Zwischen den malerisch schönen Dünen von Capo Comino auf Sardinien wurde einst von Sänger und Gitarrist Athos Cherchi zusammen mit Bassist Marco „Buzz“ Murru ein Projekt ins Leben gerufen. Dass diese musikalische Zusammenarbeit ernster wurde, manifestierte sich spätestens durch den Beitritt von Schlagzeuger Keko Magrini und Gitarrist Kiko De Santis. Im Jahr 2019 war es dann soweit, dass MANO DE MONO ihre offizielle Bandgründung bekannt geben konnten. Der Name des Quartetts bezieht sich auf den gleichnamigen Song der amerikanischen Alternative Rock Band CORROSION OF CONFORMITY. Als weiteren Einfluss nennen die vier Sarden die Kurzgeschichte „The Monkey’s Paw“ des britischen Horror-Autors William Wymark Jacobs.

Der Punk der Dünen

In ihrer Musik vereinen MANO DE MONO den staubig-trockenen Klang des Desert Rock mit den durstigen Noten des Southern Rock, der Energie des Punk, und der Schwermut des Alternative Rock und Grunge. Dabei verbinden sie die dünig-sandige Umgebung ihrer Heimatinsel mit Texten über soziale Ungerechtigkeit, während sie ein brennend heißes Klangbild erzeugen. Die eingängige Beschäftigung mit sozialen Fragen geht auf dem Album „Chameleon Tongue“ über die Texte und den aufbegehrenden Charakter der Musik hinaus. So haben MANO DE MONO die beiden Seiten ihrer Platte nicht „A“ und „B“ sondern „Inside“ und „Outside“ genannt. Damit stellt das Quartett die komplexen sozialen Strukturen dar, in denen sich Menschen einem Doppelleben unterwerfen, das einerseits aus Ängsten und Nöten besteht, und andererseits von Selbstoptimierung und Erfolgsdruck geprägt ist. Auch das Cover Artwork von Jo Riou zeigt den Kampf des Individuums gegen die Fesseln von Gesellschaft und Kapitalismus.

Gefangen im Hamsterrad

Die acht Lieder des Debütalbums begleiten namenlose Person, welche nur am Rande dem gesellschaftlichen Treiben teilhat, und versucht sich den oppressiven Mechanismen zu entziehen. Dabei entwickelt die Hauptperson zunehmende Abneigung gegen jene, die sich scheinbar gedankenlos in den Spiralen der modernen Welt umherdrehen. Doch auch mit sich selbst ist sie am Hadern. Die Betrachtung des sozialen Geschehens versetzt sie in einen immer wiederkehrenden Strudel aus Eskapismus, Selbstzweifeln und Unzufriedenheit. Motivation und Aktivismus wechseln sich mit Verzweiflung und Desillusionierung ab.

Staubtrocken und siedend heiß

Auf musikalischer Ebene fahren MANO DE MONO schwere Geschütze auf. Das Album „Chameleon Tongue“ ist geprägt von massig schweren Riffs, die sich mittels schwerem Fuzz durch die Prärie wälzen. Das eingängige und energetische Gemisch aus Desert, Heavy, Southern, Punk und Alternative Rock geht sehr gut ins Ohren und setzt sich dort fest wie feiner Wüstensand. Parallelen zu MOS GENERATOR, GREENLEAF oder den SPIRITUAL BEGGARS sind nicht von der Hand zu weisen. Das stört die Freude am Hören allerdings keineswegs. Stattdessen klingt „Chameleon Tongue“ äußerst erfrischend, denn MANO DE MONO schaffen es, frischen Wind in das Subgenre zu bringen. Es ist ein Album ohne Aussetzer und Tiefpunkte.

Bandcamp Profil von MANO DE MONO

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Wie ich Anfang des Jahres mal hier berichtete, hat sich mein Musikgeschmack was den Coresektor angeht ziemlich entwickelt. Mittlerweile ist es auch soweit, dass ich nahezu täglich neue Bands im Deathcore für mich entdecke, und ich im „normalen“ Metalcore nur noch die Kombos höre, die ich sowieso schon immer geliebt hab, was zugegeben aber auch echt viele sind. Neues finde ich da allerdings kaum noch, nur selten holt mich eine frische Band noch hinter dem Ofen vor. Aber so ist das eben, und unwohl fühl ich mich damit eigentlich auch nicht. Kommen wir daher an dieser Stelle mal zu meinen ersten Zeilen zu einem Release in meinem „neuen“ Kosmos: DEFAMED mit ihrer ersten EP namens „Aeon“. 

LOGISCHE KONSEQUENZ

Wenn ich an Italien denke, fallen mir jetzt nicht direkt musikalische Highlights ein, eher leckere Speisen. Allerdings soll es da auch Bands geben, die gut in mein Raster passen, so zum Beispiel DROWN IN SULPHUR. Diese sind mir während der letzten Monate auf meiner musikalischen Entdeckungsreise auch untergekommen. Ich muss aber sagen, dass sie nicht längerfristig bei mir hängen geblieben sind. Nach wie vor bin ich sehr wählerisch und muss auch sagen, dass es im Deathcore einige Bands gibt, die sich kaum von anderen unterscheiden und man eigentlich nicht heraushört, wer da gerade die Instrumente malträtiert. Ich brauche einfach das gewisse Etwas. Und da kommen nun DEFAMED in’s Spiel. Die Band besteht praktisch 1 zu 1 aus Mitgliedern von DROWN IN SULPHUR, nur ohne deren Drummer. Warum? Naja, weil eben jener alle anderen aus der Band geworfen und durch neue Musiker ersetzt hat. Die genauen Umstände können wohl nur die Beteiligten selbst am Besten wiedergeben, es muss aber wohl sehr unschön abgelaufen sein. Es gibt dazu aber ein Statement, wer will kann hier mal nachlesen. 

NEUE WEGE

Was macht man aber nun in einer solchen Situation? Richtig, einfach weiter! Und zwar besser, als je zuvor. Als ich die erste Single „Circles“ gehört hab, war mir schon klar, dass das was wird. Das ist genau der Deathcore, den ich mag! Verspielt, aggressiv, druckvoll poduziert und mit einer Varianz im Gesang, die ihresgleichen sucht. Das ist natürlich auch der Tatsache geschuldet, dass die Band mit 2 Vokalisten agiert. Wenig später folgte „In Tenebris“, das mich schon mit dem Intro und dem Übergang zu den ersten Riffs komplett packt. Zwischendrin immer diese Momente, in denen man sich wohlig gruselt, diese hohen Vocals und hellen Sounds, die jeden Jumpscare in Horrorfilmen langweilig wirken lassen. Und trotzdem ist nichts davon zu chaotisch, alles wurde clever durchdacht und verarbeitet. Und als ob das nicht schon schön genug wäre, spielen DEFAMED auch mit Melodiehappen, wenn auch stellenweise nur angedeutet, aber perfekt eingebaut und platziert. Das wird auch bei „Doves“ oder dem titelgebenden Song „Aeon“ nochmal deutlich.  

In all dieser herrlichen Kreativität finden sich symphonische Elemente, die den Sound auf „Aeon“ nicht nur abrunden, nein sie komplettieren ihn. In dieser Perfektion hab ich die Mischung bisher nur bei wenigen Bands gehört, SHADOW OF INTENT sei hier mal als Beispiel genannt. Und dann wären da noch die Momente, die den Hörer mal kurz in Sicherheit wiegen, ruhige, atmosphärische Passagen, die kurz darauf durch einen markerschütternden Breakdown zerfetzt werden. Großartig!

Ich habe natürlich im Zuge dieser Entwicklung auch nochmal bei der „Vorgängerband“ reingelauscht und kann nur sagen, dass diese ganze Geschichte -wenn auch unschön entstanden- absolut goldene Früchte getragen hat. Allerdings nur im Fall von DEFAMED. Ich will damit nichts abwerten, das ist nur mein Empfinden. „Aeon“ ist zwar nur eine EP, zählt aber zu meinen absoluten Highlights diesen Jahres! 

DEFAMED im facebook

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Bisher haben die multinationalen Black Metaller FUNERAL HARVEST noch nicht mit einem vollwertigen Albumrelease von sich hören lassen. Das macht aber nichts. Ein Demo und eine Single später gebührt ihnen ganz im Brauchtum ihres Metiers ein nennenswerter Ruf im Underground. Und bevor die ersehnte Langrille das Licht (oder die Dunkelheit?) der Welt erblickt, schieben FUNERAL HARVEST gleich die selbst betitelte EP „Funeral Harvest“ hinterher – und verfestigen damit ganz nebenbei ihren bestehenden Ruf als schwarze Traditionalisten!

Auch auf ihrem Demo „Bunker Ritual Rehearsal“ haben sich FUNERAL HARVEST in songtechnischer Hinsicht rar gemacht. Und ebenso wie dieses erste Lebenszeichen trumpft die nun veröffentlichte EP mit knappen vier Songs auf, die es in sich haben! Die teils norwegisch, teils italienisch besetzte Band weiß mehr als gut, an welchen Zutaten sie sich bedienen muss, um die Geister der Vergangenheit originalgetreu heraufzubeschwören. Von blankem Abkupfern ist hier jedoch keine Spur!

Das Chaos regiert – auch international!

Los geht’s mit „Nihil Sub Sole Novum“ – und das ist bereits ein wahres Fest für waschechte Black Metal-Veteranen! Glockenschläge und tiefes Grummeln leiten den Opener ein, die langsam aber stetig in eine wilden Raserei münden.  Lord Nathas krächzt sich die Seele aus dem Leib, von tiefem Röcheln bis hin zu hohem Kreischen deckt der Chef-Priester die ganze Bandbreite des Extremgesangs ab. Zusammen mit Co-Klampfer Udburd beschwört der Fronter eine finstere und gleichermaßen packende Gitarrenmonotonie herauf, die entfernte Reminiszenz an GORGOROTHS „Antichrist“ weckt.

Ond unterfüttert die schwere Kost mit präzisen Blastbeat-Gewittern und läuft gleich im Anschlusssong „Sacred Dagger“ zur absoluten Höchstform auf. „O.S.N.D.S.P.T“ verirrt sich hingegen über weite Strecken in ein DARKTHRONE durchtränktes Midtempo, ohne zu einer schnöden Kuschelorgie zu verkommen. Das Schlusslicht bildet „Omega“. Und auf dem Rausschmeißer gibt die multinationale Satansgemeinde noch einmal kräftig Gas, bevor die EP ausklingt!

Das schwarze Feuer brennt stärker als zuvor

FUNERAL HARVEST beweisen mit ihrer selbst betitelten EP nur einmal mehr, dass sie gefühlt jeden Black Metal-Klassiker der 90er-Jahre akribisch in absolut jeder Note verinnerlicht haben. Roh und ungeschliffen gießen sie daraus ihren eigenen, wenn auch äußerst klassisch orientierten Stil. Und der kommt auf „Funeral Harvest“ noch einmal bedeutend schneidender zur Geltung als auf allen vorherigen Veröffentlichungen der  schwarzen Legion. Trve Kvlt eben. Und dabei sind sie so dermaßen trve, dass ihr Name eigentlich FVNERAL HARVEST lauten müsste!

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SILVERED kommen aus Lecce in Apulien. Die Region kann auch als der Hacken des stiefelförmigen Landes Italien bezeichnet werden. Dort widmet sich die Band seit 13 Jahren der dunklen Seite des Metal. Doch zuletzt wurde es still um SILVERED, liegt das letzte Release „Grave of Deception“ schon fast acht Jahre in der Vergangenheit. Umso mehr dürfen sich Liebhabende von Dark und Doom Metal freuen, dass es SILVERED sich im verrückten Jahr 2020 zurückmelden.

Für das Cover Artwork der CD hat sich kein geringerer als der Ausnahmekünstler Daniele Serra gefunden. Wer den begabten Illustrator noch nicht kennt, darf sich gerne über den Link von dessen Talent beeindrucken lassen. Aber auch musikalisch ist hier einiges an apokalyptischer Finsternis geboten.

Im Zeichen der Verdammnis

SILVERED widmen sich auf „Six Years“ der Geschichte der Inquisition. Dafür haben sie wahre Geschichten und Erzählungen zur Grundlage hergenommen. Was dabei entstanden ist, sind finstere Vertonungen, die von Hexerei, Schmerz und Machtgier handeln. SILVERED behandeln in den neun Stücken das Leid und die Ungerechtigkeit, die mit den Gräueln der Inquisition einhergingen. Dafür bedienen sich die Dark Metaller an den unheilvollen Elementen des Doom Metal und bauen vor allem gesangstechnisch auch ordentliche Portionen Death Metal ein.

Aber auch eine ganz andere Komponente kommt hier zum Einsatz. Wer SILVERED bereits kennt, wird nicht überrascht sein. Für alle anderen: ja, Dark und Doom Metal lassen sich auch sehr schön mit Akustik vereinen. So fügen sich zwischen groovigen Passagen und brachialen Attacken immer wieder akustische Elemente ein. Melodisch und zugleich finster ensteht somit eine einzigartige Atmosphäre.

Es groovet und proggt

Ein herrliches Beispiel für die Übergänge von Akustik in harte Zerre ist das oben eingebettete Lied „Violent Circles“. SILVERED bauen auch in den ruhigen und unverzerrten Teilen starke Spannung auf, bis sich diese im nächsten Angriff entlädt wie ein gewaltiger Blitzschlag. Melodien und Harmonien werden dabei kunstvoll über die Wechsel gezogen und erzeugen somit ein ganzheitliches Klangbild.

Gerade in den Abschnitten, in denen der harte Death Metal Einschlag in den Hintergrund rückt, zeigt sich noch ein ganz anderer Einfluss im musikalischen Konzept von „Six Hours“. SILVERED lassen es sich nicht nehmen, ihr neues Album mit Progressive Metal zu verzieren. So erschafft die Band mit einer Vielzahl unterschiedlicher Einflüsse ein äußerst vielseitiges und abwechslungsreiches Gesamtbild. Gelegentlich wirkt es, als könnten sich die sehr unterschiedlichen Stilrichtungen etwas ineinander verlieren. Darunter leiden Kohärenz und Dynamik ein wenig. Die im Vordergrund stehenden Genres Dark und Doom Metal kommen jedoch zumeist gut rüber.

SILVERED auf Bandcamp

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Auf ihrem ersten Album bedienten MAYA MOUNTAINS noch reichlich Kifferklischees. Das 2009 erschienene Werk trug den Namen „Hash and Pornography“ und enthielt Titel wie „My TV, My Sofa, My Food“. Danach konzentrierten sich die drei Musiker aus Venedig erstmal wieder auf andere musikalische Projekte. Vor fünf Jahren machten sich Marco Bortoletto, Emanuel Poletto und Alessandro Toffanello wieder gemeinsam an die Arbeit an neuer Musik. Es sollte ein langer Schreibprozess werden, durch den ein in sich stimmiger Output entstehen sollte. Zwischen fantastischen Traumwelten, bretternden Riffs und neu gefundener Stärke wurde letztendlich ein krachend lautes Themenalbum produziert.

Wo bin ich hier aufgewacht?

Das zweite Album von MAYA MOUNTAINS erzählt die Geschichte des Enrique Dominguez, welcher im ersten Track vorgestellt wird. In dieser grenzüberschreitenden Erzählung erwacht Dominguez in einer Wüste, nachdem der Landstreicher einen Zeitsprung erlebt hat. Schnell stellt er fest, dass diese Welt nicht sein Heimatplanet ist. Noch schlimmer ist, dass der Fremde Himmelskörper ihn nicht freudig zu erwarten scheint. Der unfreiwillige Reisende durchlebt heftige Halluzinationen, als er durch eine verlassene Stadt wandert. Dort sieht er, dass er nicht alleine ist. Minotauren und Cerbera tauchen auf und machen sich auf die Jagd auf Dominguez, da sie das Verlangen verspüren, dessen Blut zu trinken. Verängstigt findet sich der verwirrte Passagier auf einem heiligen Turm wieder, wo ihm ein Zauberer begegnet. Mit einer Katzenmaske wiederholt er die heiligen Gesänge des Fremden, bis sich Enrique Dominguez in einen Himmelskörper verwandelt und fortan ewig seine Bahnen zieht.

Trippy, fuzzy, loud

Die Geschichte, die das Album erzählt, könnte sowohl aus luziden Träumen, halluzinogenen Drogenerfahrungen oder echt guten Drehbüchern stammen. Darüberhinaus vertonen MAYA MOUNTAINS diese abgefahrene Geschichte, genau so wie sie sich anhört. Kratziger Stoner und Desert Rock mit maximal überdrehtem Fuzz brennt heiß wie tausend Sonnen, während psychedelische und echolastige Harmonien durch Zeit und Raum schweben. Musikalisch liegt das zweite Album der drei Venezianer grob zwischen BLACK SABBATH, HERMANO, den MELVINS und DAILY THOMPSON. Trippiger Wüstensound mit Hang zum Raketenstart verzahnt sich mit mitreißenden Wachträumen.

Ab Mitte April wird „Era“ als CD, LP und als Download über das Label Go Down Records erhältlich sein. Wer sich gerne in Musik verliert oder sich von psychedelischen Jams treiben lässt, sehr viel Freude mit diesem Album haben. Auch Stoner Rock Fanatiker können Gefallen an „Era“ finden, sofern ihnen die psychedelischen Ausreißer nicht zu viel werden. Als großes Finale haben MAYA MOUNTAINS nämlich zu Ende des letzten Tracks „El Toro“ noch ein ganz besonders abgefahrenes Schmankerl eingebaut.

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Das sechs Tracks starke Album „Swamp King“ von Little Albert gehört im Rahmen des Silence Magazin definitiv in die Sparte „something completely different„. Man könnte es auch als eine schöne Abwechslung bezeichnen, denn Suffixe wie „Metal“ oder „Core“ sucht man hier vergebens. Dabei sollte Sänger und Gitarrist Alberto Piccolo Fans von extravagantem Doom Metal von der Band MESSA bekannt sein, wo er seit 2014 an der Gitarre steht. Mit dem innigen Drang, wieder mehr musikalische Varianz zu erleben, stampfte Alberto das Nebenprojekt LITTLE ALBERT aus dem sumpfigen Boden.

Fuzz, Desert Rock und Psychedelic

Zusammen mit seinen Mitstreitenden Christian Guidolin und Mattia Zambon hat sich der gelernte Jazz Gitarrist dem Swamp Blues verschrieben. Dieser eventuell nicht allen Lesenden geläufige Begriff bezeichnet schweren Blues, welcher sich mit psychedelischen Elementen verbindet und Genres wie Desert Rock oder Stoner Rock anverwandt ist. Als weiteren Tipp zum reinhören, möchte ich daher auch empfehlen, ein Ohr auf die Band PRETTY LIGHTNING zu werfen.
Was LITTLE ALBERT auf ihrem Tonträger von sich geben, ist eine massive, kratzig-staubige und behäbige Reise durch Genres und unendliche Weiten. Eine weit übersteuerte Blues Gitarre treibt auf dem Antrieb aus Fuzz und Psychedelic durch knochentrockene Wüsten- und Sumpflandschaften. Dabei kommen in einigen stockenden Passagen immer mal wieder Einwürfe aus dem Doom dazu, ohne jedoch metallen zu werden.

Von der Einöde zur Oase

„Swamp King“ beginnt mit dem äußerst gemächlichen Titeltrack: einer zeitlosen Blues Nummer, die sich nicht vor Szene Größen verstecken muss. Nach dem einleitenden Stücken nehmen LITTLE ALBERT Fahrt auf. Geschwindigkeit, Zerre und Fuzz nehmen von „Bridge of Sighs“ bis zur vorletzten Nummer „Mary Claire“ in kleinen aber spürbaren Schritten zu. Aus sumpfigem Blues wird zunehmend staubiger Wüstenrock der Marke WAXY oder THIS WHITE ROPE. Und gerade wenn man denkt, jetzt ist es soweit, dass LITTLE ALBERT doch noch bei metallenem Sound ankommen, kommt es zur letzten schönen Überraschung. Mit dem Track „Outside Woman Blues“ schließt das Album durch eine lupenreine und wunderschöne Blues Rock Nummer.

Es ist, als würden LITTLE ALBERT über die ersten Lieder ihres Albums mit schwerer Ladung durch weite Flächen aus Wüste und sumpfigen Landschaften wandern. Auf dieser Reise erzählt der „Swamp King“ nicht nur an der „Bridge of Sighs“ seine Geschichten. Die handeln von „Mary Claire“ oder der „Mean old Woman“. Beim letzten Track klingt es wiederum, als sei die Reise an einer erfrischenden Oase angekommen. Und das Wort Oase würde ich hier problemlos mit Bar Synonym setzen.

Zum Hören oder Kaufen geht ihr am Besten auf die Bandcamp Seite von LITTLE ALBERT.

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ARCANA 13 haben sich komplett der Faszination für Horror, Dunkelheit und der Hingabe zum Tod verschrieben. Der Name der Band bedeutet zu deutsch „geheimnisvolle Dreizehn“. Schon auf ihrem ersten Album „Danza Macabra“ zeigten die vier Künstler aus Ravenna im Nordosten Italiens, dass sie die dunklen Künste am liebsten in klassischen Doom Metal vertonen. Seit dem ersten Werk sind nun fast vier Jahre ins Land gestrichen, in denen die Fans sich auf neuen Output freuen konnten. Das neueste Lebenszeichen der Horror- und Geheimnisliebhaber kommt in Form einer 7“ Single. Sie trägt den romantischen Namen „Black Death“ und wird über das italienische Label Aural Music vertrieben.

Angenehmes Gruseln im Downtempo

Der Titeltrack ist eine fast siebenminütige Hommage an die endzeitliche Stimmung, welche durch die Pest Epidemie ausgelöst wurde. ARCANA 13 stampfen sich auf düsteren Sohlen durch mittelalterliche Straßen, wo sie die Schrecken der Seuche erleben. Doch anstatt Hoffnung auf ein Entkommen aufkeimen zu lassen, wird im triumphierenden Ton angestimmt „This is the death of you all!“. Unterstützt wird dieses schaurig schöne Szenario durch 80er Jahre Gänsehaut Stimmung. Während Schlagzeug, Bass und Rhythmusgitarre feinsten Doom im Stile von BLACK SABBATH, CANDLEMASS oder REVEREND BIZARRE spielen, simuliert die Leadgitarre schaurige Orgelklänge. Darüber legt sich wie ein Choral der klare Gesang, wobei eine schwummrige Atmosphäre erzeugt wird, was die Gänsehaut noch intensiviert.

Lucio Fulci und Paul Di’Anno

Wie bereits auf dem Album von 2016 ist es die schaurige Atmosphäre, welche den Stil von ARCANA 13 bestimmt. Die Themen erinnern dabei an die Filme des italienischen Regisseurs Lucio Fulci. Der Römer Filmemacher ist besonders durch seine Zombiefilme vielen Fans im Gedächtnis geblieben.

Auf der B-Seite ist dann eine ganz andere unerwartete Ehrerbietung. Mit „Wrathchild“ covern die vier Geheimniskrämer den IRON MAIDEN-Klassiker von „Killers“. Bis auf Tempo und Tonlage unterscheidet sich der Song kaum vom Original. Einzig das Gitarrensolo bringt etwas mehr Eigenständigkeit mit rein. Als B-Seite und Zugabe eignet sich der Track auf jeden Fall gut. Auf einem Album oder gar als Aushängeschild taugt die Version von „Wrathchild“ dann doch eher wenig.

Symphonie der Pest

Wichtiger ist mir für die Beurteilung jedoch die A-Seite. Was „Black Death“ so stark macht, ist das symphonische Arrangement. Die Mischung aus klassischem Doom Metal mit der Atmosphäre einer Zombieapokalypse erzeugt eine gruselig angenehme Reibung. Dabei lebt die Single auch sehr stark von ihren Effekten sowie dem erhabenen Gesang. Noch mehr hätte ich mich gefreut, wenn die B-Seite ebenfalls ein eigener Horror Doom Song gewesen wäre. Die Coverversion ist nichtsdestotrotz gut anzuhören.

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Wer Silence seit seiner Geburt verfolgt, wird sich jetzt sicher denken: „Hä? MESSA? Da gabs doch schon mal einen Artikel!“ Völlig richtig! Das Review zum Debütalbum der Italiener war einer der ersten Artikel überhaupt (hier findet ihr ihn nochmal). Schon damals war Alex mehr als begeistert von dieser Doom-Formation, auch wenn dieses Genre eigentlich nicht zu seinen Lieblingen zählt. Nach nun 2 Jahren, in denen ich „Belfry“ auf mich wirken lassen konnte, wird mit „Feast For Water“ der nächste Streich voller Melancholie, Dunkelheit und Experimentierfreude auf die Doomfraktion losgelassen.

Hmm… Wo ist denn die Snare abgeblieben?

Immer wenn ich an MESSA denke, habe ich diesen brutal guten Snare-Sound wieder im Ohr, der für mich „Belfry“ ein Stück weit auch geprägt hat. Auf „Feast For Water“ ist dieser leider nicht mehr so präsent, doch dieses Ärgernis wird durch diverse andere Aspekte wieder glattgebügelt. „Snakeskin Drape“ schließt nahtlos dort an, wo das Debüt endete – Doom, der durch Saras Gesang, nicht ausufernde Wiederholungen und einem für „Doomverhältnisse“ ziemlich zügigem Tempo schnell im Kopf bleibt. Mit dem Ohrwurmdoom ist aber schon beim darauffolgenden „Leah“ Schluss. Es geht ins Reich der Dunkelheit, denn dieser Song überzieht die Seele mit Teer.
Dass MESSA Experimenten nicht abgeneigt sind, wurde ja schon bewiesen und so hat mit „The Seer“ ein Song auf die Platte gefunden, der alles hat, was ich von einem Album erwarte. Einerseits bluesige Elemente und auf der anderen Seite doch noch etwas Melancholisches, was für mich das perfekte Gleichgewicht eines Songs darstellt. Achso, weil wir gerade bei Experimenten waren:

Wann hast du im Doom Metal das letzte Mal einen Blastbeat gehört?

Nachdem „She Knows“ schon fast DRONE-artige Ausmaße annimmt, schaue ich bei „Tulsi“ nicht schlecht, als plötzlich ein Blastbeat erklingt. Glücklicherweise zieht dieser sich nicht durch den ganzen Song, sondern wird clever in das Tongefüge eingebaut.
„White Stains“ schließt „Feast For Water“ genauso ab, wie ich es mir wünsche – düster, melancholisch und tiefsinnig.

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Ein Debut-Album aus Italien! Genau wie man erwarten würde, geht es los mit einem Song über schottische Schlachten, es dudeln die Säcke und paganes Schlachtenfeeling überkommt den Hörer. Wie? NICHT, was man erwarten würde?

Zwar bleibt die Dudelsack-Explosion im ersten Song eher die Ausnahme, aber das Feeling wird übers Album aufrechterhalten. Kompromisslos und straight gibt einem jeder der 8 Tracks das Gefühl, gerade erhobenen Schwertes in die Schlacht zu ziehen. Die Gitarren spielen nach alter Pagan-Metal-Manier ihre Akkorde über basische, reitende Schlagzeugrhythmen. Ein Keyboard begleitet das Ganze für die kleine Portion Epicness, und die harschen Vocals, die entfernt an ENSIFERUM und Konsorten erinnern, finden perfekt ihren Platz in der energiegeladenen Kombination. Nur gelegentlich tauchen hier und da mal etwas folkigere Parts oder Clean Vocals auf. All das bildet einen natürlichen, aber sehr kraftvollen Sound.

Back To Basics

Echt schön, mal wieder so eine Platte zu hören! Ich habe das Gefühl, heutzutage kann man solche Musik, wenn überhaupt, nicht mehr einfach so machen, sondern muss gleich immer in irgendeiner Hinsicht etwas Spezielles, Künstliches hinzufügen. Was natürlich auch sehr toll ist. Aber manchmal reicht es doch einfach noch, einen guten Drive, ein natürliches Feeling und „ehrliche“ Musik ohne viel Hin und Her zu machen.

UNDER SIEGE selbst geben an, mit dem Ziel zu arbeiten, „staightforward headbanging“ Musik zu erschaffen. Dies hat natürlich auch zur Folge, dass kaum irgendwelche Kunststücke vollbracht werden. Auch Höhenflüge sind recht selten und die Neuerfindung des Rads ist unter den Umständen auch schwierig. Aber hey – wer so etwas sucht, ist hier an falschen Ort. Für diese Zwecke gibt es genug andere tolle Musik zu entdecken!

Hier gibts mehr davon: Bandcamp, Facebook

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Ich bin, was meinem Musikgeschmack angeht, wirklich sehr flexibel. Mit einer Sache tu ich mich aber seit jeher schwer: Texte in Sprachen, die ich nicht verstehe. Da ich sehr textfixiert bin, fällt es mir immer nicht einfach – auch wenn die Musik gut ist -, solche Songs zu genießen. STORM{O} aus Italien sind da auch so ein Fall, da alle Tracks auf ihrem neuen Album „ERE“ in ihrer Muttersprache gehalten sind. Kann mich wenigstens die Musik überzeugen?

Nein, leider absolut nicht! Ich weiß nicht, wer auf die Idee gekommen ist, dass das hier Post-Hardcore sein soll. Es mangelt grundsätzlich an irgendeiner Form von Melodie. Strukturen kann ich in den Songs auch keine ausmachen. Das ist einfach nur wildes Geknüppel mit zum Teil variierenden Shouts. Na, immerhin etwas. Diese gefallen mir aber auch so gar nicht. Hinzu kommt noch, dass der erste Song auf dem Album mit 4 Minuten auch der Längste ist, ansonsten kommt man selten über 2. Das ist auf eine Art auch positiv, so muss ich mich wenigstens nicht allzu lange mit den Folgenden bemühen. Mir tut das tatsächlich irgendwie leid, aber ich finde kein gutes Wort, weshalb ich an der Stelle auch schon Schluss machen muss. Möglicherweise seht ihr das anders?

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