren die Klangwelt des Versuchs, ein richtiges Leben im Falschen zu führen, und des damit verbundenen Scheiterns. Zwischen den Welten von Powerviolence und Screamo vermitteln sie in emotionaler und zerstörerischer Weise, dass es so, wie es ist, nicht weitergehen kann.

bandcamp Profil von BASQUE

Das Promo Material wurde uns mit freundlicher Unterstützung von No Funeral Records zur Verfügung gestellt.

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Seit ihrer Gründung vor zehn Jahren haben LUTHARO aus Hamilton, Ontario zwei EPs und ein Album in Eigenregie veröffentlicht. Zwischen dem Release des Debutalbums „Hiraeth“ und jetzt gab es noch ein paar kleine Änderungen in der Besetzung, und jetzt präsentieren sich LUTHARO stolz und kraftvoll auf ihrem zweiten Langspieler „Chasing Euphoria“. Beim deutschen Label Atomic Fire Records gibt es das Release auf Schallplatte, auf CD sowie zum Download. Die Band wiederum macht sich direkt nach dem Release zusammen mit WICKED, VICIOUS RUMORS, und RAVEN auf eine mehrwöchige Tournee durch die USA und Kanada.

Ein bunter Cocktail

„Chasing Euphoria“ ist ein äußerst abwechslungsreiches Album. Die Rhythmus-Sektion treibt sich zumeist in den Gebieten von Heavy Metal und Thrash Metal herum, während viele Gitarrenriffs in Richtung Melodic Death Metal reisen. Hier kommt der Gesang von Krista Shipperbottom sehr gut zum Einsatz, denn die Sängerin ist vom melodischen Klargesang bis zum giftigen Guttural-Schrei vielseitig fähig. So wechseln sich harmonische Hooklines, die zum Mitsingen und Feiern einladen gerne mit halsbrecherischen Headbanging-Passagen ab. Fließende Übergänge, die wie ein warmes Messer durch Butter gleiten kommen hier ebenso vor wie scharfkantige Themenwechsel, die für kleine Überraschungen sorgen.

Goodbye, Subkultur!

Mit „Chasing Euphoria“ haben LUTHARO ein Album zusammengestellt, dessen Musik für die großen Bühnen, für Feiern, und für ein breit aufgestelltes Publikum gemacht ist. LUTHARO treten selbstbewusst aus den Katakomben der Subkultur heraus und beweisen einmal mehr, dass Genres wie Melodic Death und Heavy Metal sehr wohl Menschen im popkulturellen Bereich bewegen können. Großartige Produktion trifft auf ausgefeiltes Songwriting und auf eine vielfältige Klanglandschaft, die ein weites Feld inner- und außerhalb der Genregrenzen des Heavy Metal abdeckt.

Vielleicht zu viel? Viellicht ja. Es ist sehr wahrscheinlich, dass LUTHARO mit „Chasing Euphoria“ einen entscheidenden Durchbruch schaffen, und womöglich wird sich der Stil danach auch wieder verfeinern. Derzeit wirkt es fast, als würden sie versuchen, auf zu vielen Hochzeiten gleichzeitig zu tanzen. Starke Unterhaltung bieten sie allemal.

Homepage von LUTHARO

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C Squared Music zur Verfügung gestellt.

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Metalbands, die sich nach alten Gottheiten benennen, sind nichts Neues. Metalalben, auf denen es um historische oder mythische Themen geht, sind ebenfalls kein Novum. Man denke hier nur an Kapellen wie HELLOWEEN oder METAL CHURCH, die christliche Predigten mit Heavy Metal vertonen. Und dann sind da natürlich noch die ganzen modernen Wikinger:innen, die das germanische Heidentum verehren. Das Geschlecht griechischer Gottheiten wiederum scheint ebenso unterrepräsentiert oder schwer sichtbar wie Bands, die sich nach weiblichen Gottheiten benennen. Zum Glück gibt es APHRODITE, das Speed Metal Punk Trio aus dem kanadischen Ottawa. Jo Steel (Schlagzeug, Bass, Gitarre), Brennan Whitworth (Lead Gitarre) und Tanza Speed (Gesang) haben mit „Orgasmic Glory“ ihr zweites Album veröffentlicht, welches auf das 2019er Debut „Lust and War“ folgt.

Troja steht in Flammen

Auf acht Stücken lassen APHRODITE die griechische Antike aufleben. Wie auch schon auf dem vorherigen Album handeln die Texte der acht Stücke von den Wirrungen und Irrungen der mythologischen Erzählungen um Olymp und Erde. Im Opener „Troy is burning“ geht es um die Schlacht, bei welcher Agamenon, Achilleus und Diomedes zusammen mit vielen anderen die Stadt Troja belagerten und letztendlich durch eine List eroberten. Ein Pferd kommt auch in der Geschichte vor. Auch der Herakles findet seine Würdigung auf dem Album, ebenso wie die phönizische Königstochter Europa, die einst von Zeus nach Kreta entführt wurde. Es ist also ein Album, an dem auch Interessierte antiker Geschichte ihre Freude haben werden, wenn sie beim Lernen gerne Speed Metal hören.

Schneller als Hermes

Musikalisch zeichnet sich „Orgasmic Glory“ vor allem durch die unbändige Geschwindigkeit aus. Hier steht nicht nur „Speed Metal“ drauf – APHRODITE schießen auch kräftig nach vorne, sodass kein Streitwagen oder fliegender Götterbote hinterher käme. Die flinken Riffs kommen ohne übermäßige Zerre aus und flitzen mit der Intensität ganzer Pfeilhagel über die Griffbretter von Gitarren und Bass. Besonders im Schlagzeug merkt man darüberhinaus einen starken Punk Rock Einfluss, womit das Album sich gut für einen Moshpit olympischen Ausmaßes eignet. Somit ist „Orgasmic Glory“ kurzweilig, unterhaltsam und ohne Frage um Längen besser als der Film „Troja“ mit Brad Pitt als Achilles.

APHORODITE auf Bandcamp

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Da haben wir es nun: das vierte Album des kanadischen Metalcore-Schwergewichts OBEY THE BRAVE. Das ziemlich rote Werk nennt sich „Balance“ und wird von vielen Fans heiß erwartet. Ich persönlich konnte mich bisher nie als solchen bezeichnen. Aber in letzter Zeit kam es des Öfteren vor, dass ich auch von Bands überrascht wurde, die ich eigentlich nie so wirklich in Dauerrotation hatte. Ich bin also wie immer völlig vorurteilsfrei und gespannt. 

KÜRZE MIT WÜRZE?

Direkt zu Beginn muss ich bereits zugeben, dass sich die erste Auskopplung „No Apologies“ wirklich heftig in meine Ohren frisst. Ich mag das Intro des Songs, den Aufbau, die Wucht und den melodiösen Chorus. Sollte sich der Trend auf Albumlänge fortsetzen, bin ich sehr zuversichtlich, dass auch OTB mich als Stammhörer gewinnen könnten. Aber wo wir gerade von Albumlänge sprechen, schaut mal in den Header. Nicht einmal eine halbe Stunde ist bissl kurz, oder? Nun gut, muss ja nicht unbedingt den Gesamteindruck trüben, wenn die Songs alle ein Kaliber wie Nummer 1 haben. Prinzipiell ist das auch so, allerdings nur auf handwerklicher Seite. Denn die Instrumentierung und generell die Spielfreude der Band sind auf höchstem Niveau. Was mir allerdings fehlt, ist zum einen die Abwechslung und zum anderen diese starke Eingängigkeit besagten Songs. Die restlichen Stücke verfügen alle über melodiöse Parts, besonders die Refrains sind top, aber eben nicht herausragend. In Gänze betrachtet ähneln sie sich auch zu sehr, weshalb „Balance“ zwar durchgängig gut ist, aber für mich keine weiteren Highlights bietet. Das fällt besonders ins Gewicht, weil der Auftakt so überzeugend ist, schade. 

Ein Punkt, der mich auch seit dem ersten Kontakt mit der Band ein wenig gestört hat, wird auch hier leider nicht ausgebügelt. Ich tu mich nämlich mit den Vocals außerhalb der Refrains manchmal etwas schwer. Es sind allerdings nicht die Shouts an sich, sondern eher die ungeschrienen Parts, die immer mal auftauchen. Ich kann es schwer erklären, aber das ist mir einfach nix. Erinnert mich manchmal an Rap, manchmal an Punk oder Hardcore. Auch Live ist mir das schon sauer aufgestoßen. Das ist aber wohl eher eine Macke meinerseits, also bitte nicht übel nehmen. Auf der anderen Seite find ich’s ziemlich cool, dass mit „Calme Le Jeu“ wieder ein Song in französisch dabei ist. Das hat schon irgendwie Charme, wenn man bedenkt, dass jeder Satz in dieser Sprache wie eine Liebeserklärung klingt und das in dem Genre nun eher untypisch ist. 

offizielle Website 

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Und erste Male bergen doch eine ganz besondere Vorfreude, gell?

Wie auch die „Akroasis-Tour“ (hier unser Bericht aus Dresden 2016) ist die aktuelle Tour mit spannenden Supportbands ausgestattet und mit unter 30€ pro Ticket nach meinem Empfinden äußerst erschwinglich! Meine Fresse – eine deutsche Band, drei Bands aus Übersee, eine davon aus Kanada. Hört sich schon mal gut an, nicht wahr?!

Das Album selbst, „Diluvium“, ging irgendwie recht großzügig an mir vorbei. Überraschend. Denn nachdem mich „Akroasis“ so richtig mitgenommen hat, habe ich nicht wirklich intensiv beim 2018er Album hingehört. Aber ich werde im Vorlauf des Konzerts aber meine Hausaufgaben machen und das nachholen.

Erfahrungsgemäß werden die Jungs live bei mir ganz sicher für feuchte Augen sorgen können. Ihre Präzision und Ausstrahlung ist hinreißend. Kein reines Griffbrettgewichse sondern auch Show liefern sie ab. Für mich ganz klar eine Band, die es sich lohnt, sowohl live als auch von Platte zu genießen. Schließlich haben sie sich in den inzwischen 17 Jahren Bandbestehen nicht umsonst einen Namen in der Szene gemacht

Eine Vorfreude, die ich bei den Supportbands so 100%ig sicher noch nicht teilen kann – da ich diese schlicht noch nie habe spielen sehen. Nein, auch FALLUJAH nicht, die diese Tour sicher gut als Promotion für ihr am 15. März erscheinendes neues Album nutzen können.

FALLUJAH ist so eine Band, die mir seit Jahren ans Herz gelegt wird. Und ich habe es auch immer wieder mit ihnen versucht. Habe mich sowohl durch „The Flesh Prevails“ als auch „Dreamless“ der Kalifornier gehört. Versucht, einen Ansatzpunkt zu finden, mich tiefergehend damit zu befassen. Bisher hat es noch nicht gefunkt. Nun, im März folgt „Undying Light“, neuerdings mit Antonio Palermo am Mikro. Und auch damit werde ich es wieder versuchen. Genau wegen dieser Startschwierigkeiten freue ich mich erst recht, die Tech Deather endlich live abfassen zu können.

Vielleicht eröffnet mir das Liveerlebnis ja einen neuen Blick auf deren Musik.

Mit in den Reigen gesellen sich ALLEGAEON (die sich auch schon in unser „Cover des Monats“ geschlichen haben), welche mir auf den ersten Hörer direkt besser schmecken als FALLUJAH. Frickelig und melodiös und blastig – drückt schön die Falten ausm Gesicht. Und das ganz ohne Rumgedjente. Aber auch mit weniger Atempausen. Das soll also „Technical Melodic Death Metal“ sein? Aha. Gut. Dann nehme ich diese Klassifizierung einfach mal an und sage, dass ich solche Spielereien mag. Der Auftritt des Fünfers aus Colorado wird sicher äußerst „intense“, wie der Ami vermutlich schnöselig formulieren würde.

Als ich den Namen der dritten Supportband, FIRST FRAGMENT, lese, klingelt es irgendwo bei mir im Hinterstübchen. Auch die sind mit im „Diluvium“-Gepäck. Woher kenne ich die Kapelle? Der Name kommt mir so bekannt vor! Aber das kann eigentlich gar nicht sein. Denn sie betouren das erste Mal Europa. Eine Tech Death-Band aus Kanada, die seit Gründung 2007 zwar schon einige Jahre auf dem Buckel, aber erst ein einziges Full Length Album veröffentlicht hat.

FIRST FRAGMENT überrollen mich hier zunächst mit der harten Brutalität in den Vocals. Ihrer Rotzigkeit und Rohheit. Darunter bewegt sich alles hochverschlungen in einem wahnwitzigen Tempo. Etwas wird dieser Fön dank weicher Unterfütterung durch Fretless-Bass-Sounds wieder etwas abgemildert. Groovige Einschübe gibt es auch? Okay. Macht mal! Bei den Jungs bin ich wirklich gespannt, wie meine Reaktion sein wird. Feuchte Augen dank technischer Finesse oder Flucht nach Vorn aufgrund unhörbarer Frickelei oder wahlweise Vocals?

Egal, wie ich persönlich dann die Bands einschätzen werde – es wird sicherlich ein tolles Zusammentreffen fähiger Musiker sein. Sowohl auf als auch vor der Bühne. Ich bin gespannt, wie viele mitten in der Woche ins Conne Island pilgern. Ich hoffe, so manche! Schließlich gibt es eine solch frickellastige und transkontinentale Bandzusammenstellung nicht aller Tage.

Hier geht es zu den Webseiten der Bands: OBSCURA, FALLUJAH, ALLEGAEON und FIRST FRAGMENT

Die kommenden Tourdates:

02/17 – Aarau, CH @ KiFF 
02/18 – Vienna, AT @ Arena 
02/19 – Leipzig, DE @ Conne Island 
02/20 – Berlin, DE @ Lido
02/21 – Hamburg, DE @ Logo
02/22 – Oberhausen, DE @ Kulttempel
02/23 – Salzburg, AT @ Rockhouse

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Während ich diese Review schreibe, bin ich auf dem Weg zu einer Trauerfeier. Es ist Ende November, der Himmel ist so getrübt, dass es schwer fällt, zu sagen, wie spät es ist. Der Zug kämpft sich quer durch kahle Laubwälder, die leblos anmutenden Äste der nackten Bäume stechen wie Mahnmale in den kalten Nebel, der sich in den Tälern wie ein lähmendes Gift breitgemacht hat.

Sogar das sonst so unverwüstliche Ufergestrüpp der Elbe hat sich dem Winter hingegeben. Und je tiefer ich ins Land hineinfahre, desto dichter mischt sich der Schnee, in dem sich das dreckige Weiß des Himmels zu spiegeln scheint, mit verrottenden Buchenblättern.

Der Soundtrack zu diesem Moment? WOODS OF YPRES.

Obwohl die ganze Diskografie dieser Band dafür hinhalten könnte, habe ich mich für „Woods 5: Grey Skies and Electric Lights“ entschieden. Der letzte Atemzug des Werkes einer einzigartigen Band, das viel zu früh und tragisch sein Ende gefunden hat.

Überschattet wird der Release des 5. Albums (beziehungsweise 4. Studioalbums) von WOODS OF YPRES von dem tragischen Ableben des Sängers David Gold. Nur zwei Monate vorher stirbt der Gerüchten zufolge von Depressionen heimgesuchte Sänger mit nur 31 Jahren – vermutlich – an den Folgen eines Autounfalls. Möglicherweise war es eine Kollision mit einem anderen Auto, nachdem er aus seinem ausgestiegen war, die ihn das Leben kostete. Genaueres ist leider nicht bekannt – sein Tod wird für die Fans wohl immer mit Spekulationen verbunden sein.

When I die, just kiss my ashes goodbye

Denn wie schon erwähnt, wurde der Mann mit der goldenen Stimme wahrscheinlich selbst von bösen Geistern geplagt – das zumindest schließen seine Fans aus seinen Tweets und Texten. Deren Themen reichen von Selbstzweifeln über emotionale Abgründe bis zum Suizid. Allerdings standen Songs wie „Kiss My Ashes (Goodbye)“ stets Seite an Seite mit Songs wie „Death Is Not An Exit“. Es scheint also, als wäre die Musik von WOODS OF YPRES das Vermächtnis eines stetigen Kampfes gegen die bösen Geister.

Abseits der traurigen Umstände lohnt es sich aber natürlich auch, den Fokus auf die musikalische Leistung der Band zu legen. David Gold war WOODS OF YPRES‚ einziges stetiges Mitglied und hat die musikalische Entwicklung der Band damit maßgeblich geprägt. „Woods 5: Grey Skies and Electric Light“ bewegt sich im Vergleich zu seinen Vorgängern stärker im Gothic- und Melodic-Doom-Bereich und verarbeitet weniger Black Metal Elemente, was der Stimmung des Albums aber keineswegs schadet. Gerade Freunde von TYPE 0 NEGATIVE und Co. dürften sich mit der Scheibe sehr wohlfühlen. Stimmlich bewegt sich Sänger Gold zwischen Gesang im Steele-ähnlichen Bass-Baritonbereich bis hin zu Growling und Screams in den härteren Songs. Allerdings ist die Gesamtstimmung der Scheibe eher bedrückend und langsam gehalten.

You are too rich for hate and I’m too poor to love

Ich denke, jeder, der in seinem Leben schon einmal Probleme mit sich selbst, seinem Leben oder seiner Beziehung hatte, wird auf diesem Album fündig werden. Zu meinen persönlichen Favoriten gehört beispielsweise „Travelling Alone“, das sich unter anderem mit Glauben auseinandersetzt – einem Thema, das mich mein ganzes Leben beschäftigt hat und mit dem ich regelmäßig wieder konfrontiert werde. Der Mann, dessen Trauerfeier ich heute besuche, war sehr gläubig – und auch sehr jung. Ob er in seinen letzten Stunden Kraft aus seinem Glauben schöpfen konnte?
Ich weiß es nicht. Aber es würde mich sehr interessieren.

Der ruhigste Song des Albums ist wohl „Finality“, ein Track, der mich mit seinen hoffnungsvollen wie tieftraurigen Klavier- und Geigenparts in einen lähmenden Zustand des Innehaltens versetzt. Aber WOODS OF YPRES machen nicht wirklich „nur“ traurig. Sie lassen dich trauern, um das Leben, die Liebe oder verschwendete Zeit, und sie nehmen dich in den Arm, um dich zu trösten. Als glänzendes Beispiel dafür steht der auf „Finality“ folgende letzte Track „Alternate Ending“. Der legt sich wie eine wärmende Decke um deine Schultern, nachdem die zusätzlichen 20 Sekunden Stille am Ende von „Finality“ dem Hörer schon das Ende des Albums suggerieren. „Alternate Ending“ wirkt wie Golds letzte Nachricht an den Hörer.

„In the end, was there anyone to share in your joy?
I woke up for years without you, to realize it was already over, for me„

„Am Ende, war da jemand, mit dem du deine Freude teilen konntest?
Ich bin jahrelang ohne dich aufgewacht, um zu realisieren, dass es für mich schon vorbei war.“

Um es kurzzufassen: Kämpft für das, was Ihr liebt. Das Leben ist kostbar, und es ist so kurz. Irgendwann ist es vielleicht zu spät, den richtigen Weg einzuschlagen.

Holding on…

Ich denke, das Album lädt jeden seiner Hörer ein, sich mit sich selbst und seinem Leben zu beschäftigen. Nehmt Euch eine ruhige Stunde und lasst die Hinterlassenschaften von David Gold und WOODS OF YPRES auf euch wirken. Schildert Eure Erfahrungen, wenn Ihr wollt. Ich bin neugierig.

Für alle Interessierten empfehle ich außerdem Songs wie „Shards Of Love“, „You Were The Light“ und „A Meeting Place And Time“. Hier findet Ihr das ganze Album auf Youtube.

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Quebec statt Skandinavien

Klingt der Anfang noch wie eine Bach Kantate im Rausch der Mitternacht, kommt das Duo aus Québec kurz danach mit der rabiaten Wahrheit ans Licht. Rasender, wütender Black Metal, den man unwissenderweise sofort in Norwegen verorten möchte. Mir fallen da auf Anhieb, auch wegen der Struktur und Länge der Songs, ELIMI ein, auch wenn das nun wieder Schweden und keine Norweger sind. Die kalte Atmosphäre die „De Horae Leprae“ schafft ist zwar nicht einzigartig, aber gepaart mit einer Produktion, die vielleicht ein klein wenig zu viele Höhen mitbekommen hat, findet die Schiebe durchaus Momente, die eine positive Gänsehaut zu erzeugen vermag.

Es ist ein wenig schwierig zu sagen: Das hier, das ist der Song des Albums. Vielleicht „Cantus III – Ichthus Os Tremoris“, aber das muss jeder für sich entscheiden, denn die einzelnen Songs sind für sich kompakt und in sich abwechslungsreich. Leichte melodiöse Untertöne sind unter all der Raserei auszumachen. Das macht die Songs einerseits nicht zu monoton, andererseits besteht nicht die Gefahr, dass man Angst haben müsste pompöse Phasen zu erleiden. Und doch komme ich leider nicht umhin zu sagen, dass, trotz aller Qualität, die Scheibe mit ihren 64 Minuten zum Ende hin ermüdet. Es setzt ein leichter Gewöhnungseffekt ein, der einen die Freude bis zum Schluss deutlich schmälert. Hier wäre weniger mehr gewesen.

Dennoch, DÉLÉTÈRE machen Spaß und ich bin froh sie entdeckt zu haben. Zwar war es keine Liebe auf den erste Hör, aber wenn man sich die Zeit nimmt, dann kann man das Werk für sich entdecken. Wer auf Black Metal der kanadischen Schule steht oder diese erst für sie entdecken möchte, dem sei dieses Album empfohlen. Es gibt genügend Mist, der den Weg ans Tageslicht findet und zu allem Überfluss auch noch gehört wird. Da sollte es Schade sein wenn die Arbeit der Jungs an „De Horae Leprae“ vergeblich war.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von Thomas

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Es gab mal eine Zeit, in der man mit Gitarren, die mehr als 6 bzw. Bässen, die mehr als 4 Saiten hatten, noch zu einer echten Exotenspezies gehörte. Einer dieser Exoten ist Chaoth, der mit seinem 9 saitigen Bass bereits 2005 für Aufsehen sorgte, da er das Instrument nicht einfach nur besaß, sondern es auch entsprechend spielen konnte – und zwar noch, bevor es cool war.

Zwölf Jahre später ist seine vorherige Hauptband UNEXPECT Geschichte und der Kanadier mit seinem neuen Projekt wieder auf der Bildfläche aufgetaucht.
Schon im Sommer 2015, ungefähr zu der Zeit, in der sich das Avantgardegespann auflöste, wurden Fragmente des neuen Schaffens im Netz gestreut und die Erwartungen geschürt.

Doch was kann die vier Track EP wirklich?

Ein bisschen Djent, ein bisschen Dub Step, ein Vocoder, der an Paul Masvidal und CYNIC-Großtaten denken lässt, ein bisschen Prog Metal, und hier und da Synthwave. Die Grundzutaten des Projekts VVON DOGMA I sind schnell ausgemacht. Allerdings sind diese nur vereinzelt so logisch und organisch ineinander verwoben, als dass die Mischung wirklich revolutionär wirken würde. Andererseits weisen die einzelnen Parts auch keine so abrupten und wahnwitzigen Breaks auf, wie es bei UNEXPECT der Fall war und dort genau aus diesem Grund faszinierte und funktionierte.

Retrospektiv betrachtet kann man Chaoths Anteil an den Songs seiner Vorband nun recht präzise heraushören, muss aber auch zugeben, dass der gute Mann im (fast) Alleingang nicht im gleichen Maße dazu imstande ist, Qualität zu liefern, obwohl ich mir sicher bin, dass es an Potential nicht mangeln dürfte. Beweis dafür ist zum Beispiel das schöne „The Mask“ und auch der Titeltrack weist durchaus geile Passagen auf. Aber eben nicht über die gesamte Länge, was bei einer knappen Viertelstunde schon bedenklich ist.

So bietet die erste VVON DOGMA I-EP zwar ein paar nette Häppchen, allerdings nichts wirklich Neues, was zahlreiche andere Djent/Prog/Experimental Bands nicht schon so oder so ähnlich gemacht hätten. Nur halt nicht mit einem 9Saiter Bass.

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Von Zeit zu Zeit lohnt es sich, den Blick über Europa hinaus schweifen zu lassen und zu schauen, welche aufstrebenden Bands sich auf anderen Kontinenten einen Namen machen. Dafür reicht es teilweise schon aus, bei hierzulande bekannten Labels nachzuschauen. Nachdem Napalm Records bereits 2015 das dritte Album der kanadischen Band UNLEASH THE ARCHERS herausbrachte, wurde am 2. Juli 2017 nun das zweite Album in gemeinsamer Kooperation und insgesamt das vierte Studioalbum der Band veröffentlicht. Insbesondere die Stimme der Frontsängerin Brittney Slayes erregte mit dem letzten Album meine Aufmerksamkeit, sodass auch ich mich mit Freude dem einstündigen „Apex“ zuwende.

Das Album

Bereits der erste Titel „Awakening“ erreicht genau das, was der Titel besagt. Mein Interesse erwacht sofort, als die energiegeladenen Gitarrenriffs mich wachrütteln. Es dauert nicht lange, bis mit Brittneys vielseitiger Stimme das größte Kapital der Gruppe ins Spiel gebracht wird. Es ist der Gegensatz aus dunkler Stimmfarbe und ihrer Befähigung, auch hohe Melodien mit enormer Kraft hervorzubringen, und damit eine fesselnde Wirkung entfacht. Durch einige Growls zwischen den Strophen angereichert, macht der gerade im Chorus verträumt anmutende Song früh Lust auf mehr.

Weniger verspielt steigt „Shadow Guide“ galoppierend mit einem Scream ein, ehe es in der Einleitung gesanglich zunächst ein wenig ruhiger zugeht. Es dauert aber nicht lange, ehe Brittney ihre Stimme erneut hebt und vermehrt Kraft in ihren Gesang legt, um im Refrain gewohnte Höhen zu erreichen, die durch die nun öfter eingesetzten Growling-Passagen hervorragend ergänzt werden. Der folgende Titel „The Matriarch“ hält von Beginn an das Tempo hoch, wirkt bedrohlicher und unterstreicht dadurch den Text, welcher von der mächtigen, angsteinflößenden Matriarchin handelt.

Damit wird der Weg gebahnt für „Cleanse The Bloodlines“, das nochmal deutlich düsterer und schwerer daherkommt und den Hörer genau durch diese Wirkung abzuholen weiß. Das sehr sparsam eingesetzte Growling, das sich hier auf gerade einmal zwei Zeilen beschränkt, sowie düstere Chöre ausgangs des Titels, sind perfekt platziert und setzen so stimmige Akzente, was den Titel zu einem der rundesten auf der Scheibe macht.

Knackts schon oder eher sprachlos?

Doch auch „The Coward’s Way“ kann zu Beginn des Titels mit ballerndem Schlagzeug auf sich aufmerksam machen, während der Titel im weiteren Verlauf, insbesondere durch den eingängigen, obgleich relativ langen Refrain, punkten kann. Relativ lang deshalb, da sich der Text in den vorangegangenen Stücken zumeist auf wenige Worte beschränkte.

Der bisher gemächlichste Titel ist „False Walls“, welcher die zweite Hälfte des Albums einläutet. Damit ist zwar ein an sich angebrachter Kontrast zu den bisher oft zügigen Songs gegeben. Leider fehlt es hie und da an knackigen Lines und herausstechenden Ideen, die es schaffen, mich über die vollen acht Minuten zu unterhalten. An dieser Stelle des Albums steht der Titel recht gut, kann für sich aber nur halbwegs überzeugen.

Mehr Hoffnung weckt da „Ten Thousand Against One“, das mit der gleichlautenden, chorisch vorgetragenen Parole zu Beginn des Songs mit einem Schlag viel dynamischer wirkt. Leider bleiben jene Stellen, an denen genau dieser Ausruf getätigt wird, die interessantesten. Dazwischen ist der Song zwar souverän, wirkt aber etwas farblos. „Earth And Ashes“ ist da ganz ähnlich. Zuerst weckt ein akkustischer Einstieg die Erwartung, dass da etwas Neues kommen möge, ehe in den zu lang geratenen Strophen bereits Ermüdungserscheinungen bei mir auftreten, da ich mir schon den nächsten Titel herbeisehne. Da hilft auch der Gesangspart von Gitarrist Andrew Kingsley nicht mehr besonders viel, da der Titel im Ganzen etwas fade wird.

Der vorletzte Titel „Call Me Immortal“ ist aufgrund des gestreckten Refrains und der eingängigen Gitarren-Bass-Kombi nochmal etwas zackiger und kann sich besser hervorheben als die vorherigen Titel. Sehr gut gefällt mir auch das Titelende, bei dem nicht mit einer langgezogenen letzten Gesangsnote der Titel ausklingt, sondern stattdessen nochmal ein kraftvolles halbminütiges Instrumental angehängt wird.

Das Finale

Mit dem Titelstück „Apex“ folgt gleichsam das Finale. Es geht anfangs angenehm langsam und ohne starken Einsatz von Schlagzeug und lediglich minimalistischen Einsatz anderer zu Werke, was einen angenehmen Gegensatz zum fast durchweg schnell voranpreschenden Album darstellt. Wer nun aber eine Ballade erwartet, wird spätestens nach zwei Minuten eines besseren belehrt, als einen deutlichen Gang höher geschaltet wird. Melodisch ist das Titelstück interessanter als die anderen Stücke der zweiten Albumhälfte, was möglicherweise auch daran liegt, dass man hier der Frontsängerin die Bühne überlässt und auf Gesangsparts anderer Bandmitglieder verzichtet wird. Auch ein längeres Gitarrensolo darf natürlich nicht fehlen, ehe das Album mit weiteren Wiederholungen des Refrains und einer ausleitenden Strophe einen ruhigen, versöhnlichen Ausklang findet.

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Zugegebenermaßen ist die Band, um die es mir heute geht, kein unbeschriebenes Blatt mehr und hat eigentlich schon einen Bekanntheitsgrad erlangt, der sie aus der Masse anderer Bands heraushebt. Aber da sich die Band leider bereits aufgelöst hat und andererseits einen besonderen Platz in meinem Herzen innehält, wollte ich dennoch über sie schreiben.

UNEXPECT

Dass in Kanada wohl irgendwas im Wasser sein muss, habe ich schon mehrfach angesprochen, da dort eine geile Band nach der anderen aus dem Boden sprießt, und diese nicht nur kreativ und markant, sondern auch technisch auf höchstem Niveau arbeiten.

GORGUTS, BEYOND CREATION und CRYPTOPSY stellen nur einige wenige der unzähligen Namen dar, die aus dem nicht so amerikanischen Nordamerika stammen. UNEXPECT beschritten dabei seit jeher einen etwas anderen Pfad, der sich hauptsächlich dadurch auszeichnete, immer wieder dann Haken zu schlagen, wenn man es am wenigsten erwartete. Denn hier ist der Name Programm!

Grob lassen sich UNEXPECT dem Avantgarde Metal zuordnen, doch meiner Meinung nach trägt diese Klassifizierung kaum zur Verdeutlichung oder Abgrenzung bei – im Gegenteil.

Versuchen wir es also andersrum: drei Sänger mit zwei Gitarren, eine Sängerin, eine Violine, Drums und ein 9-saitiger Bass bilden die Bausteine aus denen UNEXPECT sich in so ziemlich jede Richtung vorarbeiten. Death Metal, Black-Metal-Einflüsse, Zirkusmusik, Operetten-Ausflipper, technische Eskapaden, Elektronik, Spoken-Word-Passagen, Piano- und Klassikdurchbrüche sowie wirre Songstrukturen stellen grob zusammengefasst den Strauß bunter Melodien dar, mit dem das kanadische Sextett aufwartete und alle begeisterte, die sich ihr Hirn gern neu verdrahten ließen.

Im Jahre 1996 gegründet, legten UNEXPECT ihr Debüt-Album „Utopia“ drei Jahre später vor. Natürlich ist der Sound hier noch sehr viel roher als auf späteren Veröffentlichungen und in den ersten Sekunden des Openers „Vespers Gold“ wähnt man sich auf einer DARK TRANQUILLITY oder CHILDREN OF BODOM Platte. Doch bereits wenig später werden die Charakteristika offenbart, die die Band bis zuletzt immer weiter verfeinern und perfektionieren sollten. Auch wenn das Debüt vermutlich noch als das „schwächste“ Album bezeichnet werden muss, ist die Qualität schon hier weit von dem entfernt, was andere Bands als erstes Album raushauen. 

„In a Flesh Aquarium“ zeigte sich die Band dann schon auf einem deutlich höheren Level, nicht zuletzt, da es auch erst sieben Jahre nach dem Debüt erschien. Mit besserem Sound, neuen Ideen und noch kompromisloserer Umsetzung überzeugte der Zweitling auf ganzer Linie und konnte vielerorten – völlig verdient – gute Kritiken einfahren. Auch wenn das Album einiges an Nerven, Zeit und Arbeit erfordert, bis man zu ihm vorgedrungen ist, so stellt es sich doch letztlich immer wieder als lohnenswert heraus, sich mit diesen 60 Minuten vertonten Wahnsinns zu beschäftigen. 

Unerreicht ist und bleibt für mich jedoch der Drittling „Fables of the Sleepless Empire“. Das letzte Album sollte erneut sieben Jahre auf sich warten lassen, dafür jedoch auch das beste Album werden, das UNEXPECT jemals geschrieben haben – und vermutlich schreiben werden. Obwohl „Fables…“ mit nahezu schleudertraumataverursachenden Tempo-, Takt- und Stimmungswechseln gesegnet ist, geht doch immer wieder irgendwas ins Ohr, werden sowohl Spannungsbögen, als auch Atmosphären aufgebaut, die zumindest mich immer einnehmen und beeindrucken konnten. Wo andere Bands es nicht hinbekommen, innerhalb eines Songs für Stimmung oder einen roten Faden zu sorgen, kappen UNEXPECT ebendiesen immer wieder bewusst, nehmen ihn später wieder auf, nähen ihn irgendwo anders dran und bauen so Song in Song in Song in Song, ohne sich zu verrennen, oder das große Ganze aus den Augen zu verlieren. All ihr lieben Drei-Akkord-Bands da draußen: schneidet euch ne Scheibe ab.

Denn „Fables of the Sleepless Empire“ ist im Kern immer noch keine leicht verdauliche Kost, wartet aber mit den besten und emotionalsten Songs auf, die die Band jemals geschrieben hat.

Bis auf einige wenige Konzerte haben die unerwarteten Kanadier den Sprung über den großen Teich leider nie wirklich vollzogen, weswegen uns hierzulande nur ihre auf Plastik gebrannte, oder streambar gemachte Musik bleibt. Denn am 22.08.2015 gab die Band über ihre Facebookseite bekannt, das Experiment UNEXPECT für beendet zu erklären, und sich nunmehr anderen Projekten zuzuwenden.

Auch wenn die Auflösung mittlerweile fast 2 Jahre her ist, bleiben UNEXPECT für mich nicht nur eine der unvorhersehbarsten Bands die ich kenne, sondern auch auch eine, die sich speziell durch ein Merkmal von dem Gros anderer Bands abheben konnte: Einzigartigkeit.

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