Bandname und Albumtitel genügen schon, um die ersten beiden Schmunzler zu wecken. der Bezug auf den legendären Italowestern und die militärische Taktik (besser bekannt als Songtitel der STOOGES) sorgen für die erste Motivation, diese Schallplatte aufzulegen. Ebenjene wird beim norwegischen Qualitätslabel Fysisk Format in grün, lila, oder als recyclete Platte vertrieben. Darauf enthalten sind zehn Stücke, deren Titel ebenfalls mit pop- oder subkulturellen Querverweisen gespickt sind. Songtitel wie „What’s my Rage again?„ oder „The PKA took my Money away“ beweisen den Sinn für Humor der fünfköpfigen Band.

Mit Herz und Verstand – wütend und humorvoll

Knapp über eine halbe Stunde wüten THE GOOD THE BAND AND THE ZUGLY auf ihrem sechsten Langspieler „Research and Destroy“. Dabei erinnern sie klanglich gelegentlich an COMEBACK KID, BOYSETSFIRE oder (frühe) PALM READER. Den Einstieg macht der Hochgeschwindigkeits-Moshpit-Zerstörer „What’s my Rage again?“, dessen hymnische Chorus zwischen heiseren Shouts und melodischen Gangvocals wechselt. Schon hier weist der Arschtrittsound von THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY die kalte nordische Spielweise des Hardcore Punk auf, die hin und wieder in Richtung Crust Punk ausschweift. Der zweite Titel „Song for a Prepper“ zeigt dann zwischen ruhigen, melodischen Einspielern und aggressiven Hardcoreattacken das volle Spektrum des Sounds von „Research and Destroy“.

Mit Vollgas gegen die Negativität unserer Zeit

Im Laufe der weiteren Titel zeigen THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY klare Kante gegen Sexismus, Verbreiter*innen von Verschwörungsmythen, oder soziale Ungerechtigkeit. Weitere Höhepunkte des Album sind definitiv die Songs „The PKA took my Money away“, „One-Dimensional Man“, und „The Original Incel“. Dabei bedient sich die Band aus Oslo dem eingängigen aber packenden Rezept aus melodischem Punk und rasendem Hardcore.

Soundtrack für Skatepark und Abrissbirne

Mit ihrer vielseitigen Mischung aus verschiedenen Punk und Hardcore-Stilen machen THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY „Research and Destroy“ zu einem farbenfrohen und zerstörerisch starken Album. Von hymnischen Chören zum Mitsingen bis zum Wirbelwind-Moshpit passt hier alles zusammen. Da fällt es auch nur wenig ins Gewicht, dass das Album zur Mitte hin kurz schwächelt. Hier dürfen sich Fans von amerikanischen Skate Punk gemeinsam mit Anhänger*innen nordeuropäischen Hardcores freuen.

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Meine Beziehung zu OUR MIRAGE ist wirklich eine Besondere. Die Band ist eine der Wenigen, deren kompletten Werdegang ich quasi von Sekunde 1 verfolgt habe. So habe ich zum Beispiel „Nightfall“ noch unter der Flagge von Frontmann Timo allein auf Youtube gefunden, und seitdem war es eigentlich um mich geschehen, wie man so schön sagt. Ich denke gerade weil das so gelaufen ist, freue ich mich auf und über jeden kleinen Schnipsel irgendwas, den die Band veröffentlicht. Höre ich das Debüt „Lifeline“ immer noch regelmäßig, hat nun schon Album Nummer 2 das Licht der Welt erblickt. „Unseen Relations“ heißt das gute Stück und genau darum soll es nun auch gehen. 

MIT ANDEREN AUGEN?

Bei meiner Review zum Erstling musste ich bemängeln, dass vor Release schon sehr viele Songs veröffentlicht wurden. Sicherlich verständlich als junge Band, aber so bot das Album eben auch nur wenige, neue Stücke. Das ist nun beim Zweitwerk nicht in dem Ausmaß geschehen, und mit „Different Eyes“, „After All“ und „Unseen“ wurden 3 Singles vorab präsentiert. Gerade ersteres schwirrt mir immer wieder durch den Kopf, auch wenn ich es mal einige Zeit nicht gehört hab. „After All“ hat zudem noch ein optisch beeindruckendes Video bekommen. All diese 3 Songs ließen mir jedenfalls schon das Wasser im Mund zusammenlaufen, denn sie bieten alle genau den Sound, den ich an OUR MIRAGE so unfassbar schätze. Post-Hardcore Bands gibt es viele, aber keine mit einem solchen Wiedererkennungswert. Mal von den starken Melodien abgesehen, ist das natürlich auch der mitreißenden Stimme von Timo geschuldet. Hinzu kommen noch die emotionalen Texte, die auch auf „Unseen Relations“ wieder vielen Menschen aus der Seele sprechen werden, da bin ich mir sicher. Was also das Songwriting angeht, so muss man der Band wirklich Feingefühl andichten. 

Was hat sich nun aber seit „Lifeline“ geändert? Nun, eigentlich nichts. Aber wenn ich ehrlich bin, hätte ich das auch nicht gewollt. Ich habe mir einen Nachfolger gewünscht, der mit den selben Qualitäten daherkommt, der mich genau so im Sound gefangen nimmt, der mich eben einfach berührt. Zwischen all den härteren Sachen, die ich momentan so konsumiere, ist dieses Album wieder etwas, das mich zurückholt. Und es tut gut. Was sich aber definitiv entwickelt hat, ist der Klang in Gänze. Man merkt, dass jeder Einzelne sich an seinem Instrument nochmal um ein paar Schippen gesteigert hat. Ebenso wird Manual als Zweitstimme mehr eingebunden, was den Songs noch mehr Abwechslung verleiht. Als Beispiel würde ich da „My Last Day“ nennen. Nach dem ersten Durchgang auch mein Favorit, aber ich denke, das ändert sich bestimmt immer mal. Denn auch „Transparent“ ist ein Hitgarant, durch seine Stimmung, die sich zum Ende hin immer weiter aufbaut. Diesmal neu ist übrigens ein Feature, und zwar mit Telle von THE WORLD ALIVE, zu hören im Song „Falling“. Passt!

Die Songs wurden auch durch ein paar Elemente erweitert, gut zu hören bereits bei „Different Eyes“, dort zeigte man schon die orchestralen Sounds, welche sich auch auf Albumlänge immer mal hier und da wiederfinden. Meiner Meinung nach alles sehr stimmig und präzise eingearbeitet. OUR MIRAGE haben mit diesem Album ihre Position als aufstrebende Band im Genre mehr als nur ausgebaut. Für meine Begriffe momentan das Maß aller Dinge im (emotionalen) Post-Hardcore und ein goldenes Ei für Arising Empire. Das Album hat mich viel mehr überrascht als der Erstling, auch wenn meine Vorfreude sehr groß war, und sowas gerne mal schädlich sein kann. Hier absolut nicht der Fall. Ihr merkt schon, ich bin Fan, aber auch wenn ich die Band nicht schon so lange verfolgen würde, ich würde euch dieses Album als Referenz für Melodie und Gesang empfehlen. Ganz großes Kino! Anfang Februar schon meine erste Höchstwertung, das Jahr verspricht Gutes! 

An der Stelle auch der Hinweis, dass OUR MIRAGE bald mit u.A. VITJA auf Tour gehen und wir in Leipzig für euch dabei sind. Ich bin gespannt, wie die neuen Songs live rüberkommen. Wir sehen uns! 

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Ich bin manchmal auch ein sehr visueller Mensch. Gerade was Musik angeht. Klingt komisch, ist aber so. Was ich damit meine? Nun, ich sagte es schonmal an anderer Stelle, aber für den Bereich Melodic/Post-Hardcore ist der Youtube Kanal DREAMBOUND meine Anlaufstelle Nummero Uno. (Klickt euch bei Interesse mal HIERHIN) Da momentan etwas Flaute ist in meinem Dunstkreis an neuen Veröffentlichungen, hab ich dort mal wieder gestöbert. Wenn mich dann einfach nur das Artwork eines Albums schon anlockt, bin ich umso gespannter, was sich dahinter verbirgt. So nun auch wieder geschehen bei VALIANT HEARTS und ihrem neuen Album „Odyssey“. Die Farben, der Stil, es hat mich einfach angezogen wie die berühmte Motte und das Licht. Mal davon abgesehen, dass mich der Bandname auch ansprach, so als Gamer. Aber warum erzähl ich euch davon? 

PERSÖNLICHE FUßSTAPFEN 

Der Song, den ich da mit dem angesprochenen Albumcover vorfand, nennt sich „Alaska“. Das ist in sofern interessant, weil es bei der Band mit dem Z in der Mitte einige Veränderungen gab, und damit ein für mich wichtiger Aspekt weggebrochen ist: die markanten Clean Vocals. Ich mag ALAZKA noch immer (sofern man das nach einer neuen Single beurteilen kann), aber es ist leider nicht mehr das, wofür ich sie so sehr geschätzt hab. Damit kommen wir nun zu VALIANT HEARTS. Nicht nur musikalisch fühle ich mich sofort wohl, auch die Stimme ist herausragend und bewegt sich auf einem ähnlich-emotionalen Niveau, wie die von Kaz, welcher ALAZKA kürzlich verlassen hat. Daher find ich es irgendwie witzig, dass es gerade „Alaska“ war, welcher mich diese Neuentdeckung machen ließ. 

Daraufhin hab ich mir noch weitere Songs angehört. „Dear Astronomer“, „No Place Like Home“, „Mesmer“, „Wildlife“, in Summe waren es diese 5 Songs, die mich zu dem einzig-logischen Entschluss getrieben haben: Shut up and take my money! Also erstmal ab zu Bandcamp (Kauft am Besten immer da, wenn möglich!) und den Laden leer gekauft. Ausbeute: das Album „Odyssey“ und die EP „No Soul“ von 2017. Da es auch gerne mal vorkommt, dass Bands aus labeltechnischen Gründen nicht alles über Bandcamp gelistet haben, nochmal zum großen A. Siehe da, noch ein Album namens „Wanderlust“ und ein Cover des Devil May Cry 5 Songs „Devil Trigger“. Ich glaub ich hab alles und damit wieder zurück zum aktuellen Werk. 

BILD & TON

Ich möchte jetzt einfach mal die Behauptung aufstellen, dass dies definitiv zu den kreativsten und frischesten Alben in dem Sektor zählt. Mindestens in diesem Jahr, wenn nicht generell. Die erwähnten Songs sind alle schon großartig, aber was sich noch so auf dem Album tummelt, ist Ton für Ton fesselnd. Ob etwas treibender wie „Colourwave“ oder mal komplett in anderen Wassern fischend wie bei „Medusa“, welches zu Beginn wirkt, als sei es aus einem Theater entnommen. Alles gepaart mit den eingängigen Vocals von Sänger Tom, der zu all den Emotionen auch mal gepflegt ausrasten kann. Ebenfalls Erwähnung finden sollten die wunderbar verspielten Piano- und Synthisounds, die die Songs immer wieder bereichern und die Abwechslung damit nochmals steigern. All die Instrumentierung erzeugt immer wieder eine besondere Stimmung. Eine Stimmung, die den Hörer immer wieder mit auf Reisen nimmt. Denn auch die Texte handeln gern von Themen, die sich um andere Spheren drehen. Daher passt auch das Artwork so schön zur Musik. Es ist das Gesamtkonzept, das dieses Album so besonders macht. Ich weiß, das ist musikalisch eher woanders, aber kennt ihr THE BIRTHDAY MASSACRE? Genau so fühl ich mich hier auch, was Optik und Musik im Zusammenspiel angeht. 

RESPEKT!

Und als ob das alles nicht schon spannend genug wäre, kommt jetzt noch ein mehr als beachtliches Topping: Die Band besteht nur aus 2 Mitgliedern! Zum einen Tom, von dem ich ja grad schon schwärmte und welcher in Australien lebt. Zum Anderen Igor, der in Russland beheimatet ist. Auch hier kann ich nur wieder sagen: „Ein Hoch auf das Internet!“, das solche Projekte heute möglich macht. 

Zum Schluss möchte ich noch darauf hinweisen, dass sich auch die älteren Veröffentlichungen allesamt lohnen, da sie ebenfalls so herrlich stimmig sind. Besonders auch die kleinen Videos, die immer stilistisch zu den jeweiligen Themen passen. Anspiel- und Anschautipp dazu: „Don’t Follow The Winter Thread“

VALIANT HEARTS auf Facebook

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Viel hat man bisher noch nicht von HOLDING ABSENCE gehört. Es gab bisher eine Hand voll Singles und vor gut einem Jahr eine Split-EP mit LOATHE, auf der jede der beiden Bands 2 Songs beigesteuert hat. Diese 2 Songs haben mich auf die Band aufmerksam und wirklich Appetit auf mehr gemacht. Besonders „Everything“ ist sehr eingängig und atmosphärisch. Den Stil, den die Band da präsentiert, mag ich im Bereich des Melodic- bzw. Post Hardcore sehr. Da nun der erste selbstbetitelte Langspieler erschienen ist, bin ich sehr gespannt, was sich in einem Jahr getan hat und ob dieser Sound ausgebaut wurde. 

Bereits im Opener „Perish“ wird klar, dass genau das der Fall ist. Der Song ist schwermütig und wahnsinnig fesselnd. Im Hintergrund schwingt immer diese Stimmung mit, die einen mit Flächensounds gefangen nimmt. Gefällt mir schon mal sehr gut. Besonders in den (reichlich vertretenen) ruhigen Momenten des Albums finden sich solche Klänge immer wieder. Der harmonische Gesang von Sänger Lucas überzeugt dabei auf ganzer Linie und weiß, diese vielfältigen Töne zu tragen. Auch wenn HOLDING ABSENCE Fahrt aufnehmen und mit Songs wie „Like A Shadow“ mal aus sich rauskommen, zeigt sich, dass auch Shouts dem musikalischen Gewand gut stehen. Es dominieren hier aber ganz klar die sanften Nummern. Das gipfelt dann bei „Marigold“ sogar in einer nur von Piano- und Synthmelodien getragenen Ballade und wirkt beim kurzen Zwischenstück „Purge“ fast schon wie düstere Filmmusik.

Ihr seht also, hier stehen ganz klar die melancholischen Parts im Vordergrund. Und wenn man in der Stimmung für genau so etwas ist, bietet das Album definitiv den perfekten Soundtrack. Ein paar Melodien beginnen außerdem richtig stark, verlieren sich aber dann irgendwie leider. Ein Beispiel hierfür ist „Last Of The Evening Light“, welches eine Granate hätte werden können, wenn nicht dieser eine gewisse Funke fehlen würde. Alles in allem ist HOLDING ABSENCE aber ein rundum stimmiges Album mit viel Atmosphäre und einer einprägsamen Stimme. 

Das folgende „Monochrome“ schafft es zudem, das gesamte Werk in einem Song zu repräsentieren. 

HOLDING ABSENCE

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Das bisher vergangene Jahr hatte schon so einiges an Highlights für mich auf dem Coresektor zu bieten. Allerdings muss ich gestehen, dass ich noch nie – ja wirklich: noch nie – so gespannt auf ein Debütalbum war, wie bei dem nun vorliegenden „Lifeline“ von OUR MIRAGE. Aber warum ist das so? Und wie ist es letztlich um meine Erwartungen bestellt?

Bitte lesen sie weiter… 

Die Band hat mit „Nightfall“ vor einiger Zeit ihr erstes Lebenszeichen von sich gegeben und damit schon für viel Aufmerksamkeit gesorgt. Es folgten bis heute 5 weitere Singles, welche alle auch mit Videos präsentiert wurden. All das weckte natürlich nicht nur bei mir immer mehr Interesse. Aber was macht die Band um Frontmann Timo Bonner so besonders? Nun, hört man sich die Songs des Albums an, so fällt besonders eine Sache auf: die Texte. Diese sind fast durch die Bank weg so geschrieben, dass man sich bestimmt in mindestens einem Song irgendwo wiederfindet. Wer hat sich zB. nicht schonmal allein unter Tausenden gefühlt? „The Unknown“ beschreibt genau das, aber das nur mal als Beispiel. Es geht auch um weitaus ernstere Themen, aber ich spoilere ungern Texte, da sie jeder für sich selbst interpretieren sollte.

Hinzu kommen unfassbar eingängige Melodien, welche die Worte, gepaart mit Timos wirklich individueller Art zu schreien, unter die Haut schießen. Ich hatte die Band schon an anderer Stelle vorgestellt, an der es einen Kommentar gab, der genau diese Art super beschreibt: „… Selbst die Shouts klingen irgendwie melodisch…“. Klargesang hat der Mann natürlich auch drauf und das definitv mit Wiedererkennungswert. Hier könnt ihr euch von beidem überzeugen:

Erwartet auf „Lifeline“ aber kein Geknüppel o.ä.! Das ist nicht der Anspruch. Es geht hier viel mehr um Emotionen, und das ist auch durchaus gut so, ja, sogar erfrischend. Man kann aber schon auch mal ausrasten, nur eben anders, innerlich. Klar, fehlt es dem Grundton der Musik nicht an Härte, wir sprechen hier ja nicht von Popmusik. Was ich allerdings zu bemängeln habe, ist der Umstand, dass es eben vorher schon 6 Songs gab. Auf dem Album befinden sich 11, wovon eines ein Zwischenstück ist. Somit bekommt man quasi nur 4 wirklich neue Songs zu hören.

Das tut zwar nicht weh, aber irgendwie ist es auch schade. 

Ich möchte euch an dieser Stelle auch gern das Interview mit Timo ans Herz legen, in welchem er z.B. noch tiefere Einblicke in die Lyrics gibt. Außerdem gibt es im Winter die Chance, die Band als Support für IMMINENCE zu erleben. Tickets dafür gibt’s z.B. HIER.

05.12.   D            Münster – Sputnik-Café
06.12.   D            Erfurt – Museumskeller
07.12.   D            Leipzig – Bandhaus
08.12.   D            Berlin – Musik & Frieden
09.12.   CZ          Prag – Nová Chmelnice
10.12.   A            Wien – Chelsea
12.12.   CH          Zurich – Werk 21
13.12.   D            München – Backstage
14.12.   D            Frankfurt – Nachtleben
15.12.   D            Dortmund – FZW
16.12.   NL          Amsterdam – Melkweg
17.12.   F             Paris – Backstage By the Mill
19.12.   D            Stuttgart – clubCANN
20.12.   D            Hanover – Lux
21.12.   D            Hamburg – Indra Club 64
22.12.   D            Kiel – Pumpe

OUR MIRAGE

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S: Wie lange machst du schon Musik beziehungsweise schreibst Songtexte? Wie entstand daraus der Gedanke, eine Band zu gründen?

Timo: Mein Vater war Musiker. Er hat mir einiges auf den Weg gegeben und mich auch ein wenig unterrichtet. Das hat erstmal nicht so richtig gefruchtet, bis ich dann von selbst mal eine Gitarre in die Hand genommen habe. Irgendwann hab ich auch angefangen, ein wenig dazu zu singen, soweit das möglich ist mit drei Akkorden. Wenig später hab ich auch das Schlagzeug für mich entdeckt.
Ich schätze mal, ich war bisher in acht verschiedenen Bands, von der Schulband bis zur Punkband war da alles dabei. Als ich dann anfing, härtere Musik zu hören, hatte das natürlich auch Einfluss auf das, was ich machen wollte.

Ausstieg und Neuanfang

S: Bekannt geworden bist du mit FOREVER IN COMBAT, die du Anfang 2017 verlassen hast. Was war der Grund für deinen Ausstieg?

Timo: Der Hauptgrund war der, dass wir aus drei verschiedenen Ländern kommen. Fredrik wohnte in Schweden, Myungjae in Dubai und ich in Deutschland. Kennengelernt haben wir uns über YouTube, ich hatte damals einen Kanal namens „Shitty Covers 69„. Und einer der Jungs hat mich irgendwann angeschrieben. Wir waren am Anfang nur so eine Internetband, die berühmte Metalcore-Songs gecovert hat. Durch die verschiedenen Wohnorte konnten wir einfach selten richtig zusammen proben und auftreten. Dadurch hat sich das Ganze für mich einfach nie angefühlt wie eine richtige Band.  

S: „Our Mirage“ bedeutet so viel wie „Unsere Fata Morgana“ – was ist damit gemeint?

Timo: In den Songs geht es ja viel um Depressionen, Angstzustände, Mobbing und Ähnliches. Und die meisten Dinge davon sind Sachen, die eigentlich nicht dinglich sind. Also man kann sie nicht sehen oder anfassen. Depression, das ist eigentlich nur ein Gefühl, ganz rational betrachtet. Aber trotzdem ist sie da.
Und die Fata Morgana ist ja auch etwas, das nicht wirklich da ist, aber es ist trotzdem sichtbar und dann doch irgendwie da. Also ist das meine Metapher für solche Dinge wie Depressionen. 

S: Ihr widmet euch in euren Songtexten Themen wie Mobbing, Einsamkeit, Depression und Suizid. Warum habt ihr euch für diese Themen entschieden?

Timo: Ich schreibe die Texte und auch die Songs. Die Themen, die ich da behandle, sind eigentlich Dinge, die mir selbst wiederfahren sind. Viele dieser Dinge, wie das Alleinsein in der großen Stadt oder dass man jemanden verliert, den man liebt, das alles stürzt einen in ein sehr tiefes Loch.

In „Revivor“ geht es beispielsweise um Mobbing. Da erzähle ich meine Lebensgeschichte und wie ich zu der Person geworden bin, die ich heute bin. Da erzähle ich davon, wie ich von meinen Freunden verraten wurde, die mich zu Tode gemobbt haben quasi, sodass ich mich umbringen wollte mit zehn. Ich war zu der Zeit wirklich sehr stark depressiv.
Danach gab’s auch noch mal eine Phase, zu der ich in schweren Depressionen war, aber ich habe immer einen Weg da raus gefunden. Ich möchte mit den Songtexten quasi den Menschen zeigen, dass es immer einen Ausweg aus jedem noch so tiefen Loch gibt.
Für mich war es zum Beispiel damals ausschlaggebend, dass ich angefangen habe, Musik zu machen. Ich hatte damals auch meinen jetzt verstorbenen Hund bekommen, der sollte mir helfen, mich nicht mehr so einsam zu fühlen. Ich für mich selbst habe dann entschieden, dass ich das alles nicht verdient habe. Auch das ist eine Textzeile aus „Revivor“.

„Heutzutage bin ich eine der positivsten Personen, die ich kenne.“

Indem ich an die Zeit zurückdenke und darüber singe und spreche, möchte ich anderen Menschen etwas mit auf den Weg geben, ihnen meine Geschichte erzählen, wo immer eine positive Wendung drin ist. Einfach zeigen, dass es immer einen Ausweg gibt und Suizid nicht die Lösung ist, obwohl ich das damals auch vorhatte.  

Kein Blatt vor den Mund nehmen

S: Werdet ihr diese thematisch eher düstere Richtung beibehalten?

Timo: Ich denke, das war ein ausschlaggebender Punkt, warum wir mittlerweile recht erfolgreich sind. Dass wir dieses Thema anschneiden und kein Blatt vor den Mund nehmen. Das ist natürlich ein düsteres Thema, aber wie gesagt, wir wollen auch immer eine positive Message mit auf den Weg geben. Und ich denke, wir werden auch in den zukünftigen Songs und Alben diese Themen beibehalten, aber man weiß nie, was es für Eingebungen gibt, über die ich dann Lust habe, zu schreiben.

S: Eine sehr besondere Aktion war, dass du auf Facebook einen Aufruf gestartet hast, in dem du Fans darum gebeten hast, dir ihre Geschichten zu schicken, von persönlichen Erlebnissen, die sie bewegt haben. Daraus entstand der Song „Insecurity“.
Am 24.08. erscheint euer erstes Album, „Lifeline“ – Werden auch auf diesem Stories von Fans enthalten sein?

Timo: Nicht direkt, aber einen Song habe ich geschrieben wegen meiner Freundin. Sie ist ein Fan unserer Musik, also indirekt ist da auch die Story eines Fans drauf. Sie leidet schon ihr ganzes Leben lang an Panikattacken und hat mir beschrieben, wie sie sich dabei fühlt und wodurch die Attacken ausgelöst werden. Und ein Song, „Heartbeat“, handelt von genau diesen Sachen.

S: Der Aufruf zeigt auch, dass Fannähe für dich ein wichtiges Thema zu sein scheint. Wo liegen denn die Grenzen von Fannähe?

Timo: Die Grenze ist auf jeden Fall, Fans, die mich wirklich nur durch die Musik kennen, in mein Leben zu lassen. Obwohl es auch schon passiert ist, dass Fans zu meinen Freunden geworden sind. Das ist ganz schwierig! Wenn bestimmte Leute immer wieder zu unseren Shows kommen, dann freut man sich natürlich, die Gesichter wiederzusehen und dann entsteht natürlich auch irgendwo eine Freundschaft.
Aber ich glaube, ich würde niemals eine Beziehung mit einem Fan eingehen. Es ist schwierig, wenn Menschen einen nur durch die Musik kennen und schätzen. Ich möchte für die Person gemocht werden, die ich bin und nicht, für die mich Menschen halten.    

S: Wie lautet deine abschließende Botschaft an die Leser?

Timo: Die Botschaft, die ich immer predigen möchte, ist, dass jede Person der eigene Herr über sich selbst ist. Man muss jede Entscheidung im Leben selbst treffen und nicht alles hinnehmen, was einem das Leben gibt.
Das ist immer der erste und wichtigste Schritt, sich einzugestehen, dass man das alles überhaupt nicht verdient hat.

„Man kann selbst entscheiden, ob man in Depressionen versinkt oder ob man versucht, etwas dagegen zu unternehmen.“

Wie mir Timo außerdem verrät, sei auch ein bandeigener YouTube-Channel mit Vlogs und Tour-Updates fest in Planung. Von großen Vorhaben ist die Rede. „Da kann ich leider noch nicht ganz drüber reden, aber da kommt noch was.“ Worum es dabei wohl gehen mag? Bleibt gespannt!

Der Beitrag Timo Bonner von OUR MIRAGE im Interview – „Es gibt immer einen Ausweg“ erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Es ist doch immer wieder interessant, was manche Bands so in Eigenregie erschaffen können. Vieles klingt dann auch gerne mal nach Blechtrommel im Proberaum, einiges befindet sich aber auf einem Niveau, welches mich aufhorchen lässt. Gerade die „Kleinen“ sind es oft, die mit Herzblut und Perfektionismus an eine solche Produktion herangehen. TRACED BY ENEMIES zählen definitv zu der Kategorie außerhalb des Proberaums. 

Die neue EP „Where The Sun Turns Grey“ der 2014 gegründeten Coreband aus deutschen Gefilden weiß mit ihren 5 Songs (plus stimmungsvollem Intro) wirklich zu überzeugen. Hier bekommt man in knapp 20 Minuten eine Menge geboten. Tolle Melodiebögen, Shouts, die direkt unter die Mütze gehen, fette Riffs, coole Breaks und eigentlich nix, was mich meckern lassen würde. Besonderes Merkmal sind die immer wieder eingestreuten Elektronikhapppen. Von Klaviersounds bis Synhtiflächen lassen sich im Hintergrund viele clevere Details entdecken. Ich empfehle unbedingt Kopfhörer, um ja nichts zu verpassen. Dass die Produktion so on Point ist, lässt sich übrigens auf die Arbeit von Timo Bonner (Masterblaster Recordings / OUR MIRAGE) zurückführen. Ich habe schon die ein oder andere Band gehört, die mit ihm gearbeitet hat und bin der Meinung, dass er sein Handwerk versteht. Mit „Doomed“ findet sich auch ein sehr gelungenes Feature mit Daryl Mevißen von NEVER BACK DOWN auf der EP. Mein persönliches Highlight ist übrigens „Catharsis“.

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Als ich die ersten Töne des neuen Albums von TEMPLETON PEK hörte, schossen mir sofort 2 Vergleiche in den Kopf: THE OFFSPRING und RISE AGAINST. Noch während „Watching The World Come Undone“ bei mir lief, kam ich nicht umhin, parallel Nachforschungen anzustellen. Siehe da: ich bin bei Weitem nicht der Erste, dem das auffällt. Aber das scheint auch so gewollt zu sein. 

Leider liegt genau in diesen Vergleichen das Problem, welches ich mit dem Album habe. Die Band wird als europäische Antwort auf eben diese Bands gehandelt, und konnte sich über die Jahre auch einen ansehnlichen Namen machen. Handwerklich ist das hier Gebotene wirklich auf demselben Niveau, textlich finden sich auch ähnliche Themen, aber irgendwie zündet das alles nicht. Versteht mich nicht falsch, die Produktion ist über jeden Zweifel erhaben, aber ansonsten bleibt mir nichts im Ohr. Die Stimme von Frontmann Neal will mir leider auch nicht gefallen. Na klar kann er singen, keine Frage, aber Dieter B. würde hier wohl von der „Klangfarbe“ sprechen, welche mir nicht zusagt. Auch die Melodien wollen bei mir einfach nicht durchdringen, auch wenn sie gut platziert sind. Ich will das Album keinesfalls schlecht reden, ich denke nur, dass mir oben zitierte Bands eben einfach zu sehr am Herzen liegen, wodurch mir TEMPLETON PEK leider nur wie eine (gewollte?) Kopie derer vorkommen. Wer mit den genannten Kritikpunkten allerdings kein Problem hat, bekommt hier einen guten Genrebeitrag. 

TEMPLETON PEK bei Facebook

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Eine Band, die sich aus ehemaligen Mitgliedern von u.a. RISE AGAINST zusammensetzt, könnte für mich durchaus interessant sein, mag ich eben jene Band sehr gern. Allein das ist Grund genug, mal ein Ohr bei GREAT COLLAPSE zu riskieren. 

Leider will dieses Album bei mir einfach nicht zünden. Handwerklich ist das alles wirklich sauber gemacht, aber der Gesang von Sänger Thomas Barnett ist mir eine Spur zu punkig, manchmal zu „hingerotzt“, wenn man das so nennen mag. Es befinden sich schon recht gute Melodien in den Songs, auch regen sie zum Mitwippen an, aber zu mehr eben auch nicht. Ich weiß nicht so recht, woran es liegt. Stellenweise hab ich das Gefühl, dass die Band zu sehr wie oben Genannte klingen will. An anderen Stellen wirkt es, als ob GREAT COLLAPSE nicht wissen, welches Genre sie eigentlich bedienen wollen. Außerdem ist das Album mit gut einer halben Stunde mehr so für zwischendurch. Die Songs dauern meist nur 3 Minuten, oder kürzer. Auch so eine Sache, die ich eher dem Punk zuschreiben würde. Für mehr als den Bewertungsdurchlauf reicht es bei mir leider nicht. Ihr könnt natürlich selbst entscheiden:

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Wir heißen euch willkommen in einer Galerie voller Schrecken und Erleichterung. Ab sofort wird Cthulhu die 6 besten Cover des vergangenen Monats für euch zusammenfassen. Unterstützt wird er dabei von meiner Wenigkeit und einem monatlich wechselnden zweiten SILENCE-Sklaven. Für diese Ausgabe gibt Mich seine Favoriten des Oktobers zum Besten. Meine Liste findet ihr dann unter seiner.

III. SPECTRAL HAZE – Turning Electric
Veröffentlichungsdatum: 20.10.2017
Label: Totem Cat Records

Mit psychedelisch-spacigen Farbexplosionen kriegt man mich fast immer – und so stach mir auch diese prächtige Bildkomposition sofort ins Auge. Hört man sich dann die Musik dazu noch an, ergibt sich ein sehr stimmig ineinander aufgehendes Gesamtbild: die Determination Augen und Haltung des Adlers, sowie dessen harscher und turbulent anmutender Farbverlauf und -aufbau geben die wilde, rohe Energie wieder, die der nach vorne gehende, rock’n’roll-lastige Stoner Rock von SPECTRAL HAZE ausstrahlt. Gleichzeitig wird der Betrachter durch die unzähligen Farben, die im aus Sternennebel geformten Körper des Vogels ineinander verlaufen – dem Hörer gleich – in überirdische Sphären befördert. Beide Aspekte, sowohl das wilde Farbenspiel wie auch die Härte im Ausdruck der Kreatur, werden durch den pechschwarzen Hintergrund noch einmal extra hervorgehoben. Dazu kommt, dass sich aus der Tiefe der nebular-spektralen Flügel des Wesens eine Landschaft mit Fluss und Gebirge zu ergießen scheint – ein Detail, welches mir erst nach längerem Betrachten überhaupt auffiel. Großartige Komposition!

II. HÄLLAS – Excerpts From A Future Past
Veröffentlichungsdatum: 13.10.2017
Label: The Sign Records

Ein dunkler Wanderer auf einem sumpfigen Pfad, der in den herannahenden Sonnenuntergang führt. Eine riesige Turmruine, die aus nebeligem Waldgestrüpp heraus- und in einen unendlichen, sternen- und galaxienübersähten Nachthimmel hineinsticht. Das Ganze edel umrahmt mit klaren, goldenen Linien, die zu dem weichen und verschwommenen Stil des fast hypnotisch wirkenden Gemäldes in einem harten Kontrast stehen. Man möchte wissen, wohin der Wanderer zieht. Wer er ist. Man möchte als Betrachter den goldenen Rahmen durchbrechen, in diese mystische, lockende Welt hineinsteigen. Was für eine Atmosphäre. Ein solches Album würde bei mir Gefahr laufen, allein wegen des Covers im Einkaufswagen zu landen. Einfach um zu wissen, was passiert, wenn man das Werk öffnet und tatsächlich, endlich, darin eintreten kann. Ob die Musik die vom Künstler versprochene Atmosphäre so einhalten kann, müsst ihr dann aber selbst herausfinden. Ich bin erstmal damit beschäftigt, das Bild anzustarren.

I. FIREBREATHER – Firebreather
Veröffentlichungsdatum: 13.10.2017
Label: Suicide Records

Woaaah, es sieht mich an! Der durchstechende Blick dieser gewaltigen Seeschlange, die bedrohliche, im Dunkeln der nächtlichen Gicht verschwimmende Haltung, die wilden, gnadenlos aggressiv gezogenen Pinselstriche – all dies gibt mir beim Betrachten dieses wahren Kunstwerks von Cover-Art tatsächlich ein gewisses Gefühl von Furcht und Paranoia. Die harsche, in Bewegung verwackelte Unschärfe des Werkes sammelt die Konzentration instinktiv auf den grell funkelnden, stechend scharf gemalten Augen der Kreatur und dessen aufgerissenem Maul. Welch eine Ausdruckskraft! So muss es sich für eine Maus anfühlen, wenn sie in den Unruhen einer stürmischen Nacht in letzter Sekunde bemerkt, dass sie einer hungrigen Katze gegenübersteht und im Begriff ist, verschlungen zu werden. Auch der Ritter im Bild scheint seiner Haltung nach die Situation, einer Seeschlange entgegenzutreten, etwas unterschätzt zu haben. Ein großartiges Cover-Artwork für ein wuchtend-düsteres, bösartiges Stoner-Doom-Album, und definitiv mein Favorit des Monats.

III. STICK TO YOUR GUNS – True View
Veröffentlichungsdatum: 13.10.2017
Label: End Hit Records / Pure Noise Records

Von einem lyrischen Standpunkt aus ist „True View“ das introspektivste STICK TO YOUR GUNS Album bis jetzt. Die vielen persönlichen Konflikte, die Sänger Jesse Barnett ankurbelte, indem er weiterhin nur blind seiner politischen Agenda folgte, hatten einen starken Einfluss auf den Text und die Musik. Sein Ausruf:

„There was a time / When I did things just to do them“

illustriert dieses Thema jedoch noch nicht genug. Die Darstellung des Globus und die Illustrationen zu den Songs rahmen diese ehrliche LP perfekt ein. Weiterhin spielt der Titel „True View“ mit zweierlei Dingen: dem Blick auf die eigene Persönlichkeit als auch die Weltkarte.

Wusstet ihr zum Beispiel, dass fast alle flachen Projektionen des Globus inkorrekt sind? In diesem Fall wurde die atemberaubende, aus zwei Hemisphären bestehende Karte des Mathematikers Samuel Dunn für die Ansicht gewählt. Zu seiner Zeit waren große Teile dieser Karte jedoch noch nicht vollständig erkundet und die Karte enthält dementsprechend nicht nur die vorprogrammierten mathematischen, sondern auch geografische Fehler. 

II. ZUGEZOGEN MASKULIN – Alle Gegen Alle
Veröffentlichungsdatum: 20.10.2017
Label: Four Music

Hip Hop kann so viel mehr sein als Parolenbrüllerei (siehe Zecken-Rap) und Versace zu tragen. Diese Aussage vertreten für mich ZUGEZOGEN MASKULIN. Sie prangern auf ihrem zweiten Album weiterhin alles an, was ihnen auf den Geist geht. Neben den vielen, ungewohnt privaten Ansätzen wird wieder volle Kanne auf Hipster, Konsum als Kultur und gegenseitigen Hass eingeprügelt, bis der Arzt kommt. Dabei kommen sie noch lang nicht so linksgrün-versifft daher, wie der Feuilleton, oder ihr nach dieser Beschreibung, vielleicht vermutet. Auch das Cover macht da vor niemandem Halt. Jeder bekommt sein Fett weg – Menschenhass pur für Jugendkultur und blinden Aktionismus. Zwei am Boden gebliebene MCs zeigen allen Schubladen-Denkern mit ihren ironischen Stellungswechseln den Mittelfinger. Wer sich als Metaller gern mit Texten auseinandersetzt, kommt hier definitiv auf seine Kosten. Achja, das SLIME Album, das den Titel „inspirierte“, soll auch ganz gut sein.

I. AMENRA – Mass VI
Veröffentlichungsdatum: 20.10.2017
Label: Neurot Recordings / Cargo Records

Puh, die Kultbegründer und Freigeister von AMENRA haben sich mal wieder zusammen- und mit allem möglichen auseinandergesetzt. Alles was über die morbide Grundstimmung aller ihrer Werke hinaus geht, möchte ich hier außen vor lassen, denn meine ausführliche Review zu dem Ding bekommt ihr schon noch zu hören. So monumental und tragisch diese Musik auch anmuten mag, so einfach ist das Artwork aufgeschlüsselt. Der sterbende Schwan ist eine eindeutige Botschaft, die nicht im Klischee versinkt – und das trotz aller Anspielungen, die auf dieses Tanzsolo bereits abzielten. Mit den anderen dazu entstandenen Stücken verbildlicht das Kollektiv eine düstere Vorahnung von dem, was zu hören sein wird. Befreit von jeglichen popkulturellen Ideen zur Darstellung des Todes wird die Sterblichkeit an Tieren dargestellt. Denn in der Natur zählt nicht was du bist, sondern nur wann du stirbst.

Der Beitrag CTHULHUS’ Cover des Monats #4 – Oktober 2017 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.