Schweizer Bands habe ich nirgends in meinem Regal zu stehen. Ob sich das mit dem neuen COILGUNS Album ändern wird? Die Prämisse des Albumtitels erweckt in mir gemischte Gefühle – wird „Millenials“ etwa ein Testament einer ganzen Generation, Welt oder Zeit?

Kurzum gesagt: der schlummernde Mathcore erweckt ein Gefühl der Leichtigkeit. Gerade die Verknüpfung der Songs grenzt an eine Meisterleistung, aber COILGUNS vermögen es, eine reich texturierte Reise aus dem lose wirkenden Wirrwarr zu konstruieren. Spätestens auf dem zweiten Track „Delitionism“ brennen alle Sicherungen durch. Gesprochener Gesang, der im entferntesten mit den Zeitgenossen CANCER BATS und ’68 vergleichbar ist, trifft auf hypnothisierende Riffs. Zum Glück kommt dank Songs wie „Millenials“ und „Ménière’s“ auch die Geschwindigkeit nicht zu kurz. 

Desillusionierend hetzen COILGUNS von einer Nummer zur nächsten. Dabei verrennen sie sich zwar immer wieder in der überwältigenden Größe ihrer Pläne und kehren gern noch gefasster zurück. Auf dem verzerrten, doomigen „Spectrogram“ wird das besonders klar. Aus dem Buch von CODE ORANGE hat man sich den einer oder anderen Trick geklaut, so auch das abrupte Ende von „Music Circus Clown Care“. Noisig und abgespacet wird es immer wieder mal, die US-amerikanischen Einflüsse werden immer deutlicher.

Die lockeren Spieleinheiten aus Metal, Mathcore und Sludge nehmen während der Dauer der Platte immer mehr Gestalt an. Als sie dann in das Biest namens „The Screening“ münden, merkt man deutlich, wie haargenau hier sortiert wurde. Ist das dadurch schon ein Konzeptalbum? Noch lange nicht, aber es bringt mich oft genug aus der Fassung. „Millenials“ liefert keine Antworten, dafür aber einen unendlichen Fragenkatalog, den es für jeden Hörer zu ergründen gilt. Wo kommt das jetzt her? Wieso ist da jetzt das? Habe ich Kopfschmerzen?

Meine Anspielempfehlungen: „Spectrogram“, „Music Circus Clown Care“, „Self Employment Scheme“

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Habt ihr THE DILLINGER ESCAPE PLAN noch live erleben können? Fehlt euch die Band so sehr wie mir? Dann habe ich einen Leckerbissen aus dem letzten Jahr (!) für euch entdeckt. Selbst die-hard Fans ist dieses Projekt von Gitarrist Kevin Antreassian, der sympatische Typ mit dem Bart, wahrscheinlich bis jetzt entgangen. Über einen Zeitraum von acht Jahren feilte er zusammen mit seinen Freunden Ryan Newchok und Eli Litwin an diesem Album. Das Endergebnis kann sich hören lassen – mit Anleihen von Instrumental-Djent á la ANIMALS AS LEADERS. Vom Opener „Idiot City“ bis zum minimalistischen „The Snake Charmers Anthem“ stampft die Platte den Gehörgang ein. Jedes der neun Lieder verbindet Groove und Technik auf eine besondere Art und Weise.

Zu den Highlights gehören „Gargle Clamp“, „Kid Colossal“ und „Bumble Bee Infant“. Dank der haargenauen Modellierung des sehr digitalen Tons ziehen mich die Melodien und Einbrüche in ihren Bann. Bei einer so glatten Produktion bleiben Emotionen jedoch aus. Deswegen wirkt es auch nicht wie ein Vermächtnis der legendären Mathcore-Band. Vielmehr legt sich hier der Schleier von technischen Spielereien über emotionalen Ausdruck – ganz im Gegensatz zu verspielten Genre-Vettern (PLINI).

Dennoch reihen sich KNIFE THE GLITTER nahtlos in eine beachtliche Sammlung an musikalischen Nebenschauplätzen ein. Dabei setzen sie weder auf eine 180° Kehrtwende (THE BLACK QUEEN) noch auf rohe Star-Besetzung (KILLER BE KILLED). Ganz im Gegenteil: die qualitativ hochwertige Instrumentalmusik behält viele der chaotischen Strukturen bei. Übertragen auf den progressiven Djent-Grundton schreien die einfachsten DILLINGER-Ideen nach den Vergleichen mit ANIMALS AS LEADERS. Auch wenn die offensichtlichen Abstände zum Genre-Monolith nicht größer sein könnten, die Grooves sind ergreifend. Wer in der Musik eine Verbindung mit seiner Gefühlswelt sucht, wird jedoch enttäuscht. 

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Selten erreichte ein derart interessantes Album unsere Redaktion. Das gilt jedenfalls für die Verpackung von „Fear / Focus“, die aus einem einteiligen Papierschuber besteht, der mithilfe eines echten Wachssiegels zusammengehalten wird. Aber wie aufregend ist der Inhalt dieses aufwendigen Packagings?

Druck aufbauen, abbauen und dann explodieren. So, oder so ähnlich, stelle ich mir die versprochene Musik vor. Enttäuscht werde ich mit dem ersten Song vorerst nicht – ehrliche Shouts, ein grooviges Riff und simples Drumming. Soweit so gut, aber warum hört sich alles bereits gewohnt an? So oft wie möglich gibt es Übergänge in neue Songelemente, die an typischen Radio- oder auch Sothern Rock erinnern. Kein Wunder also, dass KOLARI irgendwo zwischen EVERY TIME I DIE, CANCER BATS und GALLOWS eine Punktlandung schaffen. Zugegebenermaßen haben die abrupten Wechsel in ihrer Musik einen Aufbau, der eher HECK ähnelt, aber die jagen fairerweise auch nur ihren Idolen hinterher.

Diese Jagd reicht den Hamburgern bei Weitem noch nicht. In „Cupid’s Poisoned Arrow“ wird dem geneigten Hörer ein etwas anderer Refrain angeboten. Dieser braucht sich vor modernen, glattgebügelten Post Hardcore-Bands aus den USA nicht zu verstecken. Dank den gewissen Ecken und Kanten jedoch hat KOLARIs Umsetzung das gewisse Etwas. Für einen Vergleich wären die Gesangspassagen von NORMA JEAN heran zuziehen. Was hingegen in den Strophen abgeht ist abwechslungsreich und sehr kalkuliert. Über abrupte Änderungen in Rhythmus und Stimmung muss ich nach der Einleitung hoffentlich nicht mehr sprechen. Das fetzt und peppt die sonst so klar gesetzten Grenzen im Aufbau eines Post Hardcore-Liedes stark auf. Lediglich der „Sprechgesang“ am Anfang des Liedes ist ausbaufähig. Genauso ergeht es „Mainline your Job“, was die Hörbarkeit beider Lieder für mich deutlich ruiniert.

Aber KOLARI können zum Glück auch anders. Dass sie dabei wie CANCER BATS-Imitatoren klingen kommt mir ganz gelegen, schließlich lassen die mich schon seit 2013 auf ein neues Album warten. Zu dem Sound der punkigen Kanadier gesellen sich dann simpler Post Hardcore und zum Teil Screamo. Mit von der Partie sind in diesem Mix die vorhin erwähnten Briten von GALLOWS. Unzählig viele Stellen erinnern mich an diese vom Emo beeinflusste Hardcore-Band, aus der viele großartige neue Gruppen hervorgegangen sind (PURE LOVE, FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES).

Weitere Qualitäten aus der Richtung Melodic Hardcore stellt das Quintett ebenfalls zur Schau. „Too Big To Fall“ kann dadurch auf ein komplexes Songwriting und eine lange Dauer verzichten. Als netter Nebeneffekt klingen die gebotenen Breakdowns und Gangshouts auch überzeugender. Obwohl man den Inhalt schon tausend mal gehört hat, wirkt KOLARIs Ansatz frisch und gut gemeint. Sie kombinieren alles, was auch bei DEFEATER und Genossen gut funktioniert, mit seichten Tönen progressiver Hardcore-Bands.

Spätestens auf „Culling The Herd“ wird die Bandbreite der Core-Einflüsse klar: große Gesangseinlagen, ein klassischer 2008er Breakdown, der etwas im Mathcore mündet und melancholische Bridges. Trotz den ungewöhnlichen Taktarten und einem fortschrittlichen Sound tritt auch die Vorhersehbarkeit schnell ein. Ab „Rise Of The Indecent“ werden meine Voraussagen zu Songstruktur und Text immer genauer. Auf dem gerade eben genannten Lied passiert zum Glück der aus meiner Sicht einzige lyrische Patzer. Nach PARKWAY DRIVEs Mega-Hit „Home Is For The Heartless“ klingt eine Zeile wie

„If home is where the heart is, there’s no home for the heartless“

irgendwie befremdlich. Der restliche Text ist zwar über das gesamte Album hinweg keine poetische Meisterleistung, für junge Nicht-Muttersprachler aber annehmbar.

Der ständigen Wiederholung zum Trotz bauen sie wenigstens ordentliche Grooves ein. Da fällt es mir schwer bei „Bite & Sting“ nicht in einen 2-Step zu verfallen. Bedauerlicherweise hauen gerade die Refrains, die auf solche Passagen folgen, mich nicht um. Der ehrliche Gesang kommt im Mantel des Southern Rocks à la MAYLENE AND THE SONS OF DISASTER daher. Aller Zugewandheit zu dem Southern Hardcore der Genre-Legenden zum Trotz mag mich KOLARIs Ansatz nicht überzeugen. Wer es trotzdem mal probieren möchte, sollte in „Pay The Rant“ hereinhören. Im krassen Gegensatz dazu steht der weinerliche Gesang auf dessen Nachfolger „A Modest Proposal“. Um diesen besser zu verpacken, wurde ein ausgefeilter Breakdown eingebaut. Und ich muss zugeben, dass seit dem finalen Crescendo in „Brainwashed“ von WHILE SHE SLEEPS mich nichts mehr – erst recht nicht aus Deutschland – so überrascht hat.

Nachdem ich, kurz überrumpelt, durch die letzten Sekunden des Lieds gekommen bin, wird das Album wieder in gewohnter EVERY TIME I DIE Manier beendet. Trotz einer knackigen Dauer von 42 Minuten hinterlässt es bei mir einen äußerst soliden Eindruck. Die Core-Mischung von KOLARI muss jedoch noch ein paar Veröffentlichungen reifen, bevor sie in einer für mich perfekten Geschmacksrichtung aus dem Mixer kommt. Vielleicht helfen eine größere Portion THE DILLINGER ESCAPE PLAN und Dreck dabei, der melodischen Umsetzung ihrer Wut einen weniger faden Beigeschmack zu verleihen. 

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KORA WINTER sind KEINE davon!

Das Fünfergespann aus der Hauptstadt legt mit „Welk“ ihre zweite EP vor und haut mich damit schon beim ersten Hören komplett aus dem Sessel.
Zugegeben: beim ersten, musiklosen Blick auf die Lyrics wurde ich etwas skeptisch, aber spätestens als der Opener „Bluten“ mit einer wunderbaren Saxophonlinie in mein Ohr kriecht, bin ich entzückt. Meine erste Assoziation: das Hannoveraner Artcore-Trio THE HIRSCH EFFEKT, für die KORA WINTER bereits als Vorband spielen durften. Durchaus verdient, wie ich sagen muss.

Sehr weit von den HIRSCHEN entfernt sind KORA WINTER nämlich nicht, auch wenn das Berliner Quintett weniger vertrackt zu Werke geht. So erinnern die etwas weniger DILLINGER-esken Momente zumindest mich an den wundervollen Postcore der Jungs von FJØRT. Soll heißen: Emotion und Eingängigkeit werden hier gekonnt mit Melancholie und Härte gepaart.

Bereits 2015 ließen KORA WINTER ihre erste EP „Blüht“ auf die Welt los und konnten schon damit, völlig zu Recht, gute Kritiken einheimsen. Wer jetzt jedoch denkt, dass „Blüht“ eher nett und freundlich, „Welk“ jedoch trist und langsam wäre, der täuscht! Auch wenn zwischen beiden Veröffentlichungen zwei Jahre liegen, so sind beide gleichermaßen rücksichtslos, extrem und beeindruckend.

Was daran für mich so beeindruckend ist? Dass die Band konsequent einen roten Faden durch ihre Songs spinnt, der auf „Blüht“ angefangen wurde und auf „Welk“ fortgesetzt wird. Wo andere Bands Probleme damit haben, zwei Songs sinnvoll miteinander zu verknüpfen, tun das die Berliner mit zwei EP’s. Das Geheimnis dabei sind die deutschen Texte, die so niederschmetternd, metaphorisch und hart sind, dass Trümmerliteratur dagegen fröhlich wirkt. Dennoch gehen sie überraschend schnell ins Ohr.

„Das ist kein Staub, das ist Asche auf der Haut. Wenn dich niemand erkennt, fällst du überall auf“

Immer wieder tauchen Textzeilen auf, die man so schon im vorherigen Song oder dem davor gehört hat – jedoch in neuem Kontext, in neuem Gewand, mit tieferer Bedeutung.
So bilden auch die letzten Zeilen „Auf der Spitze des Berges wird man dir die Augen verbinden und lautlos verschwinden. Die Tage werden viel zu lang.“ der Vorgänger-EP „Blüht“ die ersten Zeilen von „Welk“ und erzählen so eine zusammenhängende Geschichte von Gedeih und Verderb, besonders von Verderb.

Doch im direkten Vergleich mit der Debüt-EP haben KORA WINTER einiges an Dynamik hinzugewonnen. Denn gerade als man denkt, dass die Wut nicht mehr giftiger speien könnte, wird ein Stück der Sängerin Alexandra gecovert, um Gänsehaut und Grabesstimmung zu generieren. Der Clou dabei: der Song passt perfekt in die Gesamtheit der restlichen Stücke und erinnert mich an „One Wing“, das letzte Album der leider schon von uns gegangenen THE CHARIOT. Denn auch dort wurde nicht vor abrupten Stil- und Dynamikwechseln zurückgeschreckt. Was ursprünglich als „Es war einmal ein Fischer“ veröffentlicht wurde, bekommt als „∞“ eine neue Bedeutung und stellt den perfekten Soundtrack zur Sarg-Anprobe dar.

Während „Blüht“ schon eine recht kurze Spielzeit von einer knappen halben Stunde hatte, so ist „Welk“ mit 20 Minuten noch eine Spur kürzer – und kurzweiliger. Somit ist der einzige Vorwurf, den ich der Band machen kann, dass die EP viel zu schnell endet. Darum: bitte mehr davon!

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Wir schreiben das Jahr 2012, also rein metaphorisch und retrospektiv und so. THE DILLINGER ESCAPE PLAN touren mit „Option Paralysis“ und arbeiten an dem, was ihr vorletztes Album werden soll. Bis zum 17. August, an dem sich ein wichtiger Teil der Band verabschieden soll. Namentlich: Jeff Tuttle.

Seit 2006 war der Mann Gitarrist und Background-Schreihals der New-Jersey-Krachmaschinerie gewesen, doch seit diesem Tag wollte sich Tuttle wieder anderen Projekten zuwenden. Unter anderem:

OLD GODS

Das Gründungsjahr von OLD GODS lässt sich gar nicht genau festlegen, da alle Mitglieder nebenbei auch in anderen Bands (u.a. THE ARMED) aktiv sind/waren und schon ewig im Detroiter Untergrund rumgewerkelt haben. Das erste Mal, dass man wirklich etwas von OLD GODS zu hören bekam, war jedoch 2011, als ihre selbstbetitelte erste EP erschien.

Wer sich das Wirken von Jeff Tuttle mit und bei TDEP je angesehen hat, (sucht einfach mal nach n paar Livevideos) weiß wohl, dass sich dieser Mann mit nichts weniger als dem Extremen zufrieden gibt. Wer bei OLD GODS also seichte Kost erwartet, ist selbst Schuld.

I’ll never forget the time we shared on stage… the scars won’t let me.

Natürlich wurzelt auch die Musik von Tuttles aktueller Hauptband tief im Hardcore und Punk und weist so immer noch Parallelen zum typischen DILLINGER-Sound auf, ohne jedoch zu einem Klon zu verkommen.

So stellt die Debüt-EP ein überzeugendes Brett dar, das mindestens genauso sehr vor den Kopf knallt, wie es ins Ohr geht – auf merkwürdige Art und Weise.

Als Intro und Outro für fast jeden Song fungiert Gitarrenfeedback und erschafft so eine dreckig-authentische Atmosphäre, bei der es mir danach dürstet, diese Band live zu sehen. Das ist an sich natürlich noch nichts Besonderes und kein Alleinstellungsmerkmal der Band, allerdings ergänzt es den aggressiven und kompromisslosen Charme hervorragend. Obwohl Tuttle weder auf „Ire Works“ noch auf „Option Paralysis“ Gitarrenarbeit leistete und auch bei OLD GODS nur als Sänger, nicht als Gitarrist, tätig ist, erinnert das Riffing doch erstaunlich oft an die Ex-Band. Nur ohne all die Experimente, die Elektroausflüge und die zuweilen poppigen Refrains. Hier wird nichts gezähmt oder beschönigt.

Nur zwei Jahre nach der EP erschien das Full-Length-Debüt unter dem Titel „Stylized Violence“. Tja, und was soll ich sagen? Drin ist, was drauf steht!

Das Album legt nochmal einige Schippen Wut, Energie und Kompromisslosigkeit oben drauf, verrennt sich aber nicht ungestüm in Kopflosigkeit, sondern bietet auch jede Menge Riffs, die im Kopf bleiben, obwohl sie Lust daran wecken, die Stadt einzureißen.

Auch wenn das Projekt wohl noch einige Zeit mit DILLINGER verglichen werden wird, haben OLD GODS absoluten Alleinstellungswert und müssen keinesfalls im Schatten von Tuttles Ex-Band vor sich hinvegetieren. Für das laufende Jahr wurde bereits das zweite Album der Detroiter angekündigt, welches Großes verspricht, sofern man anhand der bisherigen Veröffentlichungen einen Blick in die Zukunft wagen darf. Was letzten Endes aber dabei raus kommt, kann bei so viel Hemmungslosigkeit und Punk-Attitüde wohl niemand sagen. Vielleicht scheißen die Jungs auch einfach auf jegliche Erwartungshaltung und hauen irgendwas komplett anderes raus. Ich bleibe gespannt!

Die „Old Gods“-EP ist über Bandcamp als kostenfreier Download erhältlich, das Album gibts HIER.

Viel Vergnügen, schönes Wochenende, Liebe und Frieden und Satan!

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Boah, was für ein Brocken.
Hier ist es nun, das zweite Album der irren CZAR. Nachdem im Jahre 2011 ihr erstes Full Length „Old Haunts“ erschien, wurde es über Jahre ruhig um die Jungs aus Tacoma, Washington.
Der Schlag mit dem sie sich jetzt jedoch zurückmelden, könnte kompromissloser nicht sein.

Unter dem wunderschönen und bedeutungsschwangeren Titel „Life Is No Way To Treat An Animal“ wurden ganze 19 Portionen schwerverdaulicher Krachkost zusammengeführt, die sogar mir einiges abverlangen.

So wird das Album von dem jazzig anmutenden Stück „Owls, etc.“ eröffnet, welches mit Elektrobeats, Störgeräuschen und einem Rhodes Piano aufwartet. Alle Klarheiten beseitigt? Zu dem bereits kompliziert zu sezierendem Sound gesellen sich später noch Post Rock-Linien und eine wirre Sologitarre, bevor der abrupte Übergang zu „Too Many Yetis“ erfolgt und man sich auf einem DILLINGER ESCAPE PLAN-Stück wähnt. Von diesem Eindruck hält eigentlich nur die fehlende Stimme von Greg Puciato ab.

Nach knapp neun Minuten Spielzeit werde ich ohne Vorwarnung fallen gelassen, gerade, als ich mich in diesem klangkaleidoskopischen Orkan zurecht zufinden meinte. Denn in „Beware The Flies, Orestes“ setzt ein wunderschönes Piano ein. Dass wüst gegen dieses angeschrien wird, hatte ich schon erwartet, wodurch mich das Ganze an MY OWN PRIVATE ALASKA erinnert. Doch die „Ruhe“ währt natürlich nicht lange, sodass man wenig später wieder in DILLINGER-Gefilde ausbricht. Wer THE HIRSCH EFFEKT mag, der dürfte über das entsprechende Nervenkostüm verfügen, um sich auch an CZAR zu wagen. Für alle anderen würde ich den Warnhinweis aussprechen, vorher Arzt und Apotheker zu konsultieren, da für physische und psychische Schäden keine Haftung übernommen werden kann.

Sodomie am Cerebrum

Ein weiterer Punkt, den ich bei „Life Is No Way To Treat An Animal“ herausheben muss, sind die wahnwitzigen Texte, die zum einen ellenlang sind und zum anderen auf der Bandcampseite der Band nachgelesen werden können. Hier stoßen Tiermetaphern und Fabelähnliche Geschichten auf die absurde Komik, die vor allem TOM WAITS in seinen Songs domestiziert hat.

Den krassesten Ausbruch in dieser Hinsicht bietet das Spoken Word (!) Stück „Canine: No Eyes. Just Teeth.“, das mit Noise und manischen Gitarren begleitet wird. Wer „A Wild Hare“ von SPASTIC INK kennt, der kann sich vielleicht vorstellen, was hier abgeht. Und dabei befinden wir uns hier immernoch im ersten Drittel des Gesamtwerkes! Mike Patton würde höchstwahrscheinlich vor Freude implodieren, wenn er CZAR zu hören bekäme.

Wo wir gerade bei dem FAITH NO MORE-Frontmann sind: dieser bietet eigentlich einen guten Referenzpunkt, da sich CZAR zuweilen nicht sehr weit von den Stilübergriffen der genannten Hauptband befinden, andererseits aber auch Erinnerungen an „Irony Is A Dead Scene“ wach werden lassen.

„Mister Reindeer“, das längste Stück des Albums, stellt sich mir als undurchsichtiger und vertrackter Bastard dar, dessen Zeugung unter mysteriösesten Umständen stattgefunden haben müsste. Hier treffen Jazz, Math und Zirkusmusik aufeinander. Doch um den gerade erlittenen Schock wieder etwas zu mildern, folgt im unmittelbaren Anschluss das versöhnlich stimmende Akustikgitarrenstück „Domesticated Wolves“, welches allerdings nur kurz währt.

Schade, endlich zu Ende

Bis zum Ende des Albums soll die kunterbunte Achterbahnfahrt so weitergehen, wobei sich Synthielandschaften, Noiseattacken, FAITH NO MORE-Reminiszenzen, Math- und Tech-Elemente die Klinke in die Hand geben sollen. Das Abschlussstück „Taking Roadkill To The Vet“ setzt dann nochmal alles daran, die letzten Sekunden des Albums so unerträglich wie möglich zu machen, wozu ein nerviger Handyklingelton über drei Minuten erklingt, während HAL 9000 aus „2001: A Space Odysse“ seine letzten Worte spricht und man förmlich darum bettelt, dass das Album endet. Beunruhigend und verstörend. Wenn der „Song“ bzw. das Album jedoch die Bedeutung haben soll, die ich vermute, dann könnte es passender nicht konstruiert sein.

„CZAR Is No Way To Treat A Listener?“

Trotzdem muss ich erstmal tief durchatmen. 
Das Stil- und Klanggemisch, das CZAR hier präsentieren, weißt zwar keine Ausfälle auf, ist aber dennoch nur schwer zu ertragen. Denn „Life Is No Way To Treat An Animal“ ist nicht nur ein Alb-um, sondern auch ein Alb-traum und zwar ein solcher, der die Stille, die ihm folgt, anders klingen lässt.

So kann ich auch nach mehreren Durchläufen immernoch nicht wirklich sagen, wo welcher Song aufhört und der nächste beginnt, da diese direkt und nahtlos ineinander übergehen und von 23 Sekunden bis 6 Minuten Spielzeit reichen können. Und dennoch: „LINWTTAA“ muss als Gesamtwerk wahrgenommen werden. Eines, das seinem Titel gerecht wird und somit eine gelungene Parabel zu seinem eigenen Inhalt darstellt. Zumindest wenn man das so interpretieren will. Auch wenn ich immer noch nicht über den Punkt hinweg gekommen bin, an dem ich nach einem Plattendurchlauf froh darüber bin, dass es endlich zu Ende ist, muss ich dem CZAR-Zweitling höchsten Respekt zollen. Denn trotz, oder wegen, der Unhörbarkeit ist „LINWTTAA“ ein Album, das lange nachhallt.

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Die Band selbst hat Fotos veröffentlicht, die mehr als schauerlich aussehen. Augenscheinlich wurde das gesamte Equipment nahezu pulverisiert, was Schäden im fünfstelligen Dollarbereich annehmen lässt.

Obwohl die Band- und Crewmitglieder keine schweren oder gar lebensgefährlichen Verletzungen davon getragen haben, wurden alle verbleibenden Termine der momentanen Europatour gestrichen, darunter Shows in München, Leipzig, Köln, Barcelona, Madrid und Paris.

Gestern veröffentlichte die Band selbst ein umfassendes Statement, nachdem bislang nur Medienberichte herumschwirrten, die wenig Klarheit brachten.

Um zu versuchen, die Verluste etwas aufzufangen, die durch die abgesagten Shows, das zerstörte Equipment und die medizinischen Kosten anfallen, wurde eine GoFundMe Seite eingerichtet, auf der jeder einen kleinen Betrag spenden sollte, der kann.

THE DILLINGER ESCAPE PLAN veröffentlichten am 14.10. vergangenen Jahres ihr letztes Album „Dissociation“ und befinden sich gerade auf der letzten Tour ihrer Karriere, da sie sich, wie bereits vor Veröffentlichung des Albums angekündigt, auflösen werden, sobald alle Konzerte gespielt sind.

Wir wünschen allen Verletzten nur das Beste, eine schnelle Genesung und dass sich die Band von diesem Rückschlag bald erholt!

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Heute wird mal wieder so richtig eklatant eklektisches Chaos verbreitet. Der Grund dafür hat nur vier Buchstaben: CZAR.

CZAR sind eine von vielen Bands mit diesem Namen eine Band aus Tacoma, Seattle, die sich irgendwann zwischen 2010 und 2011 umbenannt hat. Denn bereits im Vorfeld waren die Jungs in ähnlicher Besetzung (aber ohne Keyboarder) unter dem wohlklingenden Namen OSAMA BIN ROCKIN‘ unterwegs.

Im Jahre 2011 erschien das erste Lebenszeichen von CZAR: das Debütalbum „Old Haunts“.

Die Musik, die hier geboten wird, irgendwie zu beschreiben, bzw. in Worte zu fassen, fällt schwer. Ich glaube ernsthaft, dass es wesentlich einfacher wäre, einfach aufzuzählen, was diese Band nicht ist. Als da wären: leicht verdaulich, unkompliziert, eingängig, vorhersehbar, langweilig.
Sicher ließen sich noch einige Adjektive mehr hinzufügen, aber generell solltet ihr verstanden haben, was ich meine.
Darüber hinaus gibt es auch kaum ein Genre, dem sich CZAR nicht bedienen, das nicht irgendwie in ihren Sound integriert wird. Die Einflüsse reichen von Grind und Noise über Mathcore, Electro, Jazz und Deathcore bis hin zu Post Rock und Tech Death. Wer daraus nun eine treffende neue Genrebeschreibung zusammengebuttert kriegt und diese bis zum Valentinstag bei uns einschickt, gewinnt die Freundin vom Zweitplatzierten. Viel Erfolg!

Obwohl „Old Haunts“ nur über eine Spielzeit von 32 Minuten verfügt, hat man das Gefühl, als hätte man hier alles gehört, was in den letzten 50 Jahren musikgeschichtlich so passiert ist. Nur eben nicht ganz chartverdächtig zusammengestückelt.

Es fällt schwer, irgendwelche Referenzbands zu nennen, da bei CZAR kaum eine Sekunde der anderen gleicht, geschweige denn ein Song dem anderen. Näherungsweise kommt man aber hin, wenn man sich vorstellt, dass CARNIVAL IN COAL mit MR. BUNGLE, THE DILLINGER ESCAPE PLAN, IWRESTLEDABEARONCE und PSYOPUS gekreuzt werden. Somit klingen sie alles in allem eher nach der Rücksichtslosigkeit von Bands der frühen 2000er Jahre. Wenn euch die Synapsen jetzt schon bei der bloßen Vorstellung davon brennen und sich verknoten, dann zu Recht!

Allerdings wird all das hemmungslose Chaos auch zurückgefahren, um Atmosphäre zu schaffen. Diese kommt vor allem dann zum tragen, wenn sich CZAR in Post-Rock/Post-Hardcore-Gefilde vorwagen, die oftmals genauso unverhofft kommen, wie sie auch wieder gehen.

Eben diese Unberechenbarkeit ist es, die CZAR so brutal machen. Was ich mich irgendwann allerdings frage ist, wie unvorhersehbar wird alles noch sein, wenn letzten Endes alles unvorhersehbar ist. Wird all das eklektisch Stürmende und Drängende dann nicht schon wieder erwartbar?

Glücklicherweise ist soeben CZARs zweites Album mit dem wundervollen Titel „Life Is No Way To Treat An Animal“ erschienen, welches mich sofort vom Gegenteil überzeugt. Von diesem werde ich allerdings noch ein gesondertes Review verfassen.
Das Reinhören möchte ich euch trotzdem jetzt schon nahelegen. Denn eine Band wie CZAR habt ihr so mit Sicherheit noch nicht erlebt!

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Ehrlich gesagt hab ich den Namen CODE ORANGE vor ein paar Wochen zum ersten Mal gehört. Grund dafür war eine Tourankündigung von GOJIRA und CAR BOMB, bei der sie ebenfalls als Support bestätigt waren.
Allein das reichte aus, um meine Neugier zu wecken. Doch der Fakt, dass uns zudem „Forever“ ins Haus geschneit kam, goss natürlich weiterhin Öl in die Flammen.

Also Internet angeschmissen, recherchiert und nachgehört.
Und bereits die ersten paar Sekunden fickten mir förmlich die Fresse weg.

CODE ORANGE sind eine sehr junge Band aus Pittsburgh, Pennsylvania, die sich 2008 im Alter von 15-16 Jahren gegründet haben. Nach ihrem Debüt „Love Is Love/ Return To Dust“ (damals noch unter dem Namen CODE ORANGE KIDS) und dem gefeierten Folgewerk „I am King“, stellt „Forever“ nun das dritte Album dar.

Die drei Jungs und das Mädel spielen ihren Hardcore ohne Rücksicht auf Verluste und dennoch alles andere als uninspiriert.

Zahlreiche Einflüsse finden ihren Weg in den Sound der Ostküstler. Doom, Sludge, Noise, und sogar elektronische Einflüsse. Ist das schon Prog? Nur ungefähr so sehr, wie von einem Panzer überrollt zu werden. Denn CODE ORANGE nehmen keine Gefangenen. Es wird zerstört, was geht.

Dabei grast das Quartett musikalisch so ziemlich alles ab, was sich zwischen CONVERGE, GOJIRA, FUCK THE FACTS und NINE INCH NAILS finden lässt. Geht nicht? Geht sowas von!

Das erste Stück (zeitgleich Titeltrack und erste Single) macht sofort klar, dass die Band nicht vor hat, Kompromisse einzugehen und auch nicht plant, schnell von der Bildfläche zu verschwinden. Ganz bescheiden lauten die Lyrics:

CODE ORANGE Is Forever
CODE ORANGE Forever

Beim dritten Stück „Real“, welches abrupt zwischen gesampleten Riffs, elektronischer Düsternis und Krachkaskaden hin und her wechselt, muss ich mich mehrfach davon überzeugen, dass das Ganze tatsächlich EIN Song ist. Beim nächsten Stück „Bleeding In The Blur“ sogar davon, ob das immer noch die gleiche Platte ist! Denn hier wird die 90er Grungekeule rausgeholt und Sängerin/Gitarristin Reba Meyers übernimmt die Hauptstimme, die mich etwas an SUBROSA erinnert. Unerwartet, ohrwurmverdächtig, schizophren und durchaus packend.

„The Mud“ ist über weite Strecken ein kaltes, steriles Industrialungetüm, welches jedoch erst im letzten Drittel wirklich Zähne zeigt. Konträr dazu, beißt das kürzeste Stück der Platte „The New Reality“ von Anfang an zu.

You’re so weak
A knife to your throat couldn’t get you to speak

…leitet den Song ein, der von Tempowechseln gezeichnet ist und vor sich hinkriecht, bevor das sich verschiebende Rausschmeißerriff nochmal anständig zum Bangen einlädt.

Bei „Ugly“ werden wohl manche Die Hards den Ausverkauf ausrufen, denn das Stück pendelt zwischen New Wave, Grunge und BARONESS-Gesängen, wodurch es sofort ins Ohr geht.

Live like a loser, die like a king
Ugly is the only thing I know how to be.

Das vorletzte Stück „Hurt Goes On“ ist ein fieser Bastard aus Ambient und Electro, der die Affinität zu NINE INCH NAILS unmissverständlich klarmacht, während die Lyrics vor Hass nur so triefen.

The hurt will go on
The End will never come

„dream2“ stellt den letzten Brocken des Albums dar und wird von nichts mehr, als Rebas Stimme und ein paar Synthies getragen. Ich lasse mich fallen, in der Hoffnung, von dem Song aufgefangen zu werden, und lande unsanft, da er völlig abrupt mitten im Satz endet. Zwar wurde das schon beim letzten Song „Bloom/Return To Dust“ des Debüts so gemacht, weniger Fragezeichen hinterlässt dieses Manöver dadurch trotzdem nicht.

CODE ORANGE sind extrem, und zwar in vielerlei Hinsicht. Und ich hab keine Ahnung, wie man sowas macht. Die Pittsburgher haben nicht vor, es der Hörerschaft zu irgendeinem Punkt angenehm und vorhersehbar zu machen. Und sie haben ganz ausdrücklich nicht die Absicht, nicht anzuecken. Im Gegenteil: CODE ORANGE sind auf Krawall aus und geben euch bis ans Ende der Zeit Bordsteine zu fressen. Diese Band ist jung, wütend, ehrlich, authentisch und vor allem INTENSIV.

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Was war das letzte am schlechtesten besuchte Konzert einer grandiosen Band, auf dem ihr wart?
Ich muss ehrlich zugeben, dass es bei mir ne Weile her ist, seitdem ich zuletzt das Gefühl hatte, dass ich Zeuge davon werde, wie gerade Perlen vor die Säue geworfen werden. Vielleicht war ich einfach zu lange nicht auf kleineren Konzerten. Wer weiß.

Ein Auftritt, der mir jedoch noch ewig im Gedächtnis bleiben wird, ist der der australischen Progressive/Post Rock/Post Metal/Jazz/Ambient/Noise Band TANGLED THOUGHTS OF LEAVING.

Vor ungefähr anderthalb Jahren sorgten viele glückliche Umstände dafür, dass die vier Musiker von dem anderen gottverdammten Ende der Welt ausgerechnet in meiner Stadt landeten. An einem Dienstag. Vor acht Gästen. Inklusive mir.

Dass das Musikerdasein alles andere als glamourös und ruhmreich ist, muss ich vermutlich niemandem erzählen, doch betrachten wir nicht nur die Schattenseiten. Denn TANGLED THOUGHTS OF LEAVING sind ungelogen eine der talentiertesten Livebands, die ich jemals live sehen durfte!

Besonders Schlagzeuger Behn Stacy hat bei mir bleibenden Eindruck hinterlassen. Nicht, weil sein Spiel von sagenhafter Geschwindigkeit oder Extreme geprägt gewesen wäre, sondern weil er sich zu jeder Zeit mit äußerster Präzision und Vielseitigkeit mit dem jeweils prominenten Instrument (oftmals dem Piano) ergänzt. Klingt verschriftlicht leider weitaus unspektakulärer, als es anzusehen war, aber wenn ihr euch ein vermenschlichtes Uhrwerk vorstellen müsstet, dann hättet ihr ein ziemlich passendes Bild.

Meine Aufmerksamkeit für TANGLED THOUGHTS OF LEAVING wurde jedoch nicht auf diesem Konzert geweckt, sondern schon einige Jahre zuvor, als ich über ihre phänomenale erste EP „Tiny Fragments“ aus dem Jahre 2008 stolperte, deren Eröffnungstrack mir den Eindruck vermittelte, es hier mit Jazzmusikern zu tun zu haben, deren Tourette weit fortgeschritten ist. Wie THE DILLINGER ESCAPE PLAN in instrumentalem Gewand bohrten sich die Jungs aus Perth in meine Gehörgänge und begeisterten mich auf mehreren Ebenen. Denn hier werden Mathcorepassagen geboten, jazzige Breaks, klassisch angehauchte Pianopassagen und atmosphärischster Post Rock bzw. Post Metal, der sich vor Größen wie GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR oder ISIS keineswegs verstecken muss.

Bot die erste EP bereits bemerkenswerte Songs, die gleichermaßen vertrackt wie entspannend waren, so wurde diese Mischung auf dem Debütalbum „Deaden The Fields“ nur noch weiter verfeinert und ausgearbeitet. Durch Saxophone, Synthies und weitere Instrumente, die im Vorfeld nicht oder nicht so eingesetzt wurden, gelang es den Australiern nicht nur, die bereits vorhanden Elemente noch stimmiger einzusetzen, sondern auch ihr Spektrum noch weiter zu erweitern. Ergebnis dessen ist, dass die mit bis zu 17 Minuten meist überlangen Songs niemals langweilig werden und von Stoner über Jazz bis zu Progressive Rock alles mögliche beinhalten, was die Jungs imstande sind zu spielen. Zu keiner Zeit hat man das Gefühl, dass sich gerade an einer Stilistik vergriffen wird, die nicht passt oder nicht beherrscht wird.

 

Als hätte man bislang nicht schon eine breite Palette an Möglichkeiten genutzt, wurde auf dem zweiten Album „Yield To Despair“ noch mehr experimentiert. Diesmal mit mehr Noise und Field Recordings. Brachte man es mit dem Debütalbum innerhalb von 62 Minuten auf sechs Songs, so schafft „Yield To Despair“ ganze fünf Songs in 70 Minuten.

Doch nicht nur aufgrund dieser ausufernden und dennoch kurzweiligen Spiellängen besitzt die Musik von TANGLED THOUGHTS OF LEAVING eine ungeheure Epik. Und dies ist nur eins der zahlreichen Attribute, die auf das Werk des Quartetts aus Perth zutreffen. Schönheit, Trauer, Energie, Melancholie, Wahn, Sinn, alles Worte und Gefühle, zwischen denen ich hin und her taumele, wenn ich mich zurücklehne und sowohl Ohren als auch Geist der Musik öffne.

Bislang haben die Australier zwei Full Length Alben und vier EP’s veröffentlicht, die alle auf ihrer Bandcamp Seite verfügbar sind und die ich euch allesamt wärmstens empfehlen kann.

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