WARPED CROSS aus Zschopau bereisen seit 2008 Jahr um Jahr viele Bühnen und präsentieren ihre Musik, die sie selbst als Psychedelic Doomcore betiteln. Trotz der mannigfaltigen Bühnenpräsenz und zwei Alben sind die vier Zschopauer bisher komplett an mir vorbei gegangen. Nun aber haben sich die Herren vom verzogenen Kreuz eine Zeit von Shows ferngehalten, um im Chemnitzer Larox Studio aufzunehmen. Was dabei herausgekommen ist, trägt den Namen „Rumbling Chapel“ und wurde in ein schönes Artwork des Leipziger Tätowierers The Sepp eingehüllt. Auf fast einer Stunde präsentieren WARPED CROSS elf neue Tracks, die ab 07. Februar über Black Sunset / MDD erhältlich sind.

Stampfend durch die schwarze Wüste

Während das letzte Album „Abbot of Unreason“ noch sehr kratzig und metallen war, haben WARPED CROSS für ihr neues Album ein paar Stellschrauben justiert. Der Doom ist noch allgegenwärtig, das Suffix Metal schwindet jedoch leicht. Dafür bleibt die psychedelische Komponente bestehen und mischt sich mit dem für die Band typischen Hardcore Einschlag, der gerne auch in Richtung Rock’n’Roll abdriftet. Den stampfenden Beats wird auf „Rumbling Chapel“ viel tiefer Desert Rock untergemischt, was teilweise an Künstler wie CROWBAR, DOWN oder SPIRITUAL BEGGARS erinnert.

Einheizen in Einheitstempo

In ihrem behäbigen aber doch sehr kraftvollen Stil walzen sich WARPED CROSS über die elf Tracks auf „Rumbling Chapel“. Ein massives Schlagzeug, ein wummernder Blues Bass, tief gestimmte Gitarren und ein kräftiger Gesang tun ihr übriges, um das zu gewährleisten. Die post-apokalyptische Soundlandschaft wird durch einige geschickt eingesetzte Effekte und eine sehr starke Produktion unterstützt. Dennoch ist das Gesamtkonzept von der rumpelnden Kapelle in erster Linie durch Minimalismus gekennzeichnet. Mit diesem Minimalismus fahren die vier Zschopauer gut, auch wenn Tempo, Themen und Motive gerne etwas mehr Abwechslung vertragen könnten.

Highlights im Detail

Die Höhepunkte von „Rumbling Chapel“ liegen definitiv im letzten Drittel des Albums. Der Track „Ride into Fall“ bringt durch seinen galoppierend-doomigen Ausklang, der ein bisschen an DOZERs „Exoskeleton“ erinnert. Und auch die darauf folgende Nummer „Over the Sea“ gehört zu den melodischen Highlights des Albums. Für das Heavy Metal Feeling wiederum tut das Lied „Bite the Wire“ gut und „Terminate Hate“ dient ein schönes Training für die Nackenmuskulatur. Ja, es gibt Variation auf „Rumbling Chapel“ und WARPED CROSS setzen durchaus einige Höhepunkte ein. Diese gehen nur gerne im recht eintönigen Tempo sowie hinter der brachialen Wand aus Sound etwas verloren, was sehr schade ist.

Homepage von WARPED CROSS

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CRIPPLED BLACK PHOENIX sind wohl eine der fleißigeren Bands und können auf viele Veröffentlichungen seit ihrer Gründung 2004 zurückblicken. Aber sie haben auch eine ganze Reihe an Besetzungswechseln hinter sich. Was sie immer kennzeichnet, ist die trübe Melancholie im dunklen Gewand, die sich durch ihr Schaffen zieht. Sie nennen ihre Werke selbst „Endzeitballaden“.

Der frühere ELECTRIC WIZARD-Drummer und Multi-Instrumentalist Justin Greaves steht unverrückbar im Zentrum der Band und hat auch „Great Escape“ produziert. Mir liegt ein Digipak vor, das mit seiner Länge über 70 Minuten wohl kaum als kleiner Snack zwischendurch zu genießen ist. Nein, hier ist eine vereinnahmende Schwelgerei, ein Hinein- und Wegträumen angebracht! Noch mächtiger wartet die physische Veröffentlichung als Doppel-CD mit einem 36-seitigen Artbook und weiteren Bonus Tracks auf.

Da hat sich jemand nicht lumpen lassen…

Die britische Kapelle bietet dem Freund der psychedelischen Klänge ebenso Freude, wie dem des Art Rock und Progressive. Aha! Kein Metal? Genau. Kein Metal! Heut mal nicht. Und morgen vielleicht auch nicht. Denn „Great Escape“ lässt sich mühelos mehrfach weghören. Der Einstieg fällt dank direkt einsetzender Sprachsamples leicht. Solche machen mich immer erstmal aufmerksam, betroffen und nachdenklich. Wahrscheinlich geht es nicht nur mir so, dass ein gewisser Tonfall die Assoziation an an Chaplins „The Great Dictator“ aufkommen lässt. Und ab da gibt es kein Zurück mehr.

CRIPPLED BLACK PHOENIX verdichten die Atmosphäre gekonnt. Sehr bald baut sich ein schöner, voller Sound auf. Klar, bei acht Bandmitgliedern ist einiges an Dynamikumfang möglich. Mein persönliches Highlight des Albums kristallisiert sich schnell heraus. Äußerst mächtig verspricht wunderschön melancholischer, sanfter Gesang in dem fast zehnminütigen Epos „To you I give“:

We’ll make it right,
the world will still be here tomorrow
No need to cry,
fear is something we can conquer.

Und lässt mein unruhiges, so manchmal furchtgeplagtes Herz etwas weniger beklemmt im Brustkorb ruhen. „Madman“ hingegen folgt deutlich düsterer und langsamer. Getragenheit baut sich mit tiefer Tonlage und ebensolchen Drum-Toms auf. Eine ordentliche Zerre über der Männerstimme und beinah monotone Synth-Spuren katapultieren mich mitten in den Düsterrock der 90er Jahre. Währenddessen hinterlässt „Hunok Csatája“ mit stampfendem Drumbeat und aggressiverem Gesang vor allem einen folkigen Eindruck. „Nebulas“ vermittelt dank schwebender Frauenstimme wiederum eine melancholische Leichtigkeit.

Und so nehmen sie mich mit…

… langsam durch Morast watend, mit den Augen das Irrlicht suchend, dem man weiter aus der Realität folgen kann. Es sind absolut keine Verknotungen der Hirnwindungen notwendig. Die Briten spielen geradlinig ihren Stiefel durch. Genau so, dass ich mich problemlos hineinsinken lassen kann, ohne wirklich nachdenken zu müssen.

Gibt es ein Happy End?

Für mich mit dieser Platte: Definitiv! Mit den Songs „Great Escape (pt I)“ und „Great Escape (pt II)“ finden CRIPPLED BLACK PHOENIX einen gelungenen Abschluss. Die Zweistimmigkeit aus Männer- und Frauengesang in Part I lullt mich so richtig schön ein, Part II wabert postig vor sich hin und entlässt mich in eine Zwischenwelt, in der ich entweder weiter träumen oder auch beruhigt wieder in die Realität austreten kann.

Hier könnt ihr „Great Escape“ in voller Länge hören.

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Mittwoch, 30.05.2018

Zum ersten Mal in seiner Geschichte beginnt das Freak Valley in diesem Jahr schon am Mittwoch auf einem separaten Gelände, unweit vom auf einem Hügel gelegenen Zeltplatz. Da meine Mitfahrer schon „Freak-Valley-Erfahrung“ besitzen, machen wir uns bereits Dienstag Abend auf die gut 400 km lange Reise gen Westen. Tatsächlich kann ich diese Taktik überhaupt nicht verstehen, doch wie sich später herausstellt, haben wir alles richtig gemacht. Allein der Ausblick, als wir um 5.30 Uhr morgens den Campingplatz erreichen, war die nächtliche Tortur wert! Sanfter Morgennebel legt sich in die Täler des Rothaargebirges, ehe sich die Sonne den Weg durch den Dunst bahnt. Genug für die Sinne getan – erstmal eine Mütze Schlaf gönnen!

Der Tag der Synthesizer

Wettervorhersage: warm und trocken! Realität: heiß und trocken! Naja, besser als strömender Regen (den der Deutsche Wetterdienst für die darauffolgenden Tage ankündigt), denke ich mir und begebe mich auf den Weg Richtung Bühne. Auf dem Freak Valley nützt dir Geld allein überhaupt nichts. Nein, bevor du es ausgeben kannst, musst du damit einen am Festivalbändchen befestigten Chip aufladen. Das erspart den Damen und Herren an Bier- und Essensständen einen Haufen Rechnerei – wenn es denn funktioniert. Kurz nach Einlass auf das Gelände erfolgt die Nachricht, dass es mit dem Chipsystem Probleme gibt und sie sich nicht aufladen lassen. Kurzerhand erfolgt seitens der Veranstalter, die Rockfreaks, die Entscheidung, dass bis zur Lösung des Problems Freigetränke ausgeschänkt werden. Freibier zum Festivalstart hatte ich bis jetzt auch noch nicht, aber ich könnte mich durchaus daran gewöhnen. Nun aber zum Wichtigsten, der Musik!

Den Startschuss machen die Thüringer Newcomer von MOTOROWL. Nach kürzlichen Touren mit unter anderem HIGH ON FIRE und GRAVE PLAEASURES merkt man den Jungs die Liveerfahrung schon deutlich an. Auch wenn die Truppe bei mir gleich aus der Ecke kommt, sehe ich sie zum ersten Mal und bin ziemlich überrascht, was ich da zu hören bekomme. Ihr psychedelischer Doomrock bietet den perfekten Festivaleinstieg. Besonders Max´ Gesang hätte ich so nicht erwartet. Er könnte genauso gut in einer Symphonic-Metal-Band mitwirken, auch wenn das dann vermutlich gar nicht meine Baustelle wäre. Trotzdem passt seine Stimme zu dem musikalischen Konstrukt wie die Faust aufs Auge.

Neben RADAR MEN FROM THE MOON sind MOUNTAIN DUST mein größtes Highlight des ersten Tages. Schon im Vorfeld des Festivals fand ich den sehr orgellastigen Bluesrock der Kanadier recht ansprechend und auch auf der Bühne wissen die Jungs absolut zu überzeugen. Ich nehme es vorweg: kein Sänger auf dem gesamten Freak Valley Festival leidet so schön wie Brendan Mainville! Gepaart mit der Instrumentenfraktion, die immer wieder einen Hauch von Wilden Westen versprüht, reißt mich das einfach nur mit.

Nicht ganz so mitreißend finde ich NO MAN`S VALLEY. Ich kann nicht mal genau sagen, weshalb ich nicht in Stimmung komme, aber der zwischendrin auftretende Stromausfall trägt auch nicht gerade zu übermäßiger Euphorie bei. Trotzdem ist die Überbrückung der Zeit ohne Strom doch schon recht amüsant, als einfach mit dem Publikum interagiert und gesungen wird.

Hä?! Was ist hier denn los?

So, was nun folgt hätte ich niemals erwartet. Vor 6 Jahren habe ich RADAR MEN FROM THE MOON das letzte mal gesehen und die Niederländer haben mich einfach nur weggeblasen. Schon während der Umbaupause sehe ich vor der Bühne haufenweise fragende Blicke, denn statt die Gitarren auszutauschen, verlassen nur die Spielgeräte von NO MAN`S VALLEY die Bühne. Auf der Bühne werden mehrere Synthesizer positioniert. Was dann passiert, lässt mir die Kauleiste offenstehen. Statt instrumentalen Rock gibt es einen Mix aus Electro und Noise auf die Ohren. Das schockt mich schon im ersten Moment und jemand, der mit elektronischen Klängen überhaupt nichts anfangen kann, verlässt vermutlich fluchtartig das Gelände. Ich muss dennoch zugeben, dass das Dargebotene nicht schlecht gemacht ist, auch wenn es in meinen Augen eben nicht RADAR MEN FROM THE MOON ist. Von Leuten, die die Band vorher nicht kannten, höre ich tatsächlich fast nur positives. Ich bin echt hin und hergerissen, was ich vom Headliner des ersten Abends halten soll und muss erstmal eine Nacht drüber schlafen.

Donnerstag, 31.05.2018

Ja, auch ich bin lernfähig und deswegen hab ich mir zum ersten Mal nach unzähligen Festivalbesuchen Ohropax eingesteckt, die dafür sorgen, dass ich auf dem Freak Valley so gut, wie auf noch keinem anderen Festival schlafe.

Und so geht es ausgeruht Richtung Festivalgelände. Heute sollen die Bands auf dem Gelände der AWO spielen, wo bis gestern noch ca. 500 behinderte Menschen ihrer Arbeit nachkamen. Den Anfang am Donnerstag machen die Kölner GALACTIC SUPERLORDS, die kurzfristig auf der großen Bühne und nicht wie anfangs bekanntgegeben auf der kleineren „Wake & Bake Stage“ spielen werden. Grund dafür ist ihr heute veröffentlichtes Debütalbum. Ihr Heavy Rock strotzt nur so vor Energie und Sängerin Katharina Held scheint ein ganzes Nest voller Hummeln im Hintern zu haben. Mit ihrem Glitzerfummel ist sie pausenlos unterwegs und avanciert so zu einer wahren Rampensau!

RAGE OF SAMEDI prügeln noch eine Nummer härter auf das Publikum ein, doch mir ist das schon irgendwie zu heftig. Ihr sludgiger Southern Rock kommt mir zu sehr gepielt rüber, als dass es wirklich ernst gemeint ist. Hier ist mir einfach zu viel Gepose und Prahlerei im Spiel, als dass ich mich wirklich mit den Pfälzern anfreunden könnte.

Anders sieht es da schon bei den Italienern HUMULUS aus. Die Jungs wurden von den Kollegen vom rockblogbluesspot gebucht, welche den Rockfreaks sehr nahestehen. Das Trio aus Bergamo ist eine wahre Riffmaschinerie (ich sage nur „Distant Deeps Or Skies“). Ihr knackiger Mix aus Stoner, Doom und Psych ist eine wahre Bereicherung für das ohnehin schon grandiose Billing des Festivals und ein absolutes Highlight des Wochenendes.

Oha, da habe ich doch glatt eine der wichtigsten Personen des Freak Valley vergessen zu erwähnen. Wie jedes Jahr wird auch in diesem Jahr jede einzelne Band (bis auf eine Ausnahme) von Volker angesagt. Bis jetzt lief alles nach Plan, doch bei RUFF MAJIK vergisst er plötzlich den Bandnamen. Kann jedem mal passieren und lockert die ohnehin schon gelassene Stimmung im Publikum noch einmal um Längen auf. Für die Südafrikaner ist es die erste Deutschland-Tour überhaupt und statt sich einen Transporter zu mieten, reisen die Jungs zu jedem einzelnen Auftritt mit dem Zug an. Verrückte Typen! Irgendwie ist ihr Sludge ´n Roll etwas ziemlich besonderes. Selbst wenn ich nicht gewusst hätte, dass sie aus Pretoria kommen, hätte ich auf eine exotische Herkunft getippt. Ihr Stil ist einfach komplett anders als das 0815-Geklimpere, was du sonst geboten bekommst. Natürlich ist da auch geiles Zeug dabei, aber RUFF MAJIK halten durch ihren abgefahrenen Mix die Spannung über den gesamten Gig hoch!

Zeit für vertraute Hymnen

…denn als nächstes stehen die Sachsen MOTHER ENGINE auf den Brettern. Eine Band, die alles bietet, was ich mir nur erträumen kann. Verträumte Rifflandschaften, genügend Härte und eine gewisse Kauzigkeit, die ihre Musik wirklich einmalig macht. Mit der Veröffentlichung ihres letzten Albums „Hangar“ (Review hier) sind die Plauener nochmal eine ganze Schippe progressiver, aber nicht weniger zugänglich geworden. Nachdem sie hier im letzten Jahr „nur“ einen Slot auf der kleinen Bühne bekommen haben, beweisen die Jungs, dass das es richtig war, sie in diesem Jahr nochmal einzuladen und auf der großen Bühne ranzulassen. Vor der Bühne ist es gut gefüllt und es herrscht Stille, denn jeder fiebert mit den Instrumentalhymnen des Trios mit. Später am Abend erfahre ich von Drummer Cornelius noch, dass er die komplette zweite Hälfte des Sets nahezu nichts mehr auf den Boxen gehört hat. Davon habe ich nichts gemerkt, denn vor der Bühne war der Sound die gesamte Zeit über perfekt.

War es bei MOTHER ENGINE noch ziemlich voll, so leeren sich die Reihen jetzt sichtlich. Unverständlich, denn mit SUMAC steht eine echt interessante Band auf dem Programm. Im Nachhinein denke ich mir, dass die US-Amerikaner um ex-ISIS-Sänger Aaron Turner vermutlich eine Nummer zu hart für das Festival war. Auf der anderen Seite kam ihr Post Metal bei den Verbliebenen vor der Stage, auch bei mir, richtig gut an.

BUSHFIRE gehören zum Freak Valley wie Ansager Volker. Abgesehen von 2017 traten die Darmstädter bisher jedes Jahr hier auf. So wundert es auch nicht, dass es nun wieder deutlich voller vor der Bühne wird. Ihr Heavy Rock der Marke ORANGE GOBLIN klingt zwar recht lässig, doch ist in meinen Ohren nichts besonderes. Vermutlich fehlt mir auch irgendwie die Verbundenheit zu der Band, da ich ja zum ersten Mal vor Ort bin. Besonders ist der Auftritt für die Band heute trotzdem, denn sie nehmen ihr erstes Livealbum auf. Für mich die perfekte Gelegenheit mich ein wenig abseits zu setzen und nochmal kurz Kraft zu tanken für das, was der restliche Abend noch bereithält.

Erst dancen, dann trancen…

MY BABY sind ein echtes Phänomen. Nachdem sie für das Freak Valley zugesagt haben, habe ich mich in diese Band so richtig verliebt. Warum? Weil es einfach mal komplett was anderes ist. Vor dem Festival ging mir eine Frage ziemlich oft durch den Kopf: Wie wird die Stimmung bei MY BABY sein? Sie war grandios! Sie selbst bezeichnen ihre Musik als „Voodoo Trance„, doch ihr Stil ist so facettenreich, dass 2 Wörter da nicht ausreichen, um das zu beschreiben. Sängerin Cato van Dyck gibt Schreie von sich, bei denen ich mich frage, wo sie die Luft nur hernimmt, Gitarrist Daniel Johnston spielt bluesige Riffs, die aber zwischendrin ganz weit in andere Sphären abdriften und Drummer Sheik van Dyck zieht seine Beats das komplette 1-stündige Set über abgeklärt und durch. Einziges Manko: auf der linken Bühnenseite ist immer wieder ein heftiges Knacken und Knistern aus den Boxen zu hören, doch spätestens als „Sunflower Sutra“ ertönt, bin ich selig.

In einer ganz anderen Abteilung arbeiten OM. Die Band um SLEEP-Bassist Al Cisneros zelebriert überhaupt keine Tanzmusik, sondern setzt auf Monotonie, die einen in einen tranceartigen Zustand versetzt. Ja, Trance ist das richtige Wort, denn durch Cisneros´ monotonen, sich der Tonlage seines Basses anpassenden Gesanges driftet man ganz schnell vom Wirklichen ab und befindet sich in einer Zwischenwelt. Robert A. A. Lowe bringt mit seinen Synthie-Effekten, Gitarrenspiel und Tamburin noch einmal eine ganze Schippe mehr Mystik in Songs wie „State Of Non-Return“, „Meditation Is The Practice Of Death“ oder das abschließende „Bhimas Theme“ ein.
Ein wahrlich magischer Auftritt von OM beschließt also den Festival-Donnerstag, der dann am Ende doch ganz schön lang wurde. Gegen 2 Uhr mache ich mich auf den Weg Richtung Zeltplatz und habe das große Glück, auf andere lauffaule Besucher zu treffen, mit denen ich mir letztendlich ein Taxi teile.

Freitag, 01.06.2018

Tja, was haben die besten Ohropax für einen Nutzen, wenn morgens um 8 Uhr direkt vor deinem Zelt mehrere Kinder ein Tauzieh-Turnier veranstalten? Richtig, keinen! Also wieder was gelernt: versuche immer möglichst weit weg von Familien mit Kindern zu zelten.
So anstrengend der Start in den Tag war, so gemütlich startet der musikalische Teil des Tages. NAP aus Oldenburg musizieren ziemlich leicht verdaulichen Heavy Psych, der mit nur relativ wenig Gesang ausgestattet ist. Wenn dann allerdings mal Gesang kommt, dann genau an der richtigen Stelle.

Mit klassischem Stoner geht es weiter. STEAK aus Großbritannien fand ich auf dem letztjährigen Stoned From The Underground schon mehr als passabel und so sorgen sie auch hier dafür, dass ich trotz schwerer Augen langsam Fahrt aufnehme. Eigentlich hebt sich ihr Sound nicht mal wirklich von anderen Stoner-Bands ab, aber die Fleischfreunde (?) wissen einfach, wie sie ihre Energie von der Bühne auf das Publikum übertragen können.

Es wird wieder exotisch

Was am Vortag RUFF MAJIK waren, sind heute OUZO BAZOOKA. Die Combo aus Tel-Aviv spielt eine Mischung aus Surf- und Psychrock und doch können sie es nicht vertuschen, dass sie aus dem Mittleren Osten kommen. Nahezu in jedem Lied kommt ein Part vor, bei dem ich denke, dass eine Geschichte aus 1001 Nacht vertont wurde. Besonderer Hingucker ist ohne Frage die Tänzerin auf der Bühne, die auch zwischendurch zum Mikro greift. Doch nicht nur sie ist ein Blickfang. Auch der Rest der Band in ihren Gewändern macht einiges her und wenn Sänger und Gitarrist Uri Brauner Kinrot zu springen beginnt, brechen nicht nur auf der Bühne alle Dämme.

Sein Festival Freak Valley zu nennen, aber als nächstes stehen wahre Freaks auf der Bühne. THE FREEKS aus Los Angeles zocken einen ganz abgefahrenen Mix aus 70s Rock, Blues, Punk, Funk und was weiß ich nicht alles. Am Mikro schreit sich kein geringerer als Ruben Romano (ex-FU MANCHU und NEBULA) die Lunge aus dem Hals. Zwischendrin denke ich mir, dass das durchaus ein gutes Playback sein könnte und eigentlich Arthur Brown hinter der Bühne steht und singt.  Mit Jonathan Hall steht ein Mann an der Gitarre, der zwar schon gut in die Jahre gekommen ist und zusätzlich zum Gitarrenspiel wahnsinnig gute Backing Vocals vorträgt.

Zeit, die Wiese abzufackeln

Nachdem BLACK BOMBAIM mir nicht so sehr zusagen, entschließe ich mich, mir erstmal was in die Backen zu klemmen, denn ich will ja gut gestärkt bei DŸSE wieder vor der Bühne stehen, denn ansonsten haut es dich bei den beiden Dresdnern zu Boden. Ihr „New Wave Of German (B)Noisrock“ verwandelt die Wiese vor der Bühne, wie auch nicht anders zu erwarten, in ein riesiges Schlachtfeld. Ob dieses Festival das jemals so heftig erlebt hat? Ihr Set besteht (verdient) zum Großteil aus Stücken von ihrem letzten Longplayer „Das Nation“. Songs wie „Schildkrötenthomas“, „Sie Ist Maschin“ oder „Hans“ sorgen bei jeder Ansage für ein Schmunzeln, ehe beim ersten Takt die wilde „Schubberei“ losgeht. Allerdings gibt es auch hier wieder Probleme mit den Boxen auf der linken Bühnenseite, doch das Knistern und Knacken bügelt ein freundlicher Gruß an unsere blau-braunen Freunde der AfD und der „Nackenöffner“ locker wieder weg.

Nach dem wilden Ritt folgt der wilde Trip. YURI GAGARIN war nicht nur der erste Mensch im Weltall, sondern die gleichnamige schwedische Spacerock-Band ist der einzige Vertreter dieses Genres auf dem Freak Valley. Selbst Ansager Volker, bei dem eigentlich jede Gruppe mit den gleichen Worten angekündigt wird, fügt noch einen „schönen Flug“ an. Vor 3 Jahren hatte ich schon einmal die Möglichkeit, diese Ausnahmeband vor einem 15-köpfigen Publikum zu sehen und war in ganz anderen Sphären unterwegs. Dass es mir hier bei der hundertfachen Menge an Zuhörern und am helligten Tage genauso geht, spricht absolut für die Band. Wie mir Bassist Leif Göransson nach dem Auftritt erzählt, bin ich ein wahrer Glückspilz und habe die 2 stärksten Gigs der Band überhaupt miterlebt. Alle guten Dinge sind 3, würde ich sagen!

Irgendetwas scheint das Raumschiff von YURI GAGARIN dort oben im Himmel gerade zerstört zu haben. Bis jetzt war das Wetter zwar trüb, aber trocken. Gerade als WOLF PEOPLE die Bühne betreten, beginnt es in Strömen, zu schütten. Eine dünne Jeansjacke ist da nicht unbedingt das beste Kleidungsstück, um trocken aus der Affäre zu kommen. Nachdem ich ja nun schon Ohropax dabei habe, wird sich auf dem nächsten Festival sicher noch eine Regenjacke in meinem Rucksack wiederfinden. Aus wettertechnischen Gründen verpasse ich deshalb WOLF PEOPLE und kehre erst zu MARS RED SKY wieder in Bühnennähe zurück.

Kleiner Mann, große Gitarre (nein, das ist nicht versaut gemeint!), hohe Stimme – so lässt sich Julien Pras am besten beschreiben. Und an ihm und seiner Stimme scheiden sich die Geister. Ich für meinen Teil finde seine Gesangsleistung ganz große Klasse und vor allem wenn er im Duett mit Bassist Jimmy Kinast das Publikum beglückt, empfinde ich einfach nur Wärme in meinem Körper. Dadurch, dass gleich zu Beginn des Sets meine 2 absoluten Lieblingssongs „Marble Sky“ und „Strong Reflection“ gespielt werden, bin ich sowieso verzaubert und lasse jede „Stimmendiskussion“ an mir abprallen.

Die nächste Band wurde 1986 gegründet. Etliche Musiker, die hier auftreten, waren in diesem Jahr vermutlich noch flüssig und doch wurden sie maßgeblich von CANDLEMASS beeinflusst. Nach 2 Auflösungen und Neugründungen steht mittlerweile Mats Levén an vorderster Front und kann hier genauso wie auf dem letztjährigen Party.San Open Air durchweg überzeugen. Das Wetter passt sich der schaurigen Musik mit Sprühregen an, weshalb ich mir den Auftritt von weiter hinten im Trockenen anschaue, doch auch hier ist es pure Magie, die einem entgegenfliegt.

Jetzt reicht´s mit den Gesangskontroversen

…denn der Headliner des dritten Abends besitzt keinen Sänger! MY SLEEPING KARMA aus Aschaffenburg sind die absolute Speerspitze des deutschen Psychedelic Rocks. Ich habe die 4-köpfige Truppe jetzt schon oft gesehen, doch dieser Auftritt ist irgendwie etwas ganz besonderes. Irgendwie wirkt heute alles tiefgründiger als bei den vorherigen Malen. Wenn ihr eine geschlossene Einheit auf der Bühne sehen wollt, müsst ihr euch die Unterfranken unbedingt ansehen. Hier spielt sich keiner in den Vordergrund, denn nur gemeinsam schaffen sie es, die vielschichtigen Songs emotional an die Fans zu bringen. Nicht wenige Leute um mich herum haben Tränen in den Augen und sogar Volker, der alte Hase, bestätigt mir am nächsten Morgen, dass er einen Kloß im Hals hatte. Das sind doch aber die schönsten Momente auf einem Festival, wenn einen die Musik wirklich berührt und nicht nur an einem vorbeirauscht.

Samstag, 02.06.2018

Es scheint, als sollte ich stummer Erzieher werden. Wurde ich am gestern Morgen noch unsanft aus meinen Träumen gerissen, ließen es Nachbarskinder heute gemütlich angehen und ich konnte bis 10 Uhr ausschlafen. Unglaublich, so lange hab ich noch nie in nem Zelt genächtigt.
Käffchen, Kippchen und dann gehts auch schon wieder ins Tal, denn TOKE aus North Carolina soll dem Publikum den nötigen Kickstart verpassen. Und wie sie das mit ihrer Musik tun. Ich betone absichtlich Musik, denn scheinbar gibt es Probleme mit dem Mikro von Sänger Bronco. Auch wenn man die Stimme stellenweise nur erahnen kann, groovt ihr sludgiger Rock extrem und auch fürs Auge wird einiges geboten. Die Saitenfront ist von oben bis unten zutätowiert, wobei Broncos riesiger Gorilla auf dem Rücken das Highlight ist. Fettes Teil!

Der Preis für den schönsten Pony des Festivals geht ohne wenn und aber an Marco Menestrina, seines Zeichens Bassist von KALEIDOBOLT. Durch den Wechsel von verträumten und explosiven Parts, treffen die Finnen mit ihrem progressiven Psychedelic Rock genau meinen Nerv. Und nicht nur mir gefällts, denn nach dem Auftritt wird der Merchstand der Skandinavier ordentlich belagert.

Weil wir gerade bei Preisverleihungen sind: Den Titel für den wohl energischsten Drummer des Festivals bekommt Johanes Barrysmith von YEAR OF THE COBRA. Der Typ hat mal richtig Feuer in den Tentakeln. Unterstützt wird er von (seiner Herzdame) Bassistin und Sängerin Amy Tung Barrysmith. Wer braucht schon eine Gitarre, wenn einem so ein brachialer Basssound um die Ohren gefeuert wird. Neben einer guten Portion Doom wird hier auch ordentlich Geschwindigkeit serviert, die hier und da auch schon mal etwas punkig klingt. Ihrem 2016er Debüt „…In The Shadows Below“ soll noch in diesem Jahr der Nachfolger folgen und ich weiß jetzt schon, dass ich mir das gute Stück Vinyl in die Sammlung stellen werde, denn Songs wie „Burn Your Dead“ lassen den Geldschein bei mir ganz locker sitzen.

Dem Old-School-Doom haben sich PURPLE HILL WITCH aus Oslo verschrieben. Nachdem ich ihr im letzten November veröffentlichtes Album „Celestial Cemetary“  (Review hier) als „grundsolide, aber nichts für die Geschichtsbücher“ beschrieben habe, bestätigt sich auch heute meine Meinung. Trotzdem macht das, was die Jungs auf der Bühne zelebrieren, wahnsinnig Spaß, denn die neuen Songs sind immer noch tief in meinen Gehörgängen eingemeißelt. Ob „Queen Of The Hill“, „Around The Universe“ oder das abschließende kongeniale „Ghouls In Leather“ machen den 45-minütigen Auftritt der Skandinvavier zu einem sehr kurzweiligen Trip durch die wilden 70er.

Etwa im selben Jahrzehnt sind LUCIFER angesiedelt. Die deutsch-schwedische Band kann man durchaus als Allstar-Combo bezeichnen. Neben Sängerin Johanna Sadonis (THE OATH) stehen Martin Nordin (DEAD LORD) und Robin Tidebrink (SATURN) an der Gitarre und an den Drums sitzt niemand geringeres als THE HELLACOPTERS– Fronter Nicke Andersson. Ohne Frage, musikalisch und gesanglich ist alles auf den Punkt, doch irgendwie fehlt mir bei LUCIFER schon immer das gewisse „i-Tüpfelchen“, dass ihre Musik in meinem Kopf längerfristig verankert. Und als ob Johanna, die nicht nur optische Ähnlichkeiten zu Jinx Dawson von COVEN aufweist, irgendetwas Böses heraufbeschört hat, fängt es während dem Auftritt an zu schütten, als ob die Welt untergehen wird. Glücklicherweise bleibe ich dieses Mal trocken, denn ich stehe gerade in der Schlange vor der Toilette (die übrigens immer tip top sauber war!).

Eine der größten Überraschungen des Festivals sind für mich SACRI MONTI aus San Diego. Der sympathische Fünfer rund um RADIO MOSCOW-Bassist Anthony Meier spielt klassischen Psychedelic Rock, unterlegt von schummrigen Orgelsounds. Dabei kommt die kaifornische Leichtigkeit aber nicht zu kurz. Da wird hier mal ein Kippchen geraucht und dort mal ein Foto von den Fans geschossen, ohne aber dabei an Ernsthaftigkeit zu verlieren. Gerade vom starken Sound bin ich so geflasht, dass ich nicht anders kann als erstmal den Merchtisch der Truppe zu plündern und mit einem fetten Grinsen und Platte unter dem Arm zu meiner Truppe zurückzukehren.

Zeit für das große Finale

Doch erstmal ist Platte sichern angesagt! Durch den beschwerlichen Weg Richtung Camp verpasse ich leider die norwegischen Boogie-Rocker BRUTUS und kehre erst zu ASTEROID vor die Bühne zurück. Vor exakt einem Jahr wurde ASTEROID aus gesundheitlichen Gründen auf Eis gelegt, doch heute präsentieren sie sich stärker als ich sie je gesehen habe. Mit einem perfekten Set, bestehend aus Songs von allen 3 Alben, und superbem Sound haben sie sich den relativ späten Slot in der Running Order redlich verdient. Vor allem die neuen Songs von „III“ (Review hier) lassen mich aufhorchen, denn bis jetzt kam ich noch nicht in den Genuss, diese live zu hören. Die größten Knaller kommen aber vom zweiten Album der Schweden und so ist auch nur logisch, dass das Set von „Garden“ abgerundet wird. Von mir aus hätten sie nochmal von vorn beginnen können.

Wer meinen Bericht vom letztjährigen Stoned From The Underground gelesen hat, weiß, dass ich nicht unbedingt der größte Fanboy von den Amerikanern KARMA TO BURN bin. Auch nach dem heutigen Gig werde ich das wahrscheinlich nicht werden. Ihre Musik hat zwar Hand und Fuß, aber trotzdem finde ich sie nicht experimentell genug für eine Instrumentalband.

Das Freak Valley ist eigentlich ein Ort voller Fröhlichkeit und doch stand schon vor dem Festival fest, dass ein nicht so schönes Ereignis geben wird. THE FLYING EYES spielen heute ihr allerletztes Konzert überhaupt. Ok, das haben sie auch schon letztes Jahr in Leipzig behauptet, aber ich denke, dass es dieses Mal wirklich endgültig ist. Von Anfang merkt man, dass der heutige Auftritt etwas ganz besonderes werden wird, denn noch nie habe ich die Jungs so engagiert und bewegungsfreudig erlebt. Auch bei ihnen sind es die Songs der aktuellen Platte „Burning Of The Season“ die, die am meisten zünden, allen voran „Fade Away“, bei dem ich ab der ersten Sekunde auf das grandiose Riff im Refrain hinfiebere. Aber auch „Don´t Point Your God At Me“, was nicht ohne Grund an THE DOORS erinnert, wird frenetisch abgefeiert. Beim letzten Song heißt es Abschied nehmen und „Danke sagen“. Nicht nur die Band verabschiedet sich, auch der harte Kern der Rockfreaks kommt deshalb zu „Lay With Me“ auf die Bühne und feiert ein letztes Mal gemeinsam mit den Jungs aus Baltimore. Schon ein wenig schade um die Jungs, doch wie Volker bei seiner Ankündigung schon meinte: „Schade, aber isso“

Der Höhepunkt auf allen Ebenen sind RUSSIAN CIRCLES. Sowohl Ton- und vor allem Lichttechniker erleben zum Abschluss des Festivals eine wahre Sternstunde. Es ist auf jeden Fall eine clevere Entscheidung, die Band zum krönenden Abschluss spielen zu lassen, denn mit ihrem Post Rock wären sie vermutlich woanders im Billing untergegangen. So haben quasi alle anderen Bands auf RUSSIAN CIRCLES „hingespielt“ und die dürfen nun die aufgebaute Stimmung nutzen, um ihre monumentalen Songs über die Köpfe hinweg zu fegen. Ich gebe zu, dass ich mit der Truppe nicht mal so sehr vertraut bin und zu Hause eigentlich nur das „Empros“-Album hoch und runter läuft, doch du musst die Songs nicht mal kennen, um von ihnen mitgerissen zu werden. Jeder einzelne Song hat seinen eigenen Charme und baut eine ungeheure Atmosphäre auf. Als dann als Höhepunkt noch „Mladek“ erklingt, bin ich vollkommen erfüllt und gewappnet für die Aftershowparty.
Diese fällt kürzer als gedacht aus, denn 4 Tage Festival nagen schon ganz schön an meinen Kräften. Trotzdem reichts noch für ein Bier. Den Jungs von THE FLYING EYES reicht es scheinbar noch nicht und wie mir im Nachhinein berichtet wurde, glänzten sie vor allem durch überraschend gute Tanzmoves.

Fazit

Tja, das war es auch schon wieder mit meinem ersten, aber garantiert nicht letzten Freak Valley. Ich habe echt nur ganz selten ein solch familiäres und zugleich hochprofessionelles Festival wie dieses erlebt. Dieser Aspekt zusammen mit der wahnsinnig guten Bandauswahl macht es in meinen Augen zu etwas ganz Besonderem. Kaum ein Festival mit „nur“ 2500 Besuchern kann mit einem derart hochkarätigen Line Up mit Bands aus Stoner, Doom und Psych mithalten.
Die Preise auf dem Gelände sind absolut angemessen und die Essensauswahl ist angenehm groß (ich habe nur Falafel gespeißt!) und kostengünstig.

Also dann, bis (hoffentlich) nächstes Jahr, ihr FREAKS!

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Keine „Libido-driven arithmetics“, dafür aber eine „offbeat rock ’n‘ roll implosion“ mit viel Verzerrung. Aha. Hatte jemand von euch schon mal an Arithmetik gedacht, in Verbindung mit Libido? Ich nicht. Hätte ich bei dieser Musik ohne den entsprechenden Hinweis in der Albumbeschreibung aber auch nicht. PHARAOH OVERLORD haben mit „Zero“ ein Album veröffentlicht, welches den Versuch wagt, Rock’n’Roll und verzerrten Elektro miteinander zu verbinden.

Beim Anhören denke ich mir nur, dass man dazu bestimmt gut Absinth trinken kann. Der Gesang ist etwas ungewöhnlich (will sagen, noch ungewöhnlicher als die Musik selbst schon), und ich bin mir noch immer nicht ganz sicher, ob er so wirklich nötig ist. Ohne ihn wirkt sie schon intensiv genug. So klingt es ein bisschen, als würde der Corpsegrinder in der Disco loslegen.

Trotzdem, die Musik ist nicht schlecht. Die Stücke knausern nicht mit der Länge, die einzelnen Kunstwerke dürfen sich entfalten. „Lalibela Cannot Spell Zero“ rockt sogar ziemlich, was wohl hauptsächlich an der Spielweise des Schlagzeuges liegen dürfte. Hier arbeitet es nämlich, im Vergleich zu den anderen Songs, etwas eigenständiger . Diese sind sonst alle jeder für sich sehr speziell, aber musikalisch nicht uninteressant. So kannte ich bisher weder Rock noch Elektro. Den Preis für den längsten Titel hat hier übrigens „I Drove All Night By My Solar Sto“ gewonnen. Glückwunsch. Humor haben die Jungs jedenfalls.

Ich kann die Platte auf jeden Fall jedem empfehlen, der ernsthaft mal etwas Außergewöhnliches sucht. Wenn es nach mir ginge, ließe sich die Musik gar nicht in eine feste Kategorie einordnen, sondern ist einfach gelebtes rumprobieren und machen. Man muss sich nur darauf einlassen …

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S: Danke für die Möglichkeit, heute ein paar Worte mit euch zu wechseln. Ihr seid ja noch eine relativ junge Band und man findet im World Wide Web nur wenige Insider-Infos über euch.

Tom W.: Die Klatschpresse war noch nicht da.

S: Seit wann gibt es euch denn schon als Band?

Martin: Seit 2015.

S: Und wodurch kam eure Konstellation zustande, wie habt ihr als Bandkollegen zusammengefunden?

Tom S.: Max, Tom W. und ich, wir kannten uns schon aus unserer Heimat und von ihnen ging das aus. Ihr hattet damals gemeint, ihr wollt Mucke machen, und dann haben wir uns erst zu dritt getroffen und im Laufe der Zeit noch versucht, einen Drummer zu finden.

Max: Eine Drum Machine!

Tom S.: … eine Drum Machine zu finden. Da wir aber im näheren Umfeld niemanden gefunden haben, haben wir das klassisch über eine Anzeige gemacht und dann ein schniekes Casting durchgezogen.

Max: Ja, Tom und ich hatten vorher schon ne Band zusammen, SLEEPING WIDOW, und dann wollten wir halt weiter Musik machen.

Tom W.: Ja, dann beim Studium in Dresden etwas Neues anzufangen, war irgendwie logisch. Und Martin ist das neue Mitglied.

Martin: Eingekauft. Eingekaufter Spieler.

Puzzle piece

S: Wo habt ihr die Anzeige geschaltet, wie läuft so etwas ab?

Max: Die haben wir in der Unizeitung der TU Dresden, der CAZ, geschaltet. Da haben sich auch ein paar Leute gemeldet, vier oder fünf, die haben auch alle vorgespielt, aber das klappte nicht. Der potentiellste Schlagzeuger hätte bloß ein halbes Jahr bei uns spielen können, weil er noch sein Diplom gemacht hat, und danach wäre er wahrscheinlich weggezogen.

Martin: Da musstet ihr halt mich nehmen.

Max: Dann hatten wir Glück, dass die befreundete Band von uns, mit der wir den Proberaum gebucht haben, zeitgleich auch auf Drummersuche war.

Tom W.: Mir wurde gesagt, dass du, Martin, bei denen vorgespielt hast und dass die gesagt haben: „Ey, der war übelst gut, aber passt glaub ich nicht ganz so zu unserem Style…“. Also hab ich mir deine Nummer durchgeben lassen. Und dann haben wir das gemacht und das hat einfach richtig geil gepasst, geil getrommelt, gute Jams gleich von Anfang an und wie so ein kleines puzzle piece – zack, reingepasst. Eigentlich ganz geil, dass das so gut ging.

„Klingt, wie Sahnestaub schmeckt.“

S: Wie würdet ihr selbst euren Musikstil beschreiben?

Tom W.: Schwierige Frage.

Max: Klingt, wie Sahnestaub schmeckt.

Martin: Psychedelic, Blues, Stoner…

Tom S.: Ich war ganz froh, als eine Review über uns herauskam und dort gesagt wurde, dass es Heavy Psychedelic Blues ist. Ich finde, es kommen so viele unterschiedliche Einflüsse zusammen, das kann man schwer in einem Begriff unterbringen. Von jedem etwas Anderes – quasi das Extrakt der Hörgewohnheiten von jedem Bandmitglied. Das bringt er dann mit in den Songs ein und dann ergibt das halt ne komische Mischung.

S: Gibt es bestimmte Bands, die ihr als Vorbilder bezeichnen würdet? Von welchen Musikern habt ihr euch etwas abgeschaut?

Martin: Bei den Siebzigern mal angefangen, da haben wir denke ich alle irgendwas von mitgenommen, seien es LED ZEPPELIN oder…

Tom W.: …PINK FLOYD oder so, also diese atmosphärischen Sachen von den größeren Namen. Aber was moderne Bands angeht, da ist ja das Genre ganz schön am Wachsen, also, dass viele Bands dann wieder in so eine Richtung gehen, zurück zu den Wurzeln des Rock’n’Roll. Auf jeden Fall sehe ich ALL THEM WITCHES als Einfluss auf Sound und Arrangement unserer Songs.

Tom S.: Bei mir sind es RADIOHEAD und Thom Yorke, von denen ich mir ganz viel abgucke.

Tom W.: Ich bin großer HENDRIX-Fan, ich find seine Spielart ziemlich beeindruckend. Ich habe damals wegen seiner Musik angefangen mit Gitarrespielen.

Max: Bei mir sind es die DOORS. BLACK MEADOW noch ein bisschen.

Max: GRAVEYARD natürlich auch.

S: Besucht ihr selber auch Konzerte, und wenn ja, welche?

Tom W.: Nee, also, was andere machen, ist mir egal.

Tom S.: TRUCKFIGHTERS in Chemnitz war das letzte Konzert, auf dem ich war.

Max: QUEENS OF THE STONE AGE im Sommer wird auch super.

Tom W.: Also, wir gehen auch gerne zu Konzerten, um die Frage zu beantworten. Das ist natürlich immer wieder schön, um so einen besonderen Gitarrenmoment aufzusaugen.
Ich glaube, so ein Live-Gig bringt auch immer so viel Inspiration in das, was man selber auf der Bühne machen soll, will… Man guckt sich an, was andere Leute zocken, wie die ihren Sound und ihre Performance machen, das ist schon ein wichtiger Punkt, denke ich. Auch, sich einfach anzugucken, was andere Leute da machen.

Der Sonnengott

S: Was bedeutet eigentlich euer Bandname und wie kamt ihr darauf?

Tom W.: Wir haben ziemlich lange rumgetüftelt, Bandname ist doch immer so ein schwieriges Thema. Wir hatten den Song „The Sun“ schon recht früh, das war definitiv einer unserer ersten Songs. Und dieses Motiv Sonne hat sich mit der Zeit als Vibe abgezeichnet, der ganz gut wiederspiegelt, was wir machen.

Tom S.: Also, im Prinzip ist es so: Das ist eine „Magic“-Sammelkarte: Heliod, der Sonnengott.

Max: Ich hatte gerade die Lemmy-Biographie gelesen und darin war eine interessante Passage über Bandnamen: Dass ein Bandname drei Silben haben sollte, damit er einprägsam ist, nicht zu lang, nicht zu kurz. Und das passte.

Martin: Achso! Also ist da richtig Mathematik dahinter!

Tonstudio unter freiem Himmel

S: Auf eurer Facebookseite zeigt ihr ja nicht selten, wie ihr auch mal mitten im Wald aufnehmt. Wie kommt man auf solche Ideen? Ist die Akustik dort besser?

Tom S.: Da hatten wir echt Glück. Wir haben Mitte letzten Jahres den Plan gefasst, da unser erstes Album aufzunehmen. Nachdem wir die Demo-EP im Proberaum in Eigenregie aufgenommen haben, wollten wir das auch mal ein bisschen professioneller angehen und sind dann über Kontakte zu einem Kumpel in der Heimat gekommen, der dort mitten im Wald eine Holzhütte hat, in der er aufnimmt, selber probt, selber produziert. So haben wir uns dort für zehn Tage eingenistet. Haben also gezeltet und sind dann jeden Tag zur Hütte gefahren und haben Mucke gemacht. Und hatten dort echt den Luxus, im Sonnenschein im Wald zu sitzen und dabei die Gitarren fürs Album einzuspielen.

Ideen sprudeln lassen

S: Wie bereitet ihr euch eigentlich vor auf so einen Gig? Gibt es da bestimmte Rituale oder Ähnliches?

Tom S.: Ich hab jetzt wieder in diesem RAMMSTEIN-Buch gelesen, dass die vorher alle zusammen Tequila saufen. Aber so ein Ritual haben wir gar nicht.

Martin: Ein Proberitual einfach.

Max: Einfach das Set ein- oder zweimal proben die Woche davor.

Tom W.: Eigentlich ist das alles ziemlich entspannt. Da gibt es kein magisches Ritual. Alle versuchen einfach, in ihre Komfortzone zu kommen, sodass sie ganz entspannt sind.

Martin: Aber bei der Probe haben wir ein Ritual: Wir fangen immer mit einem Jam an. Ideen sprudeln lassen.

S: Ansagen auf der Bühne zwischen den Songs kommen bei euch relativ kurz. Wollt ihr damit ausdrücken, dass ihr lieber die Musik für euch sprechen lasst?

Tom S.: Ich glaube, damit wollen wir einfach nur ausdrücken, dass keiner von uns ein großes Konzept dahinter hat, was zu sagen. Also bevor das gestelzt kommt… Man ist eher in der Musik, anstatt sich einen Kopf darüber zu machen, was man jetzt sagt und wie man das sagt. Und dann wird halt spontan schnell was rausgemurmelt. Bei meinen Vorbildern, die ich mir auf der Bühne angucke, wird auch selten viel gesagt. Da ist man froh, wenn der Liedtitel mal angesagt wird.

S: Also haltet ihr nicht viel davon, wenn ewig jemand quatscht, anstatt zu spielen?

Tom S.: Es hängt nun mal auch ein bisschen damit zusammen, dass unsere Musik nicht so eine Spaß- und Geigel-Party-Mucke ist. Bei Helge Schneider ist das beispielsweise etwas anderes!
Wenn ich auf der Bühne Spaß habe, muss ich auch aufpassen, dass ich zwischen den Songs nicht anfange, ins Witzige abzudriften, weil unsere Songs von der Atmosphäre her ja nicht witzig sind. Und bevor man so viel überlegt „Mach ich’s jetzt witzig, mach ich’s jetzt ernst, was will ich sagen?“, sagt man lieber nix. Und ich finde das auch richtig so. Es muss einfach zusammenpassen.

S: Was sind eure Ziele für die Zukunft? Im August 2016 habt ihr eure erste EP herausgebracht, letzten Sommer gab es eine Neuveröffentlichung. Wann steht das erste Album an?

Tom S.: Das kommt ganz bald. Da sind wir jetzt endlich beim Schritt des Mixings. Angepeilt ist, dass es Anfang April wirklich losgeht, dass wir da den ersten Song raushauen. Und das ist jetzt der nächste große Schritt für uns – endlich das Album fertig haben, draußen haben. Gucken wollen wir auch vor allem, dass wir es hinbekommen, das als Vinyl verfügbar zu machen. Das wollen ja gerade viele Leute.

Tom W.: Das ist so ein kleiner Traum für eine Band, eine eigene Platte draußen zu haben, so ein schönes Stück Kunst in der Hand zu halten, was man selbst erarbeitet hat. Was alles überdauert.

Tom S.: Was man irgendwann den Enkeln zeigen kann.

Martin: Und dann damit auf Tour fahren!

S: Ich danke euch sehr für das nette Gespräch. Gibt es eurerseits noch abschließende Worte?

Tom W.: Kommt zu den Konzerten, erlebt HELIOD live.

Tom S.: Und vor allem: Seid gespannt auf den April!

HELIOD auf Facebook und Bandcamp

Der Beitrag HELIOD im Interview – Psychedelic Rock im Zeichen der Sonne erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Nach einer erstaunlich reibungslosen Fahrt und einer deutlich hektischeren Reise per S-Bahn in Richtung Reeperbahn, kommen wir schließlich pünktlich zur ersten Band im Gruenspan an, in dessen Halle insgesamt zwölf Bands ihre Musik zum Besten geben sollen.

Mittwoch, 27.12.2017: Und er sah, dass es … voll war!

Noch während wir uns in der Schlange zur im oberen Stockwerk befindlichen Garderobe befinden, eröffnen HYNE die dritte Auflage des Hamburger Festivals. Insgesamt sechs Songs gönnt die Band ihren Zuschauern, darunter auch das neue „The Outcast“. Der Stil lässt sich dabei als relativ klassischer Hardrock beschreiben. Parallel zum Auftritt verschaffe ich mir einen Überblick über die Location.

Beim Gruenspan handelt es sich um eine Location kleinerer bis mittlerer Größe, die mehreren hundert Zuschauern Platz bietet. Auf der oberen Etage bleibt Raum für weitere hundert Besucher. Besonders schnell füllt sich die einseitig begehbare Empore auf der rechten Seite, von welcher man einen sehr guten Blick auf die Bühne sowie den gesamten unteren Saal hat, der am Rand von einigen Säulen geziert wird, an die bereits jetzt hie und da einige Leute gelehnt stehen.
Wo ich schon dabei bin, die Location abzuchecken – Zeit, dem Merch-Stand einen Besuch abzustatten! Leider werde ich bitter enttäuscht. Nachdem mir bereits am Einlass gewahr wurde, dass für die Besucher lediglich schmucklose Papierbändchen zur Verfügung gestellt werden, stelle ich nun fest, dass lediglich ein auf der Vorderseite bedrucktes Shirt mit dem universellen Logo des Festivals verkauft wird. Kein Billing, keine Jahreszahl, kein besonderes Motiv – und das, wo im letzten Jahr doch offenbar Shirts samt Billing gedruckt worden sind. Sehr Schade. So geht mein gebrochenes Sammlerherz beim Sankt Hell leer aus. Welch‘ Tragödie für einen Materialisten und Angeber wie mich!

Doch was mich nicht umbringt, macht mich stärker. Auf zum nächsten Auftritt, schließlich bin ich ja (auch) wegen der Musik hier. Als zweites stehen heute TRANSPORT LEAGUE auf dem Programm. Die bereits seit 1994 aktive Truppe präsentiert raue, energiegeladene Musik und wirkt damit etwas „böser“ als die Vorgänger. Über den halbstündigen Auftritt bietet die Truppe um den prächt-bärtigen Tony Julien Jelencovich allerdings etwas wenig Abwechslung, obgleich ich für Späße wie das eingeschobene „I am Iron Man!“ als alter Marvel-Fan natürlich stets zu haben bin. Die Lautstärke ist deutlich höher als beim letzten Auftritt, sodass ich an der Garderobe für 50 Cent ein paar Oropax erstehe. Ein Schelm würde nun fragen „Rettung in der Not oder durchgeplantes Gewinnkalkül?“, doch da ich kein Schelm bin und die Gewinnspanne für Oropax gen Kleingeld gehen dürfte, stelle ich solch fiese Fragen selbstverständlich nicht.

Posaune, Hippie, Saxophon – all dies gibt es bei COOGANS BLUFF zu bestaunen. Kenne ich die besagten Blechblasinstrumente sonst vor allem als heiter schmetternde Bestandteile des Folk und Ska, so zeigen die Herren hier, dass diese Instrumente auch hervorragend zur Untermalung schwererer und dramatischerer Melodien genutzt werden können. Zusammen mit dem locker wirkenden Stil des Sängers, der in Jogginghose und ohne Schuhwerk unterwegs ist, entsteht hier ein trügerisches Bild, das dem unwissenden Zuschauer zunächst die Illusion einer unbekümmerten Band vermittelt, welches sich erst beim näheren Hinhören auflöst.

Ganz anders sind da die nachfolgenden DEWOLFF aus den Niederlanden. Die dreiköpfige Formation, die aus den Brüdern van de Poel und Robin Piso besteht, vermittelt von Beginn an Heiterkeit und weiß mich so direkt mitzureißen. Der Stil der Band strotzt dabei vor schwungvollen Instrumentals und einem regelrecht schreienden Keyboard. Hier wird mir als Power-Metal-Fanatiker auch zum ersten Mal bewusst, was mir trotz der zahlreichen einladenden Stücke noch zur wahren Euphorie fehlt: Gesang! Häufigere Gesangsparts zum Mitschmettern sucht man hier vergebens, gehören einfach nicht zu diesem Stil. Trotzdem, starker Auftritt!

Das zeigt sich auch im Raum. Denn: es ist mittlerweile brechend voll! Das gut gelaunte Publikum drängt sich im Saal, und so verwundert es nicht, dass sich dieser inzwischen ziemlich aufgeheizt hat. Zeit, die Reeperbahn-Nähe einmal auszunutzen und ein kleines Päuschen außerhalb zu machen. Gelegenheiten für Futterpausen gibt es reichlich, sodass wir nicht lange suchen müssen. Den zweiten Teil des Auftritts von THE BREW nehmen wir allerdings noch mit. Wieder langsamer und meditativer zu Werke gehend, bleibt mir die Truppe insbesondere aufgrund ihrer rasanten Schlagzeug-Soli im Gedächtnis.

Ausdauernd, wie ich bin, erarbeite ich mir durch geduldiges Warten während dieses Auftritts und blitzschnelles Zuschlagen am Ende desselben einen der heiß begehrten Emporen-Plätze im Obergeschoss. Diese sind stets belegt. Kein Wunder, schließlich ist der Ausblick hier hervorragend und man muss sich – anders als unten im Saal – nicht in das volle Gedränge stürzen. Der Eindruck des vollen Hauses täuscht indes nicht, denn wie ich im Nachhinein erfahre, kann das Festival am heutigen Abend den Ausverkauf vermelden. Knapp über 800 Besucher hat es in den Raum verschlagen. Ein Erfolg auf ganzer Linie. Ein schwüler, verschwitzter und dicht gedrängter Erfolg… aber ein Erfolg!

… den sie sicher nicht zuletzt auch dem guten Ruf des heutigen Headliners verdanken. Das Sankt Hell ist gut durchorganisiert und kommt ohne jegliche Verspätung über den Abend, sodass pünktlich um 23 Uhr KADAVAR ihren Gig beginnen. Die Band ist mir noch einen Auftritt schuldig, da mir die Geburt von Tigers kleinem Satansbraten im Sommer kurzfristig einen Strich durch die Rechnung machte. Nun aber steht dem Genuss nichts mehr im Wege. Allein schon ihrer Wolle wegen muss man die drei eigentlich feiern. Jaja, Beschränkung auf ihr Äußeres, blabla… aber schaut sie euch doch an! Wallende Mähnen, epische Bärte und eine verblüffende Ähnlichkeit zu Don Promillo. Wie junge Götter! [Anm.d.Red.: Es muss wirklich SEHR warm da gewesen sein …]

Schlagzeuger Tiger ist auf der Bühne sehr zentral positioniert. Eine Besonderheit, findet man die Drums doch häufig im hinteren Teil der Bühne. Die Stimmung der Besucher findet hier idealerweise ihren Höhepunkt. Die Menge ist in guter Stimmung, sogar der erste Crowdsurfer des Abends in einem sonst sehr ruhigen Publikum lässt sich ausfindig machen. Einige Mikropits entstehen, in denen sich eine handvoll Fans austoben. Und das, wo doch eigentlich kaum noch Platz im übervollen Saal ist. Das Finale ist gelungen. Doch nun husch, husch, zurück ins Hotel, um morgen den zweiten Tag des Festivals heil zu überstehen.

Donnerstag, 28.12.2017: Zuerst kam der Genuss

Als ich am zweiten Tag – nach einem Besuch im Panoptikum und in lokalen Burgerläden, wie oft kommt man schließlich nach Hamburg – erneut das Gruenspan betrete, ist es noch angenehm luftig und recht leer, sodass ich mir einen Platz am Zaun in der ersten Reihe sichere. Von diesem aus gebe ich mir die Tages-Opener HELHORSE, eine muntere Truppe aus Kopenhagen. Die fünfköpfige Gruppe tritt sehr wild und rockig auf, springt agil auf der Bühne umher. Zwischen den Songs werden die Zuschauer darüber unterrichtet, dass Gitarrist Stephan heute aufgrund eines kurzfristigen Krankenhausbesuchs am gestrigen Tage nicht mit dabei sein kann. Stattdessen ist Christian von WOES heute mit von der Partie, um diesen zu vertreten. Vorbereitungszeit zum Lernen der Songs: wenige Stunden. Das zeugt von Einsatz, Respekt! Insgesamt wirkt die gesamte Gruppe sehr Fan-nah, ein paar Handshakes mit den Zuschauern hier, einige geschenkte Shirts ins Publikum da. Von Müdigkeit keine Spur!

STEAK NUMBER EIGHT will ich mir wiederum von der Empore anschauen, muss meinen Platz aufgrund des schlechten Sounds dort oben allerdings binnen weniger Minuten schon wieder räumen. Sänger Brent ist heute mit blauen LED-Schnürsenkeln unterwegs, ein besonderes Geschenk des Gitarristen. Allerdings ist diese Begebenheit schon das interessanteste am Auftritt der belgischen Formation. Bis auf den Song „Dickhead“, der insbesondere durch die psychedelische Gitarrenmelodie zu bannen weiß, wirkt das Ganze doch über weite Strecken monoton und ziemlich stumpf. Hier hatte ich mir mehr erhofft.

Viel erhofft habe ich mir auch von DOOL. Und es bekommen! Sängerin Ryanne van Dorst ist anzumerken, mit wie viel Leidenschaft und Ernst sie bei der Sache ist. Immer wieder bewegen sich die insgesamt vier Saitenzupfer synchron, sodass neben der eindrucksvollen Musik auch eine anschauliche Live-Performance geboten wird. Insbesondere während dieses Auftritts wird ziemlich klar, dass das Sankt Hell Festival in erster Linie eines ist: ein Festival für Genießer! Keine Crowdsurfer, keine Pits und wenig Zwiegespräche, stattdessen ein hochaufmerksames Publikum und ein fanatisch tanzender, älterer Herr, der seine Euphorie voll auslebt. Genau so sieht die Zielgruppe der Veranstaltung aus. Zum Abschluss des DOOL-Auftrittes steht selbstverständlich das heiß ersehnte „Oweynagat“, das nochmal richtig zelebriert wird.

Dass es nicht immer fünf Bandmitglieder braucht, stellen THE PICTUREBOOKS unter Beweis. Fynn Claus Grabke und Philipp Mirtschink sind ein Zwei-Mann-Projekt, unterstützt nur durch den Vater des Ersteren am Mischpult. Obwohl mir als reizüberflutungsgewohntem High-Speed-Metal-Konsument mitunter etwas Facettenreichtum fehlt, muss man doch sagen, dass die beiden aus Gesang, Gitarre und Schlagzeug sehr viel rausholen und eine unterhaltsame Show mit enorm zahlreichen Ansagen abliefern. So spricht Fynn als Überleitung zum Titel „Zero Fucks Given“  beispielsweise ziemlich ausführlich darüber, dass es den heute anwesenden Fans und Künstlern vor allem um die Liebe geht. Der Liebe zur Musik anstelle des billigen Eintritts oder des Geldverdienens. So wird die Menge wachgehalten und man hat das Gefühl, ständig Teil eines Dialoges zwischen Künstler und Zuhörer zu sein. Sehr angenehm, ein durchaus sehenswerter und zugleich entspannter Auftritt.

KARMA TO BURN bespielen als vorletzte Band des Abends die Bühne. Bei diesem Auftritt werden sich die Geister vermutlich scheiden. Denn was die Band von allen anderen abhebt, ist die vollkommene Abwesenheit eines Sängers. Sicherlich eignet sich die rockige Musik relativ gut, um sich nebenher zu unterhalten oder auch andere Dinge zu tun. Eine Stunde lang kann mich das allerdings nicht unterhalten – sicherlich bemerkenswert, aber absolut nicht mein Ding. Dafür bleibt Zeit, mich noch einmal etwas im Raum umzuschauen. Der Saal ist ziemlich voll, doch im Gegensatz zu gestern bleibt noch genügend Platz im Raum, um die Menschenreihen ohne große Probleme passieren zu können. Tatsächlich werden heute nicht alle Tickets verkauft werden, doch dennoch wird man bis zum Ende des Abends wieder am „Sold Out“ kratzen. Anstelle von Menschen machen allerdings zertretene Plastikbecher das Treten schwerer. Neben üblichen Preisen (u.a. 2,80 € für einen Softdrink) wird darauf verzichtet, Pfand zu nehmen. Angesichts fehlender Stellen (oder unzureichender Markierung) zur Entsorgung des Unrates führt dies dazu, dass Becher oftmals achtlos in den Raum geschmissen werden. Kein großes Ding, aber dem Komfort doch abträglich.

Mit MANTAR wird schließlich das Finale des zweiten Abends und somit des gesamten Events eingeläutet. Zum zweiten Mal an diesem Tag ist es lediglich ein Duo, das die Bühne ausfüllt. Drummer Erinc und Gitarrist Hanno befinden sich dabei in einem 90-Grad-Winkel zum Publikum und sich gegenseitig gegenüber, sodass es den Eindruck macht, als würden sich die beiden an ihren Instrumenten duellieren. Es handelt sich bei dem Gemisch aus Black Metal, Doom und Punk definitiv um den härtesten Auftritt des Tages. Die beiden sind – wie schon alle Künstler zuvor – bei guter Laune, und das spiegelt sich auch im Publikum wider. Die Fans sind mehr in Bewegung als bei irgendeinem Auftritt zuvor, ein kleiner Moshpit entsteht, es wird gefeiert. Es wird noch einmal richtig voll, und man kann spüren, dass mittlerweile fast so viele Leute anwesend sind wie beim gestrigen Finale. Etwas eng, wenn man drin steht, doch jeder Besucher mehr bedeutet auch einen Schritt mehr zum finanziellen Erfolg für die Veranstalter!

Fazit: „Hell Yeah“ oder „Hell No“?

Für Fans aus dem Psychedelic, Hardrock und Doom ein ziemlich deutliches „Hell, Yeah!“. Für mich zwar auch, aber mit einigen kleineren Abzügen. Dass es weder Stoffbändchen noch schöne (!) Shirts gab, mag für den einen oder anderen nicht besonders wichtig sein. Da es allerdings auch viele Sammler in der Szene gibt, ist dies durchaus negativ anzumerken. Hier ist mit genügend Vorausplanung nicht nur mehr möglich, sondern auch wünschenswert – Shirts aus dem Vorjahr und Stoffbändchen auf vielen anderen, auch kleineren Festivals, beweisen das. Ein Pfandsystem wäre ebenfalls angebracht, um nicht ständig in zertretenem Plastik zu stehen. Eine leichte Reduzierung der Lautstärke im Raum wäre zudem sinnvoll, da einige Auftritte ohne Gehörschutz nicht zu genießen waren.

Doch damit kommen wir auch schon zu den positiven Punkten. Alle Bands vermittelten durchweg den Eindruck, gut gelaunt und voll bei der Sache zu sein. Längst keine Selbstverständlichkeit! Der Preis ist mit 50 € für zwei Tage in einer Stadt wie Hamburg durchaus angemessen. Zufriedenstellend ist die Tatsache, dass das Billing mit einem ausverkauften Haus entlohnt wurde. Darauf lässt sich in Zukunft aufbauen. Um eine klaustrophobisch anmutende Stimmung zu vermeiden, wäre eine etwas strengere Limitierung sicherlich geboten, da es in dem eher kleinen Saal sehr schnell ungemütlich voll werden kann. Da zunächst einmal die Finanzierung und Etablierung des noch jungen Festivals im Vordergrund steht, sollte dies aber als Plus und nicht als Minus angerechnet werden. Die Auftritte der Bands begannen stets pünktlich, liefen reibungslos ab und ließen keinen Raum für Kritik an der Organisation. Hier möchte ich ein großes Lob aussprechen – so soll das sein!

Wenn an den kleinen Kritikpunkten noch gearbeitet wird, gibt es absolut nichts an dem Festival auszusetzen. Ich erwarte mit großer Spannung, welche Bands im nächsten Jahr aus dem Hut gezaubert werden. Gegen einen so unterhaltsamen Jahresausklang wie im letzten Jahr hätte ich nichts einzuwenden, also: bis dahin!

Das Sankt Hell Festival findet ihr auf Facebook und im WWW!

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Plauen – eine Stadt im Vogtland, die eigentlich nichts mit dem großen weiten Weltall zu tun hat. Dennoch haben es sich 3 Jungs aus der Gemeinde auf die Fahne geschrieben, ein wenig außerirdische Energie in der sonst doch recht kargen Kreisstadt freizusetzen. Nachdem ihr letztes Album „Absturz“ mit dem Titel „Hangar“ endete, haben es sich die Burschen leicht gemacht und ihr neuestes Werk ebenfalls auf „Hangar“ getauft. Dass das nicht irgendwelcher zusammenhangsloser Stuss ist, beweist schon der Opener „Prototyp“. Hier wird nahtlos an das Vorgängeralbum angeschlossen, welches die MOTHER ENGINE auf dem Wüstenplaneten „X Alpha Wolf 538“ abstürzen ließ.

Was ich erwarte …

Mittlerweile sind Alben mit einer Spielzeit von über einer Stunde eine wirkliche Rarität geworden. Kaum ein Album überschreitet mehr die magische 50 Minuten-Marke. Als ich sah, dass „Hangar“ sich weit über eine Stunde zieht, war ich mir nicht sicher, ob ich diese Klangreise ohne Gliederschmerzen überstehe. Ich meine schon, dass überlange Songs ihren ganz besonderen Reiz haben, aber 4 Songs in 77 Minuten sind schon harter Tobak. Noch dazu, weil die Vogtländer gänzlich auf Gesang verzichten und lediglich ihr Können an den Instrumenten sprechen lassen.

Was ich bekomme …

MOTHER ENGINE schaffen es, dass ich in den 77 Minuten die verschiedensten Weltraumlandschaften durchreise. Es braucht keine Worte, um zu verstehen, was jeder einzelne Song ausdrücken soll. Allein die Riffs, Takte und Effekte lassen erahnen, dass das neue Mutterschiff schon kurz nach der Fertigstellung mindestens genauso rund läuft wie die alte Kiste, die es ja zerlegt hat. Aber warum sollen wir alten Sachen nachtrauern, wenngleich das neue Werk doch viel stabiler und mächtiger wirkt.

Musik für Maschinenbaustudenten

Natürlich ist die Planung eines neuen Raumschiffes nichts für Unwissende. „Prototyp“ eröffnet „Hangar“. Im Hangar herrscht ein wildes Treiben und man hört die Mitarbeiter, wie sie gestresst die Außenhülle des neuen Spacetaxi in Form bringen. Das Gehäuse steht, also geht es ab in den Windkanal. Schnittig, dynamisch und doch tonnenschwer präsentiert sich der Opener. Auch wenn es noch Ecken und Kanten gibt, steht für mich fest, dass das neue Fluggerät deutlich leistungsstärker durch die Sphären schwebt. Schon jetzt wird mir klar, dass diese Reise niemals langweilig werden kann, denn die Jungs setzen innerhalb kürzester Abstände Akzente, die einen dicken Stempel auf meinem Trommelfell hinterlassen. Auch unter starker Belastung zeigt die neue MOTHER ENGINE keine Schwächen. Die Plauener wissen, wie sie mich mit greifbaren Stoner-Riffs und bluesigen Parts erreichen können!
Ohne Treibstoff geht natürlich nichts! „Biosprit“ nennt sich der nächste Titel. Ich spüre, wie jeder Tropfen des durchaus flüchtigen C2H6O durch die Leitungen des Schiffs fließt und es flugtauglich macht. Langsame, atmosphärische Riffs verdeutlichen mir dieses Szenario, ehe klirrende Gitarrensaiten das Luftgefährt zum ersten mal zum Leben erwecken. Jetzt wird es deutlich ruppiger. „Biosprit„ ist schon deutlich dynamischer als noch der Opener, was vor allem durch postrockige Passagen zustande kommt. Auch während dieser 18 Minuten kommt keine Langeweile, sondern eher Schrauberlaune, auf.

Jetzt, wo alle Leitungen befüllt sind und die Maschinen auf Hochtouren laufen, wird mit „Tokamak“ das unterstützende Bauteil zugeschaltet. Tokamak? Ohne Wikipedia hätte ich auch nicht gewusst, was das sein soll. Es handelt sich dabei um einen Fusionsreaktor. Die Jungs gehen also auch mit der Zeit und setzen umweltschonende Alternativen ein. Nicht übel! „Tokamak“ glänzt mit fuzzig-bluesigen Riffs, die flüssig und einleuchtend sind. Von Minute zu Minute steigert sich dieser Song schon fast zu einem Doom-Hit, ehe das Konstrukt eingerissen und von Blasinstrumenten ein hymnischer Psychedelic-Part eröffnet wird. Richtig wild wird der Titel nochmal zum Ende hin. Spätestens jetzt wird auch jeder Physikstreber passen müssen. Der Song endet mit einem Part namens „Lawson Kriterium“. Mindestens genauso wild wie der Part ist auch die Definition des Lawson Kriteriums. Zieht es euch bei Wikipedia einfach mal rein.
Mit „Weihe/Leerlauf“ geht „Hangar“ dann auch „schon“ wieder zu Ende. Anders als bei den vorherigen Songs, ist dieses Stück nicht noch einmal in Untertitel gegliedert und benötigt überhaupt keine Anlaufphase. Das technische Konstrukt ist mittlerweile eingelaufen und schwebt durch das All. Zum Abschluss wird nochmal alles an Einflüssen zusammengekehrt. Space, Psych, Prog, Post, Stoner – alles darf hinein. Die neue MOTHER ENGINE läuft rund und setzt ihre Reise in die Unendlichkeit fort. Ich bin sehr gespannt, was mich auf dem nächsten Album der Jungs erwarten wird!

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Nachdem ich mich mit den Schweden H.E.A.T. befassen „durfte“, ist es nun Zeit für die Berliner Kombo, welche ohne Punkte unter dem Namen HEAT fungiert. Beim Öffnen des auf 1000 Einheiten limitierten Digipaks (600 Exemplare auf Vinyl) lese ich folgende Worte:

„Das Konzept hinter „Night Trouble“ war es, ein ehrliches und organisches Stück Musik zu schreiben. Es wurde auf analogem Band gemixt und gemastered. Kein anderer Aufnahmeprozess  spiegelt die Philosophie von HEAT wieder, als eine 16 Spuraufnahme auf 1″ Analogband. Was du hörst, ist 100 % HEAT. In diesem kreativen Prozess wurden keine Computer verwendet.“

Das klingt natürlich großspurig und selbstsicher, aber wer das Glück hatte HEAT live zu erleben und die ersten 2 Platten kennt, der weiß, dass es sich hier mitnichten um heiße Luft handelt.

HEAT bringen euch zurück in die Siebziger

Zwischen all den Vintage-Rock-Bands hervorzustechen ist dieser Tage anspruchsvoll geworden. Überall sprießen diese Gruppen wie Pilze aus dem Boden. Am besten mit Frauengesang und vermeintlich okkulten Texten. HEAT gehen das anders an. „Night Trouble“ überzeugt mit internationaler Klasse und reifem Niveau, ohne dabei als blasse Kopie an die glorreichen Zeiten abgestempelt zu werden. „Night Trouble“ entpuppt sich als vitaler Hard Rock-Output („Burden“, „Sullen Eyes“), streift dabei die großartigen THIN LIZZY und punktet im Gegensatz zum Vorgänger („Labyrinth“) mit direkteren Klampfen. Dadurch wirken die neuen Songs von HEAT zeitloser und vor allem spontaner.

Überraschungen haben HEAT natürlich auch im Gepäck. Bei den ersten Höreindrücken von „Granny Notes“ bekommt man einen soliden Rocksong, der als vollkommene Hommage an die 60er und den Rock ’n‘ Roll erinnert. Verfeinert wurde diese lockere Nummer durch den Gastgesang von Alia (TRAVELIN JACK), mit denen sich die Band rein zufällig den Proberaum teilt.  Erinnert jedenfalls an die ROLLING STONES und überrascht mit tollen Bläsern.

Scorpions und akustische Ausflüge – HEAT entwickeln sich weiter

Doch die Berliner begnügen sich nicht mit einfachen Vergleichen, sie wollen mehr erreichen. Ihre Einflüsse gekonnt verweben. Liebevoll tauften sie ihre Huldigung an die SCORPIONS „Hide And Seek“ am Anfang noch „Klaus Meine“. Pfiffige Kerlchen, jedoch ist ihnen damit auch ein astreiner Hit gelungen, der tatsächlich aus den 80ern stammen könnte und mit seinem Charakter durchaus an die deutschen Aushängeschilder erinnert.

Neuland betritt der Fünfer in Form von „Where Love Grows“, denn hier wird zum ersten Mal in der Bandgeschichte ein Mittelteil mit der Akustikgitarre vollzogen. Funktioniert prima. UFO oder gar URIAH HEEP stechen hier deutlich hervor. Auch der mehrstimmige Gesang passt dazu hervorragend. Aber das ist noch nicht alles. Besonders hat es mir das fette „Divided Road“ angetan, da es JIMI HENDRIX pur ist.

Einen besonderen Pluspunkt gibt es noch in puncto Gesang zu vermelden, denn inzwischen hat sich die Leistung von Patrick Fülling gesteigert. Da können die Kritiker sich bald eine neue Baustelle suchen. Herzblut ist mir sowieso lieber als künstliche Perfektion.

Nostalgie gibt es HIER

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FREITAG

Für ein Festival untypisch, wurde der Start auf 22 Uhr festgelegt. Allerdings stellt das nur teilweise ein Problem dar (Bands müssen bis spät Nachts auf ihren Auftritt warten), schließlich treten heute nur 3 Bands auf. Den Anfang machen die Leipziger GOAT EXPLOSION, welche durch diverse Zweitbands und das Leipziger Kollektiv INTO ENDLESS CHAOS einen guten Ruf in Szenekreisen genießen. Das erste Mal habe ich die Formation im Turm (Halle/Saale) mit MANILLA ROAD erleben dürfen. Für mich gab es damals noch Kritik am Gesang zu verkünden und umso mehr bin jetzt auf das nächste Erlebnis gespannt.

Bei halbvollem Konzertsaal legen GOAT EXPLOSION mit einer recht eigenen Mischung aus Doom und Heavy Metal zu wuchtigem Sound gut vor.
Jedes Instrument ist über die gesamte Spielzeit gut zu hören und wird durch die kraftvolle Spielweise des Schlagzeugers ergänzt. Zu Beginn ihres Sets sind die Gäste noch ein wenig verhalten, aber schließlich handelt es sich um die erste Band am Abend. Und je mehr sich GOAT EXPLOSION durch ihr Set ackern, desto mehr Köpfe nicken selig zu dem melodiösen Gesang und den knarzigen Gitarren. Zwischendurch wird es auch ruhig, als Sänger Basti in Begleitung seiner Gitarre die Hälfte eines Songs intoniert. Den krönenden Abschluss bieten dann die Sachsen in Form eines Songs, der deutlich von COLOUR HAZE beeinflusst wurde.

Die Ziehsöhne von Electric Wizard

45 Minuten später folgt die erste Umbaupause. Die meisten Leute sitzen gemütlich am Feuer, während drinnen einige ihrer Lust nach Kicker oder einem gemütlichen Plausch frönen. Was dann folgt, hätte ich durch das vorherige reinhören der nächsten Band nicht geglaubt. CONFUSION MASTER legen mit klatschfetten Riffs los und sofort werden die Kenner des härteren Dooms bedient. Die simple, aber äußerst effektive Bedienung der Instrumente zündet schnell und auch der leidende Gesang findet regen Zuspruch. Dieser wird zwischendurch in Growling abgewandelt, was zum Gesamtpaket von CONFUSION MASTER gut passt.

Das Ganze wirkt so gut, dass die Rostocker erstaunlich nahe nach dem Überalbum „Dopethrone“ von ELECTRIC WIZARD tönen. Für manchen vielleicht zu nahe, aber ich finde, dass es sich hier mitnichten um einen billigen Klon handelt. Erst recht nicht, wenn eine Band nach einem Demo schon so gut klingt. Dafür sorgen unter anderem auch die leichten Einflüsse von CHURCH OF MISERY. Mittlerweile ist der Konzertraum gut gefüllt und lässt sich von den zähflüssigen, durchaus einlullenden Riffs überzeugen. Insgesamt eine starke Vorstellung und eine Darbietung aus dem Bilderbuch, wie Doom zu klingen hat: sumpfig und versifft.

Ohne Gitarre

Zeit sich ein Getränk zu holen, denn die Kehle dörrt bei dem ganzen Rauch und den Temperaturen ja doch schnell aus. Und während sich einige Gäste
das Demotape von CONFUSION MASTER für läppische 5 Euro unter den Nagel reißen, verpasse ich doch fast den Beginn vom Headliner. BEEHOOVER spielen aber zum Glück erst seit circa 30 Sekunden, also noch alles im Lot. Das Duo aus Stuttgart lässt sich für einen Neuling gar nicht so recht kategorisieren. Irgendwo zwischen progressiver Schrägheit, wütendem Sludge und Noise-Ausbrüchen könnte man BEEHOOVER verzeichnen. Wäre aber zu einfach. Die Kerle legen mit ihrer Performance alles auseinander. Ohne Gitarre, denn es braucht lediglich einen Viersaiterbass und ein Schlagzeug.

Dazu wechseln sich Ingmar und Claus mit dem Gesang ab, der an kauziger Darbietung und wüstem Geschrei nicht zu überbieten ist. Die Spielzeit wird mit Material von allen Alben gefüllt und schnell entsteht Bewegung vor der Bühne. Dabei ist es auch optisch sehr ansprechend, wenn man den Blick auf das seitlich positionierte Schlagzeug und die vielen Effektgeräte vom Bass wirft. Circa 75 Minuten lang wird eine Abrissbirne vor den Latz gezimmert und zum Schluss gibt es noch eine Zugabe („The Sun Behind The Dustbin“). Mit den Worten „Und danach gehen alle ins Bett“ verabschieden sich BEEHOOVER gegen 2 Uhr nachts.

Feierabend. Ich ergattere noch ein Buch, dass der Schlagzeuger von BEEHOOVER verkauft (lesenswerte Anekdoten aus dem Tourleben) und
dann geht es noch an den Tresen.

SAMSTAG

Der zweite Tag steht ganz im Zeichen der bewusstseinserweiternden Musik aus der Hippiära. Dachte ich zumindest. 20:30 Uhr spielen PARADISE CHAUFFEUR SERVICE vor (immerhin) 40 Leuten. Dieser Umstand freut mich sehr. Ist heute ja nicht mehr Standard, dass so viele Menschen sich um diese Uhrzeit vor eine Bühne bequemen. Jedenfalls gefallen mir die (ab und an) schwermütigen Songs sehr. Selbst bei den dröhnenden Eruptionen an Gitarre und Bass, die frappierend an COLOUR HAZE erinnern, wirkt das Gespielte in sich ruhend. Da braucht es auch keine Ansagen zwischendurch.

Gegen halb zehn betreten ZEMENT die Bühne und zocken eine krude Mixtur aus angenehm monotonen Tönen, die durch eine Loop-Station zu einem großen Puzzle zusammengefügt werden. Ist zwar kein Metal oder Rock, aber doch ziemlich interessant. Auch bei ZEMENT wird bewusst auf
Musikerüberschuss verzichtet. Drums, Gitarre und Synthesizer reichen da vollkommen aus. Das zieht natürlich viele Gäste an, die tiefenentspannt zu den Liedern tanzen. Schmunzeln muss ich auf jeden Fall bei den Titelnamen ihrer Setlist (unter anderem „Gips“, „Kalkstein“).

Tja und gegen 23 Uhr kommt dann mein persönliches Highlight. GIÖBIA aus Italien sind für viele Anwesende der klare Headliner. Zu dickem Geblubber aus dem Rickenbacker-Bass gesellen sich herrlich verdrogte Riffs und völlig verhallter Gesang. Auch das Synthesizer wird wieder bedient und Frauengesang gibt es zwischendurch auch noch.

Zeitverlust im Nebel

Optisch ist aber nach kurzer Zeit nichts mehr zu erkennen. Die Musiker werden von einer alles verschluckenden Nebelwand verschleiert, sodass sich nur erahnen lässt, wer auf der Bühne steht. Naja, dann sieht man eben nur Nebel, der sich durch die Scheinwerfer verfärbt. Ich für meinen Teil genieße, wie alle anderen auch, die bockstarke Performance aus 60er Psychedelic und drückendem Stoner. Da braucht es noch ein paar Minuten, als die GIÖBIA ihren Gig beenden und ich durch völligen Zeitverlust realisiere, wie schnell der Auftritt vergeht. In der Tat berauschend.

Durch eine ausgedehnte Umbaupause ist es spät geworden. VIBRAVOID legen sehr spät los (0:50) und verzichten auf einen Bassisten. Dafür treten sie mit Hammondorgel auf. Das Trio bespielt zum zweiten Mal die Bühne des DEEP SOUND CITY Festivals und auch dieses Mal haben die Musiker richtig Lust auf den Gig. Fast 2 Stunden lang bieten sie eine schweißtreibende Reise in die Vergangenheit und beweisen, dass Psychedelic Rock auch heute noch lebendiger ist als zuvor. Ich bin mir sicher, dass sie damals schon den Leuten gefallen hätten.

Fazit

Laut eigenen Angaben haben am Freitag circa 160 Leute und am Samstag 250 Gäste das DEEP SOUND CITY Festival besucht. Das ist ein großer Zuspruch für diese Art von Musik und hoffentlich wird es beim nächsten Mal genauso schön und entspannt. Ich bedanke mich herzlich bei Halleluja Stoner, Mez, ohne den es keine Bilder für Samstag gegeben hätte, dem Hühnermanhattan und allen Leuten, die dafür gesorgt haben, dass diese 2 Tage so reibungslos und großartig gelaufen sind.

Deep Sound City Festival Homepage

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In vielen Städten ist es nicht immer einfach, für jeden Musikstil ein Heim zu bieten. Oft muss die Nachfrage groß genug sein, damit eine Subkultur auf Dauer existieren kann. Und Doom Metal, Psychedelic Rock oder auch experimentelle Musik haben es da nicht leicht. 2013 wurde in meiner Heimatstadt Halle das DEEP SOUND CITY FESTIVAL ins Leben gerufen, um genau solchen Genres ein Zuhause zu bieten. Bands wie OBELYSKKH, THE MACHINE oder auch VIBRAVOID boten ein buntes Spektrum an harter und außergewöhnlicher Musik. Das Jahr darauf konnten sogar Größen wie BELZEBONG und SAMSARA BLUES EXPERIMENT an Land gezogen werden.

All das war durch den Verein HALLELUJA STONER und die Kooperation mit den Leute vom Club HÜHNERMANHATTAN möglich. Die Ausrichtung war alles andere als kommerziell. Im Mittelpunkt stand immer die Musik und das Angebot, dass die eigene Stadt für Jung und Alt attraktiv bleibt. Doch 3 Jahre lang wurde es ruhig um das DEEP SOUND FESTIVAL. 36 Monate später öffnet nun der HÜHNERMANHATTAN-Club seine Pforten erneut für dieses 2-tägige, psychedelische Spektakel der Extraklasse.

Freitag

Den ersten Tag bestreiten unter anderem die Rostocker CONFUSION MASTER. Hört man sich die ersten Töne ihres aktuellen Albums an, so weiß man sofort, was einen erwartet. CONFUSION MASTER werden am 22. September eine klatschfette Interpretation ihrer Vorbilder ELECTRIC WIZARD und BLACK SABBATH performen. Jedoch gehen sie keinesfalls als billiger Klon ihrer Idole durch. So einen verstrahlten Gesang, gepaart mit erdrückenden Gitarren, muss man erst mal zustande kriegen. Da fallen mir nur die deutschen SPANCER ein.

Mit dabei sind auch die Leipziger Senkrechtstarter GOAT EXPLOSION, welche es lediglich mit einem Demo geschafft haben, den Underground wach zu rütteln. Die Jungs spielten bereits dieses Jahr in Halle mit den mächtigen MANILLA ROAD, was man auch nicht alle Tage schafft.

 
Als besonderes Highlight am Freitag gibt es noch BEEHOOVER oben drauf. Wer die Band bereits live erleben durfte, der weiß, dass ihn ein akustisches Unikat erwartet. 2 Musiker. 1 Bass, 1 Schlagzeug und 2 Gesänge. Mehr nicht. Das diese vermeintlich minimalistische Instrumentierung sehr wohl begeistert, haben die charmanten Kerle aus Esslingen mit stattlichen 5 Alben bewiesen. Schräger Gesang trifft auf monströse Riffs, die durch diverse Effektgeräte auf dem Sechssaiter (!) vermengt werden und mit ekstatischem Schlagzeugspiel einhergehen.

Samstag

Das DEEP SOUND CITY FESTIVAL läutet die zweite Runde ein und präsentiert am Samstag ein richtig spezielles Programm. PARADISE CHAUFFEUR SERVICE bieten da einen guten Eindruck für die Vielfalt an Stilen, die man unter einen Hut bringen kann. Psychedelischer Rock, der trotzdem treibt und durch dezente Post- und Noise Rock-Einflüsse erweitert wird, hört man auch nicht jeden Tag. Dazwischen noch ein paar Jams und fertig ist das Konstrukt, dass das Kollektiv aus Leipzig und Halle euch anbietet.

Wenn man seine Band ZEMENT nennt, dann erwarten wohl viele etwas Brachiales und Zermalmendes. Doch da habt ihr euch geirrt. Auch ZEMENT sind nur zu zweit unterwegs und bedienen lediglich Drums, Gitarre und genügend an elektronischen Effekten. Mit ungewöhnlichen Titeln wie „Oh Du Liebe Zeit“ oder „Sand“ erschaffen die Würzburger eine Welt aus Krautrock und Substanzveränderung, die ich so noch nicht gehört habe. Hypnotisch und bewegend zugleich.

Aus Italien kommen nicht nur Pastagerichte, ein schiefer Turm und wild gestikulierende Menschen. Dieses Land hat in Sachen Stoner Rock und Doom eine äußerst vitale Szene vorzuweisen und sendet mit GIOBIA einen Vertreter des Genres. Die Band selber bezeichnet sich als Acid Rock. Treffender kann man das auch nicht sagen, denn die verträumten Konstrukte lassen den Alltag komplett in den Hintergrund treten.

Als krönenden Abschluss spielen dann VIBRAVOID aus Düsseldorf. Seit den Neunzigern aktiv, hat sich die Kombo unter dem Banner des Psychedelic Rocks es zur Aufgabe gemacht, den Sound der 60er und 70er am Leben zu erhalten. Das funktioniert ohne Probleme, denn auch eine Orgel ist mit dabei. VIBRAVOID werden bereits das zweite Mal auf den Bühnen des DEEP SOUND CITY FESTIVALS.

Fakten und Links

Kartenvorverkauf: Fliese, Unikum Bar, format filmkunstverleih

Abendkasse Freitag: 10 Euro

Abendkasse Samstag: 15 Euro

Deep Sound City Festival

Hühnermanhattan

Halleluja Stoner

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