Bei sieben kleinen und unabhängigen Labels von drei Kontinenten auf der Nordhalbkugel erscheint dieses zwanzigminütige Album. Es ist das Erstlingswerk der Band BASQUE aus Kitchener in Ontario, und es kann auf Schallplatte, Kassette, CD, und natürlich als digitale Version angehört haben. In sieben kurzen Stücken setzt sich das kanadische Quartett mit dem Leben im Zeitalter des späten Kapitalismus auseinander. Dabei geht es um Konsum und Sucht, um falsche Entscheidungen, Ausübung von Macht, Unterdrückung, und die schiere Endlosigkeit aus weißen Rauschen und Melancholie, auf die wir zusteuern. Der Albumtitel ist schon mal gut gewählt, denn hier geht es um den allgegenwärtigen Schmerz.

Lärmen gegen die Entbehrungen

Die Thematik des Albums ist in der gegenwärtigen Kunst keine Seltenheit. Möglicherweise sollte uns das zum Nachdenken anregen. Nichtsdestotrotz ist ja das Schöne an der Kunst, dass sie so viele Facetten anbietet, Missstände anzuprangern. In Fall von BASQUE und ihrem Debutalbum „Pain Without Hope Of Healing“ haben wir es also mit einer zwanzig Minuten lang dauernden musikalischen Dekonstruktion zu tun. BASQUE schütteln alles durch, was ihnen in den Weg kommt, und wechseln mit der Energie von überschäumenden Emotionen Tempo, Takt und Stimmung. Gelegentliche Ausflüge in ruhige, melancholische Passagen wie im Lied „Funeral For A Mouse“ drücken neben all der musikalischen Gewalt noch zusätzlich auf die Tränendrüse.

Verzweifelte Schläge

Was hier vertont wurde, sind Befreiungsschläge und verzweifelte Versuche, sich aus der unheilvollen Melancholie des Seins im Spätkapitalismus zu befreien. BASQUE präsentieren die Klangwelt des Versuchs, ein richtiges Leben im Falschen zu führen, und des damit verbundenen Scheiterns. Zwischen den Welten von Powerviolence und Screamo vermitteln sie in emotionaler und zerstörerischer Weise, dass es so, wie es ist, nicht weitergehen kann.

bandcamp Profil von BASQUE

Das Promo Material wurde uns mit freundlicher Unterstützung von No Funeral Records zur Verfügung gestellt.

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Seit ihrer Gründung vor zehn Jahren haben LUTHARO aus Hamilton, Ontario zwei EPs und ein Album in Eigenregie veröffentlicht. Zwischen dem Release des Debutalbums „Hiraeth“ und jetzt gab es noch ein paar kleine Änderungen in der Besetzung, und jetzt präsentieren sich LUTHARO stolz und kraftvoll auf ihrem zweiten Langspieler „Chasing Euphoria“. Beim deutschen Label Atomic Fire Records gibt es das Release auf Schallplatte, auf CD sowie zum Download. Die Band wiederum macht sich direkt nach dem Release zusammen mit WICKED, VICIOUS RUMORS, und RAVEN auf eine mehrwöchige Tournee durch die USA und Kanada.

Ein bunter Cocktail

„Chasing Euphoria“ ist ein äußerst abwechslungsreiches Album. Die Rhythmus-Sektion treibt sich zumeist in den Gebieten von Heavy Metal und Thrash Metal herum, während viele Gitarrenriffs in Richtung Melodic Death Metal reisen. Hier kommt der Gesang von Krista Shipperbottom sehr gut zum Einsatz, denn die Sängerin ist vom melodischen Klargesang bis zum giftigen Guttural-Schrei vielseitig fähig. So wechseln sich harmonische Hooklines, die zum Mitsingen und Feiern einladen gerne mit halsbrecherischen Headbanging-Passagen ab. Fließende Übergänge, die wie ein warmes Messer durch Butter gleiten kommen hier ebenso vor wie scharfkantige Themenwechsel, die für kleine Überraschungen sorgen.

Goodbye, Subkultur!

Mit „Chasing Euphoria“ haben LUTHARO ein Album zusammengestellt, dessen Musik für die großen Bühnen, für Feiern, und für ein breit aufgestelltes Publikum gemacht ist. LUTHARO treten selbstbewusst aus den Katakomben der Subkultur heraus und beweisen einmal mehr, dass Genres wie Melodic Death und Heavy Metal sehr wohl Menschen im popkulturellen Bereich bewegen können. Großartige Produktion trifft auf ausgefeiltes Songwriting und auf eine vielfältige Klanglandschaft, die ein weites Feld inner- und außerhalb der Genregrenzen des Heavy Metal abdeckt.

Vielleicht zu viel? Viellicht ja. Es ist sehr wahrscheinlich, dass LUTHARO mit „Chasing Euphoria“ einen entscheidenden Durchbruch schaffen, und womöglich wird sich der Stil danach auch wieder verfeinern. Derzeit wirkt es fast, als würden sie versuchen, auf zu vielen Hochzeiten gleichzeitig zu tanzen. Starke Unterhaltung bieten sie allemal.

Homepage von LUTHARO

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von C Squared Music zur Verfügung gestellt.

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Saskia: Hi TYLER! Schön, dich kennenzulernen und danke, dass du dir die Zeit nimmst meine Fragen zu beantworten. Könntest du dich und YOUTH FOUNTAIN unseren Lesern vorstellen?

Tyler: Freut mich auch! Danke für die Einladung! Ich heiße TYLER und ich singe und spiele Gitarre für YOUTH FOUNTAIN.

Saskia: Lass‘ uns mit einer einfachen Frage anfangen: Wie bist du zur Musik gekommen? Und was macht dir am meisten Spaß am Songs schreiben und Live auftreten? 

Tyler: Ich war noch ziemlich jung, als ich angefangen habe, mich für Musik zu interessieren – ich glaube, ich war ungefähr 5 Jahre alt, als ich gemerkt habe, dass mir Musik wirklich etwas bedeutet und ich habe gehofft, eines Tages selbst einmal meine eigene Musik spielen und schreiben zu können. Und diesen Traum habe ich einfach nie aufgegeben. Mir gefällt besonders, wie Musik Leute auf der ganzen Welt verbinden kann. Wenn das, was ich schreibe, wirklich einen Eindruck in jemandes Leben hinterlässt, dann ist es das, was mir wirklich etwas am Musik machen und performen bedeutet. 

Saskia: Gibt es Künstler, die dich besonders inspirieren oder mit denen du in Zukunft gerne kollaborieren würdest?

Tyler: Einige Künstler die mich inspirieren sind zum Beispiel NOTHING, NOWHERE., SENSES FAIL, LESS THAN JAKE, FOREVER CAME CALLING oder LIVING WITH LIONS, um einige zu nennen. Ich würde wirklich gerne mit jedem von denen zusammenarbeiten. 

Saskia: Was mich am meisten an deiner Musik beeindruckt hat, sind deine Lyrics. Woher nimmst du üblicherweise deine Ideen und Inspiration? 

TYLER: Wenn ich Lyrics schreibe, schreibe ich üblicherweise über die Schwierigkeiten, denen ich im Leben gegenüberstehe – derjenige sein, der ich bin und Konflikte, die ich über die Jahre hinweg erlebt habe und was ich nach wie vor durchmache. 

Saskia: Wie sieht dein kreativer Prozess üblicherweise aus, wenn du an einem Album arbeitest? „Keepsakes & Reminders“ ist ja dein zweites Album, war die Arbeit daran verglichen mit „Letters to Our Former Selves“ irgendwie anders? 

TYLER: Der Prozess ist so ziemlich immer der Gleiche gewesen.  Ich fange damit an, Gitarrenriffs zu schreiben, nehme die Strukturen der Songs auf meinem Laptop auf, baue die Grundideen der Songs und schreibe Texte und Melodien dafür. Für „Letters to Our Former Selves“ habe ich es genauso gemacht.

Saskia: Hat COVID deine Arbeit stark beeinflusst? Besonders den Entstehungs- und Aufnahmeprozess von „Keepsakes & Reminders“?

TYLER: Irgendwie hat es das schon. Ich habe viele der Texte für die Songs während der Pandemie geschrieben, so dass es sicherlich ein Covid Album war, nachdem ich tatsächlich alles vollständig geschrieben und fertiggestellt hatte. Wie fast jeder in der Welt hatte ich auch eine ziemlich harte Zeit und einige Texte auf dem Album reflektieren das auch.

Saskia: Mir persönlich hat „Letters to Our Former Selves“ echt gut gefallen. Meinst du – verglichen mit dem vorherigen Album – dass dein Sound sich mit „Keepsakes & Reminders“ verändert oder entwickelt hat?  

TYLER: Was die Themen betrifft, über die ich schreibe – also meine Depressionen, Angstzustände und existenzielle Ängste –  klingt es sicher ähnlich wie das letzte Album, nur eben verbessert und mit mehr Feinschliff.  Ich habe mich selbst dazu gedrängt einfach bessere Songs zu schreiben und sowohl an meinen Gesangs- als auch musikalischen Fähikeiten zu arbeiten. 

Saskia: Welchen Song spielst du am liebsten Live? Oder gibt es einen neuen Song, den du endlich Live spielen möchtest? 

TYLER: Der Song den ich am liebsten Live spiele wäre wohl entweder „Deadlocked“ oder Blooms“. 

Saskia: Da wir gerade bei Lieblingssongs sind, hast du einen Favoriten von „Keepsakes & Reminders“? Falls ja, was macht ihn zu deinem Lieblingssong und was ist die Geschichte dahinter – falls du sie mit uns teilen möchtest?

TYLER: Der Song, der mir von dieser Platte am meisten gefällt, heißt „Jinxed“.  Vom Sound her klingt er sehr klar nach 2000er Jahre Pop-Punk-Balladen. Das erinnert mich an die Bands MEXT oder BOXCAR RACER. Er ist super mitreißend und irgendwie sanftklingend, aber irgendwie auch nicht? Haha. 
Es ist ein Song über Beziehungen mit engen Freunden oder einem Partner, etwas, dass Leute nachempfinden können. Es ist ein emotionaler Song und das liebe ich.

Saskia: Nächstes Jahr steht deine Europa- und UK-Tour mit CORY WELLS an. Da die Grenzen weltweit mittlerweile nach und nach wieder öffnen: Wo würdest du in Zukunft gerne einmal auf Tour gehen, von Europa und dem Vereinigten Königreich abgesehen?

TYLER: Am liebsten würde ich in Japan auf Tour gehen! Davon abgesehen wäre auch Australien großartig!

Saskia: Von der Tour abgesehen, wie sehen deine Zukunfstpläne aus?

TYLER: Noch mehr Musik schreiben und hoffentlich oft auf Tour gehen!

Saskia: Vielen Dank nochmal, dass du dir die Zeit für dieses Interview genommen hast! Gibt es noch etwas, dass du deinen Fans in Deutschland und unseren Lesern gerne sagen möchtest?

TYLER: Die Freude ist ganz meinerseits! Danke an jeden, der das Interview gelesen hat und YOUTH FOUNTAIN unterstützt!

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Saskia: Hi TYLER, nice to meet you! Thanks a lot for taking the time to answer my questions! Would you like to introduce yourself and YOUTH FOUNTAIN to our readers? 

TYLER: Nice to meet you too! Thanks for having me. My name is TYLER, I sing and play guitar for YOUTH FOUNTAIN!

Saskia: Let’s start with a simple question: What first got you into music? And what do you enjoy the most about writing and playing music?

TYLER: I got into music at a pretty young age – I wanna say around 5 years old, as early as that I knew that I adored music and hoped to someday make and write my own. Just never gave up on that dream! I enjoy the connection it can bring to people around the world. If what I write can leave an impact on someone’s life then that’s what I truly enjoy about making music and performing.

Saskia: Are there any artists who inspire you or musicians you’d like to work with in the future?

TYLER: Some artists that inspire me are ones like NOTHING, NOWHERE., SENSES FAIL, LESS THAN JAKE, FOREVER CAME CALLING, LIVING WITH LIONS to name a few. I would love to work with any of them! 

Saskia: What struck me the most about your music are your lyrics. Where do you take your ideas and inspiration from?

TYLER: Where I come from writing lyrics is usually the struggles I face with life, being who I am and the struggles I’ve faced throughout the years, and what I keep going through. 

Saskia: What does your creative process look like when you work on an album? Since „Keepsakes & Reminders“ is your second record, did the writing process differ from „Letters to Our Former Selves“?

TYLER: It’s all pretty much been the same. I start with writing guitar riffs and record the structure of songs on my laptop and build up a basic song idea and write lyrics and melodies to it. Was the same thing I did for „LTOFS“.

Saskia: Did COVID affect your work, especially the recording of „Keepsakes & Reminders“ a lot?

TYLER: It sort of did. I wrote a lot of the lyrics to the songs over the pandemic so it was for sure a COVID album when I actually had everything fully written and completed. Much like everyone in the world, I went through a pretty rough time and some lyrics do reflect that on this album.

Saskia: Personally, I’ve enjoyed „Letters to Our Former Selves“ a lot. Would you say your sound on „Keepsakes & Reminders“ changed or evolved in comparison to your previous record?

TYLER: It for sure sounds like the last album in terms of the topics of what I write about with my depression and anxiety and existential dread – just sounds more polished and improved. I pushed myself to write better songs and work on my singing and musical abilities. 

Saskia: Which is your favorite song to perform? Is there a new song you’re looking forward to finally playing live?

TYLER: My favourite song to perform live is probably either „Deadlocked“ or „Blooms“. 

Saskia: Speaking about favorite songs: Do you have a favorite song from „Keepsakes & Reminders“? If so, what makes it your favorite song or what’s the story behind it – if you’d like to share that.

TYLER:  A song that I always find myself enjoying the most of this record is called “Jinxed”. It had a very early 2000’s – Pop-Punk balled sound to it. Reminds me of the band MEST or BOXCAR RACER. It’s super catchy and sort of soft-sounding, but also not? Haha. It’s a song about relationships with close friends or a significant other that people can relate to. It’s emotional and I love it.

Saskia: Next year, you’re going to tour Europe and the UK together with CORY WELLS. Now that the world is slowly opening up again, which countries – except Europe and the UK – would you like to tour in the future if you’d get the chance?

TYLER: I really wanna go to Japan the most. Other than that, Australia would be amazing!

Saskia: Except for the tour, what are your plans for the upcoming future?

TYLER: Write more tunes and hopefully be on the road a lot!

Saskia: Thanks a lot again for taking the time for this interview! Is there anything you’d like to say to your German fans and our readers?

TYLER: The pleasure is all mine – thank you to anyone reading and for supporting YF! 

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Zugegeben, mein persönlicher Veröffentlichungskalender war dieses Jahr eher leer und viele spannende Alben habe ich einfach verpennt – Asche über mein Haupt. Allerdings habe ich mir den November schon rechtzeitig rot angestrichen, um meine persönlichen Highlights nicht zu verpassen. Nicht, dass ich tatsächlich den Release von FINAL FANTASY XIV: Endwalker verschlafen würde. Ups, ich schweife schon wieder ab – ihr wisst ja, der Hype und so. Neben Endwalker habe ich nämlich noch ein weiteres November-Highlight: Das neue YOUTH FOUNTAIN Album „Keepsakes & Reminders“!  Wer regelmäßig unseren Musicfriday verfolgt, dem ist YOUTH FOUNTAIN sicherlich nicht unbekannt. Die bisherigen Singles „Peace Offering“, „Scavenger“ und „My Mental Health/Century“ haben die Spannung auf „Keepsakes & Reminders“ ordentlich gesteigert. Hier könnt ihr erfahren, ob sich die Vorfreude gelohnt hat.

Taschentücher bereithalten – Es wird emotional

„My Mental Health“ fungiert in Kombination mit „Century“ als ausgiebiges Intro von „Keepsakes & Reminders“. Auf dem vorherigen Album „Letters to Our Former Selves“ findet sich mit „Helpless“ und „Letters to Our Former Selves“ übrigens eine ähnliche Songkombination. YOUTH FOUNTAIN bleiben sich also ihren eigenen Strukturen treu. „My Mental Health/Century“ wurde als ein Song veröffentlicht und gibt eindrucksvoll die Stimmung des Albums vor: Ehrlich, tiefgründig und von eigenen Dämonen wie Angst und Depression inspiriert. Der erste Teil des Songs ist sehr melodisch, TYLERS Gesang eher sanft und von Streichern untermalt, wodurch „My Mental Health“ nahtlos in „Century“ übergeht. Letzterer folgt einer einfachen und mitreißenden Melodie. Dazu kommen verschiedene Gesangsebenen und eingängiger Gitarrensound, der dem Song zusammen mit den Lyrics umso atmosphärischer macht. 

Der Gitarrensound am Anfang von „Hideaway“ erscheint beinahe fröhlich und positiv, entpuppt sich aber schnell als Gefühlsachterbahn. Der Song spielt mit verschiedenen Tempi und erinnert eher an Punk anstatt Pop-Punk. Mit seiner kurzen Spielzeit von 2:12 Minuten prasselt „Hideaway“ regelrecht auf den Hörer ein und hinterlässt einen bleibenden Eindruck. Tatsächlich habe ich mir „Hideaway“ zwei, drei Mal hintereinander gehört, um den Song ‚verarbeiten‘ zu können – wow! Mit der bereits veröffentlichten Single „Peace Offering“ wird es wieder ruhiger und melodischer – quasi eine kleine Pause nach einem Hochenergie-Song wie „Hideaway“. Der Gesang in „Peace Offering“ ist größtenteils sanfter und wird nur Stellenweise durch Screams unterstützt, wodurch die emotionalen Lyrics noch besser vermittelt werden. Alles in allem ein gelungener Melodic Pop-Punk Song.   

Balladenstimmung oder: Wer schneidet hier Zwiebeln?

„Reminders“ ist ein kurzer, instrumentaler Interlude, der gleichzeitig den kommenden Song „Dark Grey“ einleitet. „Dark Grey“ ist mit 4:54 der längste Song des Albums und greift die Melodie des einleitenden „Reminders“ auf. Im direkten Vergleich zu anderen Songs des Albums wirkt der Gesang von Frontman und Gitarristen TYLER in diesem Song sehr sanft. Durch die cleanen Gitarren kommt und den einnehmenden Gesang kommt der Refrain von „Dark Grey“  nahezu episch daher – schneidet hier jemand Zwiebeln?! „Dark Grey“ erinnert an ältere Pop-Punk Balladen und ist eines der Highlights der Platte. Ist der spontane Schweißausbruch in den Augen gestoppt, geht es weiter mit meinem Lieblingssong und Anspieltipp von „Keepsakes & Reminders“, „Vertigo“! Ein alternativer Titel wäre ‚Die Rückkehr der einfachen, aber mitreißenden Melodie‘! Das Lied ist dominiert von älteren Pop-Punk Einflüssen, präsentiert diese aber in modernem Gewand. Auch in „Vertigo“ werden Screams benutzt um den Lyrics noch die Extraportion Gefühl zu verleihen.   

„Aimless“ prescht mit schnellem Punk-Rock Sound nach vorn. Die Kombination aus Screams und Klargesang vermittelt sowohl Emotion als auch Aggression, wobei „Aimless“ vor allem zum Ende hin beinahe düster und melancholisch wirkt. Ähnlich wie „Hideaway“ ist „Aimless“ also eine Achterbahn der Gefühle. „Nosedive“ kommt minimal zahmer daher. Das erzielt vor allem der ruhige, melodische Teil am Anfang und vor dem letzten Refrain. Tatsächlich lässt sich dieses Muster mehrfach auf dem Album finden. Sicherlich kann so eine ähnliche Songstruktur  unter Umständen schnell langweilig und repetitiv wirken. YOUTH FOUNTAIN schaffen es aber diesen Aufbau immer wieder spannend und einprägsam zu gestalten. „Mishap“ zeichnet sich durch eine eingängige Pop-Punk Melodie aus, der durch die Gitarren noch ein trauriger Unterton verleiht wird. Erneut passend zu den Lyrics, die dadurch perfekt mit dem Song harmonieren. Übrigens findet sich auch hier das eben angesprochene Muster – YOUTH FOUNTAIN haben definitiv ihren Stil gefunden.

Wichtige Botschaften musikalisch verpackt

„Jinxed“ ist der ‚fröhliche‘ Moment der Platte und sticht dadurch hervor. Insgesamt erinnert der positive Sound von „Jinxed“ an Pop-Punk Songs der frühen 2000er Jahre. Eine Überraschung auf dem Album und eine gelungene Abwechslung! Der Titel „Take One Capsule A Day“ lässt erahnen, dass die positive Stimmung nicht lange anhält und es schnell wieder ernst wird. Ob beabsichtigt oder nicht, YOUTH FOUNTAIN schaffen es damit, die Eindrücke von Depressionen gut zu vermitteln. „Take One Capsule A Day“  kombiniert Synthesizer und den Sound mehrerer Gitarren um eine nachdenkliche Melodie zu kreieren. Vor allem der langsame, schwere Refrain und die intensiven Vocals am Ende des Songs vermitteln die sehr persönlich Botschaft der Lyrics. Depressionen und Angstzustände sind das zentrale Thema von „Keepsakes & Reminders“. Die Schwierigkeiten und Probleme die dadurch entstehen, werden musikalisch sehr gut vermittelt, wodurch das Album umso nachempfindbarer und authentischer wird. 

„Scavenger“ liefert DAS Gitarrenintro des Albums schlechthin und ist der absolute Moshpit-Garant für zukünftige Liveauftritte. Die kombinierten Vocals verdeutlichen noch einmal den für YOUTH FOUNTAIN charakteristischen Stil und macht den Song umso mitreißender. Vor allem der – im Vergleich zu anderen Song – noch einmal rohere Gesang lässt „Scavenger“ beim Hören unter die Haut gehen. „Keepsakes & Reminders“ endet mit „Keepsake“ mit einem schnellen Punk-Rock Song, der irgendwie ‚aufbauend‘ wirkt. Wieder spielen YOUTH FOUNTAIN mit dem Tempo des Song, wodurch sich die Stimmung oft verändert und dem Song viele Ebenen verleiht. „Keepsake“ ist ein intensiver Ausklang und eine mitreißende Hörerfahrung. Ja, erwischt, ich habe auch hier mehrfach auf ‚Repeat‘ gedrückt.

Ach, nachdem ich hier schon von Konzerten und Moshpit-Garanten rede, YOUTH FOUNTAIN tourt im nächsten Jahr Europa und das Vereinigte Königreich! Im Februar 2022 begleitet die Band CORY WELLS als Special Guest und spielt dabei mehrere Konzerte in Deutschland. Tickets gibt es wie üblich bei den bekannten Vorverkaufsstellen eurer Wahl. 

Fazit

YOUTH FOUNTAIN liefern mit „Keepsakes & Reminders“ satte 14 Songs, die schonungslos ehrlich und persönlich sind. Gerade das macht die Platte für mich unheimlich authentisch und mitreißend. Der Sound der kanadischen Pop-Punk Band vermittelt die komplizierten Gefühle äußerst eingängig. Gerade diese Kombination macht „Keepsakes & Reminders“ unheimlich nachempfindbar oder ‚relatable‘, und das Album für mich so besonders. Selbstverständlich ist das eine ganz persönliche Angelegenheit, weshalb ich auch über kleine ‚Makel‘ wie ähnliche Songstrukturen hinwegsehen kann. „Keepsakes & Reminders“ ist keine Pop-Punk Revolution – muss es auch nicht. Für mich ist es alles in allem ein sehr beührendes, persönliches Album, welches eine wichtige Botschaft vermittelt.  In diesem Sinne: Passt gut auf euch auf! 

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Metalbands, die sich nach alten Gottheiten benennen, sind nichts Neues. Metalalben, auf denen es um historische oder mythische Themen geht, sind ebenfalls kein Novum. Man denke hier nur an Kapellen wie HELLOWEEN oder METAL CHURCH, die christliche Predigten mit Heavy Metal vertonen. Und dann sind da natürlich noch die ganzen modernen Wikinger:innen, die das germanische Heidentum verehren. Das Geschlecht griechischer Gottheiten wiederum scheint ebenso unterrepräsentiert oder schwer sichtbar wie Bands, die sich nach weiblichen Gottheiten benennen. Zum Glück gibt es APHRODITE, das Speed Metal Punk Trio aus dem kanadischen Ottawa. Jo Steel (Schlagzeug, Bass, Gitarre), Brennan Whitworth (Lead Gitarre) und Tanza Speed (Gesang) haben mit „Orgasmic Glory“ ihr zweites Album veröffentlicht, welches auf das 2019er Debut „Lust and War“ folgt.

Troja steht in Flammen

Auf acht Stücken lassen APHRODITE die griechische Antike aufleben. Wie auch schon auf dem vorherigen Album handeln die Texte der acht Stücke von den Wirrungen und Irrungen der mythologischen Erzählungen um Olymp und Erde. Im Opener „Troy is burning“ geht es um die Schlacht, bei welcher Agamenon, Achilleus und Diomedes zusammen mit vielen anderen die Stadt Troja belagerten und letztendlich durch eine List eroberten. Ein Pferd kommt auch in der Geschichte vor. Auch der Herakles findet seine Würdigung auf dem Album, ebenso wie die phönizische Königstochter Europa, die einst von Zeus nach Kreta entführt wurde. Es ist also ein Album, an dem auch Interessierte antiker Geschichte ihre Freude haben werden, wenn sie beim Lernen gerne Speed Metal hören.

Schneller als Hermes

Musikalisch zeichnet sich „Orgasmic Glory“ vor allem durch die unbändige Geschwindigkeit aus. Hier steht nicht nur „Speed Metal“ drauf – APHRODITE schießen auch kräftig nach vorne, sodass kein Streitwagen oder fliegender Götterbote hinterher käme. Die flinken Riffs kommen ohne übermäßige Zerre aus und flitzen mit der Intensität ganzer Pfeilhagel über die Griffbretter von Gitarren und Bass. Besonders im Schlagzeug merkt man darüberhinaus einen starken Punk Rock Einfluss, womit das Album sich gut für einen Moshpit olympischen Ausmaßes eignet. Somit ist „Orgasmic Glory“ kurzweilig, unterhaltsam und ohne Frage um Längen besser als der Film „Troja“ mit Brad Pitt als Achilles.

APHORODITE auf Bandcamp

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Da haben wir es nun: das vierte Album des kanadischen Metalcore-Schwergewichts OBEY THE BRAVE. Das ziemlich rote Werk nennt sich „Balance“ und wird von vielen Fans heiß erwartet. Ich persönlich konnte mich bisher nie als solchen bezeichnen. Aber in letzter Zeit kam es des Öfteren vor, dass ich auch von Bands überrascht wurde, die ich eigentlich nie so wirklich in Dauerrotation hatte. Ich bin also wie immer völlig vorurteilsfrei und gespannt. 

KÜRZE MIT WÜRZE?

Direkt zu Beginn muss ich bereits zugeben, dass sich die erste Auskopplung „No Apologies“ wirklich heftig in meine Ohren frisst. Ich mag das Intro des Songs, den Aufbau, die Wucht und den melodiösen Chorus. Sollte sich der Trend auf Albumlänge fortsetzen, bin ich sehr zuversichtlich, dass auch OTB mich als Stammhörer gewinnen könnten. Aber wo wir gerade von Albumlänge sprechen, schaut mal in den Header. Nicht einmal eine halbe Stunde ist bissl kurz, oder? Nun gut, muss ja nicht unbedingt den Gesamteindruck trüben, wenn die Songs alle ein Kaliber wie Nummer 1 haben. Prinzipiell ist das auch so, allerdings nur auf handwerklicher Seite. Denn die Instrumentierung und generell die Spielfreude der Band sind auf höchstem Niveau. Was mir allerdings fehlt, ist zum einen die Abwechslung und zum anderen diese starke Eingängigkeit besagten Songs. Die restlichen Stücke verfügen alle über melodiöse Parts, besonders die Refrains sind top, aber eben nicht herausragend. In Gänze betrachtet ähneln sie sich auch zu sehr, weshalb „Balance“ zwar durchgängig gut ist, aber für mich keine weiteren Highlights bietet. Das fällt besonders ins Gewicht, weil der Auftakt so überzeugend ist, schade. 

Ein Punkt, der mich auch seit dem ersten Kontakt mit der Band ein wenig gestört hat, wird auch hier leider nicht ausgebügelt. Ich tu mich nämlich mit den Vocals außerhalb der Refrains manchmal etwas schwer. Es sind allerdings nicht die Shouts an sich, sondern eher die ungeschrienen Parts, die immer mal auftauchen. Ich kann es schwer erklären, aber das ist mir einfach nix. Erinnert mich manchmal an Rap, manchmal an Punk oder Hardcore. Auch Live ist mir das schon sauer aufgestoßen. Das ist aber wohl eher eine Macke meinerseits, also bitte nicht übel nehmen. Auf der anderen Seite find ich’s ziemlich cool, dass mit „Calme Le Jeu“ wieder ein Song in französisch dabei ist. Das hat schon irgendwie Charme, wenn man bedenkt, dass jeder Satz in dieser Sprache wie eine Liebeserklärung klingt und das in dem Genre nun eher untypisch ist. 

offizielle Website 

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Und erste Male bergen doch eine ganz besondere Vorfreude, gell?

Wie auch die „Akroasis-Tour“ (hier unser Bericht aus Dresden 2016) ist die aktuelle Tour mit spannenden Supportbands ausgestattet und mit unter 30€ pro Ticket nach meinem Empfinden äußerst erschwinglich! Meine Fresse – eine deutsche Band, drei Bands aus Übersee, eine davon aus Kanada. Hört sich schon mal gut an, nicht wahr?!

Das Album selbst, „Diluvium“, ging irgendwie recht großzügig an mir vorbei. Überraschend. Denn nachdem mich „Akroasis“ so richtig mitgenommen hat, habe ich nicht wirklich intensiv beim 2018er Album hingehört. Aber ich werde im Vorlauf des Konzerts aber meine Hausaufgaben machen und das nachholen.

Erfahrungsgemäß werden die Jungs live bei mir ganz sicher für feuchte Augen sorgen können. Ihre Präzision und Ausstrahlung ist hinreißend. Kein reines Griffbrettgewichse sondern auch Show liefern sie ab. Für mich ganz klar eine Band, die es sich lohnt, sowohl live als auch von Platte zu genießen. Schließlich haben sie sich in den inzwischen 17 Jahren Bandbestehen nicht umsonst einen Namen in der Szene gemacht

Eine Vorfreude, die ich bei den Supportbands so 100%ig sicher noch nicht teilen kann – da ich diese schlicht noch nie habe spielen sehen. Nein, auch FALLUJAH nicht, die diese Tour sicher gut als Promotion für ihr am 15. März erscheinendes neues Album nutzen können.

FALLUJAH ist so eine Band, die mir seit Jahren ans Herz gelegt wird. Und ich habe es auch immer wieder mit ihnen versucht. Habe mich sowohl durch „The Flesh Prevails“ als auch „Dreamless“ der Kalifornier gehört. Versucht, einen Ansatzpunkt zu finden, mich tiefergehend damit zu befassen. Bisher hat es noch nicht gefunkt. Nun, im März folgt „Undying Light“, neuerdings mit Antonio Palermo am Mikro. Und auch damit werde ich es wieder versuchen. Genau wegen dieser Startschwierigkeiten freue ich mich erst recht, die Tech Deather endlich live abfassen zu können.

Vielleicht eröffnet mir das Liveerlebnis ja einen neuen Blick auf deren Musik.

Mit in den Reigen gesellen sich ALLEGAEON (die sich auch schon in unser „Cover des Monats“ geschlichen haben), welche mir auf den ersten Hörer direkt besser schmecken als FALLUJAH. Frickelig und melodiös und blastig – drückt schön die Falten ausm Gesicht. Und das ganz ohne Rumgedjente. Aber auch mit weniger Atempausen. Das soll also „Technical Melodic Death Metal“ sein? Aha. Gut. Dann nehme ich diese Klassifizierung einfach mal an und sage, dass ich solche Spielereien mag. Der Auftritt des Fünfers aus Colorado wird sicher äußerst „intense“, wie der Ami vermutlich schnöselig formulieren würde.

Als ich den Namen der dritten Supportband, FIRST FRAGMENT, lese, klingelt es irgendwo bei mir im Hinterstübchen. Auch die sind mit im „Diluvium“-Gepäck. Woher kenne ich die Kapelle? Der Name kommt mir so bekannt vor! Aber das kann eigentlich gar nicht sein. Denn sie betouren das erste Mal Europa. Eine Tech Death-Band aus Kanada, die seit Gründung 2007 zwar schon einige Jahre auf dem Buckel, aber erst ein einziges Full Length Album veröffentlicht hat.

FIRST FRAGMENT überrollen mich hier zunächst mit der harten Brutalität in den Vocals. Ihrer Rotzigkeit und Rohheit. Darunter bewegt sich alles hochverschlungen in einem wahnwitzigen Tempo. Etwas wird dieser Fön dank weicher Unterfütterung durch Fretless-Bass-Sounds wieder etwas abgemildert. Groovige Einschübe gibt es auch? Okay. Macht mal! Bei den Jungs bin ich wirklich gespannt, wie meine Reaktion sein wird. Feuchte Augen dank technischer Finesse oder Flucht nach Vorn aufgrund unhörbarer Frickelei oder wahlweise Vocals?

Egal, wie ich persönlich dann die Bands einschätzen werde – es wird sicherlich ein tolles Zusammentreffen fähiger Musiker sein. Sowohl auf als auch vor der Bühne. Ich bin gespannt, wie viele mitten in der Woche ins Conne Island pilgern. Ich hoffe, so manche! Schließlich gibt es eine solch frickellastige und transkontinentale Bandzusammenstellung nicht aller Tage.

Hier geht es zu den Webseiten der Bands: OBSCURA, FALLUJAH, ALLEGAEON und FIRST FRAGMENT

Die kommenden Tourdates:

02/17 – Aarau, CH @ KiFF 
02/18 – Vienna, AT @ Arena 
02/19 – Leipzig, DE @ Conne Island 
02/20 – Berlin, DE @ Lido
02/21 – Hamburg, DE @ Logo
02/22 – Oberhausen, DE @ Kulttempel
02/23 – Salzburg, AT @ Rockhouse

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Während ich diese Review schreibe, bin ich auf dem Weg zu einer Trauerfeier. Es ist Ende November, der Himmel ist so getrübt, dass es schwer fällt, zu sagen, wie spät es ist. Der Zug kämpft sich quer durch kahle Laubwälder, die leblos anmutenden Äste der nackten Bäume stechen wie Mahnmale in den kalten Nebel, der sich in den Tälern wie ein lähmendes Gift breitgemacht hat.

Sogar das sonst so unverwüstliche Ufergestrüpp der Elbe hat sich dem Winter hingegeben. Und je tiefer ich ins Land hineinfahre, desto dichter mischt sich der Schnee, in dem sich das dreckige Weiß des Himmels zu spiegeln scheint, mit verrottenden Buchenblättern.

Der Soundtrack zu diesem Moment? WOODS OF YPRES.

Obwohl die ganze Diskografie dieser Band dafür hinhalten könnte, habe ich mich für „Woods 5: Grey Skies and Electric Lights“ entschieden. Der letzte Atemzug des Werkes einer einzigartigen Band, das viel zu früh und tragisch sein Ende gefunden hat.

Überschattet wird der Release des 5. Albums (beziehungsweise 4. Studioalbums) von WOODS OF YPRES von dem tragischen Ableben des Sängers David Gold. Nur zwei Monate vorher stirbt der Gerüchten zufolge von Depressionen heimgesuchte Sänger mit nur 31 Jahren – vermutlich – an den Folgen eines Autounfalls. Möglicherweise war es eine Kollision mit einem anderen Auto, nachdem er aus seinem ausgestiegen war, die ihn das Leben kostete. Genaueres ist leider nicht bekannt – sein Tod wird für die Fans wohl immer mit Spekulationen verbunden sein.

When I die, just kiss my ashes goodbye

Denn wie schon erwähnt, wurde der Mann mit der goldenen Stimme wahrscheinlich selbst von bösen Geistern geplagt – das zumindest schließen seine Fans aus seinen Tweets und Texten. Deren Themen reichen von Selbstzweifeln über emotionale Abgründe bis zum Suizid. Allerdings standen Songs wie „Kiss My Ashes (Goodbye)“ stets Seite an Seite mit Songs wie „Death Is Not An Exit“. Es scheint also, als wäre die Musik von WOODS OF YPRES das Vermächtnis eines stetigen Kampfes gegen die bösen Geister.

Abseits der traurigen Umstände lohnt es sich aber natürlich auch, den Fokus auf die musikalische Leistung der Band zu legen. David Gold war WOODS OF YPRES‚ einziges stetiges Mitglied und hat die musikalische Entwicklung der Band damit maßgeblich geprägt. „Woods 5: Grey Skies and Electric Light“ bewegt sich im Vergleich zu seinen Vorgängern stärker im Gothic- und Melodic-Doom-Bereich und verarbeitet weniger Black Metal Elemente, was der Stimmung des Albums aber keineswegs schadet. Gerade Freunde von TYPE 0 NEGATIVE und Co. dürften sich mit der Scheibe sehr wohlfühlen. Stimmlich bewegt sich Sänger Gold zwischen Gesang im Steele-ähnlichen Bass-Baritonbereich bis hin zu Growling und Screams in den härteren Songs. Allerdings ist die Gesamtstimmung der Scheibe eher bedrückend und langsam gehalten.

You are too rich for hate and I’m too poor to love

Ich denke, jeder, der in seinem Leben schon einmal Probleme mit sich selbst, seinem Leben oder seiner Beziehung hatte, wird auf diesem Album fündig werden. Zu meinen persönlichen Favoriten gehört beispielsweise „Travelling Alone“, das sich unter anderem mit Glauben auseinandersetzt – einem Thema, das mich mein ganzes Leben beschäftigt hat und mit dem ich regelmäßig wieder konfrontiert werde. Der Mann, dessen Trauerfeier ich heute besuche, war sehr gläubig – und auch sehr jung. Ob er in seinen letzten Stunden Kraft aus seinem Glauben schöpfen konnte?
Ich weiß es nicht. Aber es würde mich sehr interessieren.

Der ruhigste Song des Albums ist wohl „Finality“, ein Track, der mich mit seinen hoffnungsvollen wie tieftraurigen Klavier- und Geigenparts in einen lähmenden Zustand des Innehaltens versetzt. Aber WOODS OF YPRES machen nicht wirklich „nur“ traurig. Sie lassen dich trauern, um das Leben, die Liebe oder verschwendete Zeit, und sie nehmen dich in den Arm, um dich zu trösten. Als glänzendes Beispiel dafür steht der auf „Finality“ folgende letzte Track „Alternate Ending“. Der legt sich wie eine wärmende Decke um deine Schultern, nachdem die zusätzlichen 20 Sekunden Stille am Ende von „Finality“ dem Hörer schon das Ende des Albums suggerieren. „Alternate Ending“ wirkt wie Golds letzte Nachricht an den Hörer.

„In the end, was there anyone to share in your joy?
I woke up for years without you, to realize it was already over, for me„

„Am Ende, war da jemand, mit dem du deine Freude teilen konntest?
Ich bin jahrelang ohne dich aufgewacht, um zu realisieren, dass es für mich schon vorbei war.“

Um es kurzzufassen: Kämpft für das, was Ihr liebt. Das Leben ist kostbar, und es ist so kurz. Irgendwann ist es vielleicht zu spät, den richtigen Weg einzuschlagen.

Holding on…

Ich denke, das Album lädt jeden seiner Hörer ein, sich mit sich selbst und seinem Leben zu beschäftigen. Nehmt Euch eine ruhige Stunde und lasst die Hinterlassenschaften von David Gold und WOODS OF YPRES auf euch wirken. Schildert Eure Erfahrungen, wenn Ihr wollt. Ich bin neugierig.

Für alle Interessierten empfehle ich außerdem Songs wie „Shards Of Love“, „You Were The Light“ und „A Meeting Place And Time“. Hier findet Ihr das ganze Album auf Youtube.

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Quebec statt Skandinavien

Klingt der Anfang noch wie eine Bach Kantate im Rausch der Mitternacht, kommt das Duo aus Québec kurz danach mit der rabiaten Wahrheit ans Licht. Rasender, wütender Black Metal, den man unwissenderweise sofort in Norwegen verorten möchte. Mir fallen da auf Anhieb, auch wegen der Struktur und Länge der Songs, ELIMI ein, auch wenn das nun wieder Schweden und keine Norweger sind. Die kalte Atmosphäre die „De Horae Leprae“ schafft ist zwar nicht einzigartig, aber gepaart mit einer Produktion, die vielleicht ein klein wenig zu viele Höhen mitbekommen hat, findet die Schiebe durchaus Momente, die eine positive Gänsehaut zu erzeugen vermag.

Es ist ein wenig schwierig zu sagen: Das hier, das ist der Song des Albums. Vielleicht „Cantus III – Ichthus Os Tremoris“, aber das muss jeder für sich entscheiden, denn die einzelnen Songs sind für sich kompakt und in sich abwechslungsreich. Leichte melodiöse Untertöne sind unter all der Raserei auszumachen. Das macht die Songs einerseits nicht zu monoton, andererseits besteht nicht die Gefahr, dass man Angst haben müsste pompöse Phasen zu erleiden. Und doch komme ich leider nicht umhin zu sagen, dass, trotz aller Qualität, die Scheibe mit ihren 64 Minuten zum Ende hin ermüdet. Es setzt ein leichter Gewöhnungseffekt ein, der einen die Freude bis zum Schluss deutlich schmälert. Hier wäre weniger mehr gewesen.

Dennoch, DÉLÉTÈRE machen Spaß und ich bin froh sie entdeckt zu haben. Zwar war es keine Liebe auf den erste Hör, aber wenn man sich die Zeit nimmt, dann kann man das Werk für sich entdecken. Wer auf Black Metal der kanadischen Schule steht oder diese erst für sie entdecken möchte, dem sei dieses Album empfohlen. Es gibt genügend Mist, der den Weg ans Tageslicht findet und zu allem Überfluss auch noch gehört wird. Da sollte es Schade sein wenn die Arbeit der Jungs an „De Horae Leprae“ vergeblich war.

Dies ist ein Gastautorenbeitrag von Thomas

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Es gab mal eine Zeit, in der man mit Gitarren, die mehr als 6 bzw. Bässen, die mehr als 4 Saiten hatten, noch zu einer echten Exotenspezies gehörte. Einer dieser Exoten ist Chaoth, der mit seinem 9 saitigen Bass bereits 2005 für Aufsehen sorgte, da er das Instrument nicht einfach nur besaß, sondern es auch entsprechend spielen konnte – und zwar noch, bevor es cool war.

Zwölf Jahre später ist seine vorherige Hauptband UNEXPECT Geschichte und der Kanadier mit seinem neuen Projekt wieder auf der Bildfläche aufgetaucht.
Schon im Sommer 2015, ungefähr zu der Zeit, in der sich das Avantgardegespann auflöste, wurden Fragmente des neuen Schaffens im Netz gestreut und die Erwartungen geschürt.

Doch was kann die vier Track EP wirklich?

Ein bisschen Djent, ein bisschen Dub Step, ein Vocoder, der an Paul Masvidal und CYNIC-Großtaten denken lässt, ein bisschen Prog Metal, und hier und da Synthwave. Die Grundzutaten des Projekts VVON DOGMA I sind schnell ausgemacht. Allerdings sind diese nur vereinzelt so logisch und organisch ineinander verwoben, als dass die Mischung wirklich revolutionär wirken würde. Andererseits weisen die einzelnen Parts auch keine so abrupten und wahnwitzigen Breaks auf, wie es bei UNEXPECT der Fall war und dort genau aus diesem Grund faszinierte und funktionierte.

Retrospektiv betrachtet kann man Chaoths Anteil an den Songs seiner Vorband nun recht präzise heraushören, muss aber auch zugeben, dass der gute Mann im (fast) Alleingang nicht im gleichen Maße dazu imstande ist, Qualität zu liefern, obwohl ich mir sicher bin, dass es an Potential nicht mangeln dürfte. Beweis dafür ist zum Beispiel das schöne „The Mask“ und auch der Titeltrack weist durchaus geile Passagen auf. Aber eben nicht über die gesamte Länge, was bei einer knappen Viertelstunde schon bedenklich ist.

So bietet die erste VVON DOGMA I-EP zwar ein paar nette Häppchen, allerdings nichts wirklich Neues, was zahlreiche andere Djent/Prog/Experimental Bands nicht schon so oder so ähnlich gemacht hätten. Nur halt nicht mit einem 9Saiter Bass.

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