Über 3 Jahre ist es nun her, seit VOLA mich Coreknaben mit ihrem letzten Album „Witness“ komplett umgepustet haben. Und doch fühlt es sich an, als wäre es gestern gewesen. Warum? Weil ich das Album nach wie vor regelmäßig höre und es dadurch einfach permanent aktuell ist. Nun erscheint am 1. November der Nachfolger „Friend Of A Phantom“ und nach den starken Vorabsingles könnte meine Spannung kaum größer sein. 

FÜGT ZUSAMMEN, WAS ZUSAMMEN GEHÖRT

Die Band entdeckt hatte ich – wie hier im Review zu „Witness“ geschrieben – 2021 durch einen Instapost von IN FLAMES Sänger Anders. Wie sehr sich das nun gefügt hat, konnte man bei der Single „Cannibal“ bestaunen. VOLA sehen IN FLAMES als großen Einfluss und Anders mag die Band. Was liegt da also näher, als ein Feature? Eben! Dass dieser extra von Schweden nach Dänemark gereist ist, um im Video mitzuwirken untermauert diese Symbiose. Bis dahin gab es aber auch schon 3 grandiose Singles, die bereits zeigten, dass auch „Friend Of A Phantom“ wieder eine spannende Reise werden wird. 

Von besagten Singles hatte es mir „I Don’t Know How We Got Here“ besonders angetan, denn der Song spielt so schön mit den Erwartungen des Hörers, bleibt allerdings stets auf einem eher ruhigen Level. Ein schöner Kontrast zu den schweren Riffs und flinken Beats eines beispielsweise „Break My Lying Tongue“, welches aber mit einer elektronischen Leadmelodie aufwartet, die sich ins Ohr bohrt. Genau diese Mixturen haben mich vor 3 Jahren an VOLA gefesselt. Und genau diese Mixturen wurden auf dem Nachfolger nochmal um einige Schaufeln angehäuft. 

Zugegeben, ich war skeptisch, ob mich auch dieses Album so aus den Latschen hauen würde. Aber was soll ich sagen? Ja verdammt, das tut es gar sehr! Kein Song fühlt sich deplatziert an, nichts unpassend oder too much, nein – auch hier stimmt wieder alles. Es gibt wieder Ohrwürmer noch und nöcher, und es gibt erneut diese ganz besonderen Überraschungen. Und davon reichlich. Wurmbeispiel gefällig? – „Bleed Out“. Und das war schon schwer auszusuchen. Ok, noch eins – „We Will Not Dispand“. Dann gibt es dem gegenüber diese ruhigen Momente, diese Songs, die einen gefangen nehmen und nicht mehr loslassen. Da muss es nicht rumsen, da gibt’s einfach nur Erpelkutte überall. Beispiel gefällig? – „Tray“. Noch eins? – „Glass Mannequin“. Ihr merkt schon, ich bin wieder hin und weg… 

Wie soll man ein Album beschreiben, das die Erwartungen aufgrund seines überragenden Vorgängers so erfüllt und übertrifft? Was soll man da sagen? Fantastische Produktion, atmosphärische Sounds wohin man auch hört, ein Sänger, der das alles trägt, als hätte er nie etwas anderes getan? Ist dies hier alles vorhanden? Na, was denkt ihr denn?! Ich bewege mich hier eigentlich immer auf meinen vertrauten Corepfaden, finde auch sonst nicht solch ausgefeilte Bands, wie eben VOLA im Prog, aber was die Herren abliefern (schon wieder!), macht mich einfach nur sprachlos und überglücklich. „Friend Of A Phantom“ ist genau so ein Album, das man am besten abgeschottet von äußerlichen Einflüssen mit Kopfhörern genießen sollte. Ich verspreche euch, ihr werdet immer wieder neue Details entdecken.

Und wenn ihr damit fertig seid, gibt es genau 2 Möglichkeiten:

• entweder nochmal von vorn, oder
• direkt „Witness“ hinterher.

Chapéu! 

Die Band geht auch pünktlich zum Release auf Europatour, hier gibt’s mal alle Infos. Man, was würde ich gern dahin, aber nix passt terminlich  

 

 

 

 

 

 

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Offizielle Website

Promomaterial in freundlicher Zusammenarbeit mit Mascot Records. 

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Die fünf Phasen der Trauer sind ein beliebtes Thema in jeder erdenklichen Kunstform. Ihr alle kennt wahrscheinlich ein Album, ein Buch, einen Film, einen Comic, ein Bild, oder ein anderes Werk, das irgendwie vom Fünf-Phasen-Modell der schweizerisch-amerikanischen Psychiaterin beeinflusst wurde. Es geht dabei um die Verarbeitung von Trauer, und um die fünf Stadien, die währenddessen durchlaufen werden. Die einzelnen Phasen sind Leugnen (denial), Ärger (anger), Feilschen (bargaining), Depression (depression), und Akzeptanz (acceptance). Kübler-Ross ist nicht unumstritten, da es in ihrer Arbeit an Empirie und Evidenz mangelt. Als Modell zur Veranschaulichung funktioniert das Fünf-Phasen-Modell allerdings sehr gut. Und für die Kunst sind die fünf Phasen der Trauer eine scheinbar nicht versiegende Quelle.

Atmosphärische Trauer

Nun haben also DARK AFFLICTION aus Griechenland ihr Debutalbum ebenfalls dem oben genannten Thema gewidmet. Große Preise für das Konzept wird hier wohl niemand erwartet haben. Das Album „Five Stages Of Grief“ beginnt mit einem instrumentalen Intro, auf das sechs Tracks folgen. Die Titel stehen jeweils für eine der fünf Phasen, wobei die zweite Phase nicht „Anger“ wie bei Kübler-Ross, sondern „Hate“ genannt wurde.

Musikalisch wiederum überraschen DARK AFFLICTION nach der Präsentation des abgedroschenen Themas auf ganzer Linie. Wir sollen eben die Bücher nicht nur nach ihrem Einband beurteilen! Eine halbe Stunde lang zieht die Band wirklich sämtliche Register des atmosphärischen und progressiven Black Metals. Eiskalte Hagelschauer aus Stakkati münden in symphonische Arrangements, und melodische Passagen werden von finsteren Unwettern abgelöst. Jeder der fünf Phasen ist mit ihren eigenen passenden Motiven belegt, und steht für sich.

Ein Ohrenschmaus

Doch nicht nur das Songwriting sorgt für Freude beim Hören, auch Umsetzung, Aufnahme und Produktion sind absolut großartig. Der Wechsel von warmen auf kalte Klangfarben, die Betonung der jeweils vordergründigen Instrumente und der Gesamtmix sind erstklassig. Der Sound ist stets klar und präzise, und verstärkt zu jedem Zeitpunkt die gerade vorrangige Stimmung. DARK AFFLICTION haben wahrlich ein sehr starkes Debutalbum vorgelegt.

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Solid Rock PR zur Verfügung gestellt.

bandcamp Profil von DARK AFFLICTION

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In ihrer inzwischen fünfzehnjährigen Bandhistorie präsentieren DEFYING aus Olsztyn ihr drittes Album „Wadera“. Hierbei handelt es sich um ein Konzeptalbum, dessen Inspirationsquellen zum Einen die gleichnamige Kurzgeschichte von Jerzy Gierałtowski aus dem Jahr 1977, und zum anderen der Horrorfilm „The Wolf“ von 1988 waren. Der Albumname ist vom Begriff für Wölfin im Jagdjargon abgeleitet. In der dazugehörigen Geschichte spielt die Wölfin jedoch eher eine symbolische Rolle. Nämlich geht es hier um Rache, deren Reichweite weit über die Welt der Lebenden hinausgeht. Es ist eine romantische und gleichzeitig zutiefst düstere Geschichte von Vergeltung, die weder vor den Lebenden noch vor den Toten Halt macht.

Horror von der alten Schule

Handwerklich wollten DEFYING das Konzeptalbum von der rachesuchenden Wölfin möglichst authentisch umsetzen. Das Ziel war es, die Atmosphäre von den Pionieren der Horrorthematik einzufangen und zu vertonen. Mithilfe von Instrumenten, die schon über ein Jahrhundert alt sind wurde das Album eingespielt, um ebendiesen Vintage-Effekt möglichst stark umzusetzen. Hierbei wurde gänzlich auf moderne Plugins oder Samples verzichtet. Zur Untermalung der Atmosphäre hat Sänger und Gitarrist Piotr Stěpiński einige eigene Gedichte eingesprochen. Außerdem sind in den gesprochenen Passagen neben einem Auszug mehrere Texte vom Urvater des Horrors Edgar Allan Poe zu hören.

Der lange Weg zur Vergeltung

DEFYING erzählen die Geschichte von „Wadera“ ausführlich und verzichten weder musikalisch noch inhaltlich auf Details. Doch durch genau diese Eigenschaft ist das Album sehr lang geworden. Gigantische Konstrukte aus Post und Black Metal türmen sich in all ihrer Finsternis und Kälte auf, auf dass sie dann in progressiv-komplexer Umsetzung wieder dekonstruiert werden. Hier ist seitens der Zuhörenden ein langer Atem gefragt. Durch manche Passagen muss man sich wirklich etwas durchbeißen, um dann im nächsten Part wieder von der umfangreichen Eloquenz des Storytelling verwöhnt zu werden.

Und so ist „Wadera“ ein sehr anspruchsvolles Album, das sich durchzuhören lohnt, weil DEFYING hier wirklich mit Liebe zum Detail gearbeitet haben. Trotz aller musikalischer Finesse leidet vor allem der Spannungsbogen unter diesem Fokus auf Feinheiten.

Homepage von DEFYING

Das Promomaterial wurde uns mit freundlicher Unterstützung von Solid Rock PR zur Verfügung gestellt.

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Eine der wenigen, in der Popkultur regelmäßig verlässlich verwursteten Storys ist die, dass irgendeine Künstliche Intelligenz ein Eigenleben entwickelt und droht die Menschheit zu vernichten. Die Thematik kennen ältere Semester noch aus Filmen wie Matrix oder Terminator. Jüngere Semester haben zumindest schonmal mit irgendeinem KI Tool irgendeine absurde Bildcollage erstellt, aber von einem Bedrohungszenario durch KI sind wir noch weit entfernt. Oder!? Zumindest die Mainzer Progressive Metalcore-Band MONOSPHERE scheint KI eher weniger über den Weg zu trauen und hat dabei mit „Sentience“ ein dickes Brett abgeliefert, bei dem mehr Genres abwechselnd bedient werden, als auf dem Highfield Festival.

MENSCH GEGEN MASCHINE

Übersetzt man Sentience ins Deutsche erhält man soviel wie Empfindung. Rein inhaltlich wird dahingehend auf besagte KI abgestellt, die scheinbar ein eigenes Empfinden entwickelt und sich dabei aus der vorgegebenen Programmierung befreien will. Vielleicht ist das aber auch nur eine Metapher für Menschen, die aus ihrer sozialen Programmierung ausbrechen wollen? Oder es lässt sich wie bei der Matrix-Triologie eine Sowohl als auch Interpretation anführen, bei der sowohl eine KI die Menschheit als Energiequelle missbraucht und die Emanzipation der Menschen von dieser KI eben auch als Metapher für das Hinterfragen gesellschaftlicher Normen betrachtet werden kann? Nun, was genau uns die fünf Rheinland-Pfälzer sagen wollen – darüber kannst du dir ausführlich beim Empfinden der Musik Gedanken machen, wenn du dir die 54 Minuten der Platte gibst. „Sentience“ ist damit auch deutlich länger als das Vorgängeralbum „The Puppeteer“ von 2021.

ALLES FLIEßT ZUSAMMEN

Bei „Sentience“ lässt sich ohne weiteres sagen, dass der Genre-Stilbruch die Philosophie beim Songwriting gewesen sein muss. Doch von Chaos kann dabei keine Rede sein, da alle Genre und Instrumente harmonisch ineinandergreifen. Egal ob Akustikgitarre, Orgel oder Choreinlage – egal ob schnell oder gemütlich. Der energetische und düstere Post-Metal geht mit den Post Hardcore oder Jazzpassagen („Living Flame“) und derben Breakdowngewitter oder Deathcore Gutturals („Smoke & Wires“) Hand in Hand und der Sound rutscht dabei nie in die dissonante Mathcore-Schiene ab, etwa im Song „Human Disguise“. Musst also „leider“ weiterhin deine alten THE DILLINGER ESCAPE PLAN Scheiben hören. Besonders gut gefallen hat mir der Song „Ava“, der von der Songstruktur sehr an die Andorraner von PERSEFONE erinnert. MONOSPHERE verstehen es geschickt gesetzte Übergänge zwischen den Songs zu setzen, sodass ein stimmiges Gesamtbild die Gehörgänge massiert.

Der avantgardistische Anspruch der Mainzer lässt sich aber nicht nur an der harmonischen Gesamtwirkung ablesen, sondern auch an dem, was man in den einzelnen Genrephasen musikalisch durchlebt. Anders gesagt: es gelingt wenig Bands derart atmosphärisch düstere und heitere Momente zu kombinieren ohne das es nach 00er Myspace-Metalcore by Studioforce klingt. Während du in dem einen Moment noch akustisch auf einer jazzigen Dinnerparty entspannst, bist du im nächsten Moment im Auge eines den Himmel dunkelschwarz färbenden Herbststurms. Der Sound ist also sowohl technisch, kalt, brachial und dann auch wieder ruhig und sanftmütig. Los geht es mit „Preface“ – einem ruhig und Piano-untermalten Introsong, der nach vier Minuten in „Borderline Syndrom“ übergeht und sich hier die geballte Metalcore-Wut entlädt, begleitet von Synthklängen. Gleichzeitig wird eine durch Blastbeats, die an MENTAL CRUELTY erinnern, erzeugte Soundwand hochgezogen, die mit kräftigen Schouting und Leersaitensport gestützt wird. Nach weiteren drei Minuten ist man aber plötzlich auf besagter Dinnerparty. Muss aber ja auch so sein bei einer Band die sich im Progressive Metal angesiedelt hat.

Wenn Prog für dich Life ist, dann ist „Sentience“ für dich Pflicht!

• Als Gast für euch getippt: Dennis

monosphere.net

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FINTE sind eine vierköpfige Band, die ihren Namen wohl kaum hätten besser wählen können. So leichtfüßig und unschuldig kommt der Name erst daher, bis die Hörenden merken, dass sie geradewegs in ebenjene Finte hineingelaufen sind. Hinter dem geschickten Manöver schnappt die Falle zu und eine faustdicke Mischung aus lauter Musik, schweren Riffs und anspruchsvollen Strukturen schießt durch Gehörgänge und Körper. Vor fünf Jahren erschien die EP „Ignoranz und Illusion„, welche noch von einem sehr rauen Klang geprägt war. Seit 2020 haben die vier Hannoveraner nun am ersten Album gebastelt und geschraubt. Gewisse Verzögerungen bedingt durch die Pandemie sorgten für Aufschub, doch nun präsentieren FINTE endlich ihren neuen Sound: weiterentwickelt, reflektiert und mit mehr Weitblick überzeugt „Wie das Endliche treibt“.

Sanfte Wogen, scharfe Klippen

Oberflächlich betrachtet ist „Wie das Endliche treibt“ ein typisches Post-Genre Album. Die Bewegung der Musik kann mit aufgewühltem Wellengang verglichen werden, der zwischen Flaute und Sturmflut hin- und herpendelt. Doch genau hier finden wir auch schon die ersten Ausreißer aus dem Schema F. Anstatt in überschaubaren und erwartbaren Sinuskurven zwischen den Extremen zu schwingen, sorgen die Thema- und Tempowechsel immer wieder für schöne Überraschungen. Hier trifft die Post Hardcore Bewegung auf scharfkantigen Mathcore im Stile von THE NUMBER 12 LOOKS LIKE YOU oder dem Hannoveraner Trio THE HIRSCH EFFEKT.

Progressiv, gefühlvoll, brachial

Wahrlich ist die Musik von FINTE nicht unbedingt der Sound, mit dem man den ESC gewinnt. Überzeugen können die vier Musiker aus Niedersachsen dennoch auf ganzer Linie. So ist es ihnen mit dem Sound auf „Wie das Endliche treibt“ gelungen, aus dem Schatten der Stadtkameraden von THE HIRSCH EFFEKT zu treten. Deutlich eigenständiger und mehr nach FINTE denn je zuvor klingen FINTE hier. Erfrischend ist vor allem, dass das Quartett neue und eigene Elemente in den wilden Pool aus Prog Metal, Mathcore und Post Hardcore wirft. Da ist zunächst ein sehr atmosphärische Indie Rock-Einfluss mit starker Shoegaze-Note, welcher in den emotionalen Passagen auftaucht. Außerdem scheint auch das gegenwärtige Post Punk-Revival seine Spuren im Songwriting hinterlassen zu haben.

Ausbruch aus der ewigen Spirale

Nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch geht es auf „Wie das Endliche treibt“ darum, bekannte Muster aufzubrechen, sich aus ihnen herauszureißen, und dann doch wieder in neuen Spiralen zu landen. Es ist eine menschliche Eigenschaft, sich immer wieder nach Geborgenheit und verständlichen Abläufen zu orientieren. Diese Suche nach Befreiung aus den alten Kreisläufen, Brechen mit Konventionen und einem Zurückfallen in alte Muster wird hier in Texten, Thema und Kompositionen umgesetzt.

FINTE bescheren uns ein Album, das von vorne bis hinten durchdacht ist. Hier sitzt alles genau da, wo es sitzen soll. Jede Silbe, jeder Anschlag sind Teil eines in sich schlüssigen Gesamtwerkes. Der Spannungsbogen zieht sich in scharfkantig zerklüfteter Manier vom sanften Indie Pop Opener „Ende“ bis in die Black Metalleske Klimax des letzten Titels „Im Licht“. Dazwischen stauen sich aus gemächlichen Wogen gigantische Türme aus Wellen auf, die mit voller Kraft gegen spitze Felsen krachen oder sich in sich selbst ergießen.

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Instagramprofil von FINTE
Bandcampprofil von FINTE
YouTubekanal von FINTE

FINTE sind:
Steffen Feuerhake – Gesang und Bass
Christopher Pavenstädt – Gitarre und Gesang
Timur Nilitaş – Gitarre
Marvin Dreiwes – Schlagzeug.

Gäste auf „Wie das Endliche treibt“:
Simon Achsler – Saxofon in „Herbst“
Jochen Müller – zusätzliche Gitarre in „Herbst“

„Wie das Endliche treibt“ wurde in den Monkey Moon Recording Studios in Dortmund aufgenommen.

Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von FINTE zur Verfügung gestellt. Das Cover Artwork stammt von Philipp Zurmöhle.

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Im Jahr 2018 formierte sich die niederländische Band MYTH OF ORIGIN und bereits im folgenden Jahr erschien die erste EP „Rites of Passage“. Das Quintett hat es sich zur Aufgabe gemacht, leicht zugängliche Musik mit harten Klängen in Harmonie zu setzen. Überzeugt vom ersten Release setzten sich MYTH OF ORIGIN zusammen, um am ersten Album zu arbeiten. Zusammen mit Daan Janzig, der auch schon für MAIDEN UNITED oder MY FAVOURITE SCAR die Produktion in die Hand genommen hat, begannen 2021 die Aufnahmen für „Sane Asylum“. Knapp vierzig Minuten lang befassen sich MYTH OF ORIGIN mit Gegensätzen wie Licht und Dunkelheit, Gesundheit und Krankheit, Balance und Chaos.

Zwei Gesichter

Das Coverartwork von Designificance zeigt eindrucksvoll, welche Spannungen die Thematik von „Sane Asylum“ beschreibt. MYTH OF ORIGIN behandeln in acht kurzen Geschichten die Dualität aus Licht und Schatten. Einerseits wird die Seite des Lebens gezeigt, mit der man sich gerne in Szene setzt: die schöne und strukturierte Seite also. Auf der anderen Seite liegen Dunkelheit und Schatten, Chaos und Disharmonie. Es sind Dinge wie Depressionen, Traumata oder andere Dispositionen, die hier liegen: Seiten von uns selbst, die wir nur ungern präsentieren.

Aus der Mitte des Spannungsfeldes

Wie zwischen magnetischen Polen entsteht ein Spannungsfeld dessen Kraft sich MYTH OF ORIGIN widmen. So handeln die Lieder auf „Sane Asylum“ beispielsweise von Angst vor der Zukunft („Black Horizon“), Reue („My Darkest Hour“), Depressionen („Over the Edge“) oder innerer Leere („The Void“). Auch Abgründe menschlichen Handelns werden thematisiert. So geht es in „Gravity of this Matter“ um die Shoa und die Verbrechen der Deutschen im Nationalsozialismus. Das Lied „The Hunt“ handelt von Menschen, die zur Unterhaltung tödliche Jagd auf andere machen, und in „Screams in my Castle“ geht es um den amerikanischen Serienmörder H.H. Holmes. Außerdem wird in „Claim the Firstborn“ das Narrativ aus dem Märchen Rumpelstilzchen aufgegriffen.

Das Leben ist wie eine Schachtel Pralinen…

… manchmal erwischt man etwas Süßes, mal etwas Bitteres. So könnte das Fazit zu „Sane Asylum“ mit den Worten von Forrest Gump lauten. MYTH OF ORIGIN befassen sich offensichtlich mehr mit der dunklen Seite; sie machen den schwarzen Schwan zur Hauptfigur ihres Prog Metal-Schwanensees. So weit, so gut.
Musikalisch wird diese Inszenierung mit Prog Metal, viel Melodie und gelegentlichen symphonischen Einlagen zum Besten gegeben. Alles in allem schafft es „Sane Asylum“ aber nicht zu überzeugen. Die einzelnen musikalischen Elemente und Einflüsse interagieren nicht rund, und es entsteht kein Fluss.

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Das Bildmaterial wurde uns freundlicherweise von Hardlife Promotion zur Verfügung gestelllt.

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ANACHRONISM aus Lausanne im Schweizer Kanton Waadt existieren seit 2009. Von Anfang an wurde die ungebremste Energie der Band aus dem brodelnd heißen Cocktail aus unterschiedlichen musikalischen Einfluss gemixt. Die Künstler*innen, die hier zum Quartett zusammengefunden haben, bringen Prägungen aus Death Metal sowie auch Jazz und Prog mit. Der daraus resultierende Sound heißt im hauseigenen Jargon Dissonant Technical Death Metal und reicht von anspruchsvollen sowie hell schillernden Jazz Prog Einlagen bis zur knochenspaltenden Death Metal-Brachialgewalt. Viereinhalb Jahre nach Veröffentlichung des Albums „Orogeny“ erscheint nun der dritte Langspieler „Meanders“ – das erste ANACHRONISM Release bei Avantgarde Music, beziehungsweise deren Death Metal-Abteilung Unorthodox Emanations.

Kontraste, Prismen und Dialoge

„Meanders“ besteht aus acht Stücken: alle zwischen drei und fünfeinhalb Minuten lang, und jedes eine in sich abgeschlossene kleine sowie kontrastreiche Geschichte. Alben dieser Façon neigen oft zu wirrer Inkohärenz, die einen großen Teil des Hörspaßes vernichtet. ANACHRONISM aber ist es gelungen, diese Falle zu umgehen. Anstatt nach einem wild zusammengewürfelten Haufen an Einzelstücken erscheint „Meanders“ wie eine intelligent organisierte Sammlung von in sich geschlossenen Handlungen und Gedankengängen. Sängerin Lisa Voisard war hierbei für den Löwenanteil der Kompositionen zuständig; lediglich die Stücke „Prism“ und „Insula“ wurden von Manu Le Bé geschrieben, und „Macrocosm“ basiert auf einer Jam Session der Band.

Nadeln, Sägen und Abrissbirnen

Um den dissonanten Tec Death auf „Meanders“ zu beschreiben, passen die Worte brachial und intelligent am besten. Mit der Kraft einer Wagenladung Abrissbirnen trümmern die mächtigen Death Metal Passagen gewaltige Krater in die Erde. Wenn Lisa Voisard wie beispielsweise im Titeltrack die tiefen Growls gegen gelegentliche heisere Screams eintauscht, wird der infernale Charakter dieses Bildes umso intensiver. Was Tec, Prog und die Jazz-Einlagen angeht, schrauben sich intelligente Licks in frostige Höhen, um dann als gefrorene Nadeln auf die Trommelfelle der Hörer*innen herabzuschießen. Zwischen der gewaltigen Ambivalenz aus brutalen Schlägen und feinen Stichen arbeiten die dissonanten Motive mit scharfen Sägezähnen.

Täuschungen, Spiegelungen und Überraschungen

„Meanders“ steckt voller Überraschungen und schafft es zugleich, sich eingängig und nachhaltig im Gehör festzusetzen. ANACHRONISM überraschen ihre Hörer*innen durch geschickte Finten, spielen geschickt mit Erwartungshaltungen, und setzen immer wieder geschickte Wendungen ein. Was am progressiven Death Metal auf „Meanders“ vor allem für lang anhaltende Freude sorgt, ist die sympathische Art, auf die ANACHRONISM sich winden und wenden. Wo manche Prog, Art oder Tec Metal Acts mit fiesem Lachen im Gesicht die Hörer*innen in die Falle locken und voller Freude das Messer in den Rücken rammen, ist die Band aus Lausanne angenehmer unterwegs. Nach erfolgreicher Finte werden die Hörer*innen hier lächelnd bei der Hand genommen, damit der Hörgenuss trotz unerwarteter Wendung für alle einvernehmlich weitergehen kann.

Homepage von ANACHRONISM
bandcamp Profil von ANACHRONISM

Das Cover Artwork stammt von Adam Burke und wurde uns freundlicherweise von Metaversus PR zur Verfügung gestellt.

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Anfang letzten Jahres erst erschien das letzte Album der ARCHITECTS. „For Those That Wish To Exist“ hat dabei neue Wege beschritten und mich auf diesen leider auch nicht wirklich mitgenommen. Auch wenn ich musikalische Weiterentwicklung schätze und verstehe (als Beispiel: PARKWAY DRIVE), so klappt das eben leider nicht bei jeder Band auf ganzer Linie. Jedenfalls folgt bereits dieses Jahr das nächste Werk mit dem Titel „The Classic Symptoms Of A Broken Spirit“. Zwischen „F.T.T.W.T.E“ und „Holy Hell“ lagen immerhin 3 Jahre… 

AUF GLEICHEM KURS

Bei den Vorabsingles verhielt es sich bei mir genauso, wie beim Vorgänger: nicht alle wussten zu gefallen. Da ich kein Freund von Industrial Sounds ala RAMMSTEIN bin, fand ich besonders „Tear Gas“ fragwürdig. Dann erschien aber irgendwann „Deep Fake“, und das hat mich nun wieder aufhorchen lassen. Dieser Breakdown alleine schon lies mich hoffen, dass das Album wieder etwas mehr zu alter Stärke findet. Das kann ich nun nur bedingt bestätigen. Das liegt zum Einen daran, dass das Tempo auf Albumlänge erneut eher im mittleren Bereich angesiedelt ist, zum Anderen gibt es aber (besonders stimmlich) wieder einige Ausreißer zu den Wurzeln. Allen voran sollte da die aktuelle Single „A New Moral Low Ground“ erwähnt werden. Die Varianz von Sam’s Stimme ist abermals mehr als beeindruckend. Seine Screams sind einfach unverkennbar, und es ist wirklich eine Leistung, wie er diese mit den Cleans innerhalb von Millisekunden wechseln kann. Helm ab, Frau Mütze! 

Ansonsten finden sich auf Albumlänge hier und da schon noch einige Anspielungen auf „vergangene Zeiten“. Wer genau hinhört, entdeckt eventuell sogar ein Blegh! Auch die erneut geschickt eingebauten, elektronischen Spielereien fetzen. Nur irgendwie versprüht das nicht mehr den brachialen Charme, den die Band einst gepachtet hat. Mit „Be Very Afraid“ gibt es ganz am Ende zwar ein wirklich heftiges Brett, das aufgrund seiner Härte beinahe nicht zum Gesamtsound des Albums passt, aber Songs wie „All The Love In The World“ oder „Burn Down My House“ hätten gute Chancen, bald in einschlägigen Rockradios zu laufen. Nicht, dass ich das ablehnen würde, im Gegenteil, aber so richtig zünden können diese bei mir halt auch nicht. Es ist wie verhext, und fällt mir auch schwer, das alles einzuordnen. 

ICH BIN VERWIRRT…

Tja, was ist das nun? Metalcore? Nein, zumindest nicht im klassischen Sinne. Einfach nur Rockmusik? Auch nicht. Also sozusagen Progressive, oder eben Modern Metal. Nur in welcher Form lässt sich schwer beurteilen. Es gibt Breakdowns, die aber aufgrund der entsprechenden Titel und deren Tempo stellenweise auch deplatziert wirken können. „Deep Fake“ ist da eigentlich schon fast die Ausnahme. Das Songwriting, die Lyrics und besonders die Vocals können nach wie vor komplett überzeugen. Aber für mich reicht das leider nicht, um ein starkes Album abzuliefern. Auch auf Seiten der Melodien können mich nur vereinzelte Fetzen wirklich mitreißen. Es fehlt quasi bei allen Punkten noch der eine Schritt weiter, dieses gewisse Etwas, das sie eigentlich beherrschen. Alles sehr schade, wenn man bedenkt wie sehr ich „Holy Hell“ immernoch liebe. Prinzipiell ist „The Classic Symptoms Of A Broken Spirit“ ein solides Album. Aber vermutlich eher geeignet für Neuentdecker der ARCHITECTS, als für mich. Es bleibt leider kein Song wirklich in meinen Ohren hängen. 

www.architectsofficial.com

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Ich hatte es bereits beim Musicfriday #27 erwähnt, kürzlich bin ich durch einen Instapost von IN FLAMES-Sänger Anders über die Band VOLA gestolpert. Sozusagen habe ich mich influencen lassen. Die Einen eben Schminke und LEDs für die Kauleiste, die Anderen Musik.  Jedenfalls hatte mich die Band aus Dänemark/Schweden sofort in ihren Bann gezogen. Am 21. Mai erscheint mit „Witness“ nun ihr drittes Album, in das ich vorab reinhören durfte. 

NICHT VON DIESER WELT

Nachdem besagtes Influencing stattgefunden hat, hab ich mich zunächst durch die beiden vergangenen Alben gehört. Da war mir eigentlich schon klar, dass das zwar für meinen regulären Musikgeschmack irgendwie völlig untypisch ist, mich aber komplett gefangen nimmt. Größter Unterschied zu meinen Playlists: praktisch keine Screams oder sonstwie aggressive Parts. Stattdessen cleane Vocals und Melodien, die nicht von dieser Welt zu sein scheinen. Die aktuellen 4 Singles, allen voran „These Black Claws“ haben diese Faszination nochmals eine Stufe gehoben. Gerade weil dieser Song so kreativ und abwechslungsreich daherkommt und mit Shahmen einen Rap-Gastpart beinhaltet. Der Mann ist mir zwar völlig unbekannt, fügt sich in den Song aber durchaus stimmungsvoll ein. Was die Nummer aber besonders mitreißend macht, ist der nahezu epische Chorus, der den perfekten Kontrast bildet. Wer da nicht wenigstens große Augen macht, sollte wohl doch eher das Genre wechseln. 

Der blonde Mann, der hier so in die Kamera grinst, ist übrigens Frontmann und Sänger Asger. Seine Stimme verleiht jedem, der insgesamt 9 Songs eine weitere markante Note. Denn er hat eine Art zu singen, mit der er die Geschichten beinahe verträumt zum Leben erweckt. Apropos Geschichten, denn diese sind zentrales Thema auf „Witness“. Hier werden Charaktere erschaffen, die sich als Zeugen großer Veränderungen verstehen. Die Themen sind dazu weitreichend. Ich ziehe da filmische Bezüge, denn beim Hören der Musik fühle ich mich praktisch durchgängig in einer anderen Welt. Für mich stellt dieses Gefühl den Reiz von VOLA dar, denn auch auf den anderen zwei Alben bekomme ich diese Stimmung. Auf „Witness“ allerdings noch ausgefeilter und detailreicher als bisher.

Jeder einzelne Song punktet mit Sounds, Details und Melodien, die den Hörer auf die gewollte Reise mitnehmen. Das passiert meist mit starken Riffs und kräftigen Drums wie in „Napalm“, kann aber auch mal auf einer ganz ruhigen Ebene stattfinden, wie bei „Freak“. Dieses ist teilweise praktisch nur akustisch, steigert sich aber auch nochmal und spielt mit elektronischen Fetzen, die den Sound der Band generell ergänzen. Von den wunderschönen Gitarrensoli mal ganz abgesehen. Alles in allem kann ich den Stil von VOLA wirklich nicht genau einordnen, und das ist auch das Besondere. Was ich aber sagen kann: Wenn ich vom Sound einer Band so gefangen genommen werde, kann ich auch gut und gern auf Screams und Breakdowns verzichten, das ist im wahrsten Sinne des Wortes ganz großes Kino! 

Und weil „These Black Claws“ schon im Musicfriday war, und es praktisch vollkommen egal ist, welchen Song ich jetzt hier hin stelle, gibt es jetzt „Straight Lines“. Auch weil es mich persönlich noch zusätzlich durch das Video berührt:

Danke an Euroblast für den freundlichen Kontakt! 

VOLA

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VOLA-Interview beim Euroblast

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Einige Runden hat sie auf meinem virtuellen Plattenteller schon drehen dürfen: die brandneue EP von den Post-Rock-Pionieren LONG DISTANCE CALLING namens „Ghost“, die gestern ihren Release feierte. Mein Eindruck: „Ghost“ ist eine (lange!) bunte, elektronisch/postige Jamsession, die mich zwar irgendwie nicht so richtig mitreißt, sich aber wunderbar als entspannende „Homeofficemusik“ eignet.

LDCs letztes Album „How Do We Want To Live?“ (VÖ: 26.06.2020, ~53 Min., 10 Songs) kam bei ihren Hörer:innen sehr gut an und landete sogar auf Platz 7 der deutschen Albumcharts! Sicher werden sich daher viele von euch das gleiche fragen wie ich: Ist „Ghost“ eine Fortsetzung? Ein Nachfolger? Weder noch!

Es handelt sich um eine Jam EP, für die sich die vier Musiker in einem abgelegenen Landhaus drei Tage lang eingeschlossen haben, um sich Ideen zuzuwerfen und daraus Songs entstehen zu lassen. Und das höre ich auch heraus. Dass die EP live eingespielt wurde – ohne Overdubs, ohne Editing, hingegen nicht. Denn die Soundqualität ist wie von LDC (und allgemein Post-Rock) gewohnt hoch und klar. Es wechseln sich ruhigere, melancholisch anmutende Parts mit schnellen, marschierenden ebenso ab, wie elektronische Parts mit klassischem metal-riffing. So erkenne ich etwa bei Track 4 „Seance“ erst ab der Hälfte seiner Spielzeit überhaupt, dass ich gerade eine „Rock“-Band höre. Doch wie gewohnt steigert sich jeder Song auf seine Weise immer weiter, um sich nach seinem jeweiligen Höhepunkt wieder zu beruhigen. Mein Lieblingstrack ist der letzte auf der EP – „Negative Is The New Positive“ – vermutlich, weil mich das Riffing ab Minute 2 irgendwie an AMENRA erinnert.

Die Jamsession schien für alle Beteiligten eine angenehme Abwechslung zur Tristesse der Pandemie zu sein, denn mit 6 Songs und einer Gesamtspielzeit von 33 Minuten fehlt nicht viel zu dem, was ich als Hörer als „Album“ wahrnehme. Finanziert wurde die auf dem bandeigenen Label „Avoid The Light Records“ veröffentlichte EP übrigens durch eine Crowdfunding-Kampagne der Band infolge der ausgefallenen Release-Shows für „How Do We Want To Live?“. Da diese ausgezeichnet lief, wollte die Band ihren Fans etwas zurückgeben, statt nur herumzusitzen – sehr freundlich!

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