Das Kölner Trio RIOT IN THE ATTIC wurde nach Veröffentlichung ihres ersten Albums „Dawn“ als das verloren gegangene Bindeglied zwischen Stoner und Hard Rock bezeichnet. Ein Debut inmitten der Pandemie zu veröffentlichen mag erstmal gewagt klingen. Andererseits wusste im November 2020 noch niemand, in welcher Form und wie lange uns das Virus noch begleiten würde. Nicht dass wir heute viel schlauer wären, aber allem zum Trotze schlugen RIOT IN THE ATTIC im ersten Jahr des Coronazäns ein wie eine hochdosierte Spritze Vaxzeria. Noch bevor sich irgendjemand daran zerreißen konnte, ob denn ein Release ohne Möglichkeit zum Touren sinnvoll sei, hatte RIOT IN THE ATTIC-Songwriter Dan schon längst wieder Stift und Zettel in der Hand, um am zweiten Langspieler zu arbeiten.

Schwere Staubwolken wirbeln auf

Musikalisch bewegen sich RIOT IN THE ATTIC auf ihrem zweiten Album wieder in ähnlichen Gefilden wie auf „Dawn“. Zentnerschwere Hard Rock Riffs walzen gnadenlos nach vorne, während der fuzzgeladene Stoner und Desert Rock Sound für zusätzliche Trockenheit sorgt. Ein bisschen Grunge schwingt immer mit, was dem Klangbild letzten Endes einen düsteren Farbton verpasst. Und es ist ebenjene Dunkelheit, in der sich „Those Who Don’t Belong“ vom vorigen Album unterscheidet.

Obgleich RIOT IN THE ATTIC es nach wie vor vor nach allen Regeln der Kunst krachen lassen, ist das neue Album doch deutlich nachdenklicher, als das Debut. Es sind Themen wie Isolation, Einsamkeit, Verlust und Abschied, die in nüchterner Selbstreflektion den roten Faden durch das Album gestalten.

Zwischen den Welten

So sehr RIOT IN THE ATTIC sich im Bindeglied zwischen Hard und Stoner Rock bewegen, sind gleichsam Ausreißer in beide Richtungen erkennbar. Neben rotzigen Hard Rock Knallern wie „Drag Me Down“ sind es vor allem die atmosphärischen Stoner Rock Hymnen wie „All For One“, die dem Album ihre Würze geben. Wer es mit Vergleichen hat, mag einerseits eine beliebige Zakk Wylde Band sehen, während sich gegenüber DOZER aufbauen.

Hier mag Geschmack sicherlich eine Rolle spielen; dennoch erscheinen die Lieder mit Fokus auf Desert, Grunge oder Stoner deutlich ausgefeilter. Während vor allem in der ersten Hälfte des Album mit simplen Strukturen und flotten Rhythmen zum Tanz geladen wird, gestaltet sich der weitere Verlauf von „Those Who Don’t Belong“ deutlich reflektierter und anspruchsvoller.

Was bleibt, ist in jedem Fall ein Album, das Fans vieler unterschiedlicher Richtungen abholen wird. Ignoriert man Skiptracks wie „Wildlife“, findet man ein Album vor, das sich voller Freude durch Schubladen und Kategorien hindurch bohrt.

Homepage von RIOT IN THE ATTIC

Die Bilder wurden uns freundlicherweise von Noisolution zur Verfügung gestellt.

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COMA HOLE sind ein Duo aus Westerly im US-Bundestaat Rhode Island an der Ostküste. Mit den beiden Singles „Old Climb„ (September 2021) und „Wind and Bone„ (April 2022) haben uns Eryka Fir (Bass und Gesang) und Steve Anderson (Schlagzeug) bereits die ersten Leckerbissen präsentiert, die auch beide auf der nun veröffentlichten Debut EP vertreten sind. Das Wort EP mag in Zusammenhang mit den beiden verhältnismäßig kurzen Titeln zu falschen Annahmen führen, denn mit den beiden Longtracks „The Familiar“ und „Sinking“ kommt das Release auf stolze 35 Minuten Spielzeit und könnte problemlos eine 12“ LP füllen.

Von Wiederholungen und ewiger Wiederkehr

Zur Eröffnung ihrer Debut EP präsentieren COMA HOLE mit „The Familiar“ direkt ein monolithisches Gebilde aus Drone, Stoner Doom und atmosphärischer Tiefe. Das fast zwölfminütige führt die Hörer*innen perfekt an die Welt von COMA HOLE heran. Ein ätherischer Drone baut sich zu mächtig walzendem Stoner Doom auf, über den Eryka Fir mit okkult-betörender Stimme singt.

Im darauffolgenden „Old Climb“ setzen COMA HOLE dann zusätzlich auf Tempo und Fuzz, während sie von der frustrierenden ewigen Wiederholung der immer gleichen Tätigkeiten berichten. Auf das an Sisyphos erinnernde Lied folgt mit „Wind and Bone“ das nächste kurze Lied. Das achtminütige Stück ist eine finster-schöne Hommage an die ewigwährende Kraft der Natur und ihren zirkulären Rhythmus aus Geburt und Tod. Hier konzentrieren sich COMA HOLE musikalisch wieder vorrangig auf Doom Metal und behäbige, okkulte Klangbilder, die stellenweise an ALUNAH erinnern. Nach steigender Intensität, die in einem prickelnden Drone mündet, gleiten die finalen Klänge von „Wind and Bone“ in den abschließenden Song „Sinking“.

Ganz im Stile der apokalyptischen Literatur erfolgt in diesem Lied die Auflösung der aufgestauten Energie aus den ersten drei Stücken der EP. Auf dynamischeren Klängen und mit wärmerer Harmonie besiegeln COMA HOLE feierlich das Ende eines weiteren Zyklus. Mit leichten Sludge-Anleihen à la YAMA verzaubert das Duo hier das Gehör. Im letzten Drittel erfolgt dann das große Finale von „COMA HOLE“. Weißes Rauschen und ein packender Drone werden von einem immer stärker werdenden Wirbelwind aus Stoner Riffs aufgewühlt, bis sie sich wieder in der Stille des Drones verlieren. Beim Hören auf Repeat fällt auf, dass der letzte Drone nahtlos in das Intro von „The Familiar“ mündet.

Ein ganzer Kreislauf

Auch wenn es dem Genre Doom Metal sehr typisch ist, so ist es doch schön zu erkennen, wie COMA HOLE eine zirkuläre Apokalypse zum Thema ihrer ersten EP gemacht haben. Außerdem kann man sich an dem naturverbundenen Bild begeistern, welches das Duo hernimmt. Und die Tatsache, dass es sich um ein Duo handelt, ist direkt der Aufhänger für den nächsten Punkt. Während Schlagzeuger Steve Anderson seine mächtig walzenden Patterns durch vielerlei Fills verschönert, füllt Eryka Fir ein gewaltiges Klangspektrum. Mit ihrem Bass und Effekten baut sie eine Wand aus Sound auf, die jede zusätzlichen Gitarren oder Melodieinstrumente obsolet macht. Mit der hypnotischen Stimme als Krönung auf diesem Klangbild hauen uns COMA HOLE ein fulminantes Debut um die Ohren.

Bandcamp Profil von COMA HOLE

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Zwischen den malerisch schönen Dünen von Capo Comino auf Sardinien wurde einst von Sänger und Gitarrist Athos Cherchi zusammen mit Bassist Marco „Buzz“ Murru ein Projekt ins Leben gerufen. Dass diese musikalische Zusammenarbeit ernster wurde, manifestierte sich spätestens durch den Beitritt von Schlagzeuger Keko Magrini und Gitarrist Kiko De Santis. Im Jahr 2019 war es dann soweit, dass MANO DE MONO ihre offizielle Bandgründung bekannt geben konnten. Der Name des Quartetts bezieht sich auf den gleichnamigen Song der amerikanischen Alternative Rock Band CORROSION OF CONFORMITY. Als weiteren Einfluss nennen die vier Sarden die Kurzgeschichte „The Monkey’s Paw“ des britischen Horror-Autors William Wymark Jacobs.

Der Punk der Dünen

In ihrer Musik vereinen MANO DE MONO den staubig-trockenen Klang des Desert Rock mit den durstigen Noten des Southern Rock, der Energie des Punk, und der Schwermut des Alternative Rock und Grunge. Dabei verbinden sie die dünig-sandige Umgebung ihrer Heimatinsel mit Texten über soziale Ungerechtigkeit, während sie ein brennend heißes Klangbild erzeugen. Die eingängige Beschäftigung mit sozialen Fragen geht auf dem Album „Chameleon Tongue“ über die Texte und den aufbegehrenden Charakter der Musik hinaus. So haben MANO DE MONO die beiden Seiten ihrer Platte nicht „A“ und „B“ sondern „Inside“ und „Outside“ genannt. Damit stellt das Quartett die komplexen sozialen Strukturen dar, in denen sich Menschen einem Doppelleben unterwerfen, das einerseits aus Ängsten und Nöten besteht, und andererseits von Selbstoptimierung und Erfolgsdruck geprägt ist. Auch das Cover Artwork von Jo Riou zeigt den Kampf des Individuums gegen die Fesseln von Gesellschaft und Kapitalismus.

Gefangen im Hamsterrad

Die acht Lieder des Debütalbums begleiten namenlose Person, welche nur am Rande dem gesellschaftlichen Treiben teilhat, und versucht sich den oppressiven Mechanismen zu entziehen. Dabei entwickelt die Hauptperson zunehmende Abneigung gegen jene, die sich scheinbar gedankenlos in den Spiralen der modernen Welt umherdrehen. Doch auch mit sich selbst ist sie am Hadern. Die Betrachtung des sozialen Geschehens versetzt sie in einen immer wiederkehrenden Strudel aus Eskapismus, Selbstzweifeln und Unzufriedenheit. Motivation und Aktivismus wechseln sich mit Verzweiflung und Desillusionierung ab.

Staubtrocken und siedend heiß

Auf musikalischer Ebene fahren MANO DE MONO schwere Geschütze auf. Das Album „Chameleon Tongue“ ist geprägt von massig schweren Riffs, die sich mittels schwerem Fuzz durch die Prärie wälzen. Das eingängige und energetische Gemisch aus Desert, Heavy, Southern, Punk und Alternative Rock geht sehr gut ins Ohren und setzt sich dort fest wie feiner Wüstensand. Parallelen zu MOS GENERATOR, GREENLEAF oder den SPIRITUAL BEGGARS sind nicht von der Hand zu weisen. Das stört die Freude am Hören allerdings keineswegs. Stattdessen klingt „Chameleon Tongue“ äußerst erfrischend, denn MANO DE MONO schaffen es, frischen Wind in das Subgenre zu bringen. Es ist ein Album ohne Aussetzer und Tiefpunkte.

Bandcamp Profil von MANO DE MONO

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Kürzlich habe ich MUSICFRIDAY #50 die Veröffentlichung von MARAGDAs selbstbetiteltem Debütalbum angekündigt. Nun möchte ich auf Worte noch mehr Worte folgen lassen, indem ich mich dem gesamten Werk widme. Das sieben Lieder starke Album erscheint bei den beiden spanischen Labels Nafra Records und Spinda Records sowie dem peruanischen Label Necio Records, welches zu meinen Lieblingslabels zählt. Zu hören gibt es auf etwa einer halben Stunde Spielzeit die musikalischen Erzeugnisse von Marçal (Bass, Synths, Gesang), Xavi (Schlagzeug, Gesang), und Guillem (Gitarre, Synths, Gesang). Das Trio aus Katalonien hat mit seinem Debüt eine zusammenhängende Reihe von Liedern veröffentlicht, in denen sie eine fantastische Geschichte erzählen.

Nach der Katastrophe

MARAGDA erzählen hier die fiktive Geschichte des Maragda Volkes, das sich nach einem verheerenden Unheil in die Tiefen des Untergrunds zurückgezogen hat. Nach Jahren des Ausharrens sind die Erinnerungen an das Leben auf der Erdoberfläche bereits restlos verblasst. Doch auch der Rückzugsort ist kein Paradies, denn hier herrscht The Core – ein unbarmherziges und unterdrückerisches, totalitäres Regime. Und so geschah es eines Tages, dass sich eine fremde Stimme in den Köpfen der Maragda bemerkbar machte, die zu den Unterdrückten sprach. Einige Rebellen erkannten diesen Ruf und machten sich auf, um die Geheimnisse der Vergangenheit und der Zukunft der Maragda zu erforschen.

Finster und farbenfroh

Das spannende Narrativ wird in einer vielfältigen Mischung aus musikalischen Stilen dargeboten. MARAGDA spielen eine progressive und oft sehr mächtige Spielform des Psychedelic Rock, die sich oft an fuzzgeladenem Garage Rock reibt. Krautrock Passagen sorgen vor allem im Rhythmus für zusätzliche Energie, während die Synthesizer Klangwelten voller Farbenpracht zaubern. Mit ihrem Heavy Psych untermalen MARAGDA die aufregende Stimmung der Geschichte wunderschön, indem sie Neugier, Dunkelheit, Hoffnung und Ungewissheit in Szene setzen. So bleibt es inhaltlich wie auch musikalisch von Anfang bis Ende spannend.

MARAGDA auf Bandcamp

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Es gibt Dinge, die passen einfach zusammen. Und manchmal ist auf den ersten Blick gar nicht so klar, warum die eigentlich so gut zusammen passen. Eines dieser Phänomene ist Stoner und Desert Rock aus Skandinavien. Es braucht keinen akademischen Abschluss in Geographie um zu erkennen, dass die Heimatstadt von SLOMOSA Bergen recht weit von der Wüste entfernt ist. Und dennoch kommen gerade aus den skandinavischen Ländern einige der besten Wüstenrock Bands unserer Zeit. DOZER, GREENLEAF, BRUTUS und SPIRITUAL BEGGARS sind nur einige Beispiele dafür.

In dieser Reihe darf sich nun auch Bergen’s Quartett SLOMOSA wähnen. Die vier Musiker aus der zweitgrößten Stadt Norwegens platzten in diesem Sommer mit ihrem selbstproduzierten und selbstbetitelten Debut auf den Musikmarkt. „Slomosa“ ist standesgemäß mit einem Kamel auf dem Cover geschmückt, und kann seit Ende August Digital, auf CD oder auf Vinyl erworben werden.

Melodischer Wüstenfuzz

Somit leisten sich SLOMOSA einen soliden Einstand. Dabei reichen die Einflüsse von den schwerfälligen Desert Rock Giganten THIN WHITE ROPE über den krachigen Desert Fuzz à la SLOBURN bis zum zackigen und melodischen Skandivavien Blues, wie BRUTUS ihn spielen. Die Strukturen sind eingängig, aber nicht langweilig und mit ihrer bunten Klangwelt erzeugen SLOMOSA eine farbenfrohe Atmosphäre zum Autofahren, Duschen und Tanzen. Zackig, fuzzgeladen und mit angenehmer Dynamik bewegt das Album den Körper. Herausstechend ist hier die Akzentuierung im Song „Just to be“, die einen flotten Blues in ausgefallene Richtungen verschiebt.

Kalte Wellen und Wanderdünen

Im Zentrum steht der hypnotisierende Gesang, der sich gekonnt von den rauen und harmonischen Arrangements absetzt. Die Musik auf „Slomosa“ bewegt sich mal wie eine schroffe Brandung bei Flut und ist andermal dezent wie Sandanhäufungen in der Wüste. SLOMOSA verstehen es, die Zuhörenden an sich zu fesseln und mitzureißen. Da könnte man manchmal ganz vergessen, dass das Album an sich gar nicht soooo innovativ ist. Der Desert Rock wird weder neu erfunden noch revolutioniert. Nichtsdestotrotz bereitet es wirklich viel Freude, dieses kurzweilige Album mehrfach durchlaufen zu lassen.

SLOMOSA auf Bandcamp

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Auf ihrem ersten Album bedienten MAYA MOUNTAINS noch reichlich Kifferklischees. Das 2009 erschienene Werk trug den Namen „Hash and Pornography“ und enthielt Titel wie „My TV, My Sofa, My Food“. Danach konzentrierten sich die drei Musiker aus Venedig erstmal wieder auf andere musikalische Projekte. Vor fünf Jahren machten sich Marco Bortoletto, Emanuel Poletto und Alessandro Toffanello wieder gemeinsam an die Arbeit an neuer Musik. Es sollte ein langer Schreibprozess werden, durch den ein in sich stimmiger Output entstehen sollte. Zwischen fantastischen Traumwelten, bretternden Riffs und neu gefundener Stärke wurde letztendlich ein krachend lautes Themenalbum produziert.

Wo bin ich hier aufgewacht?

Das zweite Album von MAYA MOUNTAINS erzählt die Geschichte des Enrique Dominguez, welcher im ersten Track vorgestellt wird. In dieser grenzüberschreitenden Erzählung erwacht Dominguez in einer Wüste, nachdem der Landstreicher einen Zeitsprung erlebt hat. Schnell stellt er fest, dass diese Welt nicht sein Heimatplanet ist. Noch schlimmer ist, dass der Fremde Himmelskörper ihn nicht freudig zu erwarten scheint. Der unfreiwillige Reisende durchlebt heftige Halluzinationen, als er durch eine verlassene Stadt wandert. Dort sieht er, dass er nicht alleine ist. Minotauren und Cerbera tauchen auf und machen sich auf die Jagd auf Dominguez, da sie das Verlangen verspüren, dessen Blut zu trinken. Verängstigt findet sich der verwirrte Passagier auf einem heiligen Turm wieder, wo ihm ein Zauberer begegnet. Mit einer Katzenmaske wiederholt er die heiligen Gesänge des Fremden, bis sich Enrique Dominguez in einen Himmelskörper verwandelt und fortan ewig seine Bahnen zieht.

Trippy, fuzzy, loud

Die Geschichte, die das Album erzählt, könnte sowohl aus luziden Träumen, halluzinogenen Drogenerfahrungen oder echt guten Drehbüchern stammen. Darüberhinaus vertonen MAYA MOUNTAINS diese abgefahrene Geschichte, genau so wie sie sich anhört. Kratziger Stoner und Desert Rock mit maximal überdrehtem Fuzz brennt heiß wie tausend Sonnen, während psychedelische und echolastige Harmonien durch Zeit und Raum schweben. Musikalisch liegt das zweite Album der drei Venezianer grob zwischen BLACK SABBATH, HERMANO, den MELVINS und DAILY THOMPSON. Trippiger Wüstensound mit Hang zum Raketenstart verzahnt sich mit mitreißenden Wachträumen.

Ab Mitte April wird „Era“ als CD, LP und als Download über das Label Go Down Records erhältlich sein. Wer sich gerne in Musik verliert oder sich von psychedelischen Jams treiben lässt, sehr viel Freude mit diesem Album haben. Auch Stoner Rock Fanatiker können Gefallen an „Era“ finden, sofern ihnen die psychedelischen Ausreißer nicht zu viel werden. Als großes Finale haben MAYA MOUNTAINS nämlich zu Ende des letzten Tracks „El Toro“ noch ein ganz besonders abgefahrenes Schmankerl eingebaut.

MAYA MOUNTAINS auf Facebook

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Das sechs Tracks starke Album „Swamp King“ von Little Albert gehört im Rahmen des Silence Magazin definitiv in die Sparte „something completely different„. Man könnte es auch als eine schöne Abwechslung bezeichnen, denn Suffixe wie „Metal“ oder „Core“ sucht man hier vergebens. Dabei sollte Sänger und Gitarrist Alberto Piccolo Fans von extravagantem Doom Metal von der Band MESSA bekannt sein, wo er seit 2014 an der Gitarre steht. Mit dem innigen Drang, wieder mehr musikalische Varianz zu erleben, stampfte Alberto das Nebenprojekt LITTLE ALBERT aus dem sumpfigen Boden.

Fuzz, Desert Rock und Psychedelic

Zusammen mit seinen Mitstreitenden Christian Guidolin und Mattia Zambon hat sich der gelernte Jazz Gitarrist dem Swamp Blues verschrieben. Dieser eventuell nicht allen Lesenden geläufige Begriff bezeichnet schweren Blues, welcher sich mit psychedelischen Elementen verbindet und Genres wie Desert Rock oder Stoner Rock anverwandt ist. Als weiteren Tipp zum reinhören, möchte ich daher auch empfehlen, ein Ohr auf die Band PRETTY LIGHTNING zu werfen.
Was LITTLE ALBERT auf ihrem Tonträger von sich geben, ist eine massive, kratzig-staubige und behäbige Reise durch Genres und unendliche Weiten. Eine weit übersteuerte Blues Gitarre treibt auf dem Antrieb aus Fuzz und Psychedelic durch knochentrockene Wüsten- und Sumpflandschaften. Dabei kommen in einigen stockenden Passagen immer mal wieder Einwürfe aus dem Doom dazu, ohne jedoch metallen zu werden.

Von der Einöde zur Oase

„Swamp King“ beginnt mit dem äußerst gemächlichen Titeltrack: einer zeitlosen Blues Nummer, die sich nicht vor Szene Größen verstecken muss. Nach dem einleitenden Stücken nehmen LITTLE ALBERT Fahrt auf. Geschwindigkeit, Zerre und Fuzz nehmen von „Bridge of Sighs“ bis zur vorletzten Nummer „Mary Claire“ in kleinen aber spürbaren Schritten zu. Aus sumpfigem Blues wird zunehmend staubiger Wüstenrock der Marke WAXY oder THIS WHITE ROPE. Und gerade wenn man denkt, jetzt ist es soweit, dass LITTLE ALBERT doch noch bei metallenem Sound ankommen, kommt es zur letzten schönen Überraschung. Mit dem Track „Outside Woman Blues“ schließt das Album durch eine lupenreine und wunderschöne Blues Rock Nummer.

Es ist, als würden LITTLE ALBERT über die ersten Lieder ihres Albums mit schwerer Ladung durch weite Flächen aus Wüste und sumpfigen Landschaften wandern. Auf dieser Reise erzählt der „Swamp King“ nicht nur an der „Bridge of Sighs“ seine Geschichten. Die handeln von „Mary Claire“ oder der „Mean old Woman“. Beim letzten Track klingt es wiederum, als sei die Reise an einer erfrischenden Oase angekommen. Und das Wort Oase würde ich hier problemlos mit Bar Synonym setzen.

Zum Hören oder Kaufen geht ihr am Besten auf die Bandcamp Seite von LITTLE ALBERT.

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Donnerstag, 12.04.2018

Los geht’s für mich mit einem wahren Heimspiel. INTO THE VOID  aus Bad Frankenhausen eröffnen das diesjährige Stoned auf der Zeltbühne. Ihr doomiger Sludge ist zu Beginn schon ein heftiger Schlag in die Fresse und deswegen bin ich etwas überrumpelt. Das ist mir tatsächlich etwas zu derb, um gemütlich in das Wochenende zu starten. Trotzdem wissen die Jungs auf der Bühne was sie am besten können: nämlich authentisch-brachialen Sound erzeugen.

In ganz anderen Gewässern fischen da schon THE DWARVES. Das Quartett um Nick Oliveri hat sich vor allem einem verschrieben – stumpfem Rock! Wer großen Wert auf viel Gefühl und Melodie in der Musik legt, wird hier vermutlich schreiend die Flucht ergreifen. Die Jungs aus San Francisco hinterlassen aber trotzdem bleibenden Eindruck. Sollte mich in Zukunft jemand fragen, was ich von der Show in Erinnerung behalten habe, so kann es nur eine Antwort geben: „Prollige Ansagen und Rumpelsongs!“ Ich weiß bis jetzt nicht so wirklich, was ich von der Truppe halten soll, denn einerseits gehen ihre Songs schon durch Mark und Bein, aber auf der anderen Seite sind ihre Texte und Ansagen schon ganz schön drüber.

Gesitteter wird es da schon mit WUCAN, obwohl die Dresdner auch ordentlich Feuer im Hintern haben. Auf Platte weiß ich von den Flötenrockern immer nicht so recht, was ich von ihrer Musik halten soll, aber Auftritte von WUCAN sind jedes Mal ein Erlebnis. Sängerin Francis hat (wie immer) eine unglaubliche Ausstrahlung, die die Meute vor der Bühne einfach nur mitreißt. Ob nun „Dopetrotter“ oder „Franis Vikarma“ – hier greift einfach jeder Song in das – in diesem Moment – „krautrockverliebte“ Publikum.

Während ich mir bei einem kühlen Bierchen eine Auszeit von der Sonne nehme und mit Kollegen über Gott und Stadionrock plaudere, erklingen von der Bühne plötzlich stadionrockähnliche Klänge. Geil, THUNDERMOTHER! Schon oft von ihnen gehört, aber nie so wirklich damit beschäftigt. Die 4 Damen aus Stockholm heizen die ohnehin schon heiße Stimmung nochmal um ein ordentliches Stück auf. Als dann auch noch auf der Gitarre getappt wird, ist das Stadionfeeling perfekt. Ihre Hymnen haben definitiv das Potential, große Hallen zu füllen!

Nach den 4 Damen geht es mit 2 Herren aus Hamburg weiter. THE PICTUREBOOKS sehe ich heute zum ersten Mal. Auf Platte ist ihr bluesiger Rock schon eine anständige Nummer, aber live sind ihre Songs nochmal eine ganze Nummer greifbarer. Neben den Songs, die die Stoner allesamt mitreißen, wissen mich vor allem die Ansagen zu überzeugen. Jedes getroffene Wort von Sänger und Gitarrist Fynn Claus Grabke kann ich so unterschreiben und mit einem Kopfnicken quittieren. Er bringt das Feeling des Stoned auf den Punkt: „…endlich mal raus aus der Welt der ganzen Koksnasen und sein, wie man will!“ Amen!

So schnell kann es gehen, da ist der erste Tag schon wieder vorbei. Aber ein ordentlicher Hammer wartet noch. Nur für diesen einen Auftritt sind ORCHID extra aus San Francisco angereist. Wenn die Jungs nicht hart Bock auf diesen Auftritt hätten, müssten sie wahrscheinlich sehr viel Zeit übrig haben. Zum Glück haben sie aber ordentlich Lust auf ihre heutige Messe. Mit sichtlich Spaß rocken sich die „Sabbath-Liebhaber“ durch ihr gut einstündiges Set, ohne auch nur in einer Sekunde einen Energieabfall zu erleiden. Sänger Theo Mindell freut sich sichtbar seines Lebens und hier auf der Bühne zu stehen und hat sich auf jeden Fall den Titel „Fettestes Grinsen des Wochenendes“ verdient.

Auch wenn mir noch ein paar meiner Lieblingssongs gefehlt haben, war das auf jeden Fall ein würdiger Abschluss des ersten Tages. Moment, im Partyzelt geht’s ja noch weiter, denn Veranstalter Fred legt die fettesten Beats der letzten 5 Jahrzehnte auf!

Freitag, 13.04.2018

Was ist das schlimmste nach durchfeierter Nacht auf einem Festival? Richtig, früh morgens im Zelt von 10.000 °C geweckt zu werden. Zum Glück geht es mir nicht mehr so, denn ich habe mir so ein herrliches „Schwarz-Weiß-Zelt“ gegönnt (Grüße gehen raus an Decathlon!). Nachdem ich dann doch gegen Mittag erwacht bin, geht es erstmal Richtung See, die Sünden der letzten Nacht abwaschen. Darunter leiden müssen RED STONE CHAPEL, die ich leider nicht mit meiner Anwesenheit beglücken kann. 

Für mich startet der Freitag mit HAVE BLUE auf der Zeltbühne. Und was für ein Start das ist! Ihr psychedelischer Garage Rock bringt mich sofort wieder auf Betriebstemperatur. Selten habe ich in den Jahren, seitdem ich das Stoned besuche, so einen grandiosen Sound auf der kleinen Bühne vernommen. Gut, einen Großteil dazu trägt auch die Band bei, aber hier haben wirklich alle fantastische Arbeit geleistet. Ich prophezeie jetzt einfach mal, dass diese Kapelle noch eine große Zukunft vor sich hat, denn sie ist rundum authentisch und in Sachen Songwriting können sich einige was abgucken.

Raus aus dem Zelt, rein in die pralle Sonne zu ELEPHANT TREE. Von den Briten habe ich schon oft gehört, aber ihre Alben nie bewusst gehört, was ich jetzt schnellstens ändern werde. Ihr knarziger Psych Stoner Doom erinnert schon stark an MARS RED SKY und bekommt durch den Gesang eine ganz eigene Note. Die Stimmen von Gitarrist Jack Townley und Bassist Peter Holland ergänzen sich so perfekt, dass Melodien, die nicht mal so innovativ sind, zu einem starken Gesamtkunstwerk werden. Gegen Ende des Auftritts muss ich mir aber ein schattiges Plätzchen suchen, denn der Planet ballert unaufhörlich.

Kühler sollte es eigentlich mit DOWNFALL OF GAIA werden. Pustekuchen, auch ihr Sludge-Crust-Post-Metal kühlt, außer das ohnehin schon kalte Bier, rein gar nichts ab. Die internationale Combo ist für mich eine Band, bei denen einfach der komplette Auftritt auf mich wirken muss und ich voll und ganz in der Musik vertieft sein muss. Leider wird das durch einen Stromausfall kaputt gemacht. Ok, da kann die Band nichts dafür, aber trotzdem ist meine Stimmung danach im Eimer und ich nutze die Zeit, um mir was zwischen die Backen zu klemmen und kurz am Zelt nach dem Rechten zu schauen.

Dieser Kontrollgang gestaltet sich allerdings etwas länger, weshalb ich THE DEVIL AND THE ALMIGHTY BLUES sausen lasse. Gesprächsthema Nummer 1 am Camp: Wie kann ich auf einem Festival unerkannt unterwegs sein? Korrekt, mit einer Vokuhila-Perücke und einem Decknamen! Bester Deckname: Ingo Knito! So wirst du sicherlich von niemandem erkannt.

Es reicht jetzt aber auch wieder mit Dummquatscherei und deswegen tragen mich meine Tentakel zu UFOMAMMUT. Die italienische Doom-Walze gibt vor allem Songs vom im letzten Jahr erschienenen Album „8“ zum besten, welche hier auf der Bühne genauso drücken wie auf dem heimischen Plattenteller. Ich fühle mich derart in den Boden gestampft, dass ich den Typen, der meint, auf die Bühne springen zu müssen und die Band zu lobpreisen, nicht so recht verstehen kann. Die Musiker ziehen ihr Ding trotzdem ganz unaufgeregt durch und prügeln eine dröhnende Wand nach der anderen auf die Hörerschaft. Was hier soundtechnisch fabriziert wird, ist schon allerhöchste Dronekunst und sorgt für leichte Stresssymptome bei den Boxen.

Da hat es die Anlage bei LONG DISTANCE CALLING schon einfacher, denn zumindest muss sie hier keinen Gesang einarbeiten, den gibt es nämlich nicht. Ähnlich wie bei DOWNFALL OF GAIA muss mich bei LONG DISTANCE CALLING einfach der ganze Auftritt verzaubern. Und wie er das macht! Sowohl Sound als auch Stimmung vor, auf und neben der Bühne befördern mich in dieser einen Stunde ganz weit weg. Das macht definitiv Lust auf mehr und deswegen beschließe ich, während die Jungs noch spielen, ihre Tour Ende November zu besuchen.

Dass EYEHATEGOD nicht viel von Verzauberung halten, sollte kein großes Geheimnis sein. Viel mehr geht es hier um Zerstörung, den berühmten Schlag in die Fresse und andere Perversitäten. Kurz bevor die amerikanische Sludge-Legende die Reise über den großen Teich antrat, wurde bekanntgegeben, dass sie nur noch als Quartett auftreten, da Gitarrist Brian Patton die Band nach 25 Jahren verlassen hat. Dem Sound auf dem Stoned tut das keinen Abbruch, denn mit nur einer Gitarre klingt alles nochmal eine gute Portion stumpfer. Viel überraschender ist aber für mich, was für einen fitten Eindruck Sänger Mike Williams auf der Bühne macht. Ich glaube, nicht viele Leute würden heute so aktiv auf der Bühne stehen, wenn sie vor nicht einmal zwei Jahren eine neue Leber eingepflanzt bekommen hätten. Das stimmt mich trotz der brutalen Musik und Texte glücklich, dass dieses Stück menschliche Musikgeschichte noch unter uns weilt. Mit „Peace Thru War“ wird das Kapitel „Freitag der 13.“ auf dem Stoned geschlossen und der Auftritt von EYEHATEGOD ist vor allem eins: ein erhobener Mittelfinger gegen alles und jeden!

Feierabend? Niemals… Aufgrund von Planungsproblemen bei der Tour, beehren uns die New Yorker Garage Punks DIRTY FENCES nun noch im Partyzelt. Wahrscheinlich hätte es keine andere Band im diesjährigen Line Up gegeben, die es um diese späte Uhrzeit geschafft hätte, der wilden Partymeute besser einzuheizen als die 4 Jungs aus Big Apple. Auch wenn sich ihre Songs schon sehr stark ähneln, gibt es wahrscheinlich keine besseren „Partykickstarter“ als „Goodbye Love“ oder „Teen Angel“. Das Fundament für eine weitere wilde Feiernacht ist also geebnet!

Samstag, 14.07.2018

Alle ersticken im Zelt – ich nicht! Herrlich, diese neuen Teile. Ich kann es nicht oft genug sagen. Nach dem morgendlichen Badegang im Alperstedter See, beginnt der Tag musikalisch mit TSCHAIKA 21/16. Was ist das für eine verrückte Combo? Irgendwie passt hier nichts zusammen und doch machen die Berliner um ROTOR-Gitarrist Tim und OHRBOOTEN-Drummer Onkel alles richtig. Ihr großes Chaos verwandelt die Zeltbühne im Handumdrehen in ein Tropenhaus. Völlig unberechenbar zocken sie die Songs ihres Debüts „Tante Chrystal Uff Crack Am Reck“ runter und als Sören mit der Trompete die Bühne betritt, ist die Unordnung perfekt.

Draußen an der frischen Luft geht es mit den Kanadiern DOPETHRONE weiter. Irgendwie komme ich mit ihren neuen Songs vom kürzlich erschienenen Album „Transcanadian Anger“ noch nicht so richtig klar, aber altbekannte Songs wie „Dark Foil“ oder „Scum Fuck Blues“ schlagen wie eine Bombe ein. Als bei Letzterem auch noch BONGZILLA-Fronter Muleboy die Bühne betritt, ist die ganze Show perfekt. Wahrscheinlich verkörpert niemand den Liedtitel besser als DOPETHRONE-Sänger Vincent und Muleboy. Zwei richtige Outlaws eben.

Auf THE MACHINE hab ich mich mit Abstand am meisten auf dem diesjährigen Stoned gefreut. Besonders gespannt war ich auf ihren neuen Bassisten Sander Haagmans, vielen von SUNGRAZER bekannt. Nachdem gestern ihr neues Album „Faceshift“ veröffentlicht wurde, werden mit dem Titelsong und „Crack You“ auch gleich zwei neue Songs zum Besten gegeben. Als dann noch SUNGRAZERs „Common Believer“ angestimmt wird, ist die Party perfekt und die Bierfontänen im Publikum nehmen kein Ende. Bei diesen Temperaturen ist das nicht mal eklig, sondern eine willkommene Erfrischung.

Während SONS OF OTIS spielen, muss ich mir erstmal eine kleine Auszeit gönnen und bei einer kühlen Blondine akklimatisieren.
HOT LUNCH kannte ich bisher nur vom Namen. Ihre Musik ist das komplette Gegenteil vom Wetter. Während ich langsam keine Lust mehr auf den Planeten habe, machen die Jungs aus San Francisco richtig Spaß und sind eine musikalische Erfrischung. Ihr Garage-Surf-Acid-Punk-Mix geht sofort ins Ohr und benötigt nahezu keine Anlaufzeit. Leichte Kost in harten Situationen – so muss das sein!

Ich will nicht sagen, dass es jetzt noch anspruchsloser wird, aber ein bisschen etwas von wildgewordenen Neandertalern haben BONGZILLA schon. Sänger und Gitarrist Muleboy ist die gesteinigte Verrücktheit in Person. Wie immer werden größtenteils Songs vom 2002er-Album „Gateway“ gespielt. Als dann aber, während ich gerade auf dem Weg Richtung Dixi bin, „Weedy Woman“ von „Amerijuanican“ erklingt, sagt mir meine Blase sofort: „Promillo, hiergeblieben!“ Ich glaube, das war das erste Mal, dass ich was von diesem Album live höre und deswegen wird mir dieser Auftritt noch länger in Erinnerung bleiben.

Eine wahre Stoner Rock-Legende beschließt nun auch schon das diesjährige Stoned. Mit NEBULA konnten Fred & Co. KG keinen besseren Abschluss organisieren. Ich begutachte den Auftritt von der Bühne und bin ziemlich überrascht, wie jung und frisch die Musiker von hinten aussehen. Seit über 20 Jahren sind die Jungs aus Los Angeles nun schon unterwegs, scheinbar ohne Schaden genommen zu haben. Als ich ihre Gesichter dann jedoch erblicke, sieht man ihnen ihr Alter aber schon an. Also denkt daran, wenn ihr von vorn nicht mehr so frisch wirkt, achtet darauf, dass ihr wenigstens von hinten noch geil ausseht! Neben „To The Center“, „All The Way“ und „Long Day“ werden sämtliche anderen Stoner-Hymnen zum Besten gegeben, die diese Szene maßgeblich mit beeinflusst haben. In meinen Augen war das der beste Stoned-Abschluss, den ich bisher auf diesem Festival erleben durfte. Frisch, bekannt und mit einem Sound ausgestattet, der einen einfach nur träumen lässt.

Fazit

Tja, was bleibt über das Stoned zu sagen. Für mich bleibt es einfach das Festival Nummer 1, wenn es um Gemütlichkeitsrock geht, auch wenn es mit dem Freak Valley harte Konkurrenz hat. Wobei, von Konkurrenz kann man hier gar nicht sprechen, eher Bereicherung. Denn einen wirklichen Konkurrenzkampf gibt es in dieser Szene wohl kaum, da sie eine riesige Familie ist!
Einen klitzekleinen Kritikpunkt gibt es trotzdem. Von mir aus könnte die Aftershowparty ruhig etwas länger gehen. Oder ihr könnt die Musik auch ab 3.30 Uhr leiser machen, aber bitte lasst sie nicht komplett verstummen!

Bis nächstes Jahr, STONER!

Wer Interesse daran hat, verschiedene Undercover-Festivalgäste (inklusive mir!) zu sehen, sollte sich die Slideshow nicht entgehen lassen!

Der Beitrag Stoned From The Underground 2018 – Familientreffen auf dem Erfurter Glutacker erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

Früher wollte ich meinen Eltern nie glauben, als sie mir sagten, dass die Zeit nur so verfliegt. Mittlerweile merke ich es selbst. Ein Jahr fühlt sich maximal wie 4 Monate an, wenn überhaupt. Irgendwie rauscht alles nur so an einem vorbei und doch hat es etwas positives: Endlich steht das Stoned From The Underground wieder vor der Tür. Vom 12.-14. Juli findet das diesjährige Stoned wieder am Alperstedter See in Erfurt-Stotternheim statt.

Musikalisch geht es im Stonermekka dieses Jahr ganz schön in die Breite! Von Sludge (EYEHATEGOD, DOPETHRONE) über klassischen Doom (ORCHID) bis hin zum klassischem Stoner (NEBULA) ist wieder alles dabei. Wer es eher krautig mag, kommt bereits am Donnerstag bei WUCAN voll auf seine Kosten. Mit LONG DISTANCE CALLING bereichert eine Postrock-Kapelle das Line Up, während bei DOWNFALL OF GAIA eher die härtere Fraktion vor die Bühne gelockt wird.
Wie jedes Jahr wird jeder Tag wieder von 2 Bands auf der kleineren Zeltbühne eröffnet, wobei ich mich in diesem Jahr besonders auf TSCHAIKA 21/16 freue. Ich kann es nicht in Worte fassen, was diese verrückten Berliner auf der Bühne treiben. Schaut euch dieses Noiserock-Chaos einfach an, um euch selbst ein Bild zu machen.

Doch nicht nur die Bands laden dazu ein, dem beschaulichen Vorort der thüringer Landeshauptstadt einen Besuch abzustatten. Nahezu alle Wetter-Websites sind sich einig, dass wir das diesjährige Stoned bei herrlichem Sonnenschein genießen können. Wem es zu heiß wird, der kühlt sich nicht nur mit Bier ab, sondern stürzt sich in die Fluten des direkt angrenzenden Sees!

Das reicht dir immer noch nicht als Grund, hinzufahren? Dann lies dir HIER einfach meine Lobeshymnen aus dem Vorjahr durch!

Und damit niemand eine Band verpasst, gibt es hier noch die Running Order:

STONED FROM THE UNDERGROUND WEBSITE
STONED FROM THE UNDERGROUND FACEBOOK

Der Beitrag Es geht in die heiße Phase! – Vorbericht Stoned From The Underground 2018 erschien zuerst auf Silence Musik Magazin.

S: Danke für die Möglichkeit, heute ein paar Worte mit euch zu wechseln. Ihr seid ja noch eine relativ junge Band und man findet im World Wide Web nur wenige Insider-Infos über euch.

Tom W.: Die Klatschpresse war noch nicht da.

S: Seit wann gibt es euch denn schon als Band?

Martin: Seit 2015.

S: Und wodurch kam eure Konstellation zustande, wie habt ihr als Bandkollegen zusammengefunden?

Tom S.: Max, Tom W. und ich, wir kannten uns schon aus unserer Heimat und von ihnen ging das aus. Ihr hattet damals gemeint, ihr wollt Mucke machen, und dann haben wir uns erst zu dritt getroffen und im Laufe der Zeit noch versucht, einen Drummer zu finden.

Max: Eine Drum Machine!

Tom S.: … eine Drum Machine zu finden. Da wir aber im näheren Umfeld niemanden gefunden haben, haben wir das klassisch über eine Anzeige gemacht und dann ein schniekes Casting durchgezogen.

Max: Ja, Tom und ich hatten vorher schon ne Band zusammen, SLEEPING WIDOW, und dann wollten wir halt weiter Musik machen.

Tom W.: Ja, dann beim Studium in Dresden etwas Neues anzufangen, war irgendwie logisch. Und Martin ist das neue Mitglied.

Martin: Eingekauft. Eingekaufter Spieler.

Puzzle piece

S: Wo habt ihr die Anzeige geschaltet, wie läuft so etwas ab?

Max: Die haben wir in der Unizeitung der TU Dresden, der CAZ, geschaltet. Da haben sich auch ein paar Leute gemeldet, vier oder fünf, die haben auch alle vorgespielt, aber das klappte nicht. Der potentiellste Schlagzeuger hätte bloß ein halbes Jahr bei uns spielen können, weil er noch sein Diplom gemacht hat, und danach wäre er wahrscheinlich weggezogen.

Martin: Da musstet ihr halt mich nehmen.

Max: Dann hatten wir Glück, dass die befreundete Band von uns, mit der wir den Proberaum gebucht haben, zeitgleich auch auf Drummersuche war.

Tom W.: Mir wurde gesagt, dass du, Martin, bei denen vorgespielt hast und dass die gesagt haben: „Ey, der war übelst gut, aber passt glaub ich nicht ganz so zu unserem Style…“. Also hab ich mir deine Nummer durchgeben lassen. Und dann haben wir das gemacht und das hat einfach richtig geil gepasst, geil getrommelt, gute Jams gleich von Anfang an und wie so ein kleines puzzle piece – zack, reingepasst. Eigentlich ganz geil, dass das so gut ging.

„Klingt, wie Sahnestaub schmeckt.“

S: Wie würdet ihr selbst euren Musikstil beschreiben?

Tom W.: Schwierige Frage.

Max: Klingt, wie Sahnestaub schmeckt.

Martin: Psychedelic, Blues, Stoner…

Tom S.: Ich war ganz froh, als eine Review über uns herauskam und dort gesagt wurde, dass es Heavy Psychedelic Blues ist. Ich finde, es kommen so viele unterschiedliche Einflüsse zusammen, das kann man schwer in einem Begriff unterbringen. Von jedem etwas Anderes – quasi das Extrakt der Hörgewohnheiten von jedem Bandmitglied. Das bringt er dann mit in den Songs ein und dann ergibt das halt ne komische Mischung.

S: Gibt es bestimmte Bands, die ihr als Vorbilder bezeichnen würdet? Von welchen Musikern habt ihr euch etwas abgeschaut?

Martin: Bei den Siebzigern mal angefangen, da haben wir denke ich alle irgendwas von mitgenommen, seien es LED ZEPPELIN oder…

Tom W.: …PINK FLOYD oder so, also diese atmosphärischen Sachen von den größeren Namen. Aber was moderne Bands angeht, da ist ja das Genre ganz schön am Wachsen, also, dass viele Bands dann wieder in so eine Richtung gehen, zurück zu den Wurzeln des Rock’n’Roll. Auf jeden Fall sehe ich ALL THEM WITCHES als Einfluss auf Sound und Arrangement unserer Songs.

Tom S.: Bei mir sind es RADIOHEAD und Thom Yorke, von denen ich mir ganz viel abgucke.

Tom W.: Ich bin großer HENDRIX-Fan, ich find seine Spielart ziemlich beeindruckend. Ich habe damals wegen seiner Musik angefangen mit Gitarrespielen.

Max: Bei mir sind es die DOORS. BLACK MEADOW noch ein bisschen.

Max: GRAVEYARD natürlich auch.

S: Besucht ihr selber auch Konzerte, und wenn ja, welche?

Tom W.: Nee, also, was andere machen, ist mir egal.

Tom S.: TRUCKFIGHTERS in Chemnitz war das letzte Konzert, auf dem ich war.

Max: QUEENS OF THE STONE AGE im Sommer wird auch super.

Tom W.: Also, wir gehen auch gerne zu Konzerten, um die Frage zu beantworten. Das ist natürlich immer wieder schön, um so einen besonderen Gitarrenmoment aufzusaugen.
Ich glaube, so ein Live-Gig bringt auch immer so viel Inspiration in das, was man selber auf der Bühne machen soll, will… Man guckt sich an, was andere Leute zocken, wie die ihren Sound und ihre Performance machen, das ist schon ein wichtiger Punkt, denke ich. Auch, sich einfach anzugucken, was andere Leute da machen.

Der Sonnengott

S: Was bedeutet eigentlich euer Bandname und wie kamt ihr darauf?

Tom W.: Wir haben ziemlich lange rumgetüftelt, Bandname ist doch immer so ein schwieriges Thema. Wir hatten den Song „The Sun“ schon recht früh, das war definitiv einer unserer ersten Songs. Und dieses Motiv Sonne hat sich mit der Zeit als Vibe abgezeichnet, der ganz gut wiederspiegelt, was wir machen.

Tom S.: Also, im Prinzip ist es so: Das ist eine „Magic“-Sammelkarte: Heliod, der Sonnengott.

Max: Ich hatte gerade die Lemmy-Biographie gelesen und darin war eine interessante Passage über Bandnamen: Dass ein Bandname drei Silben haben sollte, damit er einprägsam ist, nicht zu lang, nicht zu kurz. Und das passte.

Martin: Achso! Also ist da richtig Mathematik dahinter!

Tonstudio unter freiem Himmel

S: Auf eurer Facebookseite zeigt ihr ja nicht selten, wie ihr auch mal mitten im Wald aufnehmt. Wie kommt man auf solche Ideen? Ist die Akustik dort besser?

Tom S.: Da hatten wir echt Glück. Wir haben Mitte letzten Jahres den Plan gefasst, da unser erstes Album aufzunehmen. Nachdem wir die Demo-EP im Proberaum in Eigenregie aufgenommen haben, wollten wir das auch mal ein bisschen professioneller angehen und sind dann über Kontakte zu einem Kumpel in der Heimat gekommen, der dort mitten im Wald eine Holzhütte hat, in der er aufnimmt, selber probt, selber produziert. So haben wir uns dort für zehn Tage eingenistet. Haben also gezeltet und sind dann jeden Tag zur Hütte gefahren und haben Mucke gemacht. Und hatten dort echt den Luxus, im Sonnenschein im Wald zu sitzen und dabei die Gitarren fürs Album einzuspielen.

Ideen sprudeln lassen

S: Wie bereitet ihr euch eigentlich vor auf so einen Gig? Gibt es da bestimmte Rituale oder Ähnliches?

Tom S.: Ich hab jetzt wieder in diesem RAMMSTEIN-Buch gelesen, dass die vorher alle zusammen Tequila saufen. Aber so ein Ritual haben wir gar nicht.

Martin: Ein Proberitual einfach.

Max: Einfach das Set ein- oder zweimal proben die Woche davor.

Tom W.: Eigentlich ist das alles ziemlich entspannt. Da gibt es kein magisches Ritual. Alle versuchen einfach, in ihre Komfortzone zu kommen, sodass sie ganz entspannt sind.

Martin: Aber bei der Probe haben wir ein Ritual: Wir fangen immer mit einem Jam an. Ideen sprudeln lassen.

S: Ansagen auf der Bühne zwischen den Songs kommen bei euch relativ kurz. Wollt ihr damit ausdrücken, dass ihr lieber die Musik für euch sprechen lasst?

Tom S.: Ich glaube, damit wollen wir einfach nur ausdrücken, dass keiner von uns ein großes Konzept dahinter hat, was zu sagen. Also bevor das gestelzt kommt… Man ist eher in der Musik, anstatt sich einen Kopf darüber zu machen, was man jetzt sagt und wie man das sagt. Und dann wird halt spontan schnell was rausgemurmelt. Bei meinen Vorbildern, die ich mir auf der Bühne angucke, wird auch selten viel gesagt. Da ist man froh, wenn der Liedtitel mal angesagt wird.

S: Also haltet ihr nicht viel davon, wenn ewig jemand quatscht, anstatt zu spielen?

Tom S.: Es hängt nun mal auch ein bisschen damit zusammen, dass unsere Musik nicht so eine Spaß- und Geigel-Party-Mucke ist. Bei Helge Schneider ist das beispielsweise etwas anderes!
Wenn ich auf der Bühne Spaß habe, muss ich auch aufpassen, dass ich zwischen den Songs nicht anfange, ins Witzige abzudriften, weil unsere Songs von der Atmosphäre her ja nicht witzig sind. Und bevor man so viel überlegt „Mach ich’s jetzt witzig, mach ich’s jetzt ernst, was will ich sagen?“, sagt man lieber nix. Und ich finde das auch richtig so. Es muss einfach zusammenpassen.

S: Was sind eure Ziele für die Zukunft? Im August 2016 habt ihr eure erste EP herausgebracht, letzten Sommer gab es eine Neuveröffentlichung. Wann steht das erste Album an?

Tom S.: Das kommt ganz bald. Da sind wir jetzt endlich beim Schritt des Mixings. Angepeilt ist, dass es Anfang April wirklich losgeht, dass wir da den ersten Song raushauen. Und das ist jetzt der nächste große Schritt für uns – endlich das Album fertig haben, draußen haben. Gucken wollen wir auch vor allem, dass wir es hinbekommen, das als Vinyl verfügbar zu machen. Das wollen ja gerade viele Leute.

Tom W.: Das ist so ein kleiner Traum für eine Band, eine eigene Platte draußen zu haben, so ein schönes Stück Kunst in der Hand zu halten, was man selbst erarbeitet hat. Was alles überdauert.

Tom S.: Was man irgendwann den Enkeln zeigen kann.

Martin: Und dann damit auf Tour fahren!

S: Ich danke euch sehr für das nette Gespräch. Gibt es eurerseits noch abschließende Worte?

Tom W.: Kommt zu den Konzerten, erlebt HELIOD live.

Tom S.: Und vor allem: Seid gespannt auf den April!

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